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Sortie du Previously on Hans Lucas #18

Studio Hans Lucas7 août 2017

Temps de lecture estimé : 3mins

Les POHL de l’été sont toujours spéciaux. L’année dernière nous avions publié les images parues dans le petit livre objet She’s Lost Control publié par les Editions Charlotte Sometimes. Cet été, vous découvrirez une partie des images qui furent exposées lors de l’événement SUPERNATURAL proposé par Hans Lucas et en collaboration avec leboudoir2.0, Portom, la Librairie Éphémère, Impossible Project, OAI13, A12 et Epic, à l’occasion de la semaine d’ouverture du Festival de Photographie d’Arles.

Eleonora Strano

Sandra Fastré

Didier Bizet

Jean-Michel André

Julien Benard

Laurent Ferrière

Collectif les Faux Amis

Les Respirations – Lionel Pralus

Téo Becher

Anastylose, Bastien Gallet

Elodie Guignard

Françoise Lambert

Louise Narbo

Michaël Duperrin

Bérangère Fromont

Après Tout, Amaury da Cunha

Gaëlle Abravanel

Les Respirations – Julien Benard

Delphine Blast

Cette publication a été passionnément concoctée par :
Charlotte Guy, Michel Slomka et Sophie Knittel

Production : Sophie Knittel

POHL #18 est soutenu et diffusé par 9 lives et LensCulture.com

Previously on Hans Lucas est propulsé par Hermès, logiciel développé par le studio Hans Lucas

Studio Hans Lucas

Hans Lucas est un studio de production dédié à la photographie et aux écritures numériques. Depuis 2006 son activité se décline dans la production photographique, vidéo et multimédia, la formation initiale et continue ainsi que la diffusion des œuvres de ses membres via une plateforme internationale joyeusement collaborative. http://hanslucas.com

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Type d'événement

Type d'événement 2

Lieu de l'événement

Organisateur de l'événement

sam10oct(oct 10)0 h 00 min2021dim03jan(jan 3)0 h 00 minChroniques de l'invisibleExposition CollectiveLe Grand Café Saint-Nazaire, Place des 4 Z'horloges, 44600 Saint-NazaireType d'événement:Art Contemporain,Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Dernière étape du cycle Généalogies fictives, conçu par le commissaire Guillaume Désanges à l’invitation du Grand Café, Record of the Invisible / Chroniques de l’invisible est une exposition qui joue sur des relations entre visibilité et invisibilité, proximité et distance, l’ici et l’ailleurs. Ce projet part d’une proposition faite à cinq artistes d’imaginer des interventions artistiques à l’extérieur du Grand Café, dans des espaces publics ou privés de la région de Saint-Nazaire. De ces gestes déposés « hors les murs » et volontairement non médiatisés, l’exposition du Grand Café n’accueille que les traces ou les échos déformés, qui composent ensemble une exposition autonome, formellement et sensuellement indépendante de son protocole d’origine. Comme pour les deux précédentes étapes de ce cycle, ce projet travaille l’histoire et la géographie de la ville, mais cette fois dans un régime spectral, celui de la rumeur, de la clandestinité et de la figuration d’un ailleurs. C’est la traduction poétique ou symbolique d’une absence qui est au coeur de ce projet, laissant la sensibilité, l’imagination et la croyance du visiteur prendre le relais de la compréhension d’un message ou de la réception d’une oeuvre soumise à son regard.

Cette expérience va puiser à plusieurs sources. La première est une réflexion critique sur l’art dans l’espace public, qui est trop souvent considéré comme une simple extension du musée, autrement dit un espace à conquérir ou annexer où l’oeuvre conquérante vient se poser et s’imposer. Ici, on privilégie à l’inverse des gestes non assignés, parfois invisibles, qui ne laissent pas toujours de traces, et restent minoritaires et non dominants par rapport à leur contexte d’apparition. Des oeuvres pour un regard éventuel mais pas certain, pour des rencontres fortuites, pour des témoins conscients ou inconscients autant que pour les animaux ou les éléments. De l’art pour le vent, la mer, le soleil ou les oiseaux. Dès lors, ces interventions, modestes par nécessité, mesurent la capacité de l’art à résister, survivre mais aussi poétiser librement le monde sans la pression d’un regard de spectateur déterminé et déterminant. Petite leçon d’humilité objectale : des oeuvres clandestines, abandonnées, exilées dans le réel, doivent nécessairement négocier avec leur écosystème.

La deuxième source à l’origine de ce projet concerne une exposition intitulée Nul si découvert que j’avais organisée en 20111, qui reposait sur l’idée d’expérience impossible à travers une sélection d’oeuvres se désagrégeant à l’instant même où elles pouvaient être observées. Inspirées par la pensée de Susan Sontag, pour qui l’art absolu, le plus ambitieux et le plus édifiant est un art privatif, de l’effacement, du retrait, un art des rumeurs et « des mélodies non entendues qui perdurent, à l’inverse que celles, évanescentes, qui sifflent à l’oreille des sens »2.
Soit l’inaccessibilité comme moteur émotionnel et cognitif.

La troisième source, enfin, est une exposition organisée par le collectif japonais Chim Pom en 2015, qui proposait à des artistes d’intervenir dans la zone d’exclusion de la ville de Fukushima marquée par la catastrophe nucléaire. Dans une logique de l’urgence, il s’agissait d’installer des oeuvres dans une zone devenue inaccessible au public parce qu’irradiée, et dont l’exposition tournante ne présentait que des traces ou de la documentation. Ce projet avait représenté pour moi une passionnante réaction, à la fois poétique et politique, au caractère sidérant, et potentiellement neutralisateur d’un danger précisément invisible. Le très beau titre de l’exposition Don’t follow the wind (Ne suivez pas le vent), était en soi un avertissement et une invitation, injonction mélancolique à laisser exister un ailleurs sans expérience directe.
C’est de fait à une expérience particulière pour le public, mais aussi pour les artistes et le commissaire qu’invite le protocole de l’exposition Record of the Invisible / Chroniques de l’invisible. Une exposition qui considère les oeuvres d’art comme les témoins d’une absence, mais dont la trace, médiatrice et intercesseuse, s’avère finalement plus importante que l’objet original. C’est là tout l’enjeu de cette expérience curatoriale à deux dimensions : comment rendre compte, artistiquement, c’est-à-dire par la forme et non par le récit, d’une série de gestes lointains. Car depuis le début de ce projet, il ne s’agit donc pas de documenter, mais de « faire exposition ».
Pour ce faire, les artistes ont produit des formes spécifiques ou convoqué des oeuvres existantes recomposées comme un rébus. Dans tous les cas, ces traductions incertaines, symboliques, poétiques ou métaphoriques sont censées s’autonomiser, échapper à leur statut de substituts pour créer une forme nouvelle.
Dans la continuité de l’exposition précédente du cycle , qui proposait de travailler un commissariat en « circuit-court », c’est-à-dire en présentant des oeuvres et documents issus de l’histoire locale, cette exposition prend la ville de Saint-Nazaire et son environnement immédiat comme base de travail.

En effet, le processus a d’abord consisté à proposer aux artistes de choisir des lieux d’interventions en arpentant la ville et ses environs, avec une grande ouverture sur les topographies possibles : espace public ou privé, dans la ville, à la campagne, sur la côte, dans la mer, accessible ou pas. La méthode a donc été celle de l’étude de terrain, nourrie de storytelling et de recherches locales, à laquelle les artistes ont participé activement. Comme le suggère le titre de l’exposition, il s’agissait de se concentrer principalement sur des points aveugles, des angles morts de l’histoire et de la géographie locales.
À partir de ces bases, chaque artiste a pu interpréter comme il le souhaitait l’invitation à déposer un geste hors les murs, qui pouvait être un objet, une action, un retrait ou une observation. De fait, les artistes ont répondu de manière très diverse à cette proposition très ouverte, chacun s’emparant d’un morceau d’histoire ou de géographie de la ville. Ignasi Aballí a choisi de se focaliser sur l’histoire du musée des beaux-arts de Saint-Nazaire, disparu pendant la guerre, dont il replace des signes dans la ville, comme une présence fantomatique. Edith Dekyndt, elle, s’est intéressée à l’histoire du Grand Café, au moment de sa splendeur romantique au début du 20e siècle : sous des halles de plein air, face à la mer, une lumière suit les circonvolutions d’un couple invisible qui danse une valse. Eva Barto aborde l’histoire économique et industrielle de la ville et notamment la circulation de matériaux entre industrie navale, métallurgie et artisanat local. Lois Weinberger, lui, a proposé de s’adresser directement aux oiseaux qui survolent les Forges de Trignac, en leur construisant un abri qui redonne, de manière à la fois concrète et symbolique, une vie sociale à ce site industriel abandonné. Ismaïl Bahri, lui, propose divers moments d’observation des éléments extérieurs de la région, et en livre des échantillons dans l’espace d’exposition.

Toutes ces actions spécifiques sont enrichies dans les espaces du Grand Café d’oeuvres qui résonnent avec les questionnements de l’exposition.
En lien avec l’esprit du cycle, la généalogie révélée par ce projet est donc d’abord celle d’un territoire. Imprégné, hanté par des couches de réalités enchevêtrées, un lieu est toujours une entité géopolitique complexe, dont la surface apparemment stable masque un bouillonnement de récits souterrains, naturels et culturels, humains et non humains, individuels et collectifs. D’une forêt de chênes saisie dans la tourbe depuis 5000 ans à une mangrove mystérieuse formée dans les vestiges d’une usine métallurgique séculaire. Des théories philanthropiques du patronat du XIXe siècle au destin mondial des chantiers de l’Atlantique. De tombes mégalithiques construites il y a 6000 ans aux derniers phares habités de l’estuaire. De ces faits enchaînés les uns aux autres dans la topographie aussi bien que dans l’esprit des lieux, nous n’avons que des échos ou des bribes éparses qui ont servi de matériau aux artistes. Dès lors, la généalogie ici mise à jour est aussi celle d’une ligne trouble entre le réel et la fiction, entre l’histoire et l’art, entre l’oeuvre dehors et son récit dedans. Des généalogies incomplètes, incertaines, toujours partiellement inventées ou fantasmées. C’est pourquoi les artistes n’ont pas été choisi.e.s parmi les chercheurs ou les documentaristes. Ils et elles ont été choisis pour leur capacité à détourner plus qu’à reporter fidèlement une situation donnée. On l’aura compris, on privilégie ici l’abstraction et la poésie à l’information. C’est aussi pourquoi, dans l’exposition, l’ensemble des sources factuelles ont été réunies, en vrac, dans une salle des récits, sorte d’antichambre narrative de l’exposition, volontairement déconnectée des formes artistiques. Une manière de créer une généalogied’un espace à l’autre, d’un récit à une forme, de l’oral au visuel, en préservant volontairement une distance entre sujet et objet de l’exposition. C’est dans ces écarts spatiaux et temporels que se joue l’essentiel de ces chroniques de l’invisible, et c’est là précisément que réside le caractère passionnément fictif de ces généalogies.
Guillaume Désanges

Notes :
1 – Void If Removed / Nul si découvert (Concrete Erudition 4), Le Plateau, Frac Île-de-France, 2011, avec des oeuvres de Bas Jan Ader, Eric Baudelaire, Bernard Bazile, Alighiero Boetti, Chris Burden, Coop Himmelblau, Marcel Duchamp, Ceal Floyer, Ryan Gander, Dora Garcia, Joseph Grigely, Ann Veronica Janssens, Jiri Kovanda, Joao Louro, Julien Loustau, Daniel Pommereulle, Stephen Prina, Anna-Maria Maiolino, Man Ray, Lawrence Weiner, Ian Wilson, Carey Young, Rémy Zaugg
2 – Susan Sontag, « The Æsthetics of silence » in Styles of radical will, New York Picador, États-Unis, 2002
3 – Exposition Contre-Vents, Solidarités ouvrières, étudiantes et paysannes dans l’Ouest de la France : une généalogie, 26 mai – 29 septembre 2019, Le Grand Café – centre d’art contemporain, Saint-Nazaire

Dates

Octobre 10 (Samedi) 0 h 00 min - Janvier 3 (Dimanche) 0 h 00 min

Lieu

Le Grand Café Saint-Nazaire

Place des 4 Z'horloges, 44600 Saint-Nazaire

Calendrier GoogleCal

mar16jui(jui 16)11 h 00 mindim27déc(déc 27)19 h 00 minCroyances : Faire et défaire l'invisibleInstitut des Cultures d’Islam, 56, rue Stephenson 75018 ParisType d'événement:Exposition,Photographie,Vidéo

Détail de l'événement

Du 12 mars au 26 juillet 2020, l’Institut des Cultures d’Islam présente Croyances : faire et défaire l’invisible, exposition dont le commissariat est assuré par Jeanne Mercier, co-fondatrice de la plateforme Afrique in Visu.
Les oeuvres de seize artistes photographes et vidéastes interrogent la puissance évocatrice des religions, superstitions et mythes du continent africain, revendiqué comme lieu d’expérimentation, de glissements, de frictions et de négociations.
Loin du panorama et des récits stéréotypés, les artistes se saisissent ici de façon poétique, critique ou décalée de la question du « croire », de ses conventions, pratiques et représentations.
Leurs oeuvres dialoguent entre réel et fiction, esquissant des croyances en mouvement, anticipant leurs possibles évolutions.

Entrons dans la transe
L’exposition projette d’abord les visiteurs dans l’univers de la transe. Ses vibrations sont perceptibles dans les photographies de Bruno Hadjih sur la pratique du wird dans la mystique soufie en Algérie, tandis que la vidéo de Léonard Pongo revisite les cérémonies pratiquées par les églises évangéliques en République Démocratique du Congo.

Djinns, esprits et autres êtres intermédiaires
Les artistes invités proposent également une réflexion sur les superstitions. Btihal Remli et Mohammed Laouli s’intéressent à la pratique de la « sorcellerie » et des rituels au Maroc. Dans Land of Ibeji, Bénédicte Kurzen et Sanne de Wilde mettent en scène les croyances autour des jumeaux au Nigéria. Nicola Lo Calzo livre quant à lui un récit sur le vaudou pratiqué au Bénin et au Togo, notamment avec la figure de Tchamba, celui qui incarne l’esprit des esclaves.

Corps sacrés
L’exposition fait ensuite dialoguer les trois monothéismes en interrogeant la pratique du sacrifice dans la série de portraits Ovine Condition de Nabil Boutros. La représentation de l’autorité religieuse séculaire devient un acte de résistance aux schémas dominants avec la série Black Pope de Samuel Fosso ou encore une allégorie féminine dans le travail mené depuis plusieurs années par Maïmouna Guerresi.

Voyage initiatique
La question du pélerinage traverse également l’exposition. Elle y est abordée de façon imagée, comme étape nécessaire d’un processus de transformation de soi. Éric Guglielmi photographie les pèlerins se rendant chaque année à Touba au Sénégal. De son côté, Giya Makondo-Wills capte le rite initiatique du baptême en Afrique du Sud tandis que Rahima Gambo orchestre une fable contemporaine sur la résilience suite aux exactions du groupe terroriste Boko Haram dans un village du Nigéria.

Dieu ou le wifi ?
Nos croyances futures sont anticipées par les artistes qui mixent les pratiques traditionnelles avec le digital. Josèfa Ntjam, Tabita Rezaire ou Seumboy VRAINOM : € créent ainsi des nouveaux rituels hybrides à l’ère de « l’homo-numericus ».

Performances et métamorphoses
L’exposition s’active lors de performances et s’accompagne d’une programmation pluridisciplinaire mêlant arts de la scène, tables rondes et films. La transe saharienne et l’électro indus fusionnent, le cérémonial mouride se métamorphose en expérience multimédia immersive et la pleine lune est célébrée lors d’une soirée alternative, tandis que des conférences et projections abordent le rôle des femmes dans la transmission des croyances, la manière dont les artistes rendent visible l’invisible, ou encore l’avènement de nouveaux sacrés. Enfin, le jeune public bénéficie d’une offre dédiée proposant des contes musicaux, des ciné-goûters et la réalisation d’un livre de recettes magiques.

Photo : The Necessary Evil, 2011 © Léonard Pongo

Dates

Juin 16 (Mardi) 11 h 00 min - Décembre 27 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

Institut des Cultures d’Islam

56, rue Stephenson 75018 Paris

Institut des Cultures d’Islam56, rue Stephenson 75018 ParisL’ICI est ouvert du mardi au dimanche de 11h à 19h sauf le vendredi de 16h à 20h. L’ICI est fermé le lundi et les jours fériés.

Calendrier GoogleCal

mar20oct(oct 20)10 h 00 min2021ven15jan(jan 15)18 h 00 minGenius LociFrançois MéchainChâteau Palmer, Lieu-dit Issan 33460, MargauxType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Du 20 octobre 2020 au 15 janvier 2021, Château Palmer présente Genius Loci, exposition d’oeuvres emblématiques du plasticien-photographe français François Méchain. Dans chaque espace arpenté pendant quarante-cinq ans – ses territoires intimes, sa région, comme de nombreux pays étrangers -, ce charentais de naissance trouva matière à imaginer des pièces complexes et singulières qu’il immortalisa sous son objectif. Empreinte de messages forts, engagés, sa manière sensible d’appréhender notre monde et le génie de ses lieux fait écho aux valeurs de Château Palmer.

Sculpteur-photographe, mais aussi « journaliste, géographe, biologiste, historien, sociologue amateur » selon ses termes, François Méchain est dès ses débuts un plasticien épris de nature et de voyage, exhortant le spectateur à réfléchir sur ce qu’il lui est donné à voir.
Entre 1978 et 1982, il réalisa ses Equivalences, séries de photographies poétiques et intimes interrogeant les pouvoirs de l’image, entre illusion et réalité. De 1988 à 1989, l’artiste nomade modela la nature environnante à travers d’énigmatiques sculptures végétales à l’épure géométrique, théâtralisées au sein de paysages naturels.
Photographiées, ces sculptures-fictions jettent encore le trouble sur le réel et sa représentation. Infatigable voyageur au coeur de vastes contrées plus lointaines, il réalisa de grandes installations In-Situ, dont les épreuves photographiques constituent l’aboutissement ultime d’un processus mettant en exergue tant des préoccupations environnementales que des réflexions philosophiques ou politiques, en fonction du contexte.

Durant quarante-cinq années de création, François Méchain n’eut de cesse d’élargir le cercle de ses intérêts et de son champ d’action. En premier, la sphère intime avec au centre ses Equivalences, puis le cercle spatial de ses sculptures-fictions avec le paysage avoisinant l’atelier. Enfin, la figure étendue du cercle à travers ses résidences et commandes à l’étranger (Finlande, Italie, Canada, Brésil, USA…), dans le cadre de ses In-Situ. Thème fondateur de la saison 2020 à Château Palmer, le cercle se retrouve également dans la scénographie de l’exposition présentant, entre autres, des dessins préparatoires, une sculpture, de grands formats photographiques d’In-Situ tels que Borgo en Italie, Le Chemin au Porc-épic au Québec, mais aussi L’Arbre aux Echelles du Domaine de Chaumont sur-
Loire et bien d’autres…

Avec Château Palmer, François Méchain partage son amour pour la terre-mère, l’humanité, l’art dans la nature, comme l’histoire et le génie des lieux. En effet, les vins de Château Palmer portent en eux l’histoire et la mémoire de leur terroir avec cette même générosité, ce même esprit de liberté, d’aventure, comme ces mêmes réflexions environnementales parcourant le corpus de l’artiste. Ils racontent aussi l’histoire d’hommes et de femmes voués avec passion à leur métier au Château, comme les In-Situ racontent les récits mémoriels d’hommes ayant marqué leurs terres.

Dates

Octobre 20 (Mardi) 10 h 00 min - Janvier 15 (Vendredi) 18 h 00 min

Lieu

Château Palmer

Lieu-dit Issan 33460, Margaux

Château PalmerLieu-dit Issan 33460, Margaux

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jeu08oct(oct 8)10 h 00 mindim20déc(déc 20)19 h 00 minPHOTO MARSEILLE 2020La Photographie Marseille Association LES ASSO(S), 76 Boulevard Louis Mazaudier 13012 MarseilleType d'événement:Festival,Photographie

sam11jul(jul 11)10 h 00 minjeu31déc(déc 31)17 h 00 minLa Boîte de PandoreUn cabinet de curiosités contemporainMusée Réattu, 10 Rue du Grand Prieuré, 13200 ArlesType d'événement:Art Contemporain,Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Le contexte
S’inspirant d’une série de photographies réalisée par Corinne Mercadier en 2019 dans une réserve de la commanderie Sainte-Luce et puisant son inspiration dans l’esthétique et l’esprit des cabinets de « curiosités », le nouvel accrochage des collections du musée Réattu érige la figure de Pandore en allégorie d’une mission fondamentale pour une institution labellisée « Musées de France » : le récolement.

Peu connu du grand public, le récolement est pourtant un exercice passionnant, qui consiste à vérifier la présence et l’appartenance légale de tout objet constituant une collection muséale. S’il est l’occasion de s’immerger en profondeur dans le corps des collections, il ouvre aussi, souvent, sur un abîme vertigineux d’inconnu et de recherche. Lorsqu’un fonds atteint, comme celui du Réattu, plusieurs milliers d’objets, le conservateur ne sait en effet pas toujours ce qui l’attend lorsqu’il pousse la porte d’une réserve, qu’il rouvre un grenier, une boîte ou une armoire ancienne mise de côté depuis des années… Et il ne sait pas toujours vers quelles histoires les objets vont le mener.

Parfois, ce sont les artistes invités par le musée qui ont joué les éclaireurs. Explorant les lieux les plus improbables, ils ont incité les conservateurs à s’interroger et à se renseigner sur des patrimoines moins connus ou d’un intérêt a priori secondaire pour la recherche. Ils ont aussi fixé sur pellicule des objets aujourd’hui disparus, doublant l’intérêt artistique de leurs œuvres d’une valeur mémorielle inestimable.

L’exposition
Cette exposition nous invite donc à suivre Pandore – dont la curiosité proverbiale, souvent prise en mal, est ici réhabilitée –, à ouvrir des chapitres peu connus de l’histoire d’Arles et du musée et a découvrir sous un nouveau jour des collections que l’on pensait connaître.

La présentation décline différents univers : « le cabinet de Pandore » évoque les réserves du musée, le mystère que recèlent certains objets ; « le cabinet des moulages » rappelle le temps des écoles de dessin d’Arles, dont la première fut créée par Jacques Réattu ; « le grand cabinet » et le « cabinet minéralogique » exposent, entre naturalia et artificialia, les vestiges du muséum d’histoire naturelle et de l’ancien hôpital d’Arles ; « le cabinet des archives » révèle les trésors de la bibliothèque du musée ; « le cabinet graphique » et « la chambre photographique » révèlent des pépites méconnues de ces riches collections ; enfin « le trésor », dans la chapelle Saint-Jean, évoque le passé des églises et chapelles arlésiennes.

Ces objets insolites – animaux naturalisés, moulages de plâtre anciens, objets liturgiques etc. – dont le musée s’est retrouvé dépositaire au cours de son histoire, sont mis en regard d’œuvres contemporaines issues des collections ou empruntées pour l’occasion, qui invitent toutes à s’interroger sur le devenir de ces précieux patrimoines.

Les artistes exposés:
Les artistes exposés: Mark Alsterlind / Dieter Appelt / Patrick Bailly-Maître-Grand / Guillaume Barrême de Châteaufort / Charles Antoine Baron / Antonio Beato / Roger Bezombes / Werner Bischof / Pierre Buraglio / François Burgun / Pol Bury / Francisco Cano y Guerra / Armand-Charles Caraffe / Lucien Clergue / Jean Cocteau / Jean-Antoine Constantin / Meiffren Conte / Richard Cosway / Antoine Coypel / Claude Mathieu Delagardette / Bernard Descamps / Guillaume-Marius Dieudonné / Robert Doisneau / Albrecht Dürer / Véronique Ellena / Joseph Felon / Claude-André Férigoule / Charles Fréger / Daniel & Geo Fuchs / Matthieu Gafsou / Marc Garanger / Brigitte Garcia / Paul Gauguin / Patricia de Gorostarzu / François-Marius Granet / François de Hérain / Suzanne Hetzel / Katerina Jebb / Mimmo Jodice / Simon Julien / François Kollar / Bogdan Konopka / Christian Lacroix / Alfred Latour / Claude Mellan / Marino Marini / Corinne Mercadier / Tomas Monserrat / Pierre Parrocel / Pablo Picasso / Jean Baptiste Marie Pierre / Bernard Plossu / Mario Prassinos / Antoine Raspal / Jacques Réattu / René-Jacques / René Richard-Gall / Dominique Roman / Henri-Émilien Rousseau / Xavier Sigalon / John Stewart / Yves Trémorin / Jerry Uelsmann / André Villers / Vincent Voillat / Ossip Zadkine / Ton Zwerver

Commissariat:
Andy Neyrotti.
Responsable du pôle étude, conservation et diffusion des collections du musée Réattu.

Photo : Corinne Mercadier, Pandora, série de vive mémoire 2019 © Courtesy Galerie les Filles du Calvaire / Fondation des Treilles

Dates

Juillet 11 (Samedi) 10 h 00 min - Décembre 31 (Jeudi) 17 h 00 min

Lieu

Musée Réattu

10 Rue du Grand Prieuré, 13200 Arles

Musée Réattu10 Rue du Grand Prieuré, 13200 ArlesOuvert tous les jours de 10h à 17h sauf le lundi

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