Le Gif(t) de la Journée de la fin de l’impunité pour les crimes commis contre les journalistes

L'Ephéméride

by La Rédaction on 2 novembre 2017

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Le Gif(t) de la Journée de la fin de l’impunité pour les crimes commis contre les journalistes

Temps de lecture : 28 secondes

Au cours de la dernière décennie, plus de 800 journalistes ont été tués pour avoir voulu couvrir des évènements et informer le public : en moyenne, c’est une mort par semaine. Dans neuf cas sur dix, les meurtriers restent impunis. L’impunité entraîne un plus grand nombre d’assassinats et représente souvent un facteur d’aggravation de conflit et d’effondrement des systèmes de droit et de justice.

En décembre 2013, lors de sa 68e session, l’Assemblée générale des Nations Unies a adopté la résolution qui a proclamé le 2 novembre Journée internationale de la fin de l’impunité pour les crimes commis contre des journalistes. Cette résolution a exhorté les États Membres à prendre des mesures précises pour combattre la culture actuelle d’impunité.

Source : http://www.un.org/fr/events/journalists/

La Rédaction

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Type d'événement

Type d'événement 2

Lieu de l'événement

Organisateur de l'événement

sam05sep(sep 5)12 h 00 minsam24oct(oct 24)18 h 00 minThe CircleKarel Fonteynehangar photo art center gallery, 18, Place du Châtelain 1050 BrusselsType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Afin de célébrer les 70 ans de l’artiste photographe Karel Fonteyne ainsi que 50 ans de carrière, Hangar présente une grande rétrospective de son oeuvre à travers une sélection de 200 images.
Figure phare de la photographie de mode belge et internationale, Karel Fonteyne y a fait carrière pendant plus de 15 ans. Son style plutôt expérimental donne lieu à des images pionnières qui iront au delà de la photo de mode classique. En 1996, il décide d’arrêter la photo de mode pour développer un travail plus personnel. Non conformiste, Karel Fonteyne joue avec les codes, déconstruit le réel et préfère le complexe à l’évident. « Généralement, je ne photographie pas ce que je vois mais ce que mon esprit reflète ».
L’exposition n’est pas linéaire ni chronologique mais plutôt circulaire. Le spectre du présent n’empêchera pas le visiteur d’appréhender l’oeuvre de Karel Fonteyne car ses images sont intemporelles et hors du temps. Tel un voyage dans l’esprit du photographe, on saute de photo en photo, du noir et blanc à la couleur, de la mise en scène au spontané, du conceptuel à la photo mode. Le concept de chaque image influe directement sur la variété des techniques. A la fois homogène et hétérogène, personnel et universel, son travail invite à construire son propre récit.
Etendue sur les trois étages de Hangar, l’exposition se compose de différents chapitres, où sensualité, ésotérisme, nature, solitude et humour participent à créer une atmosphère particulière, celle de son monde intérieur. Les images de Karel Fonteyne éveillent les sens et transportent dans un autre univers, elles racontent une histoire dépourvue de mots.
Parallèlement à l’exposition, un livre rétrospective intitulé Spell sortira au mois de septembre.

Biographie / Né en 1950 à Anvers. Vit et travaille entre la Belgique et l’étranger.
Actif depuis 1968, Karel Fonteyne a débuté dans la photographie d’art. C’est une fascination pour le livre « Fuglane » de Tarjei Vesaas et pour les auteurs sud-américains comme Borges, García Márquez, Cortázar mais aussi son intérêt pour la psychologie des films de Bergman qui pousseront Karel Fonteyne à commencer la photographie.
A la fin des années 70, il rentre dans le milieu de la mode et travaille alors pour de prestigieux magazines tels que Vogue, Interview, Bazaar, Marie-Claire etc. Il travaille également dès le départ avec les créateurs tels que Martin Margiela, Dirk Bikkembergs, Dries Van Noten, Marina Yee, Walter Van Beirendonck et Dirk Van Saene.
Son travail a été exposé notamment dans des lieux de renoms tels que la Maison Européenne de la Photographie (MEP, Paris) (FR), Bozar (BE), Festival d’Arles (FR), Fotoforum Kassel (DE), Museo Fundació Joan Miró (ES), Museo Español de Arte Contemporáneo (ES), ICC Antwerpen (M KHA) (BE), Noorderlicht International Photo Festival Groningen (NL), Biennale de Photographie Condroz (BE), entre autres.
Karel Fonteyne a plusieurs publications à son actif : Entre chien et loup (1980), See Stars (1987), Black Earth (1990), Pistoleros (2007), Tales of Silence (2014), et Spell qui sortira en septembre 2020.

Dates

Septembre 5 (Samedi) 12 h 00 min - Octobre 24 (Samedi) 18 h 00 min

Lieu

hangar photo art center gallery

18, Place du Châtelain 1050 Brussels

hangar photo art center gallery18, Place du Châtelain 1050 BrusselsOuvert du mardi au samedi de 12:00 à 18:00

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mar01sep14 h 30 minmer30(sep 30)19 h 30 minIsabelle Levistre, photographiesLittle Big Galerie, 45 rue Lepic 75018 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

sabelle Levistre questionne notre construction en tant qu’êtres humains depuis l’âge de l’enfance : nos racines, nos histoires familiales qui construisent et déconstruisent, le parcours de vie, et la confrontation de nos expériences antagonistes. Au moment de son changement de vie et poussée par un fort besoin d’expression, Isabelle Levistre débute son travail photographique sur la petite enfance de ses jumelles. Elle s’interroge alors, sur elle-même et sur la sienne. Il s’en suit un travail de résilience au travers de la photographie. Au fil des images et des projets, elle explore ses souvenirs et son vécu à la recherche des sentiments, des émotions, des bonheurs et des épreuves qui jalonnent une vie. De sa prime enfance, elle recherche les souvenirs, l’état de grâce, les jeux, l’insouciance liée à cet âge.

Au fil des projets, le propos se resserre, le ton s’affirme. Isabelle nous entraine sur ce chemin de vie où elle interroge plus directement son identité d’individu, de femme, de mère. Le retour aux sources, aux forces essentielles, Isabelle va le chercher dans son rapport fort à la nature. La légèreté et la poésie peuvent céder la place à la fragilité, la gravité, la dureté inhérente à toute existence.

C’est un travail personnel et exigeant. Il nécessite une introspection profonde et une mise à nu. Elle le conduit avec la grande sensibilité et l’intuition qui lui sont propres mais aussi avec force et détermination. Un travail délicat, sensible qui évoque aussi le chemin de tout un chacun. C’est en cela qu’il nous touche.

Un parcours qui se poursuit…

A l’occasion de cette exposition, Isabelle Levistre présente des extraits de plusieurs de ses séries (Anamnèse, Arbor Essence, Mélancholia, et présente pour la première fois ses ororones et silvertones de la série Shimmer.

Image orotone, série Shimmer. Au pied de l’arbre.2018.

Dates

1 (Mardi) 14 h 30 min - 30 (Mercredi) 19 h 30 min

Lieu

Little Big Galerie

45 rue Lepic 75018 Paris

Little Big Galerie45 rue Lepic 75018 ParisConstance Lequesne vous accueille dans sa galerie du mardi au dimanche de 14h30 à 19h30, le samedi dés 11h, et sur rendez-vous

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sam26sep(sep 26)10 h 00 min2021dim17jan(jan 17)18 h 00 minNouveau démenti de la mission spatiale Viking 4Peter MitchellLe Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles, 11 Avenue Paul Pastur, 6032 Mont-sur-Marchienne, BelgiqueType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Si à la lecture de ce titre, l’on se sent quelque peu perdu, le voir accolé à ces photographies déconcerte plus encore. Quel est le lien entre des images de villes anglaises et de leurs habitants – Leeds principalement, mais aussi Sheffield et Londres – et une mission spatiale Viking ? L’humour britannique, peut-être ? Bien, mais encore ?
Né en 1943 à Eccles, Greater Manchester, Peter Mitchell débute comme dessinateur pour le ministère du Logement. Il intègre le Hornsey College of Art de Londres quelques années plus tard et s’installe à Leeds en 1972, où il travaille comme graphiste et typographe. En 1973, il trouve un emploi de chauffeur de camion dans une entreprise et sillonne régulièrement la ville de Leeds, qu’il décide de photographier. Nouveau démenti sur la mission spatiale Viking 4 regroupe ces images prises entre 1974 et 1979 et dévoile une ville tentant de se maintenir à travers les changements économiques, et les constructions et destructions qu’ils occasionnent. Peter Mitchell
photographie les petits commerces, les devantures en friche, les manufactures à la dérive et les gens ordinaires d’une classe plutôt ouvrière.
Point d’ironie, ni de condescendance en ses images ; bien au contraire, photographiés de manière très formelle à l’aide d’un escabeau, les propriétaires ou les employés posent fièrement devant leur commerce et Mitchell les présente tels des héros d’un conte moderne. Chaque photographie est légendée d’un extrait de son journal de bord. Ces notes, au ton léger voire bon enfant, teintées d’humour et d’autodérision, identifient chaque lieu et chaque personne. Ces inconnus deviennent tout à coup plus familiers. Nous apprenons ainsi que Keith et Sandra sont les tenanciers d’un pub chaleureux, que Leslie a un chien aux noms variés, ou encore que Sindey et James, tourneurs sur bois, vont bientôt devoir fermer leur boutique et n’ont pas trouvé repreneur, même pour une somme modique. Autant d’informations qui frisent parfois l’anecdote mais qui en disent souvent beaucoup sur l’histoire de ces habitants, sur leur épaisseur humaine et sur les conséquences pour eux de la mutation de leur ville.
Ces photographies de Leeds font évidemment un écho singulier aux paysages industriels de la ville de Charleroi : toutes deux ont subi une reconversion économique et une profonde mutation sociale et culturelle. Mais le lien avec Mars peut toujours sembler un peu flou. Peter Mitchell, en fait, s’inspire des théories conspirationnistes en vogue à l’époque et présente sa série comme le résultat d’une mission martienne à Leeds en réaction aux sondes Viking 1 et Viking 2, expédiées respectivement le 20 août et le 9 septembre 1974. Les photographies de Mitchell sont attribuées à de petits bonhommes verts qui découvriraient une ville avec un sentiment comparable à celui de l’Homme (avec un grand « H ») découvrant la planète rouge. Le lien avec cette exploration est renforcé par les grilles de coordonnées de la Nasa entourant les photographies, et par les images de Mars extraites de la mission spatiale qui viennent ponctuer la série.

Lorsque la série Nouveau démenti sur la mission spatiale Viking 4 est présentée en 1979 pour la première fois à L’Impressions Gallery of Photography à York, deuxième galerie photo à avoir ouvert en Angleterre, sous le commissariat de Val Williams, elle marque de nombreux esprits par l’aspect novateur du style documentaire de Peter Mitchell. Dans un contexte où la photographie couleur occupe très peu les cimaises – il s’agissait de la première exposition en couleur, dans une galerie photographique britannique, réalisée par un photographe britannique –, la série de Mitchell séduit et interpelle les observateurs. Parmi eux un certain Martin Parr, qui confiera ensuite l’influence de l’approche documentaire de Mitchell sur son propre travail.
À travers cette mise en scène novatrice, Peter Mitchell questionne la notion de photographie documentaire de l’époque en faisant du « contre-documentaire » et en endossant le rôle d’un explorateur venant de Mars. Mais ce questionnement s’élargit également à la notion de photographe observateur extérieur. Peter Mitchell n’est pas un visiteur en transit, il a au contraire photographié Leeds « de l’intérieur » ; pourtant, il nous invite à voir cette série comme le travail effectué par un étranger débarqué de nulle part, et cette petite ville morose voire ordinaire se fait tout à coup intrigante, mystérieuse ; son architecture et ses habitants deviennent aussi étranges que les découvertes tirées d’univers lointains.
Nouveau démenti sur la mission spatiale Viking 4 est certes teinté d’humour britannique, mais est loin d’être un constat tout en grisaille ou une représentation cynique des villes anglaises et de leurs habitants. Au contraire, Peter Mitchell, tant par l’emploi de couleurs douces et presque pastel – contrastant avec le ciel anglais plombé et gris – que par la tendresse et l’attention de son regard, dresse, avec empathie et respect, le portrait sensible d’une ville mais aussi, au-delà, celui d’une époque.

Dates

Septembre 26 (Samedi) 10 h 00 min - Janvier 17 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Le Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles

11 Avenue Paul Pastur, 6032 Mont-sur-Marchienne, Belgique

Le Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles11 Avenue Paul Pastur, 6032 Mont-sur-Marchienne, BelgiqueLe musée est ouvert du mardi au dimanche, de 10h à 18h

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ven18sep(sep 18)14 h 00 minsam31oct(oct 31)18 h 00 minTwo WorksDaniel Gustav Cramer Musées d’Aurillac – Les Écuries des Carmes, 37 Rue des Carmes, 15000 Aurillac

Détail de l'événement

« Je suis resté deux mois au Japon. Sur le chemin du retour vers notre maison à Kyoto après avoir visité un étang dans un temple bouddhiste du département de Seki, nous conduisions sur de petites routes sinueuses, au milieu des rizières et des forêts. Alors que nous traversions une rivière, les nuages se sont écartés et un rayon du soleil couchant a éclairé un coude de cette rivière, là où des enfants jouaient avec des pistolets à eau. La brume descendait lentement le long de la rivière, illuminée par le soleil, enveloppant les enfants. Je me suis arrêté, suis sorti de la voiture, et en quelques minutes seulement le soleil avait disparu derrière les montagnes et les enfants étaient sortis de l’eau.
Cet épisode m’est resté en mémoire tout le long de mon séjour au Japon. Depuis mon retour, ce moment a pris de plus en plus d’importance, et pendant des semaines, dans la chambre noire, j’ai revisité ce pont et cette rivière, encore et encore. »
Daniel Gustav Cramer, 2020

Pour la réouverture au public de l’espace d’exposition de La Sellerie, les Musées d’Aurillac ont souhaité inviter Daniel Gustav Cramer à présenter une nouvelle série d’images. Depuis le début de sa carrière, la pratique de cet artiste conceptuel allemand se partage entre photographie, écriture de courts textes, vidéo et sculpture, conduisant autant à l’exposition qu’à la publication de livres. Avec le paysage comme point de départ – une forêt obscure, un lac de montagne, l’océan –, ses oeuvres prennent la forme de micro-récits dont le sens se révèle progressivement dans la succession des images. La dimension narrative y est assurément essentielle : chaque fragment, aussi petit soit-il, contribue à l’existence des histoires que Daniel Gustav Cramer met en place. Ces récits tiennent d’ailleurs souvent à peu de chose et les ellipses y sont monnaie courante. Rien n’y est explicite, de telle sorte que les histoires ne sont réellement complètes que dans l’esprit de celui qui les regarde et en assemble les morceaux.
Particulièrement représentative, la série « Tales », initiée en 2000, montre des séquences de photographies organisées en diptyques, triptyques ou en groupes d’images plus conséquents. À chaque fois, un paysage y est photographié de loin, avec un petit élément qui ponctue la scène.
D’une image à l’autre, cet élément se déplace ou se modifie, constituant ainsi le noeud d’un récit : un pneu qui roule dans le désert et avance vers le premier plan, une barque qui file sur l’eau jusqu’à disparaître du cadre, des personnes qui marchent sur une passerelle au bord de la mer, une femme âgée pensive à sa fenêtre. Ces scènes ouvertes à l’interprétation ont également fait l’objet de publications, chacune de ces petites histoires pouvant aboutir à un livre à la sobriété formelle affirmée, contenant uniquement une séquence d’images, sans texte.
Pour son exposition à Aurillac, Daniel Gustav Cramer propose une installation inédite de 21 tirages formant une seule et même histoire. Celle-ci prend place dans un paysage photographié au Japon, composé d’une rivière de montagne, d’une plage de galets et de quelques rochers.
Sur certaines images apparaissent des adolescents qui se baignent, jouant avec des pistolets à eau sous l’ombre des arbres qui bordent la rivière. Une légère brume flotte au-dessus de l’eau, teintée de la lumière dorée de la fin de journée. Puis le brouillard s’intensifie, jusqu’à recouvrir peu à peu la rivière et les adolescents. Quand il se dissipe, les adolescents ont disparu.
On ne sait combien de temps a pu s’écouler entre les premiers clichés et les derniers. À l’image de ronds dans l’eau, la dimension narrative de cette série s’épanouit avec le temps : à première vue, il ne semble rien s’y passer vraiment, rien de spectaculaire dans tous les cas, mais l’impact des changements dans le paysage, d’abord imperceptible, s’amplifie à mesure que l’on contemple les images. Le récit est minimal – on a ainsi pu parler de « proto-cinéma » à propos des séquences de photographies de Daniel Gustav Cramer – et pourtant il ne cesse de gagner en densité image après image, semblable à ce brouillard de montagne, au départ vaporeux et qui devient de plus en plus épais.
Une autre histoire (Wycliffe Well, Northern Territory, Australia, July 2009, datée de 2011), sous forme de texte cette fois, est aussi disposée dans la salle d’exposition. Il y est question de rencontre inattendue, de présence et d’absence, comme un écho discret à l’installation photographique.
commissariat : Lilian Froger

Dates

Septembre 18 (Vendredi) 14 h 00 min - Octobre 31 (Samedi) 18 h 00 min

Lieu

Musées d’Aurillac – Les Écuries des Carmes

37 Rue des Carmes, 15000 Aurillac

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jeu17sep(sep 17)14 h 00 minsam24oct(oct 24)19 h 00 minPaul Kodjo & Ananias Léki Dagoin camera galerie, 21, rue Las Cases 75007 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Dialogue argentique entre deux auteurs ivoiriens, Paul Kodjo et Ananias Léki Dago, l’un comme l’autre en quête d’un regard moderne.

À part leur pays natal, la Côte d’Ivoire, qu’ont en commun Paul Kodjo et Ananias Léki Dago ? Une passion pour la photographie, ou plutôt comme l’explique Ananias Léki Dago, « un souci d’élever la photographie, de l’emmener au-delà de l’utilitaire afin d’avoir sa propre vision ». Même s’ils appartiennent à des générations différentes, Paul Kodjo est né en 1939, Ananias Léki Dago en 1970, cet état d’esprit a réuni intuitivement ces deux auteurs lors de leur première rencontre à Abidjan, en 2000. L’un comme l’autre portés par le désir de se démarquer, il se sont enracinés dans ce médium, et, d’une certaine façon, soutenus esthétiquement.

Signe de distinction : ce noir & blanc qu’ils affectionnent et expérimentent résolument. « Nos écritures ne se ressemblent pas, note Ananias Léki Dago, mais nous sommes de la même école, celle de l’argentique. Paul s’est affirmé aussi bien dans le portrait en studio que dans le reportage de presse, il a documenté l’indépendance de notre pays. Son histoire croisera plus tard celle de la France en Mai-68, et celle du cinéma. » Kodjo est un homme en mouvement, sa biographie est riche d’aventures, de l’ouverture de son premier studio en 1959, Hollywood Studio, à Abidjan, à son enseignement à l’Institut National des Arts (1975-1985). Ainsi, lorsqu’il met en scène des romans-photos pour l’hebdomadaire Ivoire-Dimanche, il aime conjurer l’immobilité de ses modèles en les plaçant dans des décors sur mesure qui ne les écrasent pas. Aucune affectation, pas de frivolités, gestuelle élégante, il s’agit de sortir du cadre sans recourir à l’artifice. C’est très réussi.

Ananias Léki Dago pratique le décadrage, « une démarche adoptée très tôt. Mais je ne cadre pas par hasard, c’est le tranchant de mon cadrage qui trahit une volonté de décadrer ». Il joue avec les silhouettes, le contre-jour, ou les ombres « qui deviennent des masses pour les mettre en confrontation ». C’est un photographe qui prend soin de son sujet, il n’est pas dans l’effleurement mais dans la profondeur. Ce témoin poétique est concerné par ce qu’il voit, en Afrique du Sud, au Mali, au Kenya, au Bénin ou en Côte d’Ivoire : « Je réordonne la réalité ». D’où la force de sa rencontre avec Paul Kodjo, leur dialogue a porté ses fruits. Grâce à la ténacité d’Ananias Léki Dago, une partie des négatifs de Paul Kodjo a pu être sauvée et restaurée. À Abidjan comme à Paris, on a redécouvert ce photographe oublié, qui figure désormais dans les collections du Musée du Quai Branly.

Cette reconnaissance est un nouveau lien, un attachement qui emmêle leurs destinées. « Paul est d’une simplicité déconcertante », dit Ananias qui prépare un film sur son aîné. « Ça m’a permis de grandir », conclut-il, tout à la fois heureux de ce trésor patrimonial, et de cet échange fertile autour de la photographie, source de lumières.

Photo : Photographie de mode réalisée devant l’immeuble de la caisse de stabilisation, Plateau, Abidjan, 1970 © Paul Kodjo

Dates

Septembre 17 (Jeudi) 14 h 00 min - Octobre 24 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

in camera galerie

21, rue Las Cases 75007 Paris

in camera galerie21, rue Las Cases 75007 ParisOuvert du mardi au samedi de 14h à 19h

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