Name: Screen Love - Wait for me
Start: 2019-9-6T11-11-00-00
End: 2019-11-23T19-19-00-00
Location: Galerie Intervalle

7 août 2017

#Exposition #Pays de la Loire #Programmation estivale #Voyage

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mer06nov(nov 6)13 h 00 minsam21déc(déc 21)19 h 00 min« Le mur (dé)mesuré »Maus & BöselGalerie Folia, 13 rue de l'Abbaye 75006 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Le projet « Le mur (dé)mesuré » est une œuvre unique réalisée par les photographes allemands Philipp J. Bösel et Burkhard Maus entre le 21 et le 29 juillet 1984. Cette année-là, les deux photographes ont parcouru et immortalisé 18,3 km du mur de Berlin, du côté ouest. Le résultat de leur projet est unique et constitue probablement la documentation-photo la plus complète de la section des murs du centre-ville.

18,3 kilomètres du mur de Berlin vu de l’Ouest en 1984

Je crois que dans les années soixante-dix et quatre-vingt, le mur est devenu un nouveau symbole national dans le sens où Elias Canetti l’entendait. Le mur ayant succédé à la forêt. Les Allemands (des deux États) n’étaient plus unis et ne pouvaient pas faire l’expérience de leur inclusion dans le grand corps commun. Ils se sont reconstruits comme corps purifiés, séparés de l’histoire par le mur, en tant que corps d’une nouvelle époque de l’histoire, celle de la non guerre, celle de la division entre les blocs, la division dont l’expression la plus visible était le mur.

Klaus Theweleit,

Das land, das Ausland heißt , (1995)

Le pays qui s’appelle l’étranger (1995)

25 ans après la chute du mur de Berlin, la dimension historique de cette construction suscite à nouveau l’intérêt des médias. Considéré par l’Allemagne de l’Est comme un rempart antifasciste, le mur fait l’objet d’intenses débats autour de son importance en tant que patrimoine culturel mondial ou comme relique de la guerre froide. Cependant, une chose est sûre : les contours physiques du mur, dont la force de rayonnement symbolique demeure intacte, disparaissent progressivement de la mémoire collective.

Le projet photographique Le mur de Berlin vu de l’Ouest en 1984 se veut une plateforme pour une vision reconstructrice. Il s’agit assurément de la plus volumineuse documentation en images de la section du mur située en centre-ville, jamais réalisée en une séquence aussi concise. En 1984, une année orwellienne, Philipp J. Bösel et Burkhard Maus, deux photographes originaires de Cologne, partent pour Berlin et commencent à photographier la partie du mur qui sépare la ville en deux, ne répondant à aucune commande. En neuf jours au cours du mois de juin, ils produisent un document photographique sur le mur de Berlin vu de l’Ouest, à partir d’un concept strict, dans la forme et le contenu. Le but des deux photographes est de saisir de façon exhaustive tous les compartiments visibles du mur sur sa section centrale de 18 kilomètres. Bösel et Maus donnent alors à leur entreprise le titre ambigu de Die vermessene Mauer/ Le mur (dé)mesuré.

Rétrospectivement, le résultat du projet photographique peut être considéré comme unique en son genre. L’ensemble comporte 1144 photos en noir et blanc prises au négatif 4,5×6 centimètres. La démarche conceptuelle a été inspirée par la silhouette hermétique du mur. Les postes frontières qui signifiaient l’interruption visuelle et physique du mur n’ont pas été photographiés. La représentation voulait être neutre. L’unité des motifs noir et blanc a été obtenue en positionnant systématiquement l’arête des compartiments hauts de 3,6 mètres, sur le tiers supérieur de la photographie (la distance qui sépare l’appareil photo et le mur n’étant pas toujours identiques). L’alignement donne naissance à un panorama qui permet d’appréhender le mur de Berlin comme un continuum spatial. Les textures du mur attirent spontanément le regard, tout comme les innombrables graffitis et les professions de foi politiques, considérées comme des témoignages de l’histoire. À la fois document historique et photographique, Le mur de Berlin vu de l’Ouest en 1984 est une pièce unique de l’histoire allemande récente.

Christoph Schaden

Dates

Novembre 6 (Mercredi) 13 h 00 min - Décembre 21 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Folia

13 rue de l'Abbaye 75006 Paris

Galerie Folia13 rue de l'Abbaye 75006 ParisOuvert du mardi au vendredi de 13h à 19h Le samedi à partir de 11h

Calendrier GoogleCal

ven06sep(sep 6)11 h 00 minsam23nov(nov 23)19 h 00 minScreen Love - Wait for meJulien MignotGalerie Intervalle, 12 rue Jouye Rouve 75020 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

mer11sep(sep 11)10 h 00 mindim24nov(nov 24)18 h 00 minLIBAN, RÉALITÉS & FICTIONSExposition CollectiveInstitut du Monde Arabe, 1 Rue des Fossés Saint-Bernard, 75005 ParisType d'événement:Festival,Photographie

Détail de l'événement

Une première séquence, à caractère documentaire, est en prise avec la réalité géographique, urbaine et sociale, l’histoire, le travail de mémoire, le mélange des communautés, l’exil. La seconde, échappant aux contraintes du réalisme, réunit des artistes qui nous entraînent dans d’autres paysages, rêvés ou inventés, exprimant la quête d’un ailleurs, le désir d’évasion : ces travaux abordent le registre de la fiction, cultivent l’imaginaire, développant des formes telles que le photomontage ou le collage numérique. Deux projections encadrent le parcours de l’exposition: « Beyrouth centre-ville, 1991 », un court-métrage documentaire de Tanino Musso sur la capitale libanaise au sortir de la guerre, et « Land Escape », une installation de Zad Moultaka associant une vidéo – paysages imaginaires – à une composition musicale.

Les artistes présentés :
Lamia Maria Abillama, Vladimir Antaki, Nadim Asfar, Myriam Boulos, Catherine Cattaruzza, Gilbert Hage, Omar Imam, Maria Kassab, Dalia Khamissy, Demetris Koilalous, Vicky Mokbel, Zad Moultaka, Bérine Pharaon, François Sargologo, Ieva Saudergaité Douaihi, Caroline Tabet, Lara Tabet, Tanya Traboulsi.

Salles d’exposition (niveaux -1 et -2)
Plein tarif : 10 € | tarif réduit : 5 €

> Dans le cadre de la 3ème Biennale des Photographes du Monde Arabe Contemporain

Dates

Septembre 11 (Mercredi) 10 h 00 min - Novembre 24 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Institut du Monde Arabe

1 Rue des Fossés Saint-Bernard, 75005 Paris

Institut du Monde Arabe1 Rue des Fossés Saint-Bernard, 75005 ParisOuvert du mardi au vendredi de 10h à 18h, et le week-end de 10h à 19h.

Calendrier GoogleCal

mar15oct(oct 15)10 h 00 minven22nov(nov 22)20 h 30 minLas PatronasMahé ElipeLa Grange aux Belles, 6 rue Boy Zelenski 75010 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Dans le village mexicain de La Patrona, près d’Amatlan de Los Reyes dans l’état de Veracruz, un groupe de femmes vient en aide aux migrants d’Amérique Centrale qui tentent le long et périlleux voyage vers les Etats-Unis à bord des trains de marchandises.
Las patronas (les patronnes), est un groupe d’une quinzaine de femmes vivant dans le village de La Patrona ou ses alentours. Depuis 1995 origine du mouvement, Norma Romero, la fondatrice, ses soeurs, filles et voisines ont pris sur elles de nourrir les migrants du Honduras, du Salvador ou encore du Guatemala qui voyagent à bord de « La Bestia », un réseau de trains de marchandises longues qui traverse le Mexique et permet d’accéder à la frontière des Etats-Unis.
Initialement rejetée par les locaux, leur action a finalement obtenu gain de cause après dix années d’efforts. Les patronas sont aujourd’hui respectées dans le pays et ont attirées l’attention de nombreux médias et politiques. Une popularité qui n’a rien changé à leur combat : depuis 21 ans, leurs journées sont toujours occupées par leur désir de venir en aide aux migrants affamés qui fuient la violence des gangs et le manque d’opportunités. Une chose normale pour Norma Romero : « Pour chaque jeune homme ou femme qui voyage sur ce train, il y a une mère qui souffre et prie pour son enfant. Quand nous les voyons, cela nous fait penser à nos enfants et nous donnent envie de les aider. »
C’est au sein d’une ancienne usine d’huile, transformée en refuge, que les patronas cuisinent les précieux sacs de nourritures. Dès le matin, quelques unes partent récolter les dons et les invendus des supermarchés alentours, tandis que le reste s’attaque à la préparation des repas. Riz, haricots, pain, tortillas, pâtisseries et bouteilles d’eau seront distribués aux migrants accrochés au train en marche en l’espace de 5 minutes, mais l’attente du train est longue. « On ne sait jamais quand le train va passer, explique Bernarda, l’une des patronas. Il n’y a pas d’horaire précis, et on l’entend parfois arriver de façon totalement inattendue, parfois de nuit, ce qui nous laisse très peu de temps pour courir à sa rencontre. »
Seules certitudes pour ces bénévoles: jusqu’à 3 trains par jour, un qui-vive permanent et le geste d’amour à l’arraché sur le bord des voies.

Horaires :
Lundi : 10-16h/18h30-20h30
Mardi : 11-16h30/19h30-20h30
Mercredi : 10-14h/18h00-20h
Jeudi : 12-14h/16h30-20h30
Vendredi : 11-16h/18h30-20h
Samedi : 10h-17h

Dates

Octobre 15 (Mardi) 10 h 00 min - Novembre 22 (Vendredi) 20 h 30 min

Lieu

La Grange aux Belles

6 rue Boy Zelenski 75010 Paris

Calendrier GoogleCal

mar05novdim01décBlack and LightsVéronique DurrutyVOZ'Galerie, 41 rue de l'Est 92100 Boulogne-BillancourtType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Dans cette exposition de photographies, encres et aquarelles sensibles, Véronique Durruty nous embarque dans un voyage onirique qui remonte jusqu’à la création de l’univers, et interroge sur la valeur de l’art , le rôle de la galerie et des relations entre l’acheteur et l’œuvre d’art.

« Black and light, une exposition-interrogation autour de « la valeur de l’art ».
L’artiste y déploie son travail, dans deux espaces distincts.
Sous la surface, dans les entrailles de la galerie, on laisse derrière soi la lumière crue de notre réalité. La scénographie est pure, muséale, on plonge dans l’univers BLACK de l’artiste. Le visiteur remonte aux origines de toute création, obscures, aquatiques. Ni échelle, ni lieu, ni matière, aucun repère. Parfois les eaux ne sont plus des eaux, se font lumière pure, partent en fumée. Ce sont « les eaux noires ».

En haut, exposé en pleine lumière, LIGHT, un ensemble volontairement éclectique de photographies, encres de Chine, aquarelles ou techniques mixtes. Images venues d’ailleurs avec ces ambiances « entre-deux » et ces flous qui disent si précisément quelque chose et sont la signature de Véronique Durruty.
Ici, à l’heure où tant d’artistes peinent à vivre de leur art et où par ailleurs, certaines œuvres atteignent des prix vertigineux, Véronique Durruty nous propose également de s’interroger avec elle autour de l’économie de l’artiste, à travers le rôle de la galerie et du visiteur, et la concrétisation de la valeur des œuvres : leur prix.
Elle propose, avec humour, des œuvres à des prix variables ou simplement « inconcevables », par exemple une photo argentique à un euro. Le prix fait même partie de l’œuvre, comme cette photo intitulée BLACK, prix à débattre, en liquide , la photo pour faire fuir le démon à 666 euros, celle du casino de Las Vegas dont le prix de vente se joue à la roue de la fortune, ou encore un long discours à l’encre de Chine dont le prix est calculé pour que le blablabla revienne à un euro. Et l’on s’interroge sur l’effet du prix sur la valeur perçue de l’œuvre : est-ce qu’une pièce plus chère acquiert de la valeur de par sa cherté même ? Quelle est la valeur d’une signature ? d’une mise en scène de l’œuvre ?

En parallèle, Véronique Durruty pointe le rôle de la galerie, lieu d’une possible rencontre esthétique mais aussi et surtout, lieu d’une transaction marchande attendue avec le visiteur.
Elle nous rappelle que la galerie est un anti-musée. Dans un musée, le visiteur, contre un droit d’entrée, vient voir des œuvres faites pour être partagées par la communauté et rester là de façon pérenne. Lorsqu’une œuvre disparaît, elle a été soit volée, soit répudiée – revendue par le musée parce que jugée moins fondamentale pour ses collections.
En galerie, c’est l’inverse. L’œuvre n’est pas destinée à être partagée. Son destin est lié à une rencontre-coup-de-foudre occasionnant un enlèvement comme les Sabines peintes par Poussin. C’est de ce kidnapping encouragé que vivent artistes et galeristes.

En mettant en scène ce processus, l’exposition elle-même devient une performance où les aspects artistiques et commerciaux s’entrelacent, tout comme dans la réalité d’une œuvre.
Dans LIGHT, l’artiste met l’acte d’achat en lumière, elle décroche immédiatement l’œuvre achetée, la substitue par un petit visage souriant, au nez de clown-point rouge.
L’exposition se transforme visuellement au mesure que la performance commerciale, le chiffre d’affaires, se forme. Cette performance commerciale et artistique, ces termes étant inséparables, constitue une co-création de l’artiste (l’œuvre, le prix qu’il ou elle a fixé en trouvant la martingale pas assez cher/ trop cher/ « juste », fou, cassé, etc…), de la galerie qui l’inscrit dans une histoire artistique et économique, du lieu et du public qui traduit en emportant l’œuvre chez lui l’adéquation miraculeuse entre une présomption de valeur minimale, le prix, et la valeur que le client perçoit.
L’exposition devient une performance artistique par son rapetissement permanent apparent, par son caractère progressivement invisible. Elle illustre le principe du devenir Héraclitéen : « On ne se baigne pas deux fois dans un même fleuve. ». La consommation des œuvres, leur disparition est réelle.
L’œuvre devient privée du regard des autres mais la carte des œuvres manquantes, le dialogue interrompu avec les œuvres encore en vente constitue une œuvre nouvelle, éphémère et intrigante. L’exposition initiale n’est pas statique comme un musée. Chaque mutilation la transforme.
Les œuvres disparues ne sont pas une consommation irréversible et appauvrissante. L’énergie contenue dans l’œuvre, c’est-à-dire les matières prosaïques, le temps invisible que lui a consacré l’artiste, autrement dit sa vie entière, se transforment en de nouvelles énergies :
D’abord, l’œuvre va rejoindre un lieu privé auquel seul son propriétaire et ses proches ont accès. Elle entretiendra des dialogues inédits avec tous les objets qui l’entourent, dialogue partiellement imaginé par son nouveau propriétaire, mais qui lui échappe aussi.
Ensuite, ces disparitions appellent de nouvelles œuvres de l’artiste : échos, prolongement, ou rupture avec les œuvres vendues.
Enfin, l’argent collecté, auquel chaque intervenant soustrait les frais de l’exposition, représente un stock d’énergie versatile qui se transforme en énergie de vie autant prosaïque qu’artistique, si tant est que cette distinction ait un sens car la vie ne tranche pas.

« BLACK
Black, c’est sous-terre, comme un caisson d’isolation sensorielle, une grotte, un terrier, une cabane, on peut s’y lover en fœtus et on flotte hors du temps.
Black, c’est la grande soupe initiale, celle d’avant le premier jour, d’avant que la lumière soit, d’avant que les terres fermes surgissent de dessous les océans, qu’on puisse tenir debout, avoir la sensation de maîtriser son corps.
Black, c’est le lieu clos et protecteur du ventre de nos mères où l’on se tient blotti, pelotonné, replié sur nous-mêmes et pleinement satisfait de ce repliement-là, abrité de tout, des regards, des menaces, du Temps même.
Black ce n’est pas seulement l’absence encore de la lumière, c’est ce lieu exempt de toute aspérité, lisse et poli comme un miroir, poli jusqu’à la liquéfaction, le lieu amniotique de notre accomplissement primordial.
Black, c’est avant que que l’on s’arrache à soi-même, avant que la mère nous lâche. Avant qu’elle nous crache à l’air et à la lumière qui nous brûlent, d’un coup.

LIGHT
En haut, à la lumière, le monde est incertain, mais il se met à exister. On reconnaît parfois des lieux, parfois des êtres, même ébauchés : les lumières d’une ville et sa beauté la nuit, la moiteur de l’air qu’on y respire, le mouvement d’un corps qui passe. La réalité pointe le bout de son nez, elle me rattrape, je tente de l’adoucir.
Et mes tripes se demandent combien elles valent. Quelle est la valeur de l’art ? Quelle est la valeur de mon art ? Quelle est ma valeur ?
Des « coachings pour artistes » me répondent. Il m’apprennent à calculer, à me calculer : frais techniques + temps passé + amortissement du matériel + marge + quoi encore ? Et égale quoi maintenant ? Je n’ai jamais aimé les chiffres.
Combien de steaks pour une œuvre ?
Et puis, plus avant : quelle est la valeur d’une signature ? D’un numéro ? Du discours que je vais tenir à côté de mon œuvre ?
En haut, en l’air, à la lumière, le supermarché ne triche pas. Tout doit disparaître.Vous achetez, vous m’achetez, vous partez avec un petit bout de moi. Et seul restera à la place de l’œuvre, à ma place, un point rouge. Peu à peu l’expo s’efface, les nez de ces petits clowns tapissent le mur de la galerie. Je me vide de moi-même, emplie de l’acte d’amour de votre achat. Et vous créez avec moi une autre œuvre, souriante, éphémère, évolutive. Une cartographie de nos valeurs respectives.
Ouf ! On peut jouer même avec les sous !

GRIS
Mais peut être est-ce l’inverse, le chaos de » light » qui dit la vie sans fard qui reste dans l’ombre, alors que la présentation structurée de « Black » est celui qu’on met dans la lumière.
Je ne sais pas. Moi, j’aime que mes bébés quittent le cocon de l’atelier pour partir vers leur nouveau chez-soi. Les cimaises de la galerie, c’est le lieu de la fête du mariage.
Ce qui compte, c’est qu’ils y soient bien.
Tous comptes faits, le montant de la dot est dérisoire dans l’affaire. »
Véronique Durruty

Vernissage le mardi 12 novembre de 18h à 22h
Exposition du 5 novembre au 1er décembre 2019
Du mercredi au dimanche de 15h à 19h30 et sur RV.
Performance le 20 novembre à 20h
Catalogue « Black, les eaux noires » numéroté et signé, 20 €

Dates

Novembre 5 (Mardi) 15 h 00 min - Décembre 1 (Dimanche) 19 h 30 min

Lieu

VOZ'Galerie

41 rue de l'Est 92100 Boulogne-Billancourt

VOZ'Galerie41 rue de l'Est 92100 Boulogne-BillancourtOuvert du mercredi au samedi de 15h à 19h30

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