Le Gif(t) de la Journée de la fin de l’impunité pour les crimes commis contre les journalistes

L'Ephéméride

by La Rédaction on 2 novembre 2017

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Le Gif(t) de la Journée de la fin de l’impunité pour les crimes commis contre les journalistes

Name: The Color Work
Start: 2019-1-19T14-14-00-00
End: 2019-3-30T19-19-00-00
Location: Les Douches la Galerie

Temps de lecture : 28 secondes

Au cours de la dernière décennie, plus de 800 journalistes ont été tués pour avoir voulu couvrir des évènements et informer le public : en moyenne, c’est une mort par semaine. Dans neuf cas sur dix, les meurtriers restent impunis. L’impunité entraîne un plus grand nombre d’assassinats et représente souvent un facteur d’aggravation de conflit et d’effondrement des systèmes de droit et de justice.

En décembre 2013, lors de sa 68e session, l’Assemblée générale des Nations Unies a adopté la résolution qui a proclamé le 2 novembre Journée internationale de la fin de l’impunité pour les crimes commis contre des journalistes. Cette résolution a exhorté les États Membres à prendre des mesures précises pour combattre la culture actuelle d’impunité.

Source : http://www.un.org/fr/events/journalists/

La Rédaction

9 Lives magazine vous accompagne au quotidien dans le monde de la photographie et de l'Image.

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sam19jan(jan 19)14 h 00 minsam30mar(mar 30)19 h 00 minThe Color WorkVivian MaierLes Douches la Galerie, 5, rue Legouvé 75010 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Un des préceptes incontournables de la photographie veut que les meilleurs photographes de rue soient ceux qui ont appris à être invisibles, ou du moins, à se convaincre qu’ils le sont. Au fil des années, j’ai arpenté les rues aux côtés de Cartier-Bresson, Garry Winogrand, Tony Ray-Jones, Diane Arbus, Lee Friedlander, Tod Papageorge, ainsi que de quelques artistes de la jeune génération – Gus Powell, Melanie Einzig, Ben Ingham et Matt Stuart –, et chacun de nous a un petit numéro bien rodé pour travailler dans la rue. Esquives, feintes, pirouettes, c’est en se faufilant, le regard aux aguets, que l’on traverse les foules ou les manifestations, les avenues et les ruelles, les parcs et les plages, tous les lieux où la vie ordinaire attire notre attention et notre désir. C’est notre invisibilité qui nous permet de dérober impunément le feu des dieux.

En 2009, c’est sans crier gare que la tornade Vivian Maier est entrée dans l’histoire déjà très riche de la photographie de rue. En octobre de cette année-là, j’ai reçu un e-mail de John Maloof, un jeune artiste que je ne connaissais pas. Il se présentait et me racontait qu’il était tombé sur une mine de négatifs, de diapositives et de tirages lors d’une vente aux enchères dans un entrepôt de stockage. Comme il connaissait mon travail et qu’il avait lu mon ouvrage Bystander: The History of Street Photography, coécrit avec Colin Westerbeck, il avait décidé de me contacter pour me demander mon avis sur les photographies de Vivian Maier.

En pièces jointes, il avait mis environ deux cents diapositives couleur prises entre la fin des années 1950 et le milieu des années 1970, qu’il avait toutes scannées lui-même. J’avoue que je ne les ai pas trouvées tout de suite géniales, mais en faisant défiler ces clichés en vrac, j’ai été frappé par la sensibilité et le timing de Vivian Maier : son attitude incroyablement positive, son sens du cadrage, sa témérité à se rapprocher volontairement de son sujet, la sincérité de sa curiosité, et une indéniable chaleur humaine, doublée d’ironie et d’humour – tout cela donnait l’impression d’un regard sur la vie d’une grande cohérence. Après avoir regardé toutes les photos, j’ai été envahi de ce plaisir que l’on ressent à la vue d’un travail intelligent et évocateur. J’ai visionné les diapos une nouvelle fois, j’en ai sélectionné quarante ou cinquante, que j’ai encore regardées.

Je commençais à saisir véritablement le fond de son travail. Qui était donc cette femme ? S’était-elle naïvement jetée à corps perdu dans le monde de la photographie américaine des années cinquante, ou avait-elle passé du temps à étudier un certain nombre d’autres travaux ? Avant de répondre à John, j’ai écrit à Colin : « Il faut que tu voies ce travail – une parfaite inconnue vient de débarquer dans l’histoire de la photographie de rue. » Il y avait des portraits pleins de tendresse, et de fabuleux moments pris sur le vif. Des paysages urbains et des enfants qui jouent. De petits gestes, des détails infimes majestueusement détectés et saisis au vol. Et aussi des images de personnes âgées, indigentes ou à la dérive, à Chicago et à New York. Mais surtout, on sentait que ce travail en couleur était guidé par une furieuse intelligence. Et tout cela en couleur ! Quel courage et quelle discrétion ! J’étais certain qu’elle ne faisait pas de tirages couleur, car quasiment personne n’en faisait à l’époque… Les photos étaient donc forcément restées cachées dans des cartons, influençant probablement fort peu son parcours d’artiste, et pourtant c’étaient (et ce sont toujours) des œuvres d’une grande valeur pour nous, qui sommes là pour voir son évolution.

En regardant de près les nombreux autoportraits de Vivian Maier, vous remarquerez son masque, son costume d’invisibilité. Elle a le physique banal d’une maîtresse d’école d’autrefois. On dirait une vieille fille timide, ou une touriste mal à l’aise dans la grande ville… mais que nenni ! Elle travaillait comme gouvernante, ce qui était déjà en soi un formidable camouflage – car qui se serait méfié d’une femme qui trimballait deux gamins derrière elle ? Sa profession lui a permis d’arpenter les rues à sa guise, de faire toutes les photos qu’elle voulait. Ses photographies laissent clairement transparaître sa rapidité à percevoir les comportements humains, le moment en train de se produire, un geste furtif, une expression sur un visage – ces brefs instants qui rendaient la vie dans la rue aussi passionnante à ses yeux.

Cependant, il me semble que Vivian Maier préférait le noir et blanc, qui donnait plus de force à ses œuvres, et ce pour plusieurs raisons. La pellicule noir et blanc était d’un maniement plus rapide, contrairement au Kodachrome, extrêmement lent et donc plus délicat. Avec le noir et blanc, elle pouvait obtenir des tirages et se pencher sur son travail, ce qui facilitait son approche instinctive. Sa passion du jeu visuel, la force et la pureté de son intuition et son amour infini de la photographie ressortent plus clairement en noir et blanc. C’est ce support qui lui a permis de persévérer, d’approcher de si près policiers, ivrognes, voyous et autres fanfarons, ainsi que des vieux et des infirmes, tout en gardant la tête froide – et son sens de l’humour – dans les situations difficiles.

Le travail en couleur de Vivian Maier recèle néanmoins des trésors, et le présent ouvrage montre des vues et des personnages absolument magnifiques. Au détour de chaque image, on la sent motivée par la couleur quand le flot de la vie quotidienne lui offre un « incident coloré ». Voyez par exemple l’image toute simple, en couverture de ce livre, de cette femme de dos qui serre son petit doigt, les mains posées sur sa robe rouge, en un geste étonnamment troublant – une image aussi forte que le drapeau d’une nation.
Vivian Maier compte parmi les premiers poètes de la photographie en couleur.

Joel Meyerowitz
Avant-propos, Vivian Maier: The Color Work, Harper Design, 2018

Dates

Janvier 19 (Samedi) 14 h 00 min - Mars 30 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Les Douches la Galerie

5, rue Legouvé 75010 Paris

Les Douches la Galerie5, rue Legouvé 75010 ParisOuvert du mercredi au samedi de 14h à 19h ou sur rendez-vous

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ven25jan(jan 25)11 h 00 minmar12mar(mar 12)20 h 00 minInside JapanRoberto BadinHôtel Jules & Jim, 11 rue des Gravilliers 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

« Inside Japan » brise les clichés habituellement admis au sujet des villes japonaises et nous invite au coeur d’un pays de contrastes, à mi-chemin entre tradition et modernité, à découvrir du 25 janvier au 3 mars 2019.

Chaque photographie est empreinte d’une précision horlogère. Un regard net.
La parfaite maîtrise des cadrages et de la lumière naturelle servent une narration rigoureuse. Malgré la foule des mégapoles japonaises, Roberto Badin capture un quotidien calme, vrai, serein, intime et silencieux. Parfois solitaire.

« Inside Japan » est sa première exposition solo extraite du livre éponyme, édité par Benjamin Blanck, éditeur indépendant de livres d’art et de photographies.

Roberto Badin est né à Rio de Janeiro au Brésil. Il s’installe à Paris à la fin des années 80.
Initialement photographe de natures mortes, il a collaboré avec de nombreux magazines internationaux et a signé de prestigieuses campagnes dans les univers du luxe et de la mode.
Il a récemment été invité à participer au projet « Lady Dior As Seen By » qui a parcouru les grandes capitales mondiales. En 2017, son travail personnel a été exposé chez Selfridges à Londres.

Dates

Janvier 25 (Vendredi) 11 h 00 min - Mars 12 (Mardi) 20 h 00 min

Lieu

Hôtel Jules & Jim

11 rue des Gravilliers 75003 Paris

Hôtel Jules & Jim11 rue des Gravilliers 75003 ParisOuvert tous les jours de 10h à 23h

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jeu10jan(jan 10)12 h 30 minsam09mar(mar 9)18 h 30 minOnly BleedingFrédéric StucinGalerie VU', 58 rue Saint-Lazare, 75009 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Portraitiste de renom, Fred Stucin a également le goût des métropoles et des projets au long cours. Alors qu’il s’apprête à publier une première monographie éponyme aux Editions le Bec en l’air, la Galerie VU’ lui consacre une exposition avec Only Bleeding, série réalisée entre 2011 et 2017 à Las Vegas.

C’est Las Vegas et l’on pourrait s’attendre aux néons, à l’argent qui coule à flots, à l’inévitable dose de kitch et de paillettes. A en prendre plein les yeux avec les images d’Epinal de l’apothéose de la société de consommation et de l’American Way of Life. C’est aux Etats-Unis et l’on pourrait s’attendre à une série qui fasse écho à ses grands photographes ou dise le toc du rêve américain. Mais ce n’est pas de cela qu’il s’agit, nulle part ne retentit de Viva Las Vegas ! A bien y regarder Only Bleeding nous met face aux désillusions de la grande cité. Ce pourrait être finalement Vegas où ailleurs.
Là une femme est naufragée sous une improbable lustre, engloutie entre la moquette chamarrée et l’écueil des machines à sous. Ici, un couple semble vouloir échapper à quelque terrifiante catastrophe. Ailleurs, une rangée de palmiers malingres s’alignent, enclavés dans le bitume. Dans les images de Fred Stucin, les rues sans charme aux lignes droites, aux enseignes mornes et à la blancheur aseptisées sont vides, écrasées de soleil. Parfois, un passant hagard et spectral traverse l’image. Le photographe s’attarde aussi sur des visages. Dans ses plans serrés, des hommes et des femmes en déshérence, le regard éperdu, presque sidéré, semblent désespérément seuls, comme cherchant à échapper à une ville prête à les dévorer.
A travers ce long travelling en noir et blanc, nous suivons les pas du photographe dans la ville désenchantée qui se consume.

Dates

Janvier 10 (Jeudi) 12 h 30 min - Mars 9 (Samedi) 18 h 30 min

Lieu

Galerie VU'

58 rue Saint-Lazare, 75009 Paris

Galerie VU'58 rue Saint-Lazare, 75009 ParisGalerie ouverte le jeudi et vendredi : 12h30 – 18h30, et le samedi : 14h – 18h30 Et sur rendez-vous du lundi au samedi

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jeu13déc(déc 13)10 h 00 min2019dim10mar(mar 10)18 h 00 minLa vie en couleurs Jacques Henri LartigueJacques Henri LartigueKiosque culturel, Quai Tabarly 56000 VannesType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

L’exposition Jacques Henri Lartigue. La vie en couleurs dévoile une partie inédite de l’œuvre du photographe français (1894-1986) en Suisse. Alors que la couleur est omniprésente dans les albums qu’il a constitués toute sa vie, celle-ci n’a jamais été montrée ou exposée en tant que telle de son vivant. Après une exposition consacrée à ses photographies en noir et blanc en 1986, le Musée de l’Elysée a donc souhaité s’associer à nouveau à la Donation Lartigue pour revisiter l’exposition conçue par Martine d’Astier et Martine Ravache. Présentée en France en 2015, celle-ci voyage depuis sous l’égide de diChroma photography. La version lausannoise de ce projet intègre, elle, des œuvres inédites avec l’ambition de mettre en évidence le lien que l’artiste établit depuis toujours entre ses notes, ses dessins et ses photographies.

Porté par sa curiosité et sa recherche perpétuelle de l’innovation, Lartigue adopte les procédés couleurs peu de temps après leur commercialisation. Aux autochromes de ses débuts (datés de 1912), succèdent les Kodachromes (24 x 36) et les Ektachromes (6×6) qui ont ravi les photographes du XXe siècle, amateurs comme professionnels. La couleur ajoute dès lors une nouvelle dimension à la vitesse et l’instantanéité qui sont au cœur de l’œuvre de Lartigue. Son œil de peintre trouve dans cette pratique, qui lui permet de prendre des « notes » visuelles à retravailler par la suite, une formidable transcription de ses recherches picturales.

Sa prédilection va aux sujets de son environnement immédiat : sa vie au sein de sa famille, ses jeux au château de Rouzat, les sports en tout genre. Fasciné par la nature dans son ensemble, et particulièrement par les fleurs, l’artiste en fixe continuellement les nuances changeantes, tant sur toile que sur pellicule. Cette obsession se retrouve également dans la répétition des vues de sa fenêtre à Opio (Alpes-Maritimes), et dans les nombreuses images de Florette, son épouse pendant quarante ans.

Peu à peu, Lartigue s’ouvre à d’autres sujets, s’appliquant à témoigner de la vie quotidienne des privilégiés et des classes plus populaires. Cela coïncide avec une période d’ouverture au monde : dès 1955, Lartigue multiplie les voyages, découvrant de nouveaux paysages et se confrontant à l’inconnu. Délaissant les stations balnéaires où il avait pour habitude de passer ses vacances (Pays Basque, Côte d’Azur ou encore Normandie), ce sont l’Italie, le Venezuela, le Mexique et Cuba qui sont photographiés tour à tour en noir et blanc et en couleurs par Jacques Henri Lartigue.

Dates

Décembre 13 (Jeudi) 10 h 00 min - Mars 10 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Kiosque culturel

Quai Tabarly 56000 Vannes

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jeu28fev(fev 28)10 h 00 minsam13jul(jul 13)17 h 00 minPhotographier l'AlgérieBruno BoudjelalInstitut du Monde Arabe - Tourcoing, 9, rue Gabriel Péri 59200 TourcoingType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Dans le cadre de l’exposition collective « Photographier l’Algérie », Bruno Boudjelal présente sa série « Voyages à Sétif » ainsi qu’une installation « Correspondances », par lesquelles il photographie ses racines.

En 1993 Bruno Boudjelal part sur les traces de ses origines paternelles en Algérie. Cette découverte sera le point de départ de 10 ans d’explorations très personnelle qui l’amènent, entre carnet de voyage et témoignages, à assumer la subjectivité de son point de vue.

« Ne connaissant que le lieu de naissance de mon père, je me suis finalement retrouvé, un jour, dans un petit village de la région de Sétif, entouré de femmes en larmes, bouleversées de voir, quarante ans après le départ de mon père, son fils frapper à leur porte. De retour en France, j’étais, moi aussi, bouleversé d’abord d’avoir retrouvé les miens, mais aussi d’avoir été confronté à cette violence que je ne pouvais m’expliquer. C’est au cours de l’automne 1996 que je réussis à convaincre mon père de retourner là-bas avec moi. »

Dates

Février 28 (Jeudi) 10 h 00 min - Juillet 13 (Samedi) 17 h 00 min

Lieu

Institut du Monde Arabe - Tourcoing

9, rue Gabriel Péri 59200 Tourcoing

Institut du Monde Arabe - Tourcoing9, rue Gabriel Péri 59200 TourcoingOuvert le samedi de 10h à 17h

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