Name: Ausencia
Start: 2020-1-25T14-14-00-00
End: 2020-2-22T19-19-00-00
Location: Photo12 Galerie

novembre 2018

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sam25jan(jan 25)14 h 00 minsam22fev(fev 22)19 h 00 minAusenciaManuel CohenPhoto12 Galerie, 14 rue des Jardins Saint-Paul 75004 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Manuel Cohen a photographié les rues de Tortosa, en Catalogne, pendant trois ans. Dans cette ville oubliée où les immeubles s’effondrent quotidiennement sans que les politiques locaux ne réagissent, le photographe français a voulu symboliser l’absence. Il parcourt les lieux de manière méthodique et superpose ensuite deux prises de vues qui, ensemble, racontent une histoire.
En créant de nouvelles perspectives, de nouvelles lignes et avec de nouvelles couleurs, Manuel Cohen nous confronte au manque et à la notion de temps.

« L’absence en général me touche beaucoup, pas seulement celle des gens. L’absence de ce qui a existé et qui n’est plus face à ce qui est toujours là, mais avec lequel vous ne pouvez pas interagir.
Dans ces maisons vides, je sens la vie des gens qui vivaient, leur heur et leur perte, je vois leurs empreintes et ce qu’ils ont laissé.
Je m’arrête, j’observe ; je peux remonter le temps et communiquer avec le passé. Il est important, c’est lui permet de construire l’avenir. Et la photographie est un merveilleux instrument pour le capturer.»
Manuel Cohen

Dates

Janvier 25 (Samedi) 14 h 00 min - Février 22 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Photo12 Galerie

14 rue des Jardins Saint-Paul 75004 Paris

Photo12 Galerie14 rue des Jardins Saint-Paul 75004 ParisLa galerie est ouverte du mardi au vendredi de 14 h à 19 h, le samedi de 12h à 19h, et sur rendez-vous. Fermeture en Août

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sam25jan(jan 25)10 h 00 mindim10mai(mai 10)18 h 00 minGalerie du SoirMathieu Van AsscheLe Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles, 11 Avenue Paul Pastur, 6032 Mont-sur-Marchienne, BelgiqueType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Dans le cadre de leur partenariat, Le Soir et le Musée de la Photographie ont lancé la Galerie du Soir. Parallèlement à chaque nouvelle grande exposition du Musée, la Galerie du Soir présente un jeune artiste à découvrir.
Un pari sur l´avenir décliné en quatre volets : un accrochage réduit mais significatif au Musée, un portfolio dans la revue Photographie ouverte, une présentation du photographe dans les pages du Soir et une sélection de son travail sur le site www.lesoir.be.
Pour cette nouvelle édition de la Galerie du Soir, notre choix s´est porté sur Mathieu Van Assche.
« A la base , explique Mathieu Van Assche, « je viens du monde de l’illustration ». Né en 1980, ce graphiste de profession arrive à la photographie par le biais de la gravure. « Comme tout le monde je faisais des photos de vacances mais je n’avais aucune ambition dans ce domaine. Un jour, je suis allé au Carnaval sauvage (carnaval urbain alternatif : ndlr) dont une copine m’avait parlé. J’avais un petit appareil et j’ai commencé à prendre des photos en me disant qu’il y avait là une bonne matière pour la gravure.»
A force d’avoir ces photographies sous les yeux, il décide de s’en servir directement pour les transférer sur plaque de cuivre et réaliser d’autres gravures. Tout en intervenant sur l’image. « Je voulais faire disparaître toute présence humaine, avoir uniquement les masques.
Donc je redessinais sur les visages puis je réimprimais et ainsi de suite. »
Petit à petit, photo et gravure changent de statut. « La gravure est devenue un simple moyen d’impression et plus mon but final. Par contre, les « accidents » qui surgissent toujours en gravure ajoutent de la matière, un petit supplément d’âme. »
Aujourd’hui, Mathieu Van Assche continue à pratiquer l’illustration, le graphisme, la photographie, mêlant souvent les diverses disciplines. Mais en ce qui concerne la photo, il a redécouvert les plaisirs de l’argentique.
« Pour tout ce qui touche au carnaval ou aux photos de rue, j’aime bien travailler à l’argentique, avec de petits appareils compacts qui tiennent dans la poche. Car il y a, une fois encore, cette notion d’accident. Puis cette attente avant de découvrir le résultat. Et l’obligation de choisir, l’impossibilité de mitrailler à tout-va comme avec la photo numérique. Ne pas avoir tout, tout de suite, j’aime assez cette situation. »
A travers le Carnaval sauvage mais aussi les photos anciennes sur lesquelles il dessine, il explore différentes facettes du masque. « Ce que j’appelle les « photos sabotées », ça date d’il y a longtemps. J’en avais fait quelques-unes juste pour moi, pour m’amuser. Des photos anciennes trouvées sur le marché aux puces du Jeu de Balle. Je les ai ressorties il y a deux ans pour une petite expo et j’ai décidé de poursuivre la série.
Je leur crée des masques en fonction de l’image, de mon humeur, de toutes les choses que j’ai vues… En travaillant toujours sur les originaux pour leur redonner une seconde vie. Si je ne les transformais pas, ces images finiraient à la poubelle ou dans le meilleur des cas chez un collectionneur. »
Avec le Carnaval sauvage, il est entré au coeur de cette passion du masque. « La première fois que j’ai suivi le Carnaval sauvage, c’était en spectateur. Maintenant, je participe également. Le fait d’être masqué me permet de vivre les choses de l’intérieur, d’avoir un contact beaucoup plus direct. »
Si le masque est au coeur de son travail actuel, cela ne résulte pourtant pas d’une volonté délibérée. « Je ne me suis pas dit : je vais travailler sur le masque. A la base, c’est une esthétique que j’aime. En peinture, j’admire Bosch, Brueghel… On retrouve ça dans le Carnaval sauvage et dans d’autres manifestations du même type. Au fil du temps, j’ai lu énormément sur le sujet à travers le monde : masques africains, japonais, chinois… Ce sont des choses qui m’attirent esthétiquement et, finalement, je crée petit à petit un univers cohérent avec des liens entre tout ce que je fais : les monstres, les esprits, les masques, le côté fête païenne… »
Et quand on lui demande, souvent, ce qu’il fait exactement, il répond : « Je fais des images. Et pour moi, une photo est une image au même titre qu’une illustration ou une gravure. C’est la même démarche : susciter des réactions à travers une création spontanée. Je ne cherche pas à délivrer un message. Par contre, ça m’intéresse de voir comment les gens interprètent les choses. Ce sont ceux qui regardent une image qui la font vivre en lui donnant parfois un sens auquel je n’ai pas du tout pensé. »
Jean-Marie Wynants

Dates

Janvier 25 (Samedi) 10 h 00 min - Mai 10 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Le Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles

11 Avenue Paul Pastur, 6032 Mont-sur-Marchienne, Belgique

Le Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles11 Avenue Paul Pastur, 6032 Mont-sur-Marchienne, BelgiqueLe musée est ouvert du mardi au dimanche, de 10h à 18h

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jeu23jan(jan 23)9 h 00 minsam04avr(avr 4)18 h 00 minRuines particulairesThibault BrunetLa Capsule, Centre culturel André Malraux, 10, avenue Francis de Pressensé 93350 Le BourgetType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Thibault Brunet pratique une forme de ralentissement en prenant le temps d’assembler les images de lieux dont on ne sait plus très bien s’ils existent encore en l’état où il nous les présente. Usant d’un procédé de photogrammétrie, l’artiste se saisit des regards d’autrui en observant des territoires en ruine avec la plus grande des attentions. Il explore ses représentations tridimensionnelles qui sont la somme des images glanées en ligne quand ce ne sont pas elles, sérendipité oblige, qui se sont imposées à lui. Les scrutant sous tous les angles de vue possibles, il n’en privilégie qu’un seul par image.

Ses images de particules aux infinies variations échappent aux catégories car elles ne sont plus véritablement de nature photographique.

Les ruines de Thibault Brunet sont inévitablement susceptibles de retourner là d’où elles proviennent. C’est-à-dire au sein du flux circulant de centres de données en navigateurs Internet. Elles pourraient, un jour peut-être, croiser celles dont elles sont les conséquences par la fusion comme elles pourraient tout autant croiser les regards de celles ou ceux qui, pratiquant la guerre, la communication, l’information ou le tourisme ont capturé tant de scènes au Moyen Orient. C’est pourquoi les ruines de Thibault Brunet nous sont si familières.

Extrait du texte de Dominique Moulon pour La Capsule et la Biennale Némo.

Les vues de la série ont été réalisées à partir des vidéos proposées par le navigateur YouTube, Thibault Brunet les a triées afin de ne retenir que celles provenant d’organes de presse, traduites en JPEG, puis modélisées en 3D. La « boîte noire » du logiciel code le réel en données chiffrées et agence les ruines d’Alep ou de Damas sous la forme d’un monde-maquette, à mi-chemin entre le jeu vidéo et la restitution muséographique. Ces miniatures paraissent tout à la fois déréalisées et, paradoxalement, recorporalisées par la simulation. L’objet semble circonscrit par une enveloppe charnelle, dont la couleur sable des briques et les parpaings gris-bleus des bâtiments évoquent une peau meurtrie. Ces membranes quasi organiques et closes sur elles-mêmes recouvrent dès lors leur fonction de boîtes noires, en conservant la trace mémorielle des désastres de la guerre.

Extrait du texte de Marion Zilio « De la kill-box à la boite noire »

Dates

Janvier 23 (Jeudi) 9 h 00 min - Avril 4 (Samedi) 18 h 00 min

Lieu

La Capsule, Centre culturel André Malraux

10, avenue Francis de Pressensé 93350 Le Bourget

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sam25jan(jan 25)10 h 00 mindim10mai(mai 10)18 h 00 minMy AmericaDiana MatarLe Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles, 11 Avenue Paul Pastur, 6032 Mont-sur-Marchienne, BelgiqueType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

À la fin de l’année 2015, la photographe Diana Matar entreprend de rechercher aux USA les endroits où la police a tué des civils. Elle réalise des cartes détaillées dans son studio et compile des informations sur chaque cas mortel de violence policière survenu les deux années précédentes. Diana Matar consacre alors deux ans à sillonner les routes et photographier la plupart des 2 200 sites où ces meurtres ont eu lieu. « Je travaille dans une certaine histoire de la photographie qui revient aux lieux où les choses sont survenues, – un genre qui se concentre généralement sur des faits de guerre ou des injustices – je l’utilise cependant pour enregistrer le phénomène constant de la violence policière qui contamine l’Amérique. »
Travaillant en ce genre du paysage et de la photographie documentaire, My America est une paisible mais glaciale critique de l’Amérique contemporaine. En photographiant plus de 300 endroits où des officiers de police ont tué des citoyens américains, Diana Matar a instauré un langage photographique opportun autant que critique sur les brutalités policières, ses photographies mettent constamment l’accent sur le déclin de la structure sociale du pays.
Bien que ses photographies soient d’un style plutôt classique, elle n’utilise pourtant qu’un iPhone. Ainsi elle l’explique : « Nous ne saurions rien des meurtres policiers sans les smartphones. Les gens ont commencé à les utiliser pour documenter les injustices et les partager sur le web. J’ai pensé qu’il était important d’user de la même technologie en réalisant ces images immobiles. »
Ce n’est pas la première fois que Matar réalise une série importante relative aux lieux de violence. En son précédent travail, Evidence 2014, qui fut présenté à la Tate Modern, au Museum of Contemporary Photography de Chicago à l’Institut du Monde Arabe, et en six autres institutions internationales, Diana Matar a consacré quelques années à se concentrer sur les paysages et les immeubles d’enfermements extra-judiciaires, kidnappings et meurtres menés par le régime de Kadhafi en Lybie. En réponse à la disparition de son beau-père dans ces circonstances, Matar a documenté les espaces où ces violations ont été perpétrées contre une nation tout entière.
Le travail de Diana Matar en Amérique est profondément imprégné de cette recherche qui met en évidence les questions structurelles influençant le nombre important de meurtres par la police. Elle met l’accent sur l’histoire des injustices raciales, l’absence d’instruction et de préparation, et l’un des plus bas niveaux de police par habitant au monde. Mais Diana Matar entend livrer bien plus que des statistiques : « Pour moi, chaque image de My America représente non seulement un acte de violence mais aussi la perte d’un individu – un individu avec famille. C’est pourquoi je n’ai pas peur d’user d’une certaine beauté en ces descriptions, un concept qui tend à la controverse dans la représentation de la violence. »
Pour le Musée de la Photographie à Charleroi, Diana Matar a opéré une sélection de 99 photographies sur un ensemble de 300 images. L’échelle du projet témoigne de celle du problème, mais nécessite que l’on se remémore chaque personne ayant été tuée. Le titre de chaque photographie reprend seulement le nom, les dates de naissance et de décès, et la ville où la personne a été tuée. Les endroits que Matar photographie correspondent aux adresses qu’elle a obtenues par les rapports de police. Elle précise toutefois que ses images ne sont pas des scènes de crime.
Le niveau de mortalité par suite de violence policière en Amérique est unique parmi les pays développés. Matar s’interroge sur les raisons qui ont mené l’Amérique à ce point, chaque photographie, représentant une mort, à un moment déterminé.

Dates

Janvier 25 (Samedi) 10 h 00 min - Mai 10 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Le Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles

11 Avenue Paul Pastur, 6032 Mont-sur-Marchienne, Belgique

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jeu16jansam01fevMonologue VisuelZhai YongmingEspace des femmes - Antoinette Fouque, 33/35, rue Jacob, 75006 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Monologue est le titre d’un poème issu du célèbre recueil de Zhai Yongming intitulé Des Femmes.
L’ intérêt primordial que porte la poétesse à la conscience des femmes ne l’écarte pas des sujets qui touchent à l’humanité dans son ensemble. Cette approche humaniste et la sollicitude de son regard sur l’évolution culturelle de son pays font du travail de Zhai Yongming une oeuvre durable.
Ces qualités imprègnent aussi ses créations photographiques.
En Chine, comme en Occident, les intellectuels et artistes sont toujours les premiers qui réagissent et sensibilisent aux progrès et aux évolutions de l’humanité. Depuis le mouvement du 4 mai 1919, et jusqu’à la réforme économique des années 1980, plusieurs groupes d’artistes et d’intellectuels ont fait leur apparition. Zhai Yongming en fait partie, et son travail a été qualifié d’écriture d’avant-garde.
Ses créations ont pour point de départ sa singularité.
Zhai Yongming a déclaré: « Il n’y a que la poésie qui me rend joyeuse, qui peut me faire sentir mon existence, me faire reconnaître que je ne suis pas seulement un être charnel mais aussi spirituel. ». Le célèbre poète et écrivain chinois Ming Zhong a bien décrit Zhai Yongming dans ce sens : « Sa vie et sa poésie ont une relation équilatérale et insolite. Son écriture n’est pas uniquement portée vers l’esthétique, non plus que sur un simple reflet de vie. Sa poésie est la vie même, si riche. »
Elle photographie des ami.e.s, des gens ordinaires, souvent modestes, empreints d’une certaine humilité qu’elle retranscrit par un « camerawork » sans post-production, montrant un travail volontairement artisanal.
On pense à l’écriture de Flaubert, exquise, délicate, forte et vivante, comme le sont les poèmes de Zhai Yongming, remplis de scènes réalistes et néanmoins souvent surréalistes et magiques, parfois solitaires, drôles, animées, colorées…
Nous pouvons percevoir que tout le savoir de la photographie poétique est déjà exploré par Zhai entre les lignes et dans les mots de ses poèmes : la capacité de jouer avec les tons et des couleurs (le rythme), la luminosité (le volume), la modélisation (les phrases et les paragraphes) et la composition (la logique) font appel à la même maestria que celles du pianiste ou du violoniste qui exécute parfaitement sa partition en connaissant ses notes par coeur, et qui détient une compréhension profonde du morceau.
Extrait de la présentation de la curratrice de l’exposition, Yuhong He

Dates

Janvier 16 (Jeudi) 0 h 00 min - Février 1 (Samedi) 0 h 00 min

Lieu

Espace des femmes - Antoinette Fouque

33/35, rue Jacob, 75006 Paris

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