Name: I am a Mermaid
Start: 2020-1-25T11-11-00-00
End: 2020-2-3T19-19-00-00
Location: Galerie Charraudeau

31 octobre 2018

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sam25jan(jan 25)11 h 00 minlun03fev(fev 3)19 h 00 minI am a MermaidAlice RosatiGalerie Charraudeau, 3/4 Rue Bonaparte, 75006 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

dim15déc10 h 00 min2020dim15mar18 h 00 minFrondaisons, la Fabrique de l’image d'un maquis de l'ArgoatSophie ZénonMusée de la Résistance en Argoat, L’Etang Neuf - 22480 Saint-ConnanType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Sophie Zénon a arpenté le bois de Coat-Mallouen où, en juillet 1944, 250 jeunes épris de liberté ont vécu dans la clandestinité. Tourné en 1945 à la Libération, un film exceptionnel réalisé par le photographe Anselme Delattre et son fils Guy alors âgé de 14 ans, reconstitue la vie de ce maquis et fait rejouer aux maquisards leur propre rôle. S’appuyant sur ces archives inédites, l’artiste s’interroge sur les images véhiculées par la Résistance en 1945. Pourquoi ce film ? Pourquoi en 1945 ? Quels sont les enjeux d’une telle reconstitution ?

Cette exposition est la restitution d’une résidence de création menée à l’invitation du Pôle et du Musée de la Résistance en Argoat (Côtes d’Armor), en partenariat avec la galerie L’Imagerie (Lannion) – membre du réseau ACB – et la Cinémathèque de Bretagne.
Elle est soutenue financièrement par la Région et la DRAC Bretagne, la CCKB, le Département et l’association AGPAMEN / Pôle de l’Etang Neuf.
Merci à l’Abbaye de Coat-Mallouen, à Rolland Savidan, à Fabrice Grenard, directeur historique de la Fondation de la Résistance (Paris) et à l’association Diaphane (Clermont-de-l’Oise) pour leur aimable collaboration.

LE CONTEXTE
L’Etang Neuf se situe au coeur de l’Argoat, sur la commune de Saint Connan dans les Côtes d’Armor, aux sources du Trieux.
En 1143, des moines cisterciens bâtissent une abbaye dans le bois de Coat-Mallouen jouxtant la berge sud de l’étang et dont il subsiste aujourd’hui des ruines. Ce site est choisi en 1944 par la résistance guingampaise pour établir un maquis, véritable camp retranché sous le nom de maquis de Plésidy-Saint Connan.
Le maquis est constitué de plus de 300 hommes dont la moyenne d’âge est de 22 ans, et dont beaucoup sont des lycéens venus de Guingamp. Il est organisé militairement par les dirigeants locaux de l’Armée secrète, G. Lecun et M. Branchoux. Il connaît une vie comparable à celle menée à la caserne : lever des couleurs, sport, instructions, corvée, aménagement des emplacements de combat. Le camp de base installé dans la forêt est idéal pour mener des embuscades contre l’occupant.
Le maquis affronte les troupes d’occupation lors des combats du 27 juillet 1944 puis participe à la Libération de Guingamp et de sa région.
Aujourd’hui, au bord de l’Etang de Saint Connan, un musée raconte cette histoire restée longtemps méconnue au niveau national. L’occupation, les résistances, les maquis et leurs alliés, le maquis de Plésidy à Saint-Connan, la Libération, sont autant de thèmes abordés au sein d’un parcours de visite laissant une large place à l’audiovisuel.

DES ARCHIVES EXCEPTIONNELLES
Au musée, parmi les nombreuses archives photographiques, objets et témoignages, on peut voir un extrait d’un film datant de 1945. Ce film, longtemps resté dans les archives familiales et aujourd’hui déposé à la Cinémathèque de Bretagne (Brest), est le fruit du photographe Anselme et de son fils Guy Delattre, âgé de 14 ans en 1945 et qui fera par la suite une prestigieuse carrière dans le cinéma.
Le 7 août 1944, muni de l’appareil photo et de la caméra de son père, il photographie la Libération de Guingamps. Il a alors 13 ans. En août 1945, père et fils font reconstituer aux maquisards les combats de la Libération. Dans le bois de Coat-Mallouen les maquisards jouent leur propre rôle, d’autres celui des Allemands. On y voit la vie quotidienne à Coat-Mallouen – scènes de repas, de bains dans la cascade – et une reconstitution du désormais célèbre combat du 27 juillet 1944 où plus de 150 Allemands ont été anéantis par les maquisards.
Les reconstitutions après-guerre ont été nombreuses, organisées pour la plupart par les institutions, les cadres militaires.
Ce qui est unique ici, ce sont ces images tournées par des civils, un photographe, Anselme Delattre, assisté de son fils Guy, un adolescent de 14 ans. On lit sur les visages une joie, un enthousiasme qui contrastent avec la réalité des conditions de vie dans le maquis vécues une année auparavant. Dans ces visages, on peut lire ce qui animera toute une génération : le désir d’une vie autre, d’une liberté, une forme d’utopie, un « mai 68 de la résistance ».

UNE EXPOSITION PHOTOGRAPHIES ET VIDEOS
Suite à son récent travail sur le Hartmannswillerkopf (HWK), site vosgien de la première guerre mondiale «(« Pour vivre ici », livre d’artiste publié aux éditions LOCO en avril 2019), et à son intervention à un colloque au musée de l’Armée en décembre 2017 sur le thème «Les lieux de mémoire face aux enjeux de la société contemporaine », le Musée de la Résistance en Argoat a invité Sophie Zénon à réaliser une recherche artistique et à mener un atelier pédagogique sur ce haut lieu de la résistance bretonne.
A mi-chemin entre recherches documentaires et esthétiques, ce travail propose une interprétation plastique du lieu à partir de sa forêt et une exploration des archives Delattre.
Par couches successives, dans des images mêlant prises de vues en forêt, photogrammes et projections, Sophie Zénon fabrique et scénographie un paysage mémoriel dans lequel les corps sont des spectres, porteurs d’enjeux historiques et politiques. De ses évocations puissantes naissent des archives poétiques d’une histoire contemporaine.

Dans une vidéo de création, Sophie Zénon opère à une vertigineuse plongée dans le film Delattre. Recadrages au plus près des visages, solarisations, superpositions, elle se livre à un montage expérimental où dans des séquences d’apparition et de disparition des visages, elle fouille au plus près de ce que l’image peut nous révéler.
Dans une seconde vidéo, Fabrice Grenard, directeur historique de la Fondation de la Résistance à Paris, décrypte le film Delattre et offre, à partir de morceaux choisis, quelques clefs pour sa compréhension.

Dates

Décembre 15 (Dimanche) 10 h 00 min - Mars 15 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Musée de la Résistance en Argoat

L’Etang Neuf - 22480 Saint-Connan

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jeu12déc(déc 12)14 h 30 min2020sam29fev(fev 29)19 h 00 minMénilmontantPhilippe DurandLe Bleu du Ciel - Centre de photographie et d'image contemporaine, 12, rue des fantasques 69001 LyonType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Dans la suite de ses travaux urbains sur les automobiles, les vitrines ou les affichages publicitaires, Philippe Durand s’est attaché une nouvelle fois à dénicher et décrypter les reflets de la rue au cours de ses promenades dans le quartier de Ménilmontant à Paris. À l’aide de double expositions, il immerge le public dans un monde de couleurs et de transparences, qui oblige le spectateur à s’interroger sur ce qu’il aborde, puis voit avant de s’abandonner à cette dérive, presque délicieuse, du regard.

Ses images aux allures et cadrages soignés d’une esthétique implacable, d’un abord difficile et évident en même temps, renvoient parfois à une imagerie exotique, parfois à des accents surréalistes de paysages psychédéliques ou hypnotiques, ou à certaines toiles de Pollock, qui forcent à accommoder la vision. Se reprendre et s’abandonner… Le végétal et particulièrement les fleurs se marient aux verres qu’elles traversent, aux phares des carrosseries qui l’attirent car producteurs de faisceaux éteints pendant le jour, et troublent les perspectives et les différents plans d’interférences entre eux. Ces vitrines, ces matières qui fleurent bon des parfums distanciés avec presque la sensation d’un toucher d’étoffes déroulées sur une toile plane, tous ces espaces aventurés dans la transparence rassemblée, nous rassasient et nous ramènent au mystère de la réalité re-présentée à nos yeux.

Dates

Décembre 12 (Jeudi) 14 h 30 min - Février 29 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Le Bleu du Ciel - Centre de photographie et d'image contemporaine

12, rue des fantasques 69001 Lyon

Le Bleu du Ciel - Centre de photographie et d'image contemporaine12, rue des fantasques 69001 LyonOuverture du mercredi au samedi de 14h30 à 19h Entrée gratuite

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sam14sep(sep 14)14 h 00 min2020dim23fev(fev 23)18 h 00 minMythologies des dieux et des hommesJoel-Peter WitkinLa Chapelle Art Contemporain, Impasse de l’Abbaye 78120 Clairefontaine-en-YvelinesType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

A l’occasion des 80 ans du photographe Joel-Peter Witkin, La Chapelle est heureuse de présenter l’exposition « Mythologies des dieux et des hommes » qui réunira près de 100 photographies et dessins de l’artiste sur ce thème central dans son travail.
Il y a chez Joel-Peter Witkin une persistance du mythe, celui que l’on rêve, celui que l’on craint, celui que l’on respecte, le mythe religieux, le mythe des grecs et des romains, le mythe que l’on fabrique.
En regardant les thèmes de notre société moderne à travers les références à la mythologie, Witkin lui permet d’accéder à la frontière du sacré.
A travers ce prisme, ses obsessions comme la ritualisation, la sexualité, la souffrance, la passion, la mort revêtent alors une dimension quasi irréelle.
Joel-Peter Witkin s’intéresse aux oubliés, aux âmes abimées, aux corps démembrés et déformés, puis il les met en scène de manière sublimée, au-delà de ce que l’on voit.
En revisitant les thèmes et les grand maîtres de l’histoire de l’art, en utilisant son histoire, les mythes et la religion, il crée un univers bien à lui, fruit d’une réflexion nourrie par ses propres croyances, sa vie, sa culture.
Sa mise en scène réfléchie est travaillée en amont de la photographie par de multiples étapes de dessins et de collages puis au moment du tirage qu’il réalise lui-même avec la même minutie et exigence du détail.
Il nous révèle ainsi une image bouleversante, dérangeante parfois, déclenchant une interrogation sur ce que nous percevons et que notre inconscient nous dicte. Joel-Peter Witkin pousse notre esprit à sortir du simple regard et à voir au-delà de ce que nous connaissons.
Tour à tour provocateur, dénonciateur, poète, témoin, mais toujours créateur, Witkin nous offre une oeuvre qui nous pousse vers un inconnu où il n’y a plus de frontière entre le réel et l’irréel.
Notre oeil est renversé, nos références bousculées, la beauté se dévoile derrière une apparente cruauté, la vie se mélange à l’au-delà. Il n’y a plus de vérité confortable mais un monde empreint d’une poésie singulière, qui dérange nos croyances et bouleverse notre coeur et notre âme.
Cette exposition permettra de mieux comprendre le processus créatif de l’artiste à travers les dessins préparatoires à la photographie et des documents vidéos, mais aussi à travers cette confrontation du profane et du sacré, du mythe et du vécu, d’un artiste qui ne peut laisser quiconque sans réaction.

Dates

Septembre 14 (Samedi) 14 h 00 min - Février 23 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

La Chapelle Art Contemporain

Impasse de l’Abbaye 78120 Clairefontaine-en-Yvelines

La Chapelle Art ContemporainImpasse de l’Abbaye 78120 Clairefontaine-en-YvelinesExposition ouverte les samedi, dimanche et jours fériés de 14h à 18h

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sam25jan(jan 25)10 h 30 minsam22fev(fev 22)19 h 00 minMasafumi Maita & Masaki NakayamaGalerie Christophe Gaillard, 5 rue Chapon 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Après une première exposition collective consacrée à la photographie conceptuelle japonaise des années 1970, la Galerie Christophe Gaillard est heureuse de présenter, pour deux expositions personnelles inédites en France depuis les années 1980, l’œuvre de Masafumi Maita et celle de Masaki Nakayama.

MAITA

Artiste pionnier de la scène conceptuelle japonaise des années 1970, Masafumi MAITA (1944 – 2009) imagine des dispositifs qui interrogent le rôle de l’image et les limites de la représentation du réel par la photographie. Maita joue des écarts et des variations entre le sujet naturel et contemplatif qu’il photographie, le réel qu’il enregistre (vues de forêts, de plages et de montagnes vierges de toute présence humaine) et l’opération sérielle et arbitraire qu’il répète sur l’image.

En 9 clichés, l’ensemble Flow (1976) le met ainsi en scène face à l’océan, placé au centre d’un rectangle tracé au sol, déclinant les étapes de la torsion méthodique d’une tige de plomb. Selon un protocole défini au préalable, l’œuvre propose une forme d’inventaire de gestes et de possibilités d’inscriptions du corps dans l’espace. La photographie enregistre et narre une performance : elle s’inscrit dans une temporalité nouvelle.

« L’essentiel de son œuvre est la conscience du temps » écrit le critique japonais Yusuke Nakahra. Avec la série Sans titre (1979) de paysages en noir et blanc marqués par la main de l’artiste, Maita accentue les phénomènes de décalages. Décalage entre le paysage et les formes géométriques simples, triangle, cercle et carré tracés en pointillés sur le négatif, entre la chose vue et le regard que nous portons sur elle. Décalage entre deux temporalités, celle du réel qui a été capturé et du geste, toujours actif, qui altère l’image.

Maita a développé ces recherches dans des installations, y introduisant des objets puis des sculptures, en dialogue avec ses photographies. « Dans l’espace, écrit Yusuke Nakahra, l’image photographiée et l’objet réel ont l’air de s’inscrire dans une continuité, mais on a l’impression de faire face à deux temporalités – l’une au présent, l’autre au passé. Les objets réels renvoient toujours au présent, l’image au passé. (…) Cette différence est décisive. En combinant la photo et les objets réels, l’artiste rend notre conscience du temps vivante. (…) C’est la différence entre la perception et la mémoire. L’artiste travaille en fait avec deux éléments : la perception et la mémoire[1]. »

NAKAYAMA

D’abord sculpteur travaillant le bois, Masaki NAKAYAMA (1945) n’a eu de cesse depuis les années 1970 d’associer dans ses installations l’action de son propre corps, son enregistrement par la photographie ou le dessin et leur confrontation à l’objet. Avec la grande série Body Scale, qu’il commence dans les années 1970 et qu’il continue de renouveler, Nakayama tente d’approcher le monde en prenant son corps comme échelle décisive. Usant d’un vocabulaire de formes géométriques simples et prenant le corps comme outil premier dans ses dispositifs, l’artiste japonais s’inscrit dans la lignée des figures majeures de la scène artistique internationale de sa génération, tels Bruce Naumann et ses Wall-Floor positions (1968) aux Etats-Unis ou Franz Erhard Walther en Allemagne dans les années 1960.

« Il y a plus de 40 ans que j’ai commencé mes travaux sur l’échelle corporelle, qui utilisent le corps humain a leur sujet. Bien que ces œuvres aient des sous-titres différents, le thème fondamental est resté inchangé et je continue à créer des œuvres sur ce thème aujourd’hui. Ces œuvres ne sont pas préoccupées par la structure ou la taille du corps humain, et ne sont pas non plus fondées sur une quelconque » théorie du corps » philosophique. Ce sont simplement des éléments qui ont été accessoires à un ensemble composite. (…) Par exemple, ce qui se trouve entre l’espace réel de mon corps actif et l’espace réel de ce qui est capturé dans mes photographies n’est pas une distance, mais l’écart entre des existences qui se chevauchent dans un espace à plusieurs couches. C’est ainsi qu’une relation mutuellement harmonieuse est née. C’est là que se trouve ma perspective. C’est, en d’autres termes, à ce concept d’espace multicouche de l’être humain que je me réfère avec mon titre « Body Scale[2] ». (Masaki Nakayama)

BIO

Masafumi MAITA (1944 – 2009) est né en Mandchourie (Chine), il a étudié à Paris (1971 – 1973) puis a vécu et travaillé au Japon. Photographe, il questionne et réinvente son medium, en dialogue avec l’objet puis la sculpture à partir des années 1970. Son œuvre a été exposée dans le monde entier, en particulier aux Biennales de Venise de 1976 et 1986. Ses œuvres sont conservées dans de nombreuses collections publiques notamment au Japon (The Utsukusi-ga-hara open-Air Museum, Nagano ; Open-Air Museum of Sculpture, Ube ; Museum of Modern Art, Kamakura ; Museum of Modern Art, Toyama ; Yokosuka Museum of Art, Kanagawa, etc.), en France (Centre National des Arts Plastiques, Paris ; Musée d’Art Moderne de la Ville, Paris ; Musée d’Art Moderne et Contemporain, Strasbourg ; Musée Cantini, Marseille ; FRAC Champagne-Ardenne), en Italie (MuSaBa, Parco Museo Santa Barbara, Mammola) et aux Etats-Unis (Museum of Fine Arts, Houston ; The State Foundation on Culture and the Arts, Hawaii).

Masaki NAKAYAMA est né en 1945 à Kofu au Japon, où il vit et travaille actuellement. Sculpteur de formation, Nakayama est diplômé de l’Ecole de Komagome à Tokyo. Dans ses installations et ses photographies, il utilise son propre corps comme échelle décisive de son travail. Ses œuvres ont principalement été exposées au Japon, en France, en Pologne et en République Tchèque. Elles sont conservées au Japon au Yamanashi Prefectural Museum of Art (Kofu), au Yokohama Civic Art Gallery (Kanagawa) ainsi qu’au Urawa Art Museum.

En collaboration avec Yumiko Chiba Associates (Tokyo, Japon).

Dates

Janvier 25 (Samedi) 10 h 30 min - Février 22 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Christophe Gaillard

5 rue Chapon 75003 Paris

Galerie Christophe Gaillard5 rue Chapon 75003 ParisDu mardi au vendredi 10h30-12h30 14h-19h et le samedi 12h-19h

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