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Type d'événement

Type d'événement 2

Lieu de l'événement

Organisateur de l'événement

sam06mar(mar 6)10 h 00 minsam08mai(mai 8)18 h 00 minCarte Blanche à Omar Victor DiopLa galerie MAGNIN-A, 118, boulevard Richard Lenoir 75011 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Du 6 mars au 8 mai 2021, André Magnin confie les rênes de sa galerie à Omar Victor Diop pour une exposition consacrée aux grands portraitistes africains.

Héritier du studio photographique africain, dont les codes sont parfois réinvestis au sein de ses autoportraits, Omar Victor Diop a sélectionné pour cette carte blanche une cinquantaine de clichés des photographes qui l’ont marqué. Mama Casset, Seydou Keïta, Malick Sidibé, J. D. ‘Okhai Ojeikere, Jean Depara ou encore Ambroise Ngaimoko (Studio 3Z/3C) dialoguent avec les images oniriques et colorées du photographe sénégalais. À travers ce parcours d’oeuvres historiques, l’exposition « HERITAGE » tisse les liens sensibles entre l’oeuvre de Diop et l’héritage artistique dans lequel sa photographie s’inscrit.

De Jean Depara, dont il retient les extérieurs-nuits de Léopoldville en effervescence pendant les années d’indépendance de l’ancien Congo-Belge, à l’esthétique de la coiffe d’Ojeikere dont il admire le travail de mémoire, Diop s’inscrit dans une Afrique consciente du talent de ses ainés, mais aussi dans une Afrique en mouvement, pleine d’avenir et d’énergie.

Parmi ces photographes de référence, c’est certainement le travail de Malick Sidibé qui trouve le plus d’écho dans la démarche de Diop. Les cinquante ans qui les séparent sont réduits par leur impulsion commune, celle d’être les continuateurs de la tradition du studio à l’africaine, tout en saisissant les modes, les vitalités et les évolutions de la vie moderne. « Malick Sidibé a subtilisé des moments de vérité, de solennité, de rêve, et construit une mosaïque de petites histoires qui, à leur tour, s’enchevêtrent pour se fondre en une seule et unique histoire, celle de son peuple. J’aimerais que l’on dise cela un jour à mon propos. En ce sens, Malick Sidibé est un modèle. » commente Omar Victor Diop.

Les maîtres de Sidibé sont aussi ceux de Diop : Keïta dont il observe les témoignages sur la société malienne ; Mama Casset chez qui le grand-père de Diop fait son portrait. Omar Victor Diop est plongé très tôt dans cet univers studio qui ne cesserai de nourrir ses recherches. Portraits posés et mises en scènes diffèrent selon le style du photographe. Sans trop d’artifice pour le malien Sidibé, plus foisonnant pour le jeune dakarois. Mais du yéyé à la pop culture, chaque génération lègue à la suivante un regard précis et intelligent sur le beau africain.

Les choix d’Omar Victor Diop honorent cet art du portrait qui magnifie un continent dynamique. Le métissage s’opère entre couleurs et noir et blanc, du Mali des sixties au Sénégal contemporain. Les photographes deviennent les ambassadeurs d’une Afrique qui respire ; tissus ancestrales et tissus modernes, jeunesse optimiste et émancipée, noblesse du féminin et du masculin…

« Laisser la voix aux artistes », c’est le sens de la carte blanche donnée par la galerie d’André Magnin, pour qui « promouvoir l’art contemporain africain passe par la reconnaissance et la valorisation des artistes talentueux ». Temps fort du printemps 2021, « HERITAGE » met en lumière des collections peu visibles, pour la première fois réunies, dans l’optique de montrer la vitalité et la beauté de la photographie africaine, dont les grandes figures ont été révélées par André Magnin dès 1991. 30 ans !

Photo : Gauche : Seydou Keïta – Sans titre, 1959 – Tirage argentique baryté © Seydou Keïta / SKPEAC – Courtesy Galerie MAGNIN-A, Paris
Droite : Jean Depara – Femme devant l’Afro Negro Club, 1955 © Droits réservés – Courtesy Galerie MAGNIN-A, Paris.

Dates

Mars 6 (Samedi) 10 h 00 min - Mai 8 (Samedi) 18 h 00 min

Lieu

La galerie MAGNIN-A

118, boulevard Richard Lenoir 75011 Paris

Calendrier GoogleCal

mar09fev(fev 9)10 h 00 minlun29mar(mar 29)18 h 00 minEt si l'on dansaitJacques LéonardGalerie Durev Events, 56 bd de la tour Maubourg 75007 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Jacques Léonard (1909-1994) a toujours été lié au monde de l’image. Il commence à travailler aux studios Gaumont à Paris et collabore avec Abel Gance dans J’accuse, Louise et Paradis perdu. Au cours d’un voyage en Espagne pour les repérages d’un tournage, il rencontre le chef du Service de Cinématographie du ministère de l’Intérieur dont il fut le protégé dans les années suivantes et qui lui proposa de travailler pour Ulargui Films où il réalisa le montage de certains films.
En 1952, il établit sa résidence à Barcelone quand il s’éprend de Rosario Amaya, une gitane des baraquements de Montjuïc. Il devient alors photographe amateur sur un territoire véritablement culturel, celui des gitans. Ces archives photographiques sont les plus importantes conservées sur les gitans et leur culture à Barcelone, allant de 1952 jusqu’au milieu des années 70.
Les portes de toutes les baraques étaient ouvertes au gadjo Chac, comme l’appelait sa grande famille gitane. Il documentait la culture et le peuple gitan d’un point de vue historique et contemporain en transmettant une image d’une dignité absolue, un véritable travail d’éthnologue.
À Barcelone, il collabora avec La Vanguardia, La Gaceta Ilustrada et reçut des commandes du Conseil Général de Barcelone, des Chemins de Fers catalans et de plusieurs professionnels barcelonais. Il illustra aussi des livres sur la Catalogne et les îles Baléares. Mais ce fut Albert Puig Palau, propriétaire de la maison d’édition Barna et éditeur de Revista, qui le présenta en société et l’introduisit dans le monde gitan catalan.
Le travail de Jacques Léonard s’intègre dans les paramètres de la photographie humaniste si en vogue au milieu du XXe siècle tout en représentant la valeur ajoutée de montrer une Barcelone que les auteurs reconnus ne saisirent pas.

Dates

Février 9 (Mardi) 10 h 00 min - Mars 29 (Lundi) 18 h 00 min

Lieu

Galerie Durev Events

56 bd de la tour Maubourg 75007 Paris

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mer16sep(sep 16)12 h 00 min2021sam30oct(oct 30)19 h 00 minMiguel Rio BrancoŒuvres photographiques 1968-1992LE BAL, 6, Impasse de la défense 75018 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

« Seul un petit nombre d’entre nous, au milieu des grands agencements de cette société, se demande encore naïvement ce qu’ils font sur le globe et quelle farce leur est jouée. Ceux-là veulent déchiffrer le ciel ou les tableaux, passer derrière ces fonds d’étoiles et ces toiles peintes, et comme des mioches cherchant les fentes d’une palissade, tâchent de regarder par les failles de ce monde. »
— George Bataille

LE BAL présente le travail photographique de la première période (1968-1992) de l’artiste brésilien Miguel Rio Branco, figure majeure de l’art contemporain dans son pays, connu dans le monde entier pour ses installations et oeuvres multimédias.
De ses débuts en noir et blanc à New York en 1970, où son attention se porte sur les quartiers déshérités de la ville, à son travail couleur essentiel réalisé au Brésil notamment à Salvador de Bahia, jusqu’aux images du Mexique au milieu des années 1980, l’exposition restituera l’évolution de son regard photographique, intrinsèquement lié à sa pratique picturale.
« Je ne suis pas un coloriste comme Matisse, ma vision est plus sombre, à la manière de Goya » dira Miguel Rio Branco.
Dépassant une simple lecture formelle de son travail, le choix des oeuvres – pour la plupart tirages d’époque jamais exposés en France – mettra en avant les télescopages permanents de matières et de gestes opérés dans ses images. Auscultant les corps et leur inscription dans l’espace, rendant visibles les marques du temps et des structures sociales, ses images rendent compte d’une vision viscérale immergée dans la noirceur et la violence de son temps.

LE COUTEAU PAR TERRE
EXTRAITS DU TEXTE INÉDIT DE JEAN-PIERRE CRIQUI PUBLIÉ DANS LE LIVRE QUI ACCOMPAGNE L’EXPOSITION.

Dans la mesure où elle découpe à même le vivant, la photographie se laisse envisager comme étant d’ordre sacrificiel :
tel un papillon épinglé, ce qu’elle prélève est toujours simultanément exalté et immolé. Il y va du sauvetage, de la sauvegarde, mais aussi de la conjuration ou de la perdition. Cette tension extrême, en permanence au bord du déchirement, hante les images de Miguel Rio Branco. C’est leur basse continue.
*
Les photographies de Miguel Rio Branco (qui est aussi peintre, et l’a été avant de devenir photographe) nous proposent un vaste catalogue de matières, assemblé avec un oeil sensible à la transmutation esthétique des motifs les plus humbles ou les plus vils. On pense ici à Baudelaire et son évocation du chiffonnier dans Les Paradis artificiels : « Tout ce que la grande cité a rejeté, tout ce qu’elle a perdu, tout ce qu’elle a dédaigné, tout ce qu’elle a brisé, il le catalogue, il le collectionne. Il compulse les archives de la débauche, le capharnaüm des rebuts. » L’excès est ce qui caractérise ici la matière – d’où cette « asphyxie » dont Miguel Rio Branco a parlé au sujet de la photographie : excès de la vie qui s’agite en tous sens, et de la mort au travail qui en forme l’inséparable envers.
*
Apothéose des sols, les photographies de Miguel Rio Branco regardent plus volontiers vers le bas que vers le haut. Peu de ciels ou d’horizons dans ces vues où la terre attire tel un aimant, jusqu’à l’engloutir, tout ce qu’elle supporte. Royaume des traces et des ombres, plaque sensible où le temps laisse inlassablement son empreinte : deux hommes s’y étreignent, lutte ou jeu, aux pieds d’un troisième qui projette sur eux sa silhouette; les déchets les plus dérisoires, les plus mirifiques, y convergent; les imprimés viennent s’y disperser en masse, les animaux y mourir. Le sol célébré par Miguel Rio Branco exhale toujours un avant-goût du séjour des disparus. C’est le lieu par excellence de l’inquiétude, voire de l’affolement. C’est aussi le motif où se concentre un éventail de résonances esthétiques : Dirt Painting et Combines (par leur goût du rebut et de l’horizontalité) de Rauschenberg, Matériologies et Texturologies de Dubuffet, plastiques, bois et tôles brûlés par Alberto Burri, scatter pieces de Robert Morris.
Jean-Pierre Criqui est conservateur au service des collections contemporaines du Musée national d’art moderne.

Dates

Septembre 16 (Mercredi) 12 h 00 min - Octobre 30 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

LE BAL

6, Impasse de la défense 75018 Paris

LE BAL6, Impasse de la défense 75018 ParisLE BAL est une plateforme indépendante d’exposition, d’édition, de réflexion et de pédagogie, dédiée Mercredi 12h - 22h Nocturne. Jeudi 12H - 19H Soirées BAL LAB 20H-22H (Fermeture de l'exposition à 19H) et le Vendredi, samedi, dimanche 12H - 19H. Fermé le Lundi et Mardi

Calendrier GoogleCal

jeu11mar(mar 11)14 h 30 mindim30mai(mai 30)19 h 00 minAmericaFisheye Gallery, 2, rue de l’Hôpital-Saint-Louis 75010 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

America est une exposition retrouvée sur les Etats-Unis des années 70.

Certains négatifs n’ont été développés pour la première fois que dans la fin des années 90, et pour d’autres uniquement l’année dernière.

La Fisheye Gallery invite à se plonger dans les images d’un jeune passionné qui deviendra le photographe que l’on connaît.

Encore aujourd’hui, Alain Keler est le seul français, avec Gilles Peress, à être honoré du prestigieux Prix Eugene Smith, la plus importante reconnaissance de photojournalisme au monde.

Et, pour la première fois, l’artiste signe une série limitée
de 30 tirages par œuvre, uniquement disponibles à la Fisheye Gallery.

En 1971, Alain Keler, 26 ans, arriva aux États-Unis, il vint par amour pour rejoindre une américaine qu’il a rencontré dans un précédent voyage en Asie.

Un billet sans retour pour New-York et un attaché-case de ces photos sous le bras, il y rencontra John G. Morris légendaire directeur de la photographie du New-York Times, pour qui le travail du photographe « is not very exciting » mais qui l’invita à rester en contact.

26 ans plus tard, c’est le même homme qui l’appellera pour lui dire qu’il est le lauréat du Prix Eugene Smith – le plus prestigieux prix remis à un photojournaliste et toujours le seul français, avec Gilles Peress en 1984, à en être titulaire.

Le fils de John G. Moris, Oliver, l’introduit à la Soho Photo Gallery, une galerie collaborative dont Alain Keler s’occupera et où il achètera son premier Leica M3 grâce à une myriade de jobs dégottés par l’employement agency tenue par Stanley sur West Broadway.

L’appareil d’Alain Keler photographie sur son temps libre la ville à hauteur de foules, dans les rues de New-York ou de Washington lors de la seconde investiture de Richard Nixon, entre protestation et célébration. Son regard s’aiguise sur la ville américaine avant de rentrer en France et de rejoindre l’agence Sigma.

Alain Keler est membre de l’Agence M.Y.O.P. depuis 2008. Il a auparavant travaillé pour les agences Sygma et Gamma, et a été co-fondateur d’Odyssey Pictures en 1989.

Il a réalisé des reportages sur des conflits depuis les années 1980, au Liban, en Tchétchénie, en Israël, en Palestine, sur la révolution en Iran, sur la guerre civile au Salvador, … . Il a également travaillé sur la discrimination des Tsiganes en Europe. Ce dernier travail a donné lieu à une bande dessinée créée par Emmanuel Guibert et Frédéric Lemercier : Des Nouvelles d’Alain (2011).

Il a réalisé deux documentaires : Le dernier voyage (2014), qui raconte l’histoire du convoi numéro 66 vers Auschwitz de sa mère ; et Parias, les Roms en Europe (2011).

En 2015, il a publié, 1982, tiré de son blog qui est disponible à l’adresse
http://alain-keler.tumblr.com

En 2018, sa première monographie, Journal d’un Photographe, est publiée aux Éditions de Juillet.

Il a reçu le prix Paris Match du photojournalisme (1986) pour son reportage “L’Éthiopie sous la pluie”, et le World Press Photo dans la catégorie nature.
En 1997, il a remporté le prix W. Eugene Smith pour son travail sur les minorités dans l’ancien bloc communiste.
Un livre issu de ce travail, “Eastern Winds”, a été publié par Marval en 2000. En 2004, il a été lauréat de l’Association 3P à Paris pour son projet Le pays de la terre qui brûle, sur la complexité du conflit israélo-palestinien.

Dates

Mars 11 (Jeudi) 14 h 30 min - Mai 30 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

Fisheye Gallery

2, rue de l’Hôpital-Saint-Louis 75010 Paris

Fisheye Gallery2, rue de l’Hôpital-Saint-Louis 75010 ParisOuvert du Jeudi au Samedi 14h - 19h et le Dimanche 11h - 16h. Le matin sur rendez-vous.

Calendrier GoogleCal

ven12fev(fev 12)12 h 00 minsam03avr(avr 3)19 h 00 minGoing East (Voyage vers l’orient)Exposition collectiveGalerie Camera Obscura, 268 Boulevard Raspail 75014 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

En ces temps où le lointain, devenu inaccessible, occupe à nouveau l’imaginaire, où les routes vers l’orient sont à nouveau désertes (d’aventuriers ou de touristes, sinon de marchandises), l’envie nous a pris de ré-ouvrir trois livres remarquables sur le voyage.
Grands classiques (End Time City, Going East) ou secret (Al Mukalla), tous trois réussissent, avec leur singularité, leur poésie, leur sensibilité à fleur de peau, à nous plonger dans cette possibilité d’un ailleurs devenu familier, comme s’il nous était donné de vivre plusieurs vies.
C’est évidemment un plaisir et un privilège de rassembler dans cette exposition trois grandes personnalités de la photographie : nous espérons que le voyage vous plaiera !

Michael Ackerman

En 1999, la publication de « End Time City » par Robert Delpire fut un choc et la découverte rare d’un talent de premier ordre. Ackerman nous y livrait sa vision hallucinée de Bénarès : errance crépusculaire et tourmentée dans une cité où la vie est d’autant plus exhubérante que la mort l’habite. Tout le travail d’Ackerman est à cette image, d’une urgence existentielle à la fois désespérée et lumineuse, violente et tendre.
Michael Ackerman est récemment retourné à Bénarès et il prépare une nouvelle édition de «End Time City » à sortir cet automne.Notre accrochage, essentiellement consacré aux vintages, en dévoilera une petite sélection.

Max Pam

En 1992, Max Pam publiait «Going East », livre dans lequel cet australien, ancien hippie, routard impénitent, résumait vingt années de périples vers l’orient.
Ce livre est devenu un classique de la photographie de voyage. Mais, loin de la description appliquée ou du reportage, il déroule un voyage en « caméra subjective » qui raconte le voyageur plutôt que les lieux qu’il parcourt. Electron libre lancé dans le champ des possibles, Max Pam provoque, surprend, interpelle, utilisant l’appareil photo comme un réactif propre à extraire le suc du voyage, comme un silex dont il frappe la réalité pour saisir l’étincelle du choc.
Nous présentons une sélection de tirages, essentiellement d’époque, extraits de voyages au Yémen et en Inde.
Max Pam mèle souvent photographie et écriture dans ses tirages qui deviennent des témoins vivants et doublement expressifs de son expérience du voyage.

Paolo Roversi

Al-Mukalla est le livre le plus secret de Paolo Roversi. Réalisé en 1995 à quelques exemplaires seulement, tous calligraphiés de sa main, il se compose de douze tirages argentiques accompagnés par la relation d’un voyage au Yémen effectué en janvier 1993.
En dehors du domaine qui a fait sa célébrité,Paolo Roversi déploie ici toute sa science de l’icône, de la photographie qui, tenue dans la main, inspire le recueillement et distille toute la saveur d’un monde.

Dates

Février 12 (Vendredi) 12 h 00 min - Avril 3 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Camera Obscura

268 Boulevard Raspail 75014 Paris

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