Name: Prix Levallois 2019
Start: 2019-10-4T09-09-00-00
End: 2019-11-23T19-19-00-00
Location: Galerie de L’Escale

La Gacilly

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Festival La Gacilly 2019 : Renaissance 2/2

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Festival La Gacilly 2019 : À l’Est du Nouveau 1/2

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Le Festival Photo La Gacilly ouvre ses portes à la photographie émergente

Après le succès de l’édition 2016, le Festival Photo La Gacilly ouvre à…

ven04oct(oct 4)9 h 00 minsam23nov(nov 23)19 h 00 minPrix Levallois 2019Galerie de L’Escale, 25 rue de la Gare 92300 Levallois Organisateur: Prix Levallois Type d'événement:PhotographieType d'événement 2:Festival,Prix

Détail de l'événement

L’exposition présentée à la Galerie l’Escale de Levallois du 4 octobre au 23 novembre 2019 présente le travail des trois photographes primés : Sara Imloul (France), Prix Levallois, Karina Bikbulatova (Russie) Mention Spéciale et Zishaan A Latif (Inde), Prix du Public.

« Souvent la photographie reste liée à sa capacité de figer le temps dans un instant qui serait un présent sublimé. Les trois lauréats du Prix Levallois 2019 Sara Imloul, Karina Bikbulatova, Zishaan A. Latif ne sont pas dans cette recherche du présent, ils cherchent les remous du temps en cristallisant la mémoire du passé et les rêves du futur. Leur point de rencontre est leur onirisme, ce lieu anonyme où l’on devient maître de ses rêves jusqu’à les mettre en images.

Sara Imloul — avec Passages, (2015-2018, série primée), Das Schloss (2014), Le Cirque Noir (2008-2011), et Négatifs (2012) — parcourt les obscurités d’une mélancolie inscrite dans les objets et les lieux. Ce n’est pas un simple recensement, c’est l’obstinée recherche de l’écho de ses bruissements intérieurs, de sa part d’ombre qui jamais n’en produira. Cette archéologie n’est pas qu’intime, elle met en résonance les formes plastiques des avant-gardes modernes avec une technique des prémices de l’invention de la photographie, le calotype. Pour Sara Imloul la photographie n’est pas un acte : c’est une superposition de temps, celui de l’écriture et du dessin dans ses carnets, de la recherche des objets, des modèles, de la mise en scène, de la prise de vue, des retouches sur le négatif papier, le tout pour trouver sa propre durée. Chaque photographie est un reliquaire, un autel de son culte animiste, elle jalonne son parcours intérieur de cadres sombres, où la magie opère. Ce sont de petits phares pour ne pas disparaître au monde.

Karina Bikbulatova, elle aussi, a choisi le noir et blanc pour plonger au cœur d’un secret familial digne d’une légende. Elle traite d’un fait de famille tellement improbable que la fiction est immédiatement de plain-pied. Deux sœurs qui ne savent pas leur lien passent, tous les ans, leurs vacances ensemble, et du fait du hasard de leur famille d’adoption, appartiennent à des milieux aux antipodes. Nous sommes projetés dans un scénario de cinéma : Karina Bikbulatova nous installe dans l’ambiance et l’esthétique de la Nouvelle Vague. L’Avventura de Michelangelo Antonioni, avec son temps distendu et la présence obsédante de ces visages et d’un paysage sans cesse en perspective, fait pour nous toile référentielle à la série de Karina. Ses personnages sont des incarnations, elle les met en place dans l’espace : ce n’est pas une mise en scène mais bien une mise en place, elles ne jouent rien, elles sont. Leur intériorité nous met au seuil de l’absence, nous ne participons pas, nous sommes spectateurs d’une histoire à dormir debout. Surtout ne pas fermer les yeux au risque de tout perdre, le combat du noir et du blanc est la métaphore de la disparition.

Zishaan A. Latif se sert de la couleur et de ses camaïeux pour évoquer la dissolution et l’impitoyable disparition sous les eaux de certains territoires de l’Inde. Il n’a pas opté pour un méticuleux recensement des érosions dues au changement climatique, il traite de son inquiétude par métaphore. Il nous inonde et nous noie dans ses images comme inexorablement on tombe dans nos rêves de chute. La carte, le paysage, les humains sont des signes de l’asphyxie du monde ; ce n’est pas un rêve mais le cauchemar qu’il annonce. Sous une apparente beauté plastique, une rumeur sourde et angoissée s’installe, les regards et les postures deviennent des interrogations qui, par un effet miroir, nous renvoient au rôle de ceux qui regardent les photographies.

Les trois lauréats 2019 cherchent un autre de la réalité dans leur approche esthétique, mais pour autant ils sont confrontés au besoin de comprendre. L’onirisme est pour eux un choix qui ouvre la voie à la fiction pour mieux saisir leur réel. »
Catherine Dérioz et Jacques Damez – Galerie Le Réverbère

Dates

Octobre 4 (Vendredi) 9 h 00 min - Novembre 23 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie de L’Escale

25 rue de la Gare 92300 Levallois

Organisateur

Prix Levalloiscontact@prix-levallois.com Levallois-Perret

Galerie de L’Escale25 rue de la Gare 92300 LevalloisOuverture de 9 h à 19 h du lundi au samedi

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ven11oct(oct 11)14 h 00 minsam16nov(nov 16)19 h 00 minRéversibilité photographiqueSebastian RiemerGalerie Dix9 Hélène Lacharmoise, 19, rue des Filles du Calvaire 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Dans son approche objective du medium photographique, Sebastian Riemer questionne l’image et sa matérialité tout autant que les strates de temps qu’elle contient. Il expérimente sans cesse de nouveaux procédés pour analyser des images existantes, images qu’il traite comme un objet.
Pour sa troisième exposition personnelle à la Galerie Dix9, l’artiste questionne des objets photographiques résultant de techniques aujourd’hui obsolètes, tels que des diapositives ou des tirages en noir et blanc repeints à la main. A la fois analytique et empathique, sa démarche introduit ces objets du XXeme siècle dans le temps présent. En soulignant leurs qualités esthétiques et poétiques à travers l’idée de «ruines photographiques» ou même de «photographies photogéniques», Riemer élargit la compréhension de la dimension contemporaine dans l’usage de la photographie.
L’analyse de l’objet permet d’en révéler l’origine et la fonction. La dernière série de Riemer, montrée pour la première fois, porte sur les diapositives, technique obsolète aujourd’hui remplacée par des projecteurs numériques ultra performants pour la qualité de l’image rendue, mais aussi d’une grande simplicité d’emploi – point n’est besoin d’une pièce plongée dans l’obscurité. Néanmoins, un fichier numérique est immatériel, alors qu’une diapositive est un objet. Un objet qui contient une histoire et qui rend compte de l’Histoire. Ce qui en fait tout son attrait pour l’artiste.
Par une reproduction en trés haute définition et un agrandissement extrême du format, Sebastian Riemer met en lumière la source première de la diapositive et toutes les strates de temps qu’elle a accumulé dès lors, révélant ainsi ce que nous ne pouvions pas voir. Il apparait que les images des diapositives ne proviennent pas directement des oeuvres d’art. A regarder la grille d’impression et les points colorés, il s’agit plutôt de reproductions à partir de livres ou imprimés.
En outre, l’image reproduisant des oeuvres d’art d’une part (Composition de Mondrian, Oiseau de Brancusi, Narcisse du Caravage, Chuck Close…) les annotations inscrites sur les bords blancs d’autre part (légendes des oeuvres d’art, voire leur fichier source) témoignent de l’utilisaton manifeste de ces diapositives pour illustrer des cours d’histoire de l’art.
De la même manière que le monde visible est projeté sur notre rétine, les diapositives sont vues ici à l’envers. C’est dans cette direction qu’elles doivent être insérées dans l’appareil pour présenter une image verticale.
Les photographies de Riemer suggèrent que l’image de la diapositive, elle même conteneur d’image, a des qualités presque surréalistes, telles que l’incertitude de ce que nous regardons réellement. L’évidence s’estompe à mesure que les inscriptions manuscrites deviennent énormes et perdent en quelque sorte leur lisibilité. La mauvaise qualité des reproductions d’art devient manifeste puisqu’elle ne provient pas d’oeuvres d’art mais de reproductions imprimées.
Entre les mains de l’artiste, la diapositive est plus qu’un document historique, une archive, ou un outil pédagogique. Elle est en réalité un nouveau support d’expression. Prendre ces diapositives en photographie devient pour Sebastian Riemer un geste qui interroge le statut unique de l’oeuvre. Il produit une image (ses photographies) à partir d’une image (la diapositive) qui est elle-même une reproduction prise dans un livre d’une oeuvre déjà existante. La mise en tension de ces différentes couches et l’attachement que Riemer porte au problème de la stratification sont ses entrées privilégiées pour revenir sur l’insoluble problème de la perte de l’aura. En l’espèce, l’empilement sur lequel l’artiste travaille et le choix de diapositives extraites d’un cours d’histoire de l’art renvoient directement au problème de la superposition des savoirs et de la transmission qui lie étudiant et professeur, artiste et regardeur, artiste et disciple.
Aujourd’hui, Sebastian Riemer renouvelle l’approche objective de la photographie : la seule image ne suffit plus, il dépasse le cadre, il en passe par l’épaisseur d’art.

Dates

Octobre 11 (Vendredi) 14 h 00 min - Novembre 16 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Dix9 Hélène Lacharmoise

19, rue des Filles du Calvaire 75003 Paris

Galerie Dix9 Hélène Lacharmoise19, rue des Filles du Calvaire 75003 ParisMardi-vendredi: 14h-19h, samedi 11h-19h et sur rendez-vous

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sam21sep(sep 21)15 h 00 minsam30nov(nov 30)18 h 00 minVanessa WinshipJardin antique méditerranéen, Rue des Pioch, 34540 Balaruc-les-Bains Organisateur: Maison de l’Image Documentaire Type d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Des paysages, des gens, un noir et blanc sensible, sans effet, vibrant de gris subtils, le sentiment que les espaces sont habités, qu’ils renferment des souvenirs, des traces, que l’homme, sans que cela soit évident, les a modelés et habités, c’est ce que l’on ressent dans l’approche si particulière de Vanessa Winship. Comme à son habitude, elle ne décrit pas, elle ne témoigne de rien d’autre que de ce qu’elle éprouve, elle ne cherche à rien démontrer mais veut nous faire partager les émotions qui l’assaillent lorsqu’elle se laisse aller à la mesure de l’espace qu’elle traverse. Rien d’excessif, beaucoup de retenue, peut-être même un peu de tristesse, ou pour le moins de mélancolie, dans cette balade découverte qui trouve toujours la distance juste aux choses, aux signes aux personnes croisées et apprivoisées avec douceur. Un regard attentif, généreux, servi par des cadrages précis et jamais forcés, qui respirent comme portés par le vent qui a accompagné la photographe vers la souplesse des herbes, les textures des murs, des plages, de la végétation ou des vaguelettes qui piègent la lumière grise. A la recherche, en fait, de ce qui, discrètement, garde trace d’un temps où l’on vivait ici de la pêche, du vin, du sel.
Celle qui fut – et reste – la seule femme à avoir reçu la bourse de la Fondation Henri Cartier-Bresson a trouvé naturellement son rythme dans les décors marins de la ville et de ses alentours. C’est en effet la première fois que la résidence s’ouvre aux contours de l’étang de Thau et de la lagune. Le résultat de la carte blanche fait comme chaque année l’objet d’un livre, le douzième de la collection « imageSingulières » publié par Le Bec en l’air.

Dates

Septembre 21 (Samedi) 15 h 00 min - Novembre 30 (Samedi) 18 h 00 min

Lieu

Jardin antique méditerranéen

Rue des Pioch, 34540 Balaruc-les-Bains

Organisateur

Maison de l’Image Documentairecetavoir@orange.fr 17 rue Lacan 34200 Sète

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mer06nov(nov 6)10 h 00 minsam23(nov 23)18 h 00 minRESURFACE I & IIJohanna ReichL'Agence à Paris, 54 rue Mazarine 75006 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

L’oeuvre de Johanna Reich est de celles qui nous invitent à penser notre relation à la mémoire et l’histoire à l’ère digitale.
Plus particulièrement, avec RESURFACE, projet qu’elle mène depuis plusieurs années, Johanna Reich met en lumière les femmes artistes du XIXe et XXe siècle et cet étrange paradoxe qui veut que la majorité d’entre elles, malgré la reconnaissance dont elles ont bénéficié de leur vivant, aussi bien de leurs pairs que du public, ont étrangement disparu aujourd’hui de notre mémoire collective et d’une certaine Histoire officielle de l’Art. À partir de multiples sources d’archives, Johanna Reich a débusqué plus de quatre cents femmes artistes de toutes nationalités qui ont eu de leur vivant une grande influence sur leurs contemporains. Johanna Reich a mis à profit les ressources offertes par internet en numérisant les portraits, biographies et oeuvres de nombre d’entre elles. La présence progressive de ces femmes artistes sur internet esquisse ainsi un tout autre paysage de la création des XIXe et XXe siècles que celui qui est enseigné et transmis depuis des décennies.
Dans l’exposition RESURFACE I & II, par le biais de la photographie et de la vidéo, Johanna Reich joue subtilement de plusieurs registres, analogique et digital, physique et numérique, telles ces tirages en grand format de portraits de femmes artistes qui sont issus de polaroids scannés au premier stade de leur développement, ce moment précis où les contours deviennent à peine perceptibles, entre présence et absence.

Dans le cadre du parcours PhotoSaintGermain 2019

Dates

6 (Mercredi) 10 h 00 min - 23 (Samedi) 18 h 00 min

Lieu

L'Agence à Paris

54 rue Mazarine 75006 Paris

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sam23nov(nov 23)14 h 00 minsam14déc(déc 14)19 h 00 minZup n°1Fabrice Ney La Ville Blanche, 55 Rue Flegier 13001 MarseilleType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

De 1981 à 1983, Fabrice Ney, alors doctorant à l’EHESS, a photographié le coeur des cités en contre-bas du centre urbain du Merlan, dans les quartiers nord de Marseille. En 2019, ces images photographiques surprennent par la rigueur de leur propos. L’absence de personnages et son attention portée aux détails de l’environnement urbain révèlent avec insistance un état des relations sociales toujours d’actualité.

Fabrice Ney est photographe-auteur. Ses premiers travaux datent de la fin des années soixante-dix. Alors étudiant à l’EHESS, il photographie les mutations en cours de l’environnement urbain : Fos-sur-Mer, La Seyne-sur-Mer et ZUP n°1 à Marseille. En 1989, il crée, à Marseille, l’association SITe, porteuse de plusieurs propositions photographiques innovantes autour du paysage en collaboration avec des scientifiques et des plasticiens.
Il mène une étude des vestiges du début de l’industrie chimique dans les Bouches-du-Rhône (Soude, 1990-93) et en collaboration avec un compositeur, il propose une installation sur le thème des paysages de La Durance (Résurgence, 1994). Ses photographies font partie, parmi les plus anciennes, du fonds photographique en constitution sur le département. Ils ont formé une part importante de l’achat collectif auprès de SITe par les Archives Départementales 13 en 2014.

Dans le cadre de Photo Marseille 2019

Dates

Novembre 23 (Samedi) 14 h 00 min - Décembre 14 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

La Ville Blanche

55 Rue Flegier 13001 Marseille

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