Les grandes expos de 2026 à ne pas rater !

Photo : Super Girl (série All Star), 20116, tirage pigmentaire, ©Valérie Belin

L’exposition Valérie Belin – Les choses entre elles se tient aux Franciscaines de Deauville du 24 janvier au 28 juin 2026. Elle présente une sélection d’environ soixante œuvres, couvrant l’ensemble du parcours de l’artiste, des premières photographies d’objets et natures mortes aux portraits féminins récents, en passant par ses séries emblématiques de mannequins et bodybuilders. La toute nouvelle série Cover Girls (2025) réalisée en héliogravure est montrée pour la première fois au public.

À travers ces images, Valérie Belin explore la frontière entre objets et corps, réalité et illusion, questionnant la beauté, les stéréotypes et les codes de représentation à l’ère contemporaine. L’exposition propose ainsi un regard inédit sur l’univers singulier de l’artiste, où chaque photographie devient une réflexion sur le pouvoir des images et la perception du réel.

Sous le commissariat d’Annie Madet-Vache, directrice du musée et de l’artiste, le parcours se déploie sur plusieurs niveaux et met en lumière l’évolution de la pratique photographique de Valérie Belin. Chaque espace est conçu pour créer un dialogue entre réalité et illusion, corps et objet, grâce à une scénographie soignée qui invite le visiteur à observer le détail des images tout en s’immergeant dans leur univers singulier.

Photo : Martin Parr Kleine Scheidegg, Switzerland, 1994

Depuis maintenant cinquante ans, sur tous les continents, en couleurs comme en noir et blanc, Martin Parr a photographié les absurdités du monde contemporain, dressant un tableau caustique des dérèglements de la planète : boulimie de la consommation, ravages du tourisme globalisé, déséquilibres nord/sud, frénésie automobile, addictions technologiques, relations complexes au Vivant.

À travers différentes séries menées depuis la fin des années 70, l’exposition relira les images de Martin Parr à l’heure d’un désordre global généralisé. Des plages aux terrains vagues, des supermarchés aux centres commerciaux, des parkings aux sites touristiques, le monde de Parr est celui d’une course effrénée à la consommation qui peut être lue comme un message d’alerte sur nos modes de vie contemporains.

Cette œuvre, qui prête souvent à rire et à sourire, peut en effet également donner matière à réflexion. Aujourd’hui, avec le recul, il peut, par son ironie, être envisagé dans la lignée d’une certaine tradition satirique anglaise dans laquelle l’humour est mis au service d’une vision à la dimension critique. Sans militantisme et sans jamais s’absoudre des problèmes qu’il aborde, Parr poursuit un œuvre documentaire dont l’humour et la séduction ne sauraient masquer totalement le sérieux et les interrogations qui l’animent. À travers certaines des séries et images iconiques de Parr, l’exposition sera l’occasion de revenir sur l’originalité d’une telle position et du message d’alerte que, sans se départir de son humour, Parr nous adresse depuis 50 ans.

Forte d’environ 180 œuvres, cette exposition produite par le Jeu de Paume sera accompagnée d’un ouvrage copublié avec Phaidon, lecture de l’œuvre de Martin Parr par quelques universitaires et chercheurs venus pour l’essentiel des sciences humaines.

Commissaire : Quentin Bajac

Photo : Dana Lixenberg, Tupac Shakur, 1993 © Dana Lixenberg Courtesy de l’artiste et GRIMM Amsterdam | London | New York

La MEP est fière de présenter American Images, une première rétrospective consacrée à l’artiste néerlandaise Dana Lixenberg. L’exposition explore plus de trente ans d’un travail exigeant et profondément humain : ces images composent un portrait pluriel de l’Amérique contemporaine, où célébrités et sujets moins connu·es sont abordé·es avec la même considération et représenté·es avec dignité.

Née à Amsterdam, Dana Lixenberg s’installe à New York en 1989 et développe une approche photographique fondée sur la lenteur, l’écoute et l’attention portée à la relation. Artiste étrangère observant les États-Unis avec une distance lucide, nourrie par son éducation progressiste, Lixenberg interroge avec délicatesse les mythes du rêve américain. Ses portraits constituent un contre-récit aux représentations dominantes de l’Amérique – un regard dont l’actualité demeure frappante.

Au centre de son oeuvre, l’humain demeure le sujet premier. Lixenberg construit un récit vivant de différentes communautés – des figures publiques aux personnes reléguées aux marges – en honorant la pleine humanité de chacun·e, au-delà de leur condition. Ses portraits, souvent dépourvus d’indices contextuels, empêchent les lectures réductrices : les célébrités y apparaissent avec une présence mesurée, tandis qu’ils offrent aux personnes moins connues un espace où s’affirme leur singularité. Par une attention constante aux détails et aux nuances, elle se tient à distance des stéréotypes et atteint une justesse visuelle qui confère à son travail une dimension d’acte de soin. Au coeur de son travail se trouve la « danse lente » avec ses sujets. Son approche posée et son respect profond permettent d’établir un véritable lien, inscrit sur la durée. L’usage de la chambre 4 × 5 pouces transforme chaque séance en moment de dialogue intime, ancré dans l’instant partagé.

À partir des années 1990, ses commandes pour Vibe, The New York Times Magazine, Interview, i-D, The New Yorker, Newsweek ou Rolling Stone donnent naissance à de nombreux portraits de figures de la culture populaire, parmi lesquels John McEnroe, Isaac Hayes, Whitney Houston, Iggy Pop ou Kate Moss. Certaines de ces images, notamment celles de Biggie Smalls ou encore Tupac Shakur, ont depuis devenues iconiques.

Parallèlement à son travail éditorial, Dana Lixenberg a développé plusieurs projets personnels, parmi lesquels Imperial Courts occupe une place centrale. Entamé au début des années 1990, ce projet au long cours se concentre sur les habitant·es d’un ensemble de logements sociaux à South Central Los Angeles. Au fil de plus de trois décennies, elle y est retournée à de nombreuses reprises, développant un corpus complexe qui se déploie à distance des récits familiers et des représentations médiatiques. L’installation vidéo Imperial Courts (2015) prolonge cette immersion dans le quotidien.

D’autres projets élargissent encore son exploration de l’Amérique contemporaine : auprès de familles sans-abri à Jeffersonville, dans l’Indiana, ou dans le village iñupiaq de Shishmaref en Alaska, menacé par la fonte du pergélisol. L’exposition comprend également des images réalisées avec des Polaroids 4×5 pouces. Lixenberg les utilise comme des outils de travail et de partage, instaurant un climat de confiance et constituant aujourd’hui un témoignage intime de plusieurs années de rencontres.

Photo : Robert Capa photographié par Gerda Taro, Ségovie, Espagne, mai-juin 1937. Gerda Taro/International Center of Photography/Magnum Photos

Une bonne photo, « c’est le condensé de l’événement tout entier » disait Robert Capa.

Robert Capa a inventé un style : le photographe de guerre, l’œil rivé à l’objectif, le scoop toujours à l’esprit. Témoin engagé, son regard a marqué durablement l’histoire du photojournalisme et a façonné la figure nouvelle du photographe de guerre.

Le musée de la Libération de Paris – musée du général Leclerc – musée Jean Moulin propose, avec la collaboration exceptionnelle de Magnum Photos, une relecture contextualisée de son œuvre. Plus de soixante tirages de presse d’époque sont présentés aux côtés de magazines, ouvrages, documents et objets personnels. Ensemble, ces cent soixante pièces retracent ainsi le parcours d’un jeune immigré hongrois devenu une icône de la photographie moderne. Le « style Capa », cette manière directe et immersive de photographier la guerre, a profondément influencé la profession, toujours exposée aux dangers du terrain. En 2024, selon Reporters sans frontières, cinquante-quatre journalistes ont encore perdu la vie dans l’exercice de leur mission, pour la plupart dans des zones de conflit.

En présentant l’œuvre de Robert Capa, l’exposition offre un regard historique sur une réalité toujours actuelle : celle du risque à prendre pour rendre compte de la guerre.

Le parcours de l’exposition s’ouvre sur les années de jeunesse et d’exil du jeune photographe, de Budapest à Berlin, de Berlin à Paris. En 1932, il parvient à faire publier une première photographie dans la presse allemande. Il prend le chemin de la France où sa compagne et lui-même se forgent de nouvelles identités et des personnalités «américaines» : les voilà devenus Robert Capa et Gerda Taro, astuce qui permet au photographe de vendre plus facilement leur production aux magazines. L’appareil Leica de «Bob» accompagne cette transformation.

Le parcours se poursuit par l’évocation de la guerre civile en Espagne que le jeune couple rejoint en 1936. L’image légendaire du républicain espagnol fauché par des tirs devient l’emblème de cette guerre civile. Alors que Capa ouvre un atelier rue Froidevaux (Paris 14e), dont subsiste une machine à écrire, des boîtes de négatifs et des carnets de photographies, la mort de Gerda Taro en Espagne sonne la fin de la période d’insouciance : des hommages lui sont rendus dans la presse et son histoire est popularisée aux Etats-Unis.

C’est ensuite la Seconde Guerre mondiale qui occupe une place centrale dans le parcours de Capa, photographe iconique du Débarquement le 6 juin 1944 et de la Libération de Paris. L’exposition retrace les trajets du photographe dans la capitale le 25 août 1944, photographiant l’entrée de la 2e division blindée dans la capitale et les combats près de l’Assemblée nationale. Le lendemain, Capa saisit la liesse des Parisiennes et Parisiens et les derniers tirs dans les rues de la ville. Après la guerre, vient le temps de la création de l’agence Magnum et des reportages dans un monde qui a retrouvé la paix par endroits, mais où la guerre continue de ravager d’autres lieux. Jusqu’à sa mort en mission en 1954, les photographies de Capa révèlent son souci de témoigner en images des conséquences des conflits sur les populations civiles.

Ce projet est labellisé Bicentenaire de la Photographie par le Ministère de la Culture

Avec la collaboration exceptionnelle de Magnum Photos.

Commissariat :
Sylvie Zaidman, directrice du musée de la Libération de Paris – musée du général Leclerc – musée Jean Moulin
Michel Lefebvre, journaliste, spécialiste de Robert Capa

Photo : Nan Goldin, Self-portrait in blue bathroom, London, 1980 © Nan Goldin

« J’ai toujours voulu être cinéaste. Mes diaporamas sont des films composés de photos », explique Nan Goldin.

La rétrospective « This Will Not End Well » organisée par le Grand Palais est la première exposition en France à présenter une vue d’ensemble de l’œuvre de la photographe Nan Goldin en tant que cinéaste, à travers ses diaporamas et vidéos.

Elle comprend The Ballad of Sexual Dependency (19812022) son magnum opus ; The Other Side (1992-2021) un portrait historique réalisé en hommage à ses ami·e·s trans qu’elle a photographié·e·s entre 1972 et 2010 ; Sisters, Saints, Sibyls (2004-2022) un témoignage sur le traumatisme des familles et le tabou du suicide ; Memory Lost (2019-2021) un voyage claustrophobe à travers le sevrage de la drogue ; Sirens (2019-2020) une plongée dans l’extase de la drogue ; et Stendhal Syndrom (2024), une oeuvre inspirée de six mythes tirés des Métamorphoses d’Ovide, qui explore ce trouble décrit par Stendhal comme une perte de connaissance face à la beauté écrasante de l’art.

Au Grand Palais, l’exposition se déploie au sein de pavillons uniques conçus par Hala Wardé, architecte qui collabore souvent avec Goldin. Chaque pavillon est pensé en fonction de l’œuvre qu’il accueille. Ensemble, ils forment un village. Celui-ci s’étend à la chapelle Saint-Louis de la Salpêtrière, où sera présentée l’installation conçue pour cet espace en 2004 dans le cadre du Festival d’Automne, Sisters, Saints, Sibyls.

Nan Goldin (née à Washington D.C. en 1953) est l’une des artistes les plus influentes de notre époque. Son travail d’exploration de l’expérience humaine est légendaire et a profondément influencé de nombreuses générations. Sa première œuvre, The Ballad of Sexual Dependency, documente la vie à Provincetown, New York, Berlin et Londres des années 1970 jusqu’aux années 1990. Goldin a photographié avec une immense tendresse son entourage d’amis créatif·ve·s et bohèmes. Ses photographies nous offrent des instantanés de l’intimité et du couple, du quotidien et des fêtes extravagantes, de l’espoir et du désespoir.

Montrant une génération qui connaissait la liberté de la vie avant le sida et évoluait dans un monde alternatif en marge de la société, l’œuvre de Goldin constitue également un témoignage de son époque. Vers 1980, Goldin a commencé à présenter son diaporama The Ballad of Sexual Dependency dans divers clubs et lieux publics à New York, ainsi que dans les cinémas underground et les festivals de cinéma en Europe. Elle l’actualisait et le rééditait à chaque projection et actionnait plusieurs projecteurs, sur le fond d’une bande sonore éclectique. La capacité de Goldin à revisiter ses diaporamas constitue depuis lors le cœur de sa pratique artistique. Au cours des quarante dernières années, elle a produit environ une douzaine de diaporamas différents, des portraits de ses ami·e·s aux récits d’évènements familiaux traumatisants. Depuis 2004, elle y intégre de nouveaux éléments que ce soit des images animées, des voix ou encore des documents d’archives.

Nan Goldin a toujours abordé des questions sociales telles que le genre, la santé mentale ou le sida suivant différentes approches. Memory Lost évoque les côtés les plus sombres de la dépendance aux drogues. En 2017, Goldin a fondé P.A.I.N. (Prescription Addiction Intervention Now), un groupe d’action directe ciblant spécifiquement la famille Sackler, une famille de milliardaires tenue pour responsable du déclenchement de la crise épidémique des overdoses d’opioïdes. Les Sackler sont d’importants donateurs pour de nombreux musées internationaux de renom. Cependant, bon nombre de ces institutions ont réagi à la pression de P.A.I.N. et ont retiré toute trace du nom des Sackler de leurs espaces.

Bien que le titre de l’exposition « This Will Not End Well » puisse sembler sombre et prémonitoire, il est également rempli d’ironie et d’émotion. Il est une affirmation de ce que Fredrik Liew, commissaire de la rétrospective, décrit comme la « joie de vivre inébranlable caractéristique de Goldin. » Sous la houlette du Moderna Museet à Stockholm où elle a été présentée du 29 octobre 2022 au 26 février 2023, « This Will Not End Well » a fait l’objet d’une tournée internationale à laquelle ont participé le Stedelijk Museum à Amsterdam (7 octobre 2023 – 28 janvier 2024), la Neue Nationalgalerie à Berlin (23 novembre 2024 – 6 avril 2025) et le Pirelli HangarBicocca à Milan (9 octobre 2025 – 15 février 2026).

Commissaire Fredrik Liew, Directeur des expositions et des collections, conservateur en chef au Moderna Museet à Stockholm Commissaire associée pour la présentation à Paris Barbara Kroher, Responsable de la programmation des expositions au GrandPalaisRmn
Scénographe Hala Wardé, HW architecture La scénographie de l’exposition est soutenue par Kvadrat et Sahco.
L’exposition est organisée par le Moderna Museet, Stockholm, en collaboration avec le GrandPalaisRmn, Paris et l’AP-HP Sorbonne Université, Paris, le Stedejlik Museum, Amsterdam, la Neue Nationalgalerie, Berlin et le Pirelli HangarBicocca, Milan

Grand Palais – Salon d’honneur et Chapelle Saint-Louis de la Salpêtrière

Le Musée d’Art Moderne de Paris organise avec la Tate Britain une grande rétrospective consacrée à la photographe Lee Miller (1907-1977). Cette exposition permet de mesurer l’importance de son œuvre photographique, poétique et surréaliste, très souvent intrépide. Elle retrace l’ensemble de la trajectoire de l’artiste et met en lumière la diversité de son œuvre : des photographies de mode aux portraits et paysages jusqu’à ses reportages de guerre qui ont révélé en 1945 l’horreur des camps de concentration allemands.

Figure essentielle de l’avant-garde internationale, Lee Miller (1907-1977) fut tour à tour mannequin, artiste surréaliste, portraitiste, photographe de mode et correspondante de guerre accréditée par l’armée américaine. Elle est aujourd’hui reconnue comme l’une des grandes photographes du XXe siècle. L’exposition réunit près de 250 tirages anciens et modernes, dont plusieurs inédits, et propose un nouveau regard sur son œuvre.

Cette grande rétrospective est organisée à l’initiative de la Tate Britain et en collaboration avec l’Art Institute of Chicago. L’exposition retrace l’ensemble du parcours de la photographe Lee Miller, de ses débuts à New York aux années de guerre en Europe, en passant par son séjour en Égypte et sa vie à Londres. Elle met à jour la richesse d’une œuvre où cohabitent expérimentations formelles, audace visuelle et engagement politique.

Au printemps prochain, le musée Soulages exposera l’un des photographes majeurs de notre époque, Hiroshi Sugimoto.

L’oeuvre de Sugimoto met au coeur la notion de temps, très présente aussi chez Pierre Soulages, qui déclarait, en 1963, au philosophe Jean Grenier : « Le temps me paraît être une des préoccupations dont ma peinture témoigne ; c’est le temps qui me paraît être au centre de ma démarche de peintre, le temps et ses rapports avec l’espace ». Les photographies de Sugimoto partagent par ailleurs avec l’art de Soulages une préoccupation commune pour la lumière et les ombres, un intérêt formel et récurrent pour la ligne d’horizon, l’espace et le déploiement de l’oeuvre, ainsi qu’un lien fort à l’architecture.
L’exposition présentera ainsi un ensemble de huit séries entrant en résonance avec les peintures de Soulages, et couvrant l’ensemble de la carrière du photographe japonais, des années 1970 jusqu’à aujourd’hui.
Cette exposition est le fruit d’une collaboration étroite avec l’artiste et son atelier new-yorkais.

Nourrie d’histoire de l’art, d’une pensée de l’image, tout autant que d’une technique sophistiquée et d’un soin constant apporté aux supports, la photographie de l’artiste japonais Hiroshi Sugimoto interroge les limites et les conditions de la représentation, aux confins d’un imaginaire pictural. Les particularités de cette approche photographique trouvent des points de rencontre aussi bien avec la peinture lettrée japonaise traditionnelle qu’avec les tendances picturales abstraites de la seconde moitié du XXe siècle.
Hiroshi Sugimoto est né en 1948 à Tokyo. Diplômé en 1970 de la Saint Paul’s University de Tokyo puis en 1974 du Center College of Design de Los Angeles, il quitte cette année-même la Californie pour s’installer à New York. Il vit et travaille, depuis lors, entre les Etats-Unis et le Japon, où il a établi, en 2009, la Odawara Art Foundation, dédiée à la culture et aux arts japonais.

D’une grande diversité, l’exposition prendra la forme d’une promenade méditative et contemplative dans la salle d’exposition temporaire, dont la scénographie a été conçue par l’artiste lui-même, et se poursuivra ponctuellement dans les espaces dédiés aux collections permanentes. Elle constitue un évènement en France, où l’artiste a déjà été exposé à plusieurs reprises mais selon des formats très différents.
La dernière exposition qui lui a été consacrée s’est tenue en 2024 à l’Institut Giacometti à Paris, et proposait un dialogue avec l’oeuvre du sculpteur autour d’une unique série, Past Presence. Son oeuvre avait été précédemment montrée en 2018 au Château de Versailles, ainsi qu’au Palais de Tokyo en 2014. Sa carrière internationale est bien plus notable : grande rétrospective à Pékin, Londres, et Sydney en 2023 ; Tel Aviv Museum of Art et Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique en 2018 ; The Philips Collection, Washington en 2015 ; au Getty Center de Los Angeles en 2014 ; -à la Scottish National Gallery of Modern Art à Edinburgh en 2011, ou encore au Fine Arts Museum of San Francisco en 2007.

Photo : Camille Vivier, Sophie, 2018 © Camille Vivier

La MEP présente la première exposition majeure consacrée à la photographe française Camille Vivier. Depuis vingt-cinq ans, elle navigue entre commandes de mode pour les plus grands magazines et recherche artistique personnelle centrée sur le corps et la nature morte. L’exposition révèle une œuvre où s’entrelacent sensualité, mystère et poésie, interrogeant la relation entre le corps humain et l’artefact.

À travers cette rétrospective inédite, le Jeu de Paume invite à découvrir le regard singulier de la photographe Madeleine de Sinéty (1934–2011), présentée au Château de Tours en 2025, puis à Paris en 2026.

Formée aux Arts Décoratifs à Paris à la fin des années 1950, elle quitte Paris entre 1972 et 1981 pour s’installer dans le petit village breton de Poilley, où elle séjourne de nombreuses fois jusque dans les années 1990. Madeleine de Sinéty photographie alors la vie de ses habitants en noir et blanc et en couleur. Elle réalise a posteriori des projections de diapositives afin de restituer leurs images aux résidents. À partir des années 80, elle s’installe aux États-Unis, en Californie, puis dans le Maine et continue à photographier. Elle réalise également des travaux en Afrique, en Ouganda, pour certains exposés au musée de Portland en 2011. En 1996, la Bibliothèque nationale de France lui avait consacré une exposition.

L’œuvre qu’elle lègue, riche et dense, entre art et documentaire, reportage et archive, est le résultat d’une observation fine du réel et d’un travail en immersion dans le mode de vie des familles avec qui elle partage le quotidien et tisse des amitiés durables. Avec humanité et tendresse, elle fait découvrir des traditions et des rites propres à ces populations rurales, en révèle des histoires personnelles et collectives pour livrer un récit subjectif et personnel d’une époque qui voit se transformer le monde rural. L’exposition sera l’occasion d’essayer de raconter un itinéraire singulier, entre la France et les États-Unis via l’Afrique.

Commissaires : Jérôme Sother et Quentin Bajac

Photos : Rafael Pavarotti — Anok Yai dans la robe Douche Chloé par Karl Lagerfeld (1983) Vogue US, Mai 2023 | Rafael Pavarotti — Nyaueth Riam et Mamuor Awak dans des tenues Bottega Veneta par Matthieu Blazy (2022) Vogue, Septembre 2022

Le musée des Arts décoratifs présente pour la première fois en France du 23 septembre 2026 au 7 février 2027 le travail du photographe brésilien, Rafael Pavarotti. Plus de 200 tirages sont exposés et mis en regard de photographies du musée, depuis les plus grandes couvertures des plus grands magazines de mode, aux portraits des stars internationales de la pop culture comme Rihanna, Harry Styles et Beyonce, en passant par les campagnes qu’il compose pour de grandes maisons. En ressort un style coloré et puissant, créant des images fortes et uniques. L’histoire personnelle de Rafael Pavarotti, né dans l’état de Pará dans la forêt amazonienne en 1993, résonne dans son approche de la photographie. Les femmes fortes de sa famille, la vaisselle aux couleurs vives et colorées de sa grand-mère mais aussi l’environnement naturel dans lequel il a grandi occupent une place importante dans ses sources d’inspiration. Rafael Pavarotti s’est initié seul à la photographie à 12 ans en subtilisant l’appareil de son père. Quatre ans plus tard, attiré par la photographie de mode, il part pour Rio, puis São Paulo, Londres, avant de s’établir à Paris. Il réalise de nombreuses séries pour des magazines de mode prestigieux tels que Vogue, i-D, Acne Paper, et même pour le New York Times. Son style photographique s’impose dans l’univers de la mode et marque les campagnes de nombreuses maisons à l’instar de Dior, Balmain, Margiela, Ferragamo ou encore L’Oréal. En février 2022, il s’est distingué par la couverture du British Vogue avec « As the world turns » qui montre sept mannequins noirs. Afro-autochtone, Rafael Pavarotti affirme vouloir travailler pour les générations futures en créant des modèles qui permettront à tous les enfants de se reconnaître et de se projeter, quelle que soit la couleur de leur peau. À travers la mise en valeur de corps peu représentés dans la mode, il interroge la dimension politique et sociale de cette industrie. Il transmet ce message grâce à des photographies colorées, puissantes, jouant parfois d’un esprit pop ou surréaliste, et qui racontent des histoires : la sienne, mais aussi celles des mannequins dont il sollicite les souvenirs et les idées.

Photo : Irving Penn, Red-Lacquered Lid, New York, 1994 Collection MEP, Paris. Don partiel de the Irving Penn Foundation en 2020 © The Irving Penn Foundation

L’exposition PENN & FASHION présente la carrière d’Irving Penn (1917 – 2009), à travers le prisme de la mode. Irving Penn, l’un des photographes les plus influents du XXe siècle, a bouleversé les codes de la photographie de mode et influencé des générations entières de photographes. Sa collaboration avec le magazine Vogue, pendant près de soixante ans, lui a permis de poursuivre une œuvre unique qui, défiant les conventions, a souvent été bien au-delà de la mode elle-même. De ses images mythiques des années 1950 à ses travaux couleurs des années 2000, son travail est l’œuvre d’un auteur toujours en avance sur son époque.

Photo : Barbara Kruger, Untitled (Remember me), 1988/2020, vidéo monocanal sur panneau LED, son, 23 sec., 350,1 × 250,1 cm. Courtesy de l’artiste et de Sprüth Magers.

À l’occasion du bicentenaire de l’invention de la photographie, Pinault Collection consacre l’automne à une grande exposition hommage. Conçue comme une traversée libre et originale, «Remember Me» investit l’ensemble de la Bourse de Commerce et propose un vaste panorama du médium depuis ses expérimentations originelles jusqu’à ses formes les plus contemporaines. Inspiré de l’ouvrage 100 Chefs-d’œuvre de la photographie. Collection Pinault paru en 2024, le parcours s’apparente à une fugue: une traversée libre, sans chronologie, qui s’autorise des correspondances inattendues, des dialogues entre les genres et les époques, offrant au visiteur une expérience sensible et ouverte de l’histoire de la photographie.

« Le titre « Remember Me » est emprunté à l’œuvre de Barbara Kruger, dont l’installation investit la Rotonde et les vitrines de la Bourse de Commerce. Cette image et son injonction « Ne m’oublie pas » condensent ce que la photographie porte de son origine: la trace, l’empreinte, la survivance. Ce n’est pas seulement un titre, mais un prisme de lecture pour l’ensemble de l’exposition. Toutes les photographies rassemblées, de Gustave Le Gray à Wolfgang Tillmans, de Man Ray à Richard Avedon, de Francesca Woodman à Cindy Sherman, demandent à leur manière d’exister dans le regard de l’autre. La photographie n’enregistre pas seulement : elle réclame d’être vue pour ne pas disparaître.

Dans cette perspective, chaque section de l’exposition incarne une forme de mémoire. L’installation inédite consacrée à Irving Penn en Galerie 2 réunit, pour la première fois, l’ensemble des photographies de Penn conservées dans la Collection Pinault: un concentré de présence et de survivance, où le studio devient une chambre de mémoire. La Galerie 3, quant à elle, est consacrée au travail de Raymond Depardon sur la France: c’est une traversée du territoire où l’image devient, non sans humour, le témoin patient de ce qui change et persiste. Enfin, le deuxième étage déploie l’exposition générale, une vaste constellation photographique qui fait dialoguer tous les genres et toutes les époques, à travers des correspondances esthétiques, formelles ou iconographiques.
Ainsi construite, « Remember Me »se lit comme une fugue: une déam- bulation libre et non chronologique, conçue comme un geste contemporain et une installation monumentale. À travers la Bourse de Commerce—Pinault Collection,
ce sont deux siècles de mémoire visuelle qui se répondent, comme si chaque image, au fond, prononçait les mêmes mots: remember me.»
— Matthieu Humery, conseiller pour la photographie

Commissariat : Matthieu Humery

Avec : Berenice Abbott, Laure Albin-Guillot, Manuel Alvarez Bravo, Giulia Andreani, Eugene Atget, Richard Avedon, Edmond Bacot, Cecil Beaton, Hans Bellmer, Werner Bishop, Erwin Blumenfeld, Constantin Brancusi, Steffi Brandl, Claude Cahun, Julia Margareth Cameron, George Frederic Cannons, Robert Capa, Henri Cartier-Bresson, Maurizio Cattelan, A.Costa, Ralph Crane, Robert Cummings, Imogen Cunningham, Liz Deschenes, Robert Doisneau, Maté Dobokay, Frantisek Dritkol, John Edmons, William Eggleston, Walker Evans, Richard Fenton, Toni Frissell, Jaromir Funke, Maurice Goldberg, Nan Goldin, Gustave Le Gray, Florence Henri, Horst P. Horst, George Hoyningen-Huene, Peter Hujar, Constantin Joffe, André Kertesz, Rudolf Koppitz, Tarah Krajnak, Barbara Kruger, Germaine Krull, Dorothea Lange, Louise Lawler, Annie Leibovitz, Sherrie Levine, Zoe Leonard, El Lissitsky, Dora Maar, Robert Mapplethorpe, Adolf de Meyer, Boris Mikhailov, Lee Miller, Tyler Mitchell, László Moholy-Nagy, Zanele Muholi, Ugo Mulas, Youssef Nabil, Hans Namuth, Lusha Nelson, Helmut Newton, Meret Oppenheim, Paul Outerbridge, Mario Peliti, Irving Penn, Rebecca Quaytan, Eileen Quinlan, Man Ray, Wladimir Rehbinder, Alexander Rodchenko, August Sander, Studio Sarony, Francesco Scavullo, Sherril Schell, Karl Schenker, Ersnt Schneider, Cindy Sherman, Dayanita Singh, Edward Steichen, Alfred Steiglitz, Paul Stone Raymor, Paul Strand, Jack Robinson, Hiroshi Sugimoto, Wolfgang Tillmans, Deborah Turbeville, Danh Vo, Weegee, Edward Weston, Francesca Woodman, Liu Zheng, Willy Zielke

Date de fin non communiquée.

Photo : Stanley Greene, Depuis la mort de sa fille, les yeux de Zelina se perdent souvent dans le vague. « Je suis déjà morte, dit-elle. Si seulement le temps pouvait venir plus vite ! ». Groznyï, avril 2001 © Donation Stanley Greene, Ministère de la Culture (France), MPP, diff. NOOR

Né à Brooklyn (New York, ÉtatsUnis), membre des Black Panthers, Stanley Greene (1949-2017) découvre la photographie alors qu’il est adolescent. Il photographie la scène punk indépendante de la côte ouest américaine à la fin des années 1970. W. Eugène Smith (1918-1978), pionnier du photojournalisme engagé, encourage sa vocation. Il rejoint Paris et la scène photographique française au milieu des années 1980 et exerce comme photographe de mode. Happé par l’histoire à la chute du mur de Berlin en 1989, il couvre depuis lors tous les grands conflits qui agitent la planète : Rwanda, Balkans, Irak, Somalie, Cachemire, Syrie, Afghanistan. La guerre en Tchétchénie, symbole de la désagrégation de l’empire soviétique qu’il arpente pendant une vingtaine d’années est le point d’orgue de son travail. Il en tire une série d’images bouleversantes et un ouvrage, Open Wounds, pour lequel il reçoit, en 2004, le prestigieux prix W. Eugene Smith et un World Press. En 2005, il se rend à La Nouvelle-Orléans pour photographier les destructions qui ont suivi le passage de l’ouragan Katrina. Il y retourne ensuite pour documenter la reconstruction, constatant qu’une catastrophe naturelle peut, comme la guerre, ravager la vie de la population, provoquer famine, pillages et ségrégation. Après avoir longtemps été représenté par l’agence Vu, il fonde l’agence Noor en 2007. Il meurt à Paris. En 2024, Perry Greene, son frère, a fait don à la Médiathèque du patrimoine et de la photographie (MPP, ministère de la Culture, France) d’un ensemble de plus de 2 000 tirages, 200 000 négatifs et diapositives, les planches contacts associées et les archives du photographe.

Commissaires : Clara Bouveresse et Matthieu Rivallin

Exposition conçue en partenariat avec la Médiathèque du patrimoine et de la photographie