La galerie Hartman représente Annie Marie Musselman

Annie Marie Musselman, Ladyhawk, 2011

L'Actu, News

by La Rédaction on 29 novembre 2016

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La galerie Hartman représente Annie Marie Musselman

Name: Le corps, infiniment Henri Foucault
Start: 2019-4-4T12-12-00-00
End: 2019-5-18T19-19-00-00
Location: Galerie Thierry Bigaignon

Temps de lecture : 6 secondes

La galerie Hartman vient d’annoncer qu’elle représentait le travail et la photographe Annie Marie Musselman. Musselman est une jeune américaine qui a étudié à Marseille, France.

www.hartmanfineart.net

La Rédaction

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sam20avr(avr 20)14 h 00 mindim30jui(jui 30)19 h 00 minCirculation(s) 2019Festival de la Jeune Photographie Européenne104 – CENTQUATRE Paris, 104 rue d'Aubervilliers 75019 ParisType d'événement:Festival,Photographie

Détail de l'événement

« Au sein du festival, la parole et les actes des photographes demeurent au centre du propos. Ils nous indiquent la voie à suivre, ce qui émerge de manière concrète. Ce souci d’horizontalité et d’auto-organisation immunise le festival de tout risque de déviation autoritaire. Dans la volonté de transformation générale de la société, le fonctionnement institutionnel de l’art et de la photographie ne relève pas de l’anecdote. Dans l’organisation même du festival, le refus de l’autorité postule la suppression de la distinction entre « penseurs » et « exécutants » passifs, appelle et soutient les initiatives de tous, des techniciens aux bénévoles. L’autonomie des participants portée par des principes collectifs, des valeurs, et peut-être, des idéaux va à l’encontre du fonctionnement de nombreux festivals. Aux limites néo-libérales ou bureaucratiques qui se sont imposées dans la sphère culturelle s’opposent la capacité d’imagination du collectif, le rejet de la compétition et de la domination au sein de cette modeste expérience. […]

Circulation(s) est ce que devrait être tout organisme culturel, un objet de citoyenneté. On ne résume pas une manifestation de ce type par la simple présentation « d’œuvres ». Ce festival se veut avant tout une mise à disposition de sens, c’est-à-dire le réel analysé et disséqué. En cela, ce moment qui apparaît précoce au Printemps ne sera jamais institutionnalisé. Il le souhaiterait qu’il se détruirait car l’évènement dépasse en lui-même l’idée de festival. Il génère, dans un temps court, une logique de l’action dont la nature se construit épisode après épisode, se libérant de la tradition festivalière. Il faudra qu’il s’en dégage encore en acceptant les tensions historiques. Cette volonté sécessionniste la conduira à mettre à mal les conceptions dominantes participant ainsi, à sa mesure, à refuser le présent imposé. »

The Red Eye

Dates

Avril 20 (Samedi) 14 h 00 min - Juin 30 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

104 – CENTQUATRE Paris

104 rue d'Aubervilliers 75019 Paris

104 – CENTQUATRE Paris104 rue d'Aubervilliers 75019 ParisOuvert du mercredi au dimanche de 14h à 19h

Calendrier GoogleCal

jeu04avr(avr 4)12 h 00 minsam18mai(mai 18)19 h 00 minLe corps, infiniment Henri FoucaultHenri FoucaultGalerie Thierry Bigaignon, 9 rue Charlot 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Les images de Henri Foucault conjurent la planéité photographique transformant la photographie en médium de la trois dimensionnalité. Comme si, avec un brin de facétie, c’était précisément à travers elle que Foucault tenait à démontrer après Rodin qu’il faut toujours « considérer une surface comme l’extrémité d’un volume ». D’autant qu’Henri Foucault a trouvé dans le corps la matière idéale – sans pourtant la modeler au sens propre – pour maintenir les formes dans un suspens vibratoire qui les fait osciller entre aplanissement et relief.

La surface n’est jamais ce qu’elle semble être chez lui. Car il ne cesse de l’altérer, de l’expérimenter, de la retravailler par couches successives d’interventions qui finissent par absenter le sujet de ses photographies. Comme souvent chez Foucault, le corps autopsié se joue des oppositions qui fondent le processus artistique – vide/plein, interne/externe, fond/forme – de la même manière qu’il brouille parfois les frontières entre le positif et le négatif photographique.

Cette dialectique sous-tend le travail de Foucault. Il s’amuse à contourner les limites du papier. Le sculpteur en lui sait retirer de la matière et faire usage du vide. Foucault perce, perfore, creuse encore et encore ses photographies. La béance est petite certes mais l’artiste n’a de cesse de porter atteinte à la deux-dimensions. Son obsession est éminemment sculpturale : il s’agit toujours de percevoir la ligne qui confère son existence au visible, de tracer (quitte à la subvertir) la frontière entre le dedans et le dehors, entre la surface et l’espace.

Objet sculptural, le corps peut être dédoublé, fragmenté, réduit, au bord de l’effacement, à son contour ou à une éclaboussure de lumière. Il est parfois tout entier dans l’espace qui l’enveloppe. Car ultimement, c’est peut-être à une forme de dissection conceptuelle que Foucault s’emploie. Il n’ouvre sur rien. Il resplendit dans une froide et précieuse luminosité.

Et si l’épiderme vaut pour le contenu, le plein pour le vide, le fond pour la forme, le bas pour le haut (et vice versa), c’est parce qu’Henri Foucault retourne la photographie comme un gant, l’analyse de l’intérieur, depuis ce qu’il pense d’une forme. Il dissèque moins le corps que l’image afin d’en feuilleter des degrés de visibilité, générant simultanément une matière décorative. Percée ou moirée par les épingles, la surface tient de l’orfèvrerie.
Le corps n’est souvent plus là. Mais il vibre encore, brille aussi.

ALIX AGRET

Dates

Avril 4 (Jeudi) 12 h 00 min - Mai 18 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Thierry Bigaignon

9 rue Charlot 75003 Paris

Galerie Thierry Bigaignon9 rue Charlot 75003 ParisLa Galerie Thierry Bigaignon est exclusivement dédiée à la photographie. La galerie met l’accent sur une programmation internationale et entend défendre une certaine vision de la photographie : une photographie classico-contemporaine, une photographie éclectique et exigeante. Ouvert du mardi au samedi de 12h à 19h

Calendrier GoogleCal

lun04mar(mar 4)0 h 00 minjeu02mai(mai 2)0 h 00 minAppel à candidature : Prix Levallois 2019 Organisateur: Prix Levallois Type d'événement:PhotographieType d'événement 2:Festival,Prix

sam30mar(mar 30)11 h 00 minlun20mai(mai 20)19 h 00 minMother, fellings, CognacKetuta Alexi-MeskhishviliGalerie Frank Elbaz, 66 rue de Turenne 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

sam16mar(mar 16)10 h 00 minlun11nov(nov 11)18 h 00 minFragmentsJean-Marc TingaudMusée de Bibracte, Mont Beuvray, 71990 Saint-Léger-sous-Beuvray, FranceType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Depuis l’origine relativement récente de la photographie – qu’est-ce que 193 ans à l’échelle d’une l’histoire de l’humanité qui en compterait approximativement deux cent mille ? – les hommes n’ont jamais cessé de s’interroger : la nature, les animaux, les autres hommes, se nourrir, s’abriter, se chauffer, les divinités, les vivants, les morts, l’amour, la guerre, la paix, le bien, le mal, la terre, le ciel, le vent, l’eau des ruisseaux, des rivières, des fleuves et de l’océan, le feu des herbes et celui de la foudre, la neige et la glace, les grondements venus des tréfonds de la terre…

Ils n’ont jamais cessé aussi de documenter, commenter, argumenter, témoigner.

Mais comment transmettre lorsqu’on doit tout inventer, passer du borborygme au langage, du cri informe au chant identifié, du trait improbable au dessin maîtrisé, de la glaise molle à la forme accomplie ?

Autant dire que la proposition qui m’a été faite par Laïla Ayache, d’exposer au sein même des collections du Musée Archéologique de Bibracte m’a surpris, pour ne pas dire stupéfait. Ces salles, je les ai parcourues de nombreuses fois, la plupart du temps en famille, souvent accompagné des amis de nos enfants. J’aime le site, la belle nature qui l’entoure, l’architecture de Pierre Louis Faloci, la clairvoyance rare d’un Président de la République, François Mitterrand, décidant de sa création, jumelée à celle d’un Centre européen de recherche archéologique où se retrouveraient des étudiants venus de toute l’Europe. Impressionné sûrement, jusqu’au moment où j’ai compris qu’en m’invitant à exposer mon travail en regard des découvertes constituant les collections du musée, il y avait un lien de parenté très réel entre les recherches des archéologues et les miennes. Il est vrai qu’en parcourant le monde, j’étais sans doute à la recherche d’improbables vestiges de présence humaine, dans des espaces de vie ou de travail ignorés la plupart du temps par les esthètes les plus avisés, par les sociologues ou anthropologues les plus perspicaces… Cette passion pour la recherche, artistes et scientifiques, à l’évidence se la partagent.

Le fil d’Ariane, alors, se dénoue. Les images défilent : les vestiges du Machu Picchu, 1973, les ex-votos en fer blanc du Sri Lanka, 1982, la série « Egyptienne » en 1984, celle des « Stèles » en 1985 pour le bi-millénaire de la ville d’Autun, les moaïs de l’Ile de Pâques en 1987, la collection d’art populaire de Patrick Diant, 2013, celle d’art africain de Patrick Caput en 2016. Les « Intérieurs » sont l’arête centrale, le résultat le plus visible de cette recherche patiente et obstinée. Ils trouvent leur aboutissement avec le recueil intitulé « Un monde ». Mais d’autres séries ont exploré les terres infinies de la mémoire, de la petite à la grande histoire. C’est dans l’intimité de mes contemporains, au hasard des continents, que mon travail s’est trouvé fécondé, patiemment construit et finalement révélé, sur des terrains où vestiges archéologiques et chroniques intimes se croisent…
De chronologie il faut bien sûr parler, car dès le déclenchement de l’obturateur, l’image capturée bascule dans le passé, ce qui n’empêche pas l’espace photographié d’être lui-même porteur de sa propre histoire, nous entraînant dans une mise en abîme temporelle sans fin… Il s’agirait donc, dans ce travail photographique, d’établir seulement une sorte de pré-inventaire à l’usage des archéologues des années 4000 ? Rien n’est moins sûr…

Cette relation avec l’archéologie, sur une autre échelle chronologique, m’a nourri tout autant, avec un vocabulaire (campagne, périmètre, datation, inventaire, recherche, mise à jour, découverte, conservation…) qui nous est curieusement commun, comme l’est aussi cette incertitude de la découverte dans des mondes enfouis ou ignorés, comme l’est encore la question des strates. Ce que nous révèlent conjointement archéologie et photographie, c’est aussi, autour de la question du choix des champs d’investigation, la nécessité de définir les limites de la découpe dans l’espace, espace de la recherche, espace de capture de l’image avec une découpe très précise qui en exclut impitoyablement le hors champ, comme le serait le hors sujet.

Dans ma démarche, il n’y pas de hiatus, encore moins de paradoxe, entre la contemplation d’oeuvres d’art consacrées et celle, bien plus discrète et anonyme, qui me conduit à découvrir, partout dans le monde, des panthéons intimes, résonnant comme des portraits. Une fois rassemblées, comme ce sera le cas dans cette exposition, les pièces dessineront les contours d’une vaste humanité, dans ce qu’elle nous révèle de beauté et de sensibilité poétique. La dernière série en gestation « Eden », explorant les jardins secrets, ne dira pas autre chose…
Dans l’ouvrage « Voir le beau dans l’ordinaire » destiné au jeune public, le Musée du Louvre, sous la plume de Manon Potvin, invitait le lecteur à regarder les reproductions de deux photographies tirées de la série « Intérieurs », l’une du Morvan… l’autre de Zagreb. Venant à la suite de reproductions des peintures de Le Nain et Georges de La Tour, elle écrivait : « Porter un regard personnel et original sur ce qui nous entoure peut aider à reconnaître le beau dans l’ordinaire. Une bonne façon de se préparer à découvrir les peintres de la réalité du XVIIe siècle français serait de s’exercer à regarder sans préjugés, d’apprendre à voir de ses propres yeux, en se libérant des jugements conformistes et des automatismes imposés par l’habitude. C’est en nous proposant des images tirées du quotidien que les artistes nous font accepter l’idée que cette réalité banale est parfois belle à voir. Ils transforment notre propre regard, notre propre sensibilité ».

L’image choisie pour l’affiche de l’exposition, intitulée « Les temps nouveaux », a été capturée dans un intérieur de Berlin-Est, quelques mois après la chute du Mur. Elle nous montre peu, mais nous dit beaucoup sur la destinée, l’histoire, individuelle et collective souvent confondues. Elle nous dit qu’un jour, une famille a franchi l’enceinte pour aller acheter de l’autre côté de l’interdit, une simple horloge à quartz, pour remplacer, au même endroit sur le mur, une pendule en bois, son mécanisme que l’on remonte avec une clé, son balancier qui fait tic-tac. Ils en avaient hérité de leurs parents qui habitaient là, avant la partition, avant la construction du Mur. Elle nous dit qu’un beau matin, à Berlin, une pendule, sous doute un peu chagrine d’avoir été détrônée, a malicieusement laissé sa trace…

Jean Marc Tingaud 14 février 2019

Dates

Mars 16 (Samedi) 10 h 00 min - Novembre 11 (Lundi) 18 h 00 min

Lieu

Musée de Bibracte

Mont Beuvray, 71990 Saint-Léger-sous-Beuvray, France

Musée de BibracteMont Beuvray, 71990 Saint-Léger-sous-Beuvray, FranceOuvert du 16 mars au 11 novembre 2019, tous les jours de 10h à 18h et jusqu'à 19h en juillet et en août (22h le mercredi).

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