16 août 2017

#Europe #Video

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Type d'événement

Type d'événement 2

Lieu de l'événement

Organisateur de l'événement

sam29aou(aou 29)10 h 00 minsam26sep(sep 26)19 h 00 minFREESTyLE = CLAQUEMENTs DE CUISSEHendrik Hegray Galerie Valeria Cetraro, 16, rue Caffarelli 75003 ParisType d'événement:Art Contemporain,Exposition,Photographie

Détail de l'événement

UN TITRE ET SA JUSTE MYSTIFICATION.
D’abord il y a des images libres, des icônes photographiques en FREESTyLE, libre de droit, ensuite il y a ce qu’elles représentent, ou peuvent représenter, selon mon désir, selon mon bon plaisir : un claquement de cuisses.

VISIONS, SUEURS.
De ce fait, dans cette exposition, il y a les images tout autour de nous et en nous, alors ensuite seulement la contamination arrive avec son lot intempestif, le facteur humain : c’est la sueur de l’action de l’artiste. Comme la mince différence entre une chemise propre et une chemise portée, la sueur est passée par là. Une différence infra-mince mais de taille pour ceux qui savent.

LUNA-PARK, PARC À THÈMES ET SYSTÈME DU TRAITEMENT DES EAUX.
L’expo est comme une pleine lune à la Foire du Trône. Visions nocturnes dans un parc. Un parc composé de plusieurs activités : il y a la grande roue, the Wall; un ensemble de photographies format A4 en portraits disposées sur un grand mur. Il y a la femme à barbe dans l’arrière fond, ce sont les Collages; productions qui mettent en avant des corps dans une position d’exhibition. Plus loin, il y a un film-vidéo qui nous intime de nous souvenir; nous sommes voyeurs dans un flot de mémoire : le cinéma a commencé aussi dans une foire. On diffusera la vidéo depuis un moniteur devant 2 bons gros fauteuils. Et puis il y a quelques Catalogues, disposés ça et là, pour tenter de nous faire comprendre, attendre ce qui ne viendra pas. : le traitement systématique du flot des images.

BAD DRAWING ET BAD SHOOTING SONT SUR UN BATEAU…
HH : « — Plus aucun traitement a posteriori des images, elles valent pour ce qu’elles sont: des photos low-tech prises en 2011 / 2012 avec un Nokia primitif. » On pourrait tisser une ligne méridienne historique sur les interventions d’artistes utilisant leur vie pour sujet photographique : DUCHAMP-KLEIN-FICHLI&WEISS-GUIBERT-MESTE-SOBAC-HEGRAY

WELCOME TO PLEASUREDOME
Mais Regardons de plus près ces images prises avec ce vieux Nokia, juste pour voir entrons dans l’espace. Quelles sont ces photographies qu’a disposées Hendrik Hegray? On perçoit quelques personnages dont on imagine le partage avec l’auteur d’une intimité, et des espace de vie démontrant la collusion entre travail et vie privée. Il s’agit d’inscrire l’intime dans le contexte. La vie privée de vie privée.

UNHEIMLICH PLASTIC
HH:—« Les photos prises pendant cette période (2011/2012 nda) ne correspondent à aucune causalité ni préméditation. Elles correspondent seulement aux photos que je prends habituellement dans mon environnement du moment avec le matériel que je possède. Rétrospectivement ces photos constituent pour moi un corpus d’une grande valeur, à la fois document d’un segment de ma vie et par leur plasticité étrange. (…) »

DOUBLE B(L)IND ou LA DOUBLE OCCLUSION VISUELLE.
« (…) Double rupture : visuelle, le médium étant cette fois-ci uniquement la photographie; temporelle, elle renvoie directement à une époque révolue, figée dans le passé. Ma motivation de montrer ces images découle d’une volonté à nouveau (…) de manipuler des éléments de mon propre passé. Associé à des collages et d’autres oeuvres très récentes, cet ensemble accentue le désir de provoquer des allers-retours temporels. »

DES ALLERS-RETOURS TEMPORELS : DOWNGRADING DU TEMPS PRÉSENT.
HH n’est pas le premier et certainement pas le dernier, mais on constate la singularité de cette praxis, monstration d’éléments déjà utilisés, déjà montrés. Et dans ce principe d’alternance, de recyclage, le dispositif employé se stabilise de manière encore plus prégnante dans le temps présent.

« MY LIFE IS MY WORK » : DE L’ESTHÉTIQUE DE LA BANALITÉ.
Hegray reprend cette idée des années 1990, on se souvient de Georges Toni-Stoll ou Nan Goldin, voire Mark Morrisroe ou Philip-Lorca diCorcia pour la façon dont tous ont eu pour base antiesthétique du banal, la documentation du quotidien (les finalités sont bien sur différentes) pour photographier quelque chose de nouveau.

LE PARAPLUIE AVEC UNE MACHINE À COUDRE : LE CHAOS ET LE QUOTIDIEN.
chez Hegray, on dénote tout particulièrement dans l’utilisation du médium photographique une propension a inscrire le réel dans son geste quotidien vers une perspective de grande abstraction.
Ce dont certains ne perçoivent pas, c’est qu’elle est en mesure avec une dimension proprement cosmique. On pourrait surnommer cela le Chaotidien. Ce néologisme prend racine depuis longtemps dans son travail , autant que dans la présentation du dit travail.

PRAXIS VERSUS BIOGRAPHIE : PROUST CONTRE SAINTE-BEUVE
Plusieurs gestes se réfèrent à la production qui nous est montrée : l’assemblage de photographies.
D’abord il y a les images qui vont constituer la matière première de ce qui sera portée à notre connaissance, ensuite le régime dans lesquelles elles peuvent être présentées : Wall, collage, film.
On se dit que l’ordre de succession des images peut paraître aléatoire, HH pourrai très probablement proposer un autre agencement d’ailleurs, puisque la signification des images prend sens, plus de la façon dont elles sont assemblées que de leur signification intrinsèque. Même si on peut reconnaître des compagnons de route sur ces portraits, d’un seul coup l’aspect personnel de la vie de l’artiste, sa biographie, prend une importance délétère. Proust contre Sainte-Beuve. On ne peut justifier le geste de l’artiste par cette seule inscription biographique et ici, dans cette matière, la beauté prévaut lorsque ces images personnelles rejoignent l’ensemble.

LA BEAUTÉ COMME INJONCTION D’ÉLOIGNEMENT.
Sortie de la provocation de ce titre, on se trouve cerné dans la tentative de concevoir esthétiquement ces images dans cette exposition. On semble contraint de fuir au principe traditionnel de la beauté. Avec évidence, ces images face à nous heurte le dit bon gout.

CIRCULEZ IL Y A RIEN À VOIR.
Ces images provenant du Wall, des collages ou bien du montage vidéo n’ont rien à vendre, affirmerait un spécialiste en visuel de pub. Il y a une propension chez Hegray, à remiser les canons classiques dans des endroits reculés, hors d’atteinte du tout commun. Il transforme, transmute l’ acte de photographier low-tech en un acte supérieur. C’est presque une attitude de dandy qu’on pourrait subodorer dans le mouvement humoristique à désigner la banalité, mais surtout on pressent une détermination à produire des images totalement irrécupérables, en cautionnant l’adage du principe de délicatesse.

FAUT-IL BRÛLER HENDRIK HEGRAY?.
UNCANNY RATED « R ».
ses conceptions en matière de bon goût peuvent surprendre, tant il se plait à ravir vers d’étranges limites ce qui constituent nos propres repères. Il a un amour invétéré pour l’informe, et pour l’obscénité de ses images dont l’obsolescence programmée est intégrée; on peut la croire fortuite et superficielle, mais la recherche de l’obscène relève en fait d’une véritable ascèse et d’une réflexion sur notre monde spectaculaire, éprouvée paradoxalement par sa pratique instinctive de la sélection.

HONKY-TONK LIGHT MAN.
C’est dans cette logique toute apparente qu’il se méfie de tous schémas narratifs qui viendrait faire sens, nous délivrer d’un message, il laisse cela à la fascination des parcs à thèmes, Luna-Park qu’il ne dénigre pas, bien au contraire. Sous le bordel apparent de la glorification de l’authentique sous-culture répugnante —à l’instar d’un « claquement de cuisses » qui le confirme—, l’esprit scandaleux d’Hendrik Hegray veille et cache des trésors d’une lumière éblouissante.

UNCANNY RATED « X ».
le principe de délicatesse, cité plus haut, se constate aisément dans la nature de ses collages. On devine par déchirements, décadrements, attaches, le jeu subtil du perçu et du non-perçu la force érotique de la suggestion. On peut même convenir ici à disposer des éléments de rapports de domination placé comme pouvoir parallèle de production.

RAPPORTS DE CLASSE ÉROTIQUE : MISE À L’ÉPREUVE.
On retrouve dans les collages, disposés en double non frontalement les signes d’une présence/ absence du désir lié au corps. Ainsi la casquette en cuir dans « Entrée dans l’artiste », ainsi la disposition en éventail des magazines BDSM dans « Gonzo Panini ». On se joue de nous, tout est bon quand il est excessif disait un vieux : on nous montre de l’immontrable, sans pour autant le montrer! Pratique du Waxplay dans « Purple Wax », ou bien encore le masque en cuir dans « Bonny Tylerfish » qu’on devine seulement car le sujet est shooté en profil perdu. Alors les non-initiés à la pratique du masque ou du face-sitting, peuvent passer aisément leur chemin sans avoir vu ce qui devait être vu, attardant le regard sur autre chose, de plus obscène, de plus évident : une sardine érectile venant narguer la chevelure blonde, on imagine l’odeur s’en imprégner.

ÉROTISME ANESTHÉSIQUE ≠ ÉRÉTHISME
C’est le parcours de la violence des images et de son double jeu, classique autant que caduque. Soit les images perçues dans cet espace nous anesthésient, répondant à l’excès, contre cette irritation sollicitée , soit elles nous suscitent, aussi la correspondance est donc établie tout autant.

HARDCORE CLASSIC
on a compris que Hendrik Hegray peut fait faire feu de tout bois. Ce qui importe pour lui c’est le geste, de celui qui choisit, déplace, sélectionne. L’art se retrouve dans sa fonction la plus stricte, la plus restreinte. L’origine, la référence, la conséquence, bref tout ce qui fait Culture, tout ce qui est bordé de nouilles n’est même pas rejeté, il est juste désactivé, dévitalisé, offert en guenilles, ruine des images devant notre regard. Au final, cela nous enjoint à nous questionner :

QUI EST-IL? D’OÙ VIENT-IL? FORMI-DABLE ARTISTE DES TEMPS NOUVEAUX!
Il possède encore l’allure et l’énergie tenace, révoltante et révoltée d’un jeune homme. Faire sa rencontre suscite des sentiments contradictoires, mais ne laisse jamais indifférent. Sous son flegme, un humour corrosif et hâbleur. HH s’avère d’une franchise déconcertante.

BRUTALE ÉCHAPPÉE DE L’ASILE DES CATÉGORIES
Hendrik Hegray dessine, voyage, joue du piano debout, enregistre sous des pseudonymes divers le son caractéristique du rouleau de scotch qui se dévide, fait des collages à partir de photos perdues, des flyers à partir de rien et des pochettes comiques de disques. Il rature, peint, biffe et expose, s’occupe d’un label de vinyls noise, rock abrasif expérimental ou technoïde, et il a co-fondé (avec Jonas Delaborde) NAZI KNIFE et FALSE FLAG, deux graphzines collectif international — USA, Italie, UK, Finlande, Japon, Jamaïque, France…— dont l’importance historique se confirme quant à incarner les conséquences d’un art dégénéré, bref on ne peut se résoudre à classer Hendrik Hegray dans une quelconque catégorie isolée. Cela fait d’ailleurs presque 15ans qu’il évite soigneusement toute étiquette liée à ses activités. Gardons en mémoire son style et le mouvement de cet évitement car ce sont des éléments fondateurs qui font que la politique de sa production soit irrécupérable, tant sur un plan esthétique, théorique que médiatique.

PES*

Dates

Août 29 (Samedi) 10 h 00 min - Septembre 26 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Valeria Cetraro

16, rue Caffarelli 75003 Paris

Calendrier GoogleCal

mar07jul(jul 7)10 h 00 minmer30sep(sep 30)19 h 00 min#LeicaAtHomeEspace Photographique du Leica Store, 105 - 109 rue du Faubourg Saint-Honoré 75008 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

sam26sep(sep 26)10 h 00 min2021dim17jan(jan 17)18 h 00 minL’instant qui fuitYves AuquierLe Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles, 11 Avenue Paul Pastur, 6032 Mont-sur-Marchienne, BelgiqueType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

L’exposition L’instant qui fuit retrace le parcours d’Yves Auquier. Photographe de l’intime, il s’intéresse au vivant, au temps qui passe, au familier et à l’instant fugitif, résumant lui-même sa transversalité par la notion de « réalisme intimiste ». Il travaille tout au long de sa carrière en noir et blanc et de façon sérielle, classant minutieusement ses négatifs dans des classeurs thématiques et compilant à partir de ceux-ci de nouveaux recueils. Il publie principalement ses séries sous forme de portfolios qu’il tire lui-même en argentique.
Dans Pays Noir, son premier livre, publié en 1970, Auquier dresse le portrait du pays de Charleroi. Il y voit grandeur et beauté quand d’autres, y compris les habitants du « Pays Noir », y voient noirceur et ruine. Il désire transmettre sa vision, partager par l’image, et y parvient grâce à la subtile simplicité et sensibilité de son geste.

La série les mineurs, publiée sous forme de recueil en 1975, met l’Homme au centre des photographies. La solitude, la camaraderie, la mine, l’obscurité et l’âpreté du labeur sont autant de sujets présents dans ces photographies. Yves Auquier capte des images spontanées, d’autres plus posées. Quelques années plus tard, en 1984, Yves Auquier part à la rencontre des Siciliens installés en Belgique. Dans sa série intitulée Sicilicum, il prend le temps de découvrir les habitudes de cette population immigrée.
Dans son portfolio Bruxelles, publié vers 1970, Auquier nous immerge dans un univers urbain : la saturation des lumières sur les routes, la vitesse, la foule, le mouvement omniprésent. Les images se succèdent et invitent à voyager à travers la ville assis sur le siège avant d’une voiture perdue dans le trafic ou accroché à la barre verticale d’un tram.
Son recueil de trente photographies en noir et blanc, la vie de famille, publié en 1970, s’intéresse à la cellule familiale. Les instants de vie s’écoulent sous l’objectif du photographe qui prend comme modèle sa propre famille. Les temps morts, ces interstices de vie quotidienne, ont la part belle dans la série. Siestes, repos méditatifs, lectures, jeux d’enfants, sont autant d’instants volés à l’appétit du temps. Le sujet des nageurs s’esquisse dans les films de la vie de famille. Photographiquement parlant, il utilise des cadrages rapprochés de ses sujets, ne laissant voir que les corps et l’eau, sans tenir compte du décor extérieur. L’élément liquide devient un sujet à part entière des photographies et envahit le champ de l’image : les ondulations de l’eau et les reflets modulent l’arrière-plan.
Après s’être attaché au genre humain, Yves Auquier s’intéresse au monde du vivant dans son ensemble, les plantes et les animaux devenant ses modèles. Comme dans le reste de sa production, l’atmosphère a une place maitresse dans ses photographies.
Avec cette modestie qui le caractérise, Yves Auquier évoque son travail en ces termes : « J’ai simplement fait des choses que j’aimais faire » et c’est bien dans la simplicité que son oeuvre déploie toute sa justesse.

Dates

Septembre 26 (Samedi) 10 h 00 min - Janvier 17 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Le Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles

11 Avenue Paul Pastur, 6032 Mont-sur-Marchienne, Belgique

Le Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles11 Avenue Paul Pastur, 6032 Mont-sur-Marchienne, BelgiqueLe musée est ouvert du mardi au dimanche, de 10h à 18h

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mer06mai(mai 6)10 h 00 minmer11nov(nov 11)18 h 00 minExpression(s) décoloniale(s)Romuald HazoumèChâteau des Ducs de Bretagne Courtine Saint-Pierre, 4 Place Marc Elder 44000 NantesType d'événement:Art Contemporain,Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Expression(s) décoloniale(s) au Château des ducs de Bretagne résonne avec l’engagement que la ville de Nantes a pris de faire face à son histoire.

Cette seconde saison propose aux visiteurs de confronter des approches historiques actuelles sur la Traite négrière, et de faire dialoguer des regards européens et africains sur cette histoire commune. La question de l’ancrage territorial dans le regard et le mode d’approche d’une même histoire est au centre de l’interrogation de la manifestation. Elle propose aux visiteurs de remettre en question leur point de vue, en découvrant d’autres discours historiques et sensibles, et de se laisser surprendre, dans un dialogue ininterrompu entre passé et présent.

L’invitation a été faite à un artiste contemporain majeur de la scène artistique africaine, Romuald Hazoumè, de mettre en place un parcours ponctué par ses oeuvres dans la cour du château et dans plusieurs salles du musée. Une vingtaine de pièces, dont certaines réalisées spécialement pour le musée d’histoire, viennent côtoyer les objets de collection.

Dates

Mai 6 (Mercredi) 10 h 00 min - Novembre 11 (Mercredi) 18 h 00 min

Lieu

Château des Ducs de Bretagne Courtine Saint-Pierre

4 Place Marc Elder 44000 Nantes

Château des Ducs de Bretagne Courtine Saint-Pierre4 Place Marc Elder 44000 Nantes10h à 18h, fermé le lundi. Du 1er juillet – 31 août : 10h à 19h, 7 jours/7

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jeu03sep(sep 3)11 h 00 mindim22nov(nov 22)19 h 00 minRaymond Cauchetier 100 ans !Galerie de l'Instant, 46 rue de Poitou 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Après une première exposition hommage au travail de Raymond Cauchetier en 2015, nous sommes heureux de présenter une seconde exposition d’images totalement inédites, célébrant les 100 ans de ce photographe unique !

J’ai eu la chance de découvrir en passant du temps chez Raymond et son épouse Kaoru, les extraordinaires archives des tournages auxquels il participa. Grâce à cette confiance, j’ai eu un accès total pendant des semaines à une autre époque, à travers ces innombrables classeurs si méticuleusement classés. La difficulté fut de se limiter dans le nombre d’images, tant le cadrage, la lumière, les scènes photographiées étaient belles, pures et lumineuses !

Après avoir été reporter lors de la guerre d’Indochine dans les années 50, Raymond Cauchetier rentra en France et débuta une carrière de photographe de plateau l’été 1959 aux côtés de Jean-Luc Godard sur le tournage du cultissime « À bout de souffle », film emblématique de la Nouvelle Vague, ce mouvement de réalisateurs cinéphiles qui dura une dizaine d’années, de la fin des années 50 à la fin des années 60.

Raymond devint ainsi le témoin privilégié de nombreux films essentiels de ce mouvement : « Jules et Jim », « Lola », « Une femme est une femme », « La Peau Douce », « Baisers volés », « La Baie des Anges »…et le complice de ces jeunes artistes, réalisateurs et acteurs dont la vitalité et la fraîcheur allaient révolutionner le cinéma d’auteur : Claude Chabrol, Jean-Luc Godard, François Truffaut, Jacques Demy, Jean-Paul Belmondo, Jean Seberg, Jeanne Moreau, Anna Karina, Jean-Claude Brialy, Françoise Dorléac, Jean-Pierre Léaud, Anouk Aimée…

Il sut traduire en images cet élan de la jeunesse, cette spontanéité, chère à la Nouvelle Vague, et aujourd’hui encore le sentiment de liberté, de naturel qui s’en dégage nous laisse rêveur, et nostalgique.

François Truffaut disait : « le film de demain sera un acte d’amour », il me semble bien que cette définition s’applique également aux photographies de Raymond Cauchetier, sans cet amour, elles n’auraient pu exister.

Dates

Septembre 3 (Jeudi) 11 h 00 min - Novembre 22 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

Galerie de l'Instant

46 rue de Poitou 75003 Paris

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