7 août 2017

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Type d'événement

Type d'événement 2

Lieu de l'événement

Organisateur de l'événement

mar08sep11 h 00 minjeu08oct19 h 00 minDésindustrialisationPeter Mitchell & John MyersGalerie Clémentine de la Féronnière, 51 Rue Saint-Louis en l'Île, 75004 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Les photographiques britanniques John Myers et Peter Mitchell s’exposent ensemble pour la première fois, avec une thématique identitaire de leur oeuvre et pourtant peu explorée.
John Myers lui-même est à l’origine de cette exposition, qui rend compte de la transformation du paysage causée par la désindustrialisation brutale du Nord de l’Angleterre au début des années 1980.

On connait l’importance de ces deux auteurs britanniques : Peter Mitchell, dresse le portrait des habitants de Leeds dans sa série « Nouveau Démenti de la Mission Spatiale Viking 4 », première exposition de photographies couleurs en Angleterre (1979), redécouverte quelques années plus tard aux Rencontres d’Arles en 2016, à la galerie en 2017 et présentée à partir du 26/09 au musée de la photographie de Charleroi. John Myers, dont l’oeuvre noir et blanc est ultra-classique, s’inscrit dans la lignée de la photographie documentaire, ici teintée d’une certaine austérité, celle de l’Angleterre de Margaret Thatcher.
Il a récemment réédité l’ensemble de son oeuvre en trois volumes : The Portraits et Looking at the Overlooked (exposées à la galerie en 2019), et enfin The End of Industry, dont nous parlons ici.

Le thème de la désindustrialisation du Royaume-Uni, est donc la trame de fond de cette exposition, curatée par John Myers. Ses propres photographies sont prises entre 1981 et 1988, dans la région des West Midlands, située à l’Ouest de Birmingham, surnommée ‘The Black Country’. Pendant la révolution industrielle, elle a été la région la plus développée de l’Angleterre, avec ses mines de charbon, ses forges, ses usines métallurgiques et de fabrication de briques. ‘The Black Country’ est touché de plein fouet au début des années 1980 par la crise. Dépôt de bilan, fermetures d’usines, laissent au chômage des milliers de personnes.
Les usines sont abandonnées, transformées en lieu de stockages ou bureaux, puis en zones d’activités, distribution, logistique et autres promotions immobilières. C’est ce changement rapide et irréversible que John Myers saisit avec une certaine brutalité.

Il sélectionne et édite ensuite la série de photographies en couleurs de son acolyte Peter Mitchell présentée ici. Il choisit de mélanger ainsi deux écritures très différentes, délayant sans aucun doute la brutalité de leur temporalité, leur donnant aussi un certain recul, quarante années plus tard. Pour sélectionner les images couleurs de Peter Mitchell, il parcourt plus de 500 négatifs inédits. On y redécouvre le Leeds de Peter Mitchell sous un regard différent, les strates d’une ville empreinte d’histoire, exposée aux changements urbains des années 1970 puis des années 1980. Des hôtels victoriens aux barres d’immeubles en béton, l’asphalte, le macadam, tout cela dans le cadre carré caractéristique et l’ambiance grinçante de Peter Mitchell.

Dates

Septembre 8 (Mardi) 11 h 00 min - Octobre 8 (Jeudi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Clémentine de la Féronnière

51 Rue Saint-Louis en l'Île, 75004 Paris

Galerie Clémentine de la Féronnière51 Rue Saint-Louis en l'Île, 75004 ParisOuvert du mardi au samedi de 11h à 19h

Calendrier GoogleCal

sam05sep(sep 5)11 h 00 minsam31oct(oct 31)19 h 00 minLa Figure et le LieuRanda MaroufiGalerie Paris-Beijing, 62, rue de Turbigo 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie,Vidéo

Détail de l'événement

Diplômée de l’Institut National des Beaux-Arts de Tétouan, de l’École Supérieure des Beaux- Arts d’Angers (France) ainsi que du Fresnoy (France), Randa Maroufi s’intéresse à la mise en scène des corps dans l’espace public ou intime. Une démarche souvent politique qui revendique l’ambiguïté pour questionner le statut des images et les limites de la représentation. Performance, photographie et vidéo, cet ensemble de médiums permet à l’artiste d’être au cœur des enjeux actuels, propres aux relations entre cinéma et art contemporain.

Depuis ses débuts, l’artiste sculpte par l’image, une galerie de personnages et de lieux. Ainsi, avec les séries photographiques Reconstitutions (2013) et Les Intruses (2018), les rapports conflictuels entre les hommes et les femmes constituent les fondamentaux d’une démarche en devenir.

Présentée à la galerie sous forme de vidéo stills encadrées en boites lumineuses, la série les intruses se propose de fédérer les habitants de Barbès autour d’une œuvre sur le partage de l’espace public entre les femmes et les hommes. Le temps d’une prise de vue, l’artiste inverse les rôles et met en scène une occupation majoritairement féminine de certains sites, habituellement fréquentés par des hommes.

Entre fiction et documentaire, Randa Maroufi travaille aussi comme une glaneuse d’images sur le web. Avec ses collectes, elle cultive la curiosité, l’observation de ses semblables, dans leurs dimensions les plus étranges et leurs préoccupations quotidiennes et numériques.

Cela se traduit dans le film Le ParK (2015), tourné à Casablanca avec des jeunes dans un parc forain aujourd’hui à l’abandon. Au milieu des débris et des manèges rouillés, des personnages immobiles et et impénétrables sont saisis par la caméra en errance, dans un long travelling traversant les murs défraîchis. Ils jouent, rient, s’étonnent, regardent dans le vague ou se battent, figés dans une position d’attente.

Alors que l’atmosphère générale du film privilégie le calme et la quiétude, un judicieux travail sur les raccords entre les séquences suspend le temps et met mal à l’aise le regardeur. Une violence imminente et étouffée s’infuse dans les images. En filigrane, on comprend que ces jeunes gens filmés en groupe se mettent en scène et posent pour être pris en photo : pour cette « génération Facebook », ce qui compte, c’est d’être vue.

Inspirées des photographies issues des réseaux sociaux, ces scènes de vie, d’ailleurs coupées de leur contexte, révèlent la théâtralité du quotidien. Entre réalité et fiction, Randa Maroufi brouille les pistes et questionne ainsi la construction des images et la manipulation du réel. Si la forme est volontairement ambiguë, le discours l’est bien moins. De fait politique, sans volonté politicienne, Randa Maroufi tente de regarder bien en face une époque aux enjeux et aux formes de violences multiples.

Randa Maroufi est née à Casablanca en 1987, elle vit et travaille à Paris. Diplomée de l’Institut National des Beaux-Arts de Tétouan, de l’École Supérieure des Beaux- Arts d’Angers (France) ainsi que du Fresnoy (France), elle a été membre artiste à la Casa de Velázquez – l’Académie de France à Madrid en 2017-2018.

Son travail a été présenté lors de La Biennale de Marrakech en 2014, Les Rencontres de Bamako en 2015, le Festival international du film de Rotterdam en 2016, La Videonale Bonn en 2017, la Biennale de Sharjah au Liban en 2017, la Biennale de Dakar en 2018, la Biennale do Mercosul  au Brésil en 2018, etc.

Son film Le Park a reçu une vingtaine de prix et a intégré la Collection Nationale du CNAP (Centre National des Arts Plastiques). En 2019, elle gagne l’appel à projet « Embellir Paris » lancé par la ville avec sa série Les intruses.

Dates

Septembre 5 (Samedi) 11 h 00 min - Octobre 31 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Paris-Beijing

62, rue de Turbigo 75003 Paris

Galerie Paris-Beijing62, rue de Turbigo 75003 ParisOuvert du mardi au samedi de 11h à 19h

Calendrier GoogleCal

jeu17sep14 h 00 minsam17oct19 h 00 minJorge Amat en démineur des songesgalerie Raulin-Pompidou, 37 rue Chanzy 75011 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Tout commence avec les rêves, instable soubassement des nuées du réel – à croire que l’image en procède. Les globes oculaires roulent dans l’orbe des mondes et s’emplissent « des ombres et des reflets qu’on voit dans les eaux » (Platon). Pour Jorge Amat, cinéaste libertaire engagé, maître du reportage rétrospectif et du film documentaire mêlant plans fixes et paroles vivantes, la pratique du montage est à ce point prioritaire que, s’arrêtant aujourd’hui au plan, à l’image, il va effectuer sur celle-ci une investigation verticale, en profondeur comme en surface, au moyen du collage interprétatif, d’un exercice de détournement narratif quasi allégorique, de dramatisation baroque d’une représentation conventionnelle (clichés de famille, photos anciennes) ou privilégiée (ruines, intérieurs délabrés, paysages photographiés pour leur instance évocatoire). L’image devient en soi invitation onirique, manière de séance filmique instantanée. Aussi, peu importe qu’elle soit prise sur le vif, en maraude dans les labyrinthes intriqués de la réalité et de la mémoire, ou pêchée à main nue dans quelque vieille boite à chaussures ou album séculaire au fond d’une brocante.
La magie de la photographie argentique, cette fixation de l’image par usage de procédés physico-chimiques, réside dans sa possibilité même : que le regard puisse s’objectiver “sans recours aux transmissions toutes conventionnelles d’un langage” (Paul Valéry), tient son prodige de la nature photonique de la lumière et des vertus afférentes des sels d’argent.

Par sérendipité – un de ces heureux hasard transformés en expérience –, on aurait pu découvrir bien avant Niepce et Daguerre, au secret de quelque chambre noire circonstancielle, le principe de l’impression optique, grâce au bitume d’argent connu depuis l’Antiquité. À côté de la photographie numérique, l’effet miraculeux de véronique (ou d’image d’Edesse) des bons vieux calotypes demeure pour nous à peu près intact : l’instant qui passe, fixé dans son mouvement subtil et son détail, toute cette fugacité expressive que le peintre a longtemps induit sans vraiment la circonscrire, depuis les Bellini, Léonard ou Bruegel – et bien avant que ne tente de l’investir plus tard, au terme du décrochement figuratif, l’abstraction en ses diverses approches –, gardent leur mystère sous forme d’icônes labiles, empreintes des passions défuntes ou simples pelures du temps. C’est en 1800 que Wedgwood conçut ce qu’il nomme “le dessin photographique”; d’emblée, l’écriture de la lumière fut donc pensée comme une captation d’essence esthétique. Mais après Talbot et Nadar, l’impression objective de l’image vint concurrencer la peinture tout en libérant celle-ci d’un stade du miroir multiséculaire. Au-delà du pictorialisme, à mesure que les perfectionnements de la technique rapprochaient du simple regard les modalités d’investigation photographique, Man Ray, Raoul Ubac, Brassaï, Wols et quelques autres interrogèrent souvent en peintres ce mode d’effraction des apparences.

De tempérament baroque, avec des échappées de funambule ou d’homme-oiseau épris du vertige des perspectives, Jorge Amat poursuit son énigmatique exercice d’effeuillage intrapsychique. En cette partie très disserte de ses chroniques du regard, il collecte les supports avec une ivresse d’iconolâtre sacrilège. L’oxymore règne dans ces productions néo-picturales qui mettent en jeu les violentes dualités du sexe et de la mort, des traditions les plus consensuelles et de leur jubilatoire profanation, du sacré toujours agissant au revers de ses allègres violations. Le croisement (du vivant et de l’inerte), les fastes réversibles du vêtu et du dévêtu, de l’exhibé et du dissimulé, l’invocation théâtrale de la Mort, squelettes et sépulcres, sur fond de déliquescence archéologique ou paysagère, de menace de ruine et d’effacement : symbolisme et matiérisme partout s’opposent et s’étreignent. Tout est palimpseste dans l’œil du rêveur. Amat récupère et recycle en courtier d’un autre monde les accessoires oubliés, objets orphelins des rues, des décharges enchantées ou des arrière-boutiques.
Détournées avec une ferveur nécrophile, les photos de mariage, rurales, populaires ou façon Belle Époque, les intérieurs pourrissants avec ou sans personnages, toutes les épaves des vies closes exaltées dans leurs immersions chimériques, subissent pareillement le travail du rêve : altération, distorsion, hybridation. Amat nous instruit des lendemains de l’apocalypse, en héritier du surréalisme bunuélien comme de l’art espagnol des vanités.

Passer une nuit en prison, dit à peu près Werner Herzog, peut être une bonne chose si cela permet de réussir une photo. Dans cet esprit, l’intrépide Amat n’hésiterait pas à loger une nuit en enfer. Son théâtre baroque où défilent les cimetières et les palais, les souterrains pulvérulents et les cabinets d’illusions semble n’avoir pour principe et enjeu que les métamorphoses de l’apparence entre l’abîme des coulisses et les ténèbres de l’avant-scène. L’art est une machine infernale qu’il faut savoir manier en démineur.

Hubert Haddad

Dates

Septembre 17 (Jeudi) 14 h 00 min - Octobre 17 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

galerie Raulin-Pompidou

37 rue Chanzy 75011 Paris

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jeu03sep(sep 3)0 h 00 minven25(sep 25)0 h 00 minLes têtes à têtes des Filles de la Photo Organisateur: Les Filles de la Photo Type d'événement:Lectures de Portfolio,Photographie

Détail de l'événement

LES TÊTE-À-TÊTE DES FILLES DE LA PHOTO. DES ENTRETIENS PRATIQUES ET STRATÉGIQUES POUR LES FEMMES PHOTOGRAPHES

Témoin des disparités entre femmes et hommes photographes dans leurs parcours de reconnaissance, l’Observatoire de la Mixité nous a permis de constater que les femmes photographes candidatent moins dans les domaines où les processus de sélection sont informels, dans des environnements où le réseau, l’interpersonnel, la confiance en soi et l’audace ont une forte influence.

En réponse à cette disparité, les Filles de la Photo se mobilisent. A la suite du programme de Mentorat des Filles de la Photo, l’association propose les « Tête-à-Tête » : des entretiens pratiques et stratégiques pour les femmes photographes. Experts de différents métiers de l’écosystème (achat d’art, galeries, édition, iconographie, jurys de prix photos, mécénat, commissariat d’exposition …) sont là pour vous rencontrer et vous donner des conseils pratiques et bienveillants afin de valoriser votre travail et développer votre carrière. Il s’agira de répondre à vos questions, comme par exemple :

« Je voudrais développer les commandes, comment approcher les services d’achat d’art et que dois-je mettre dans mon dossier ? »

« Comment puis-je améliorer mon dossier de candidature à ce prix photo / ce festival ? »

« Quels sont les pré-requis pour être sélectionnée par une galerie ? »

« Quelle est la meilleure façon de m’y prendre pour développer mon travail dans la presse et les médias ? »

« Comment optimiser ma production de tirages dans le choix des formats et des quantités? »

LES TÊTE-À-TÊTE #1 AU CARRÉ BISSON
Le 1er rendez-vous des Tête-à-Tête aura lieu le 6 octobre 2020.

Lieu : Cadre en Seine au Carré Bisson

Créé sous l’impulsion de Cadre en Seine, le Carré Bisson est un pôle de synergies et de compétences autour de l’image.

Adresse : 10 bis rue Bisson 75020 Paris

Horaires : 18h-21h

Consultations de 25 minutes sur inscriptions (voir ci-dessous) dans la limite de deux rendez-vous par photographe

PAF : 5 euros / entretien

LES EXPERTES PRÉSENTES POUR CETTE PREMIÈRE ÉDITION
– Marguerite de Verdun / AGENT : Agent de photographes chez FMA le Bureau depuis six ans, notamment en charge de la recherche et du développement de la jeune création.

– Valérie Martinez / AGENT : Agent de photographes et fondatrice de Valérie Martinez Agency depuis une vingtaine d’années, active notamment dans le secteur du luxe.

– Camille Guerrier / ACHAT D’ART : Acheteuse d’art et productrice de contenu à l’agence de publicité W&Cie (et précédemment chez Devarrieuxvillaret & FF group – une quinzaine d’années d’expérience).

– Chantal Nedjib / PRIX PHOTO : Précédemment directrice de la communication de la banque HSBC où elle a créé le Prix HSBC pour la photographie dont elle est toujours membre du jury, elle a fondé l’agence de conseil en communication par la photographie « l’image par l’image ». Officier de l’ordre des Arts et Lettres, elle est co-auteur du livre ‘Prix Photo, Mode d’emploi’ (éd. Filigranes), et co-présidente des Filles de la Photo.

– Audrey Bazin / COMMISSARIAT D’EXPOSITION, GALERIE, PRIX PHOTO : Directrice de La Galerie Particulière pendant 8 ans, et actuellement directrice artistique du Prix Photo Camera Clara. En 2020, elle crée Pallas Athéna qui se donne pour but de créer des schémas économiques nouveaux alliant propositions artistiques et grandes problématiques sociétales.

– Françoise Vogt / MÉCÉNAT, PRESSE, MÉDIAS, PRIX PHOTO : Responsable du mécénat culturel en entreprise pendant plus de 10 ans, elle a dirigé le prix Carte blanche PMU, avec pour vocation de soutenir la création photographique contemporaine. Elle a récemment fondé l’agence Tropisme, qui conseille les photographes et coordonne leurs projets d’exposition.

– Corinne Hamel / PRESSE, MÉDIAS : Iconographe free-lance pour la presse, les agences de communication, l’édition, ainsi que pour de grandes institutions dans le secteur culturel. Elle est également spécialiste en gestion d’archives et en clarification de droits.

– Giulia Cappellin / EDITION, PRESSE, MÉDIAS : Rédactrice photo de l’édition italienne d’ELLE, avec dix ans d’expérience dans la presse hebdomadaire. Passionnée par la touche féminine dans les arts visuels, elle soutient l’originalité du regard des femmes pour briser les clichés de la presse « féminine ».

– F. Michèle Bergot / ANGLAIS, PROJETS À L’INTERNATIONAL : Bilingue, spécialisée dans l’interculturel et l’enseignement de l’anglais dans le domaine de l’image, elle propose une aide linguistique à la présentation de candidature (prix ou résidence d’artiste), d’un travail photographique ou audiovisuel, d’un projet artistique, destinés à l’international.

– Moïra Sykes Grassi / POST PRODUCTION : Ancienne directrice du département photo dans un grand studio de postproduction parisien, elle a fondé en 2017 la société de post-production/retouches photographiques et prints fine art Still Move Productions.

– Aurélie Wacquant / PRODUCTION LABO : Après avoir accompagné la jeune création dans différentes institutions de l’art contemporain en France et à l’étranger (Institut Français, Biennale d’art contemporain de Gwangju, des galeries dans le marais, Le Bal), depuis 2016, elle s’investit auprès de Cadre en Seine pour faire revivre le laboratoire photographique Choi, faire perdurer les techniques argentiques couleurs, noir et blanc et cibachrome et ouvrir le Carré Bisson.

COMMENT S’INSCRIRE ?
Si vous êtes une femme photographe professionnelle, les inscriptions vous sont ouvertes du 3 au 25 septembre 2020 sur la plateforme HelloAsso.

>> INSCRIPTIONS << Pour prendre rendez-vous avec les experts selon vos centres d’intérêts et les domaines que vous souhaitez développer. Il vous suffit de : 1 – Compléter le formulaire d’inscription, en précisant notamment votre site web et compte instagram ; 2 – Sélectionner les experts que vous voulez rencontrer, dans la limite de deux maximum ; 3 – Mentionner la problématique à développer et nous envoyant un dossier d’une vingtaine d’images (par exemple un dossier de candidature à un prix photo ou festival, book presse ou achat d’art). Une participation aux frais d’accueil vous sera demandée (PAF 5 euros par rendez-vous d’expert). Les Tête-à-Tête ont été conçus et organisés par Marie Moulin et Laurence Nahmias, acheteuses d’art, Joelle Ahoua, directrice de production et Florence Tadjeddine, entrepreneuse de la photographie et coach.

Dates

3 (Jeudi) 0 h 00 min - 25 (Vendredi) 0 h 00 min

Organisateur

Les Filles de la Photolesfillesdelaphoto.mentorat@gmail.com

En savoir plus

Calendrier GoogleCal

jeu17sep(sep 17)0 h 00 mindim15nov(nov 15)0 h 00 minMi paisajeJosé R. Cuervo-ArangoFondation Auer Ory pour la photographie, 10 rue du Couchant CH-1248 HermanceType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Je suis profondément motivé par l’ordre merveilleux et complexe que je perçois dans l’univers, et dont j’ai la sensation profonde de faire partie.
Je suis particulièrement attiré par la nature, et mon propos est de la comprendre et de la célébrer, car j’y trouve une source infinie de sens, de mystère et de plaisirs.
Je ne suis pas effrayé du lyrisme et de montrer mes émotions dans mon travail.

Biographie
José Ramón Cuervo-Arango est né le 23 juillet 1947 à Gijón, ville côtière des Asturies où il suit ses études au Collège des Jésuites de 1953 à 1964. Par tradition familiale, il étudie la médecine à l’Université de Salamanque de 1965 à 1971, suivi de 1972 à 1977 d’une spécialisation médicale dans les hôpitaux de Murcia, Oviedo et Santander. Entretemps, il s’est marié, des enfants sont nés: Maria Nieves en janvier et Beatriz en décembre 1971, des fils : Alberto en 1977 et Jorge en 1983. Un père aimant la photographie, un oncle photographe et tireur à Mexico font qu’il s’intéresse au médium dès 1970, date à laquelle il achète son premier appareil photo. En 1977, il s’installe dans sa ville natale et travaille comme médecin à l’Hôpital de la Sécurité Sociale. Il va traverser une période de clarification de ses idées, de ses concepts par rapport à lui-même et à son besoin créatif. Il réalise que la photographie est un langage artistique pouvant aboutir à un compromis sérieux avec ses moyens d’expression. Il entame alors un processus de formation autodidacte qui l’amène à trouver son propre langage axé sur l’interprétation de la lumière. Il part à Venise visiter l’exposition « Venezia’ 79 La Fotografia », l’année suivante, après une rencontre avec Aaron Siskind à Barcelone, il part à Providence aux Etats-Unis où Siskind professe à la chaire de photographie de la Rhode Island School of Design et rencontre Harry Callahan. De retour en Espagne en 1980, il fonde le groupe Zone V où il est actif durant une année et participe à la création de la revue Photo-Vision dont il rejoint l’équipe.
En 1981, ayant pris la décision d’exposer son travail, il réalise une série de nus de ses filles avec le mythique Polaroid SX-70. En 1982, il rencontre Richard Sadler à Arles qui l’introduit auprès de Raymond Moore, John Blakemore et Paul Hill en Angleterre. Son travail est représenté par la Galerie Forum à Tarragone et la Galerie Le Réverbère à Lyon. En 1985, photographe espagnol sélectionnée pour la première commande photographique européenne «Rives et rivages d’Europe», parrainé par les Autoroutes du Sud de la France. En 1986, il réalise le portfolio ‘Cementerios singulares asturianos’ commandité par le Conseil de culture de la Principauté des Asturies.

L’année suivante, il participe au second portfolio « 1986-1987 » de la Galerie Spectrum à Saragosse. Son catalogue « José R. Cuervo-Arango» Premio de Artes graficas de la Generalitat de Cataluña» accompagnant l’exposition au Musée des Beaux-Arts d’Asturies en 1987 est primé le meilleur catalogue de l’année. En 1998, il reçoit le Premio Ciudad de Oviedo de l’ Asociación Española de Médicos Escritores y Artistas qui sera suivi en 2009 du Premio Cajastur–XL Certamen Nacional de Arte de Luarca. En 2003, publication de son premier livre « Al otro lado del espejo », suivi de « Luz tocando plata » en 2010, de « Música de cámara » en 2017 et « Mi paisaje » en 2019. Le paysage et la nature sont ses thèmes de prédilection dès ses débuts de photographe, source d’inspiration inépuisable de sens et de mystère pour lui, avec ses nuances et spécificités en résonance avec son esprit romantique. Il utilise des appareils de grand (4×5 in) et moyen (6×6 cm) format, ainsi qu’un 35 mm à ses débuts. Il développe lui-même ses tirages argentiques. José R. Cuervo-Arango a une autre grande passion, la musique, dans laquelle il cherche l’inspiration, c’est pourquoi il tire ses images en formats différents pour qu’elles respirent le rythme et l’harmonie. Chacune de ses photographies est une sorte de petit poème, visuel bien entendu, nous entraînant sur le chemin de ses émotions devant le spectacle de la nature et de la vie. MOA

Dates

Septembre 17 (Jeudi) 0 h 00 min - Novembre 15 (Dimanche) 0 h 00 min

Lieu

Fondation Auer Ory pour la photographie

10 rue du Couchant CH-1248 Hermance

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