Deux expositions à la galerie Magnum Paris

USA. New York. 1972. © Miguel Rio Branco / Magnum Photos

Evénements, Photo

by Ericka Weidmann on 17 novembre 2016

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Deux expositions à la galerie Magnum Paris

Name: Jan Groover
Start: 2019-9-18T11-11-00-00
End: 2020-1-5T18-18-00-00
Location: Musée de l’Elysée

Temps de lecture : 43 secondes

La galerie de la célèbre agence Magnum, qui fête ses 70 ans dans quelques mois, présente en ce moment une double exposition. La première est consacrée aux premiers travaux du photographe Miguel Rio Branco et une installation d’Antoine d’Agata.

Jusqu’au 23 décembre, vous pouvez découvrir, au deuxième étage de la galerie, la série New York Sketches du photographe brésilien Miguel Rio Branco. L’exposition présente 41 tirages – pour la majorité des vintage tirés par l’artiste lui-même – issus de l’un des tous premiers reportages documentaires du photographe à New York réalisé au début des années 70. Ces images sont montrées pour la première fois en Europe.
Rio Branco vit à Rio de Janeiro. C’est un artiste multiple : tour à tour peintre, photographe, réalisateur ou encore créateur d’installations multimédia, son travail est exposé dans les galeries et musées du monde entier.

Au rez-de-chaussée, c’est l’œuvre d’Antoine d’Agata qui est présentée, avec X-LIBRIS, une installation réalisée à partir de ses six derniers ouvrages : Frontline, Paradigmes, Atlas, Map, Cidade De Pedra, A/New York. Une sélection de tirages viennent également compléter l’exposition.

EXPOSITION
Magnum Photos
19, rue Hégésippe Moreau
75018 Paris
Tel +33 (0)1 53 42 50 00
gallery@magnumphotos.com
http://www.magnumphotos.com

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mer18sep(sep 18)11 h 00 min2020dim05jan(jan 5)18 h 00 minJan GrooverMusée de l’Elysée, 18, avenue de l’Elysée CH – 1014, LausanneType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Cette exposition revient pour la première fois sur l’ensemble de l’œuvre de Jan Groover (1943-2012), photographe d’origine américaine dont le fonds personnel a intégré les collections du Musée de l’Elysée en 2017. À travers une sélection d’archives issues de ce dernier, elle évoquera non seulement les années new-yorkaises de l’artiste, mais aussi françaises – pan méconnu de sa carrière. Le parcours présente les résultats d’un important travail de recherche mené par l’équipe du musée sur le fonds – à la fois du point de vue de la conservation (analyses approfondies sur les procédés et supports photographiques, traitements de restauration) et de la documentation historique (contextualisation de l’œuvre et de sa réception tant institutionnelle que critique).

« Le formalisme, c’est l’essentiel. » Empruntant pour ligne directrice l’assertion de Groover, l’exposition met en lumière le dessein éminemment plastique poursuivi tout au long de son travail par la photographe. Menée au gré d’une expérimentation constante, cette recherche et le processus créatif qu’elle implique sont mis en valeur non seulement par la présentation d’épreuves vintage, mais aussi par la présence de documents, notes et carnets préparatoires.

Au début des années 1970, Jan Groover – délaissant sa vocation première de peintre – est remarquée pour ses polyptyques photographiques, construits autour des motifs de la route, des voitures et de l’environnement urbain. Prémisses de ses explorations formelles et esthétiques, ils offrent la possibilité de réexaminer des réflexions amorcées par les artistes contemporains de l’époque (notamment les notions de sérialité et de séquence). Vers 1978, Jan Groover change radicalement de sujet pour se tourner vers la nature morte. Elle débute ainsi un corpus qui formera l’essentiel de son œuvre, et grâce auquel elle reste aujourd’hui encore l’une des figures éminentes du genre dans l’histoire contemporaine du médium. Pour la plupart réalisées en studio, ses compositions relèvent de procédés variés. Dans les années 1980, elles contribueront activement à la reconnaissance de la photographie en couleurs. Malgré une prééminence sans conteste de ses photographies d’objets, le travail de Jan Groover est également ponctué de paysages, corps et portraits, souvent en noir et blanc. Elle développe également un attachement pour la technique au platine et au palladium dont elle approfondira l’étude à son arrivée en France, avec plusieurs séries au format allongé très particulier (banquet camera), en conclusion de l’exposition.

Dates

Septembre 18 (Mercredi) 11 h 00 min - Janvier 5 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Musée de l’Elysée

18, avenue de l’Elysée CH – 1014, Lausanne

Musée de l’Elysée18, avenue de l’Elysée CH – 1014, LausanneDu mardi au dimanche de 11h à 18h. Entrée libre le premier samedi du mois. Nocturnes jusqu'à 20h chaque dernier jeudi du mois. Tarifs : Plein tarif 8 CHF / Retraités 6 CHF / Réduit 4 CHF.

Calendrier GoogleCal

mar12nov(nov 12)11 h 00 minsam30(nov 30)20 h 00 min« Ce que leurs yeux ont vu… »Les héritiers de Robert Capa par Alizé Le MaoultGalerie du Montparnasse, 55, rue du Montparnasse 75014 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Montrer. Témoigner. Dénoncer les injustices et les atteintes aux droits de l’Homme, expliquer ce qui se passe sur le terrain, questionner… Voilà l’objectif des reporters de guerre. Ils exercent le métier de journaliste le plus périlleux car ils doivent être au cœur de l’action, au prix de leur liberté voire de leur vie. « Si vos photos ne sont pas assez bonnes, c’est que vous n’êtes pas assez près », disait Robert Capa, la figure légendaire des reporters.
Toute histoire a un commencement. Celle-ci démarre en 1995, dans la ville assiégée de Sarajevo, sur le tournage du film « Le Cercle parfait » du cinéaste Ademir Kenovic. Alizé Le Maoult y participe. Cette production devient pour elle une expérience professionnelle et émotionnelle hors du commun pendant laquelle elle rencontre la « Génération Sarajevo » des photographes de guerre. Quelques années plus tard, Alizé rend hommage à des dizaines de gens d’images, toutes nationalités confondues, dont les photos paraissent dans la presse mais dont on ne connaît pas les visages. Au-delà de saluer leur courage, Alizé développe un dialogue visuel avec ces témoins hors pair. De Sarajevo à Washington, elle les a photographiés dos au mur, droit dans les yeux, et leur a demandé de choisir une de leurs photographies, qui représenterait la Guerre, et de mettre en mots la raison de ce choix. Cette conversation prend la forme de diptyques et de face-à-face poignants.
Toutes et tous ces héritiers de Capa, sont allés au plus près de l’événement. Cette relève continue de le faire au moment où vous lisez ces lignes, que ce soit en Syrie ou en Afghanistan. Ce qui se passe là-bas résonne plus que jamais en bas de chez nous. Les attentats de ces dernières années en France et à Paris en sont la preuve. Tout est lié. Et tout nous relie. A quelques rues d’ici, au 37 rue Froidevaux précisément, Robert Capa, sa compagne Gerda Taro et leur ami David Seymour dit « Chim », tous photoreporters, avaient fait du 14e arrondissement, leur base de repli au temps de la guerre d’Espagne. Leur studio était alors un port d’attache, une terre d’accueil pour ces citoyens du monde au regard universel. Aujourd’hui, une plaque commémorative rappelle leur présence et transmet leur mémoire. Robert, Gerda, « Chim » et leurs dignes descendants, tels des enfants spirituels, sont nos yeux, les vigies et les éclaireurs de nos consciences au cœur des ténèbres de la condition humaine.

Dimitri Beck
Directeur de la photographie de Polka

Dates

12 (Mardi) 11 h 00 min - 30 (Samedi) 20 h 00 min

Lieu

Galerie du Montparnasse

55, rue du Montparnasse 75014 Paris

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mar15oct(oct 15)11 h 00 min2020dim12jan(jan 12)19 h 00 minDaisuke KosugiSatellite 12 : une programmation de Laura HermanJeu de Paume, 1, place de la Concorde 75008 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Par le biais du cinéma, de la sculpture, de la performance et du texte, Daisuke Kosugi met au point des scénarios séduisants qui renferment un conflit sous-jacent entre la liberté personnelle et les systèmes. Que ce soit en décrivant la façon dont la créativité est minée par l’industrie créative à l’œuvre dans un marché du travail postfordiste, ou à travers un récit de créativité qu’on ne peut convertir en mesures de productivité culturelles ou économiques, Kosugi analyse ces combats à travers les vies d’individus. Ses films semi-autobiographiques entraînent le public dans des expériences intimes où le conflit est présenté de façon corporelle et émotionnelle.

À travers des couches de fiction et de non-fiction, il élabore un mode actif de visionnage, une méthode de récit développée à partir de son intérêt pour l’empathie et l’incommunicabilité de la douleur.

Daisuke Kosugi (1984, Tokyo) vit et travaille à Oslo. Avec Ina Hagen, il est le cofondateur de l’initiative Louise Dany à Oslo.
Parmi ses dernières expositions personnelles, on peut citer : « Dawning of the Dance Floor », Podium, Oslo (2015) et « Forgive Me For I Am Not Gentle » en duo avec Ina Hagen, INCA Seattle (2016). Son travail a été présenté au LIAF (Lofoten International Art Festival) en Norvège ; à CPH:DOX 2017 (Mention spéciale à NEW:VISION Award), à la 11e Biennale de Gwangju, en Corée-du-Sud (2016) et à la Konsthall de Malmö (2016). Il a été présélectionné pour les Grants for Emerging Artist de la DNB Savings Bank Foundation en 2016, l’Oslo Kunstforening et l’International Award of the Spring Exhibition 2016, Kunsthal Charlottenborg, Copenhague. En 2017, il a été en résidence au WIELS, à Bruxelles.

Commissaire : Laura Herman

Photo : Meeting Uncle Yuji 2018. Vidéo.
Daisuke Kosugi. Photo : Oscar Qvale

Dates

Octobre 15 (Mardi) 11 h 00 min - Janvier 12 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

Jeu de Paume

1, place de la Concorde 75008 Paris

Jeu de Paume1, place de la Concorde 75008 ParisEntrée 10€ / Tarif réduit 7,5€ Ouvert le mardi de 11h à 21h et du mercredi au dimanche de 11h à 19h.

Calendrier GoogleCal

jeu14nov(nov 14)12 h 00 minsam21déc(déc 21)18 h 00 minOutlandRoger Ballen box galerie, 102 chaussée de Vleurgat 1050 BruxellesType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Alors même que Bruxelles lui consacre une exposition d’envergure, The Theatre of the Ballenesque*,
principalement axée sur ses créations les plus récentes, des oeuvres faisant appel tout autant à la
sculpture, au dessin, à l’installation et à la performance qu’à la photographie, nous proposons pour
notre part une série plus ancienne de Roger Ballen (New York, 1950), Outland, réalisée à la fin des années 1990 et publiée une première fois en 2001.
Outland apparaît à bien des égards comme un opus fondamental dans le parcours artistique de Ballen.
Cet ensemble d’images constitue pour une part un pivot marquant son renoncement à une photographie strictement documentaire – sans détours ni artifices –, celle-là même qui fut l’objet de Dorps: Small Towns of South Africa et de Platteland – Images from Rural South Africa, les deux monographies dans lesquelles le photographe dépeignait les régions les plus reculées de son pays d’adoption tout en dressant le portrait de quelques-uns de ses habitants.
Avec en toile de fond des bouleversements historiques, en l’occurrence la fin de la politique d’apartheid.
S’il s’éloigne du documentaire en abordant Outland, Ballen nous convie à le suivre dans un univers fictionnel mais dont les protagonistes sont bel et bien ancrés dans le réel. Les tableaux qui se succèdent constituent une entrée métaphorique dans le sort et la vie des laissés pour compte de la société, qu’elle soit ou non sud-africaine, pour dresser peut-être un portrait grinçant, grimaçant mais jamais dénué d’empathie de la condition humaine.
Acteurs peu ou prou involontaires de scènes qui semblent tout droit issues d’une réminiscence d’un Théâtre de l’Absurde, les hommes, les femmes, les enfants (sans oublier les animaux !) qui peuplent ce monde à mi-chemin du rêve et du cauchemar nous entraînent dans un tourbillon à la fois drolatique et effrayant.
Nous avons beau être confrontés à des êtres visiblement en marge de la société, à des environnements décrépits, dénués de tout confort, à un décor et à des accessoires mystérieux dans leur banalité, hors du temps et de l’espace, c’est bien de nous-mêmes que Roger Ballen nous entretient.
Maître d’un jeu dont il serait le seul à connaître toutes les règles et les significations obscures, le photographe apparaît ici comme l’improbable héritier de Beckett et de Ionesco.
Et, au final, toutes et tous nous pouvons bien attendre, ou feindre l’attente. Godot ne viendra pas. Éclat de rire. Rideau.
Alain D’Hooghe

* The Theatre of the Ballenesque, CENTRALE for Contemporary Art, 44 place Sainte-Catherine, 1000
Bruxelles. Exposition du 14 novembre 2019 au 14 mars 2020.
À voir également, au même endroit, Correspondances, collaboration entre Roger Ballen et Ronny
Delrue.
Pour en savoir plus : www.centrale.brussels

Dates

Novembre 14 (Jeudi) 12 h 00 min - Décembre 21 (Samedi) 18 h 00 min

Lieu

box galerie

102 chaussée de Vleurgat 1050 Bruxelles

box galerie102 chaussée de Vleurgat 1050 BruxellesLa galerie est ouverte du mercredi au samedi de 12 à 18 heures

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mer29mai(mai 29)11 h 00 min2020mar25aou(aou 25)18 h 00 minTant de choses planent dans l’air, d’où notre vertigeYann Mingard Musée de l’Elysée, 18, avenue de l’Elysée CH – 1014, LausanneType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Le projet Tant de choses planent dans l’air, d’où notre vertige a été conçu par le photographe suisse Yann Mingard entre 2015 et 2018. Il marque une nouvelle évolution de l’intérêt que porte l’artiste à la création de « diagnostics photographiques de la contemporanéité », en rapport avec des phénomènes naturels, technologiques et sociaux ainsi que leur impact sur notre état d’esprit actuel et celui du monde en général. L’exposition reflète l’engagement et le soutien constants du Musée de l’Elysée envers les artistes suisses émergents, ou déjà plus avancés dans leur carrière, comme ce fut le cas avec Nicolas Savary et Matthias Bruggmann. C’est par ailleurs une première en Europe.

L’œuvre de Yann Mingard, qui vit à Colombier et est horticulteur de formation, s’inspire de notions et de méthodes empruntées à la géologie, comme celles de sédimentation et de stratification. Elle engendre des métaphores tenant du paradoxe ou de la dystopie, à l’instar de situations qui parviennent à combiner des phénomènes aux temporalités différentes, téléportant ainsi l’observateur de l’instant présent vers notre passé préhistorique. Ceci s’illustre, par exemple. dans un sous-chapitre où l’artiste explore le paysage médiatique actuel et l’histoire de l’art, juxtaposant des images prises, par webcam, de ciels métropolitains chinois à des morceaux de ciels peints par William Turner. Ces doubles mouvements, tant dans le temps que l’espace, furent inspirés par les travaux d’un climatologue qui a étudié, sur la durée, le changement climatique à travers des preuves visuelles fournies par un nombre important de peintures historiques. En combinant un style photographique assez sombre dans ses natures mortes et ses paysages avec des documents et enregistrements provenant d’une variété de sources, Yann Mingard parvient à créer un itinéraire visuel synoptique. Côte à côte se retrouvent des scénarios de presque-accidents nucléaires, des tentatives de résurrection du mammouth laineux et l’évolution, ou plus exactement l’inversion, d’une prière catholique vieille d’un siècle utilisée dans la région d’Aletsch pour préserver son glacier.

Le contexte mondial et les cadres temporels géologiques dans lesquels se produisent le changement climatique et l’anthropocène – appelée aussi Grande accélération –, où l’activité humaine a pris une ampleur planétaire, sont ici mis en scène comme des chapitres secondaires parfois absurdes, propres à un lieu et un moment historique particuliers. Au final, l’exposition nous invite à réfléchir sur notre propre rôle et nos prises de position en tant que citoyens et consommateurs, dans un monde qui semble de plus en plus à la dérive et pris de vertige face au destin qui sera le nôtre en tant que réseau planétaire d’acteurs humains et non humains.

Dates

Mai 29 (Mercredi) 11 h 00 min - Août 25 (Mardi) 18 h 00 min

Lieu

Musée de l’Elysée

18, avenue de l’Elysée CH – 1014, Lausanne

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Deux expositions à la galerie Magnum Paris

La galerie de la célèbre agence Magnum, qui fête ses 70 ans dans quelques mois, présente en ce moment une double exposition. La première est consacrée aux premiers travaux du photographe Miguel Rio Branco et une installation d’Antoine d’Agata.

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novembre 2016
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