Name: Des Silences Assourdissants
Start: 2020-6-12T14-14-00-00
End: 2020-9-6T19-19-00-00
Location: La Galerie Rouge

galerie

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ven12jui(jui 12)14 h 00 mindim06sep(sep 6)19 h 00 minDes Silences AssourdissantsAida Ganjipour & Jeanne GrouetLa Galerie Rouge, 3 Rue Du Pont Louis-Philippe 75004 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Dans la Petite Nef, La Galerie Rouge présente Des Silences Assourdissants, le regard de deux artistes émergentes sur la jeunesse iranienne et le féminin. Aïda Ganjipour y présente sa série Aïda dans le miroir et Jeanne Grouet sa série Les murs battent des ailes.

Aïda dans le miroir
Jeune artiste iranienne installée en France depuis 2017, Aïda Ganjipour immortalise des moments de vie, des saynètes et des moments d’intimité dans les méandres des rues et des campagnes iraniennes.
Ici, elle dévoile sa série Aïda dans le miroir, photographies réalisées au téléphone portable où l’artiste se met en scène, chez elle, dehors, dans la rue ou dans des magasins.
Décors intérieurs et extérieurs sont soumis à son regard bienveillant questionnant le rapport du corps à l’espace et plus particulièrement la place de la femme dans l’espace public et privé de la société iranienne. Des clichés où la fragilité, l’amour et la beauté tentent malgré tous les obstacles de se frayer un chemin pour s’épanouir.

Les murs battent des ailes
Cette série est issue de la résidence effectuée par la photographe en août 2019 en Iran, grâce à la Jee Art Gallery, où elle découvre le pays et explore une nouvelle féminité faite d’intimité et de silence.

Dates

Juin 12 (Vendredi) 14 h 00 min - Septembre 6 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

La Galerie Rouge

3 Rue Du Pont Louis-Philippe 75004 Paris

La Galerie Rouge3 Rue Du Pont Louis-Philippe 75004 ParisOuvert du Jeudi au Dimanche de 14h à 19h. Matinées sur rendez-vous

Calendrier GoogleCal

ven27sep(sep 27)10 h 00 min2020ven25(sep 25)18 h 00 minSomaAndreas GefellerMudam Luxembourg - Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean, 3, Park Dräi Eechelen L-1499 Luxembourg-KirchbergType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

La qualité de la lumière est mesurée en tonalités et – aussi bizarre que ce soit – également en sons, respectivement par absence de ces derniers – selon Mona Kuhn. La photographe a su transposer cette expérience empirique en images. Elle est allée à la rencontre de la lumière pour aboutir dans le désert de Joshua Tree en Californie.

Comme une symphonie classique se construit de rythmes et du développement d’un motif initial, le potentiel de la lumière devient perceptible par son intensité rythmique et évolutive. L’observateur différencie facilement l’alternance des effets chromatiques et le jeu d’ombres. Plus la lumière est saturée, moins il y a de champ d’ombres, plus les bruits semblent s’atténuer.

Dans un orchestre chaque famille instrumentale attend son intervention ou son silence. Face à la puissance grandissante du soleil tout se soumet et devient muet.

La clarté ne se plie qu’au temps, qui lui garantit quelques moments précieux et fugaces, car les ombres ne supportent pas être bannis longtemps de la scène. Dès que soleil dépasse le zénith elles préparent leur renaissance.

L’impression qui naît de ce moment magique est enivrante. Le silence complet règne. Une illusion? Ce silence éphémère offre une ouverture à une série de spectacles optiques qui prennent la relève des bruits de fond devenus muets : les reflets s’annoncent.

La lumière projette des écrans non tangibles et transparents en plein milieu du désert. Des mirages se produisent. Des images surgissent et se répètent à l’envers et à l’inverse. Le haut et le bas se confondent, le loin et le proche s’entremêlent. Les apparitions se superposent. Les lignes se tordent sous la chaleur du désert et de l’atmosphère luisante. Les motifs scintillent, le soleil brille. Paradoxalement la lumière paraît statique au milieu de toutes ces vibrations dynamiques et fluctuantes.

Tout à coup les ombres ressurgissent. Les effets sonores environnants se relancent et mettent fin au spectacle.

Texte : A. Meyer / Clervaux – cité de l’image

EXPOSITION OUTDOOR
Echappée Belle, place du marché

Dates

27 (Vendredi) 10 h 00 min - 25 (Vendredi) 18 h 00 min

Lieu

Mudam Luxembourg - Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean

3, Park Dräi Eechelen L-1499 Luxembourg-Kirchberg

Mudam Luxembourg - Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean3, Park Dräi Eechelen L-1499 Luxembourg-KirchbergHeures d’ouverture Jeudi – Lundi : 10h00-18h00 Mercredi : 10h00-21h00 (Mudam Café : 10h00-23h00) Jours fériés : 10h00-18h00 24.12 & 31.12: 10h00-15h00 Fermé le mardi & 25.12 Prix d’entrée Adultes : 8€ < 26 ans & groupes (min. 15 personnes) : 5€ < 21 ans, étudiants < 26 ans, mercredi de 18h à 23h : gratuit

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sam25jan(jan 25)10 h 00 mindim20sep(sep 20)18 h 00 minStudio MadameLaurence BibotLe Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles, 11 Avenue Paul Pastur, 6032 Mont-sur-Marchienne, BelgiqueType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Changer d’apparence, d’époque, de genre, se regarder dans le miroir, avant de se produire devant les copains, le cercle de famille, en reproduisant les tics de chacun, les vedettes de l’écran.
Les enfants aiment à se déguiser, piochant dans les armoires et les greniers costumes, chapeaux et autres accessoires.
En grandissant, certains ont conservé cette part de jeu, ce goût du déguisement, du grimage, il arrive même qu’ils en fassent profession. Ainsi de Laurence Bibot que l’on aura connue en Miss Bricola avec Les Snuls, puis en ses spectacles tel Bravo Martine où les clichés s’enchaînaient, l’intonation, le timbre de voix démasquant les stéréotypes, féminins cette fois.

Cette galerie de portraits se poursuivra en d’autres spectacles, Miss B ou Soeurs Emmanuelle, entre dérision et hommage, qui traduisent un humour ravageur et une faculté d’observation aiguë, avant Travestis, un documentaire qu’elle réalise sur l’univers des transformistes.
Depuis quelques années, au départ d’archives télévisées, Laurence Bibot a réalisé une série de petites capsules s’emparant d’archétypes féminins, shampouineuse, directrice d’école, nymphette, ménagère de plus de 50 ans, femme dépressive ou exaltée, mais aussi des personnages connus, Barbara, Juliette Gréco, Soeur Sourire ou plus récemment Amélie Nothomb dont la confection du chapeau haut aura nécessité des trésors d’imagination.
Il ne s’agit plus ici d’imitations mais de playbacks, Laurence Bibot reproduisant le mouvement des lèvres des interviewées dont elle a adopté le costume et les éléments du décor.
Livrées jusqu’ici aux réseaux sociaux, ces capsules seront pour la première fois présentées au Musée de la Photographie, qui avait accueilli de mai à septembre 2017 l’exposition En léger différé consacrée à la télévision belge, organisée par la Sonuma partenaire cette fois encore, Studio Madame en constituant le prolongement humoristique, une façon de recycler l’image télévisée.
Perruques, foulards, lunettes anachroniques, sur chemisiers fleuris ou tailleurs Chanel, seront au rendez-vous de ces parodies où l’on aura parfois quelque peine à reconnaître la comédienne.
À notre plus grand plaisir et sans doute le vôtre, voici Laurence Bibot, telle qu’en elles-mêmes.

« Si le cinéma s’est émancipé en ajoutant du son à l’image, Laurence Bibot s’amuse à faire le contraire. Dans sa série de vidéos, qui multiplie à l’infini son image tout en la déformant, elle incarne des voix et réalise l’un de ses fantasmes – être la femme aux mille visages. A l’exception des quelques personnalités publiques qu’elle a représentées dans sa galerie (Gina Lollobrigida, Marguerite Duras, Amélie Nothomb…), on ne sait pas à quoi ressemblent celles à qui elle emprunte la parole. L’effet est surprenant et touchant, au point d’envisager l’exercice comme un hommage aux anonymes qui, à leur corps défendant, participent à cette immense vitrine de personnages. En ajoutant un visage imaginaire à un son bien réel, Laurence Bibot procède par réalité augmentée et déploie un paysage insoupçonné là où on croit qu’il n’y a qu’une voix. »

Sébastien Ministru
Extrait du livre qui accompagne l’exposition.

Photo : Des Moines et des hommes, 1981 – Laurence Bibot 2018 ©Laurence Bibot/Sonuma

Dates

Janvier 25 (Samedi) 10 h 00 min - Septembre 20 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Le Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles

11 Avenue Paul Pastur, 6032 Mont-sur-Marchienne, Belgique

Le Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles11 Avenue Paul Pastur, 6032 Mont-sur-Marchienne, BelgiqueLe musée est ouvert du mardi au dimanche, de 10h à 18h

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mar16jui(jui 16)11 h 00 mindim13sep(sep 13)20 h 00 minLa Lutte YanomamiClaudia AndujarFondation Cartier pour l'art contemporain, 261, boulevard Raspail 75014 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

La Fondation Cartier pour l’art contemporain présente la plus vaste exposition jamais consacrée à l’œuvre de la grande photographe brésilienne Claudia Andujar qui, depuis les années 1970, dédie sa vie à la photographie et à la défense des Yanomami, peuple amérindien parmi les plus importants de l’Amazonie brésilienne.

Fruit de plusieurs années de recherche dans les archives de la photographe, cette exposition, conçue par Thyago Nogueira pour l’Instituto Moreira Salles au Brésil, présente son œuvre à travers plus de 300 photographies en noir et blanc ou en couleur dont un grand nombre d’inédits, une installation audiovisuelle ainsi que des dessins réalisés par des artistes Yanomami et des documents historiques. Reflétant les deux versants indissociables de sa démarche, l’un esthétique, l’autre politique, elle révèle à la fois la contribution majeure de Claudia Andujar à l’art photographique et le rôle essentiel qu’elle joue en faveur de la défense des droits des Indiens Yanomami et de la forêt qu’ils habitent.

Une interprétation de la culture Yanomami
Née en 1931 à Neuchâtel, Claudia Andujar vit à São Paulo. Après une enfance en Transylvanie, elle rejoint la Suisse avec sa mère pendant la Seconde Guerre mondiale pour fuir les persécutions nazies en Europe de l’Est. Son père, juif hongrois, est déporté à Dachau où il est exterminé avec la plupart des membres de sa famille. Après la guerre, Claudia Andujar immigre aux États-Unis et s’installe définitivement en 1955 au Brésil, où elle entame une carrière de photojournaliste.

Elle rencontre pour la première fois les Indiens Yanomami en 1971, alors qu’elle participe à un reportage sur l’Amazonie pour le magazine Realidade. Fascinée, elle décide d’entreprendre un travail photographique approfondi sur le monde des Yanomami grâce à une bourse de la Fondation Guggenheim. Son approche diffère nettement du style documentaire de ses contemporains. Les photographies prises à cette période montrent les diverses techniques qu’elle expérimente pour traduire ce qu’elle perçoit de l’expérience chamanique des Indiens Yanomami. En appliquant de la vaseline sur l’objectif de son appareil, en utilisant une pellicule infrarouge ou en jouant avec la lumière, elle crée des distorsions visuelles qui imprègnent ses images d’une certaine surréalité.

Claudia Andujar réalise également de nombreux portraits en noir et blanc à travers lesquels elle saisit la noblesse et l’humanité des Yanomami. Elle privilégie les plans resserrés de visages ou de fragments de corps, et crée des effets de clair-obscur pour instaurer un sentiment d’intimité et mettre en valeur avec empathie l’intériorité de ses sujets. Dans le même temps et afin de mieux comprendre leur culture, elle propose aux Yanomami de représenter eux-mêmes leur univers métaphysique en leur fournissant papier, stylos et feutres. Une sélection de ces dessins montrant des scènes mythologiques ou rituelles et des visions chamaniques est présentée dans l’exposition.

Le militantisme politique
La fin des années 1970 marque un tournant dans la carrière de Claudia Andujar. La construction, par le gouvernement militaire brésilien, de la route transamazonienne dans le sud du territoire Yanomami ouvre la région à la déforestation ainsi qu’à des projets de colonisation agricole, et provoque la destruction de communautés entières en favorisant la propagation d’épidémies. Cette situation dramatique n’est pas sans rappeler à Claudia Andujar le génocide auquel elle a assisté en Europe, et cette prise de conscience la pousse à s’engager entièrement dans la lutte en faveur de la défense des droits des Yanomami et de la protection de leur forêt. En 1978, elle fonde avec le missionnaire Carlo Zacquini et l’anthropologue Bruce Albert la Commissão Pro-Yanomami (CCPY) et se lance dans une campagne longue de près de quinze ans pour la délimitation de leur territoire, condition essentielle de la survie physique et culturelle de ce peuple. Son militantisme prend alors le pas sur son travail artistique et la photographie devient pour elle une préoccupation secondaire, dont la vocation est désormais de soutenir la cause des Yanomami.

C’est à cette époque que Claudia Andujar réalise, lors d’une campagne de vaccination, des photographies en noir et blanc de Yanomami portant autour du cou un numéro servant à les identifier sur des fiches médicales. Elle reprendra plus tard ces photographies dans l’une de ses séries les plus célèbres, celle des « Marcados [Marqués] ». L’ambigüité de ces images réside dans le malaise que crée l’identification numérique des individus, qui n’est pas sans rappeler le tatouage des juifs pendant la Shoah bien que le procédé soit ici, à l’inverse, mis en place pour la survie d’un peuple. Des photographies inédites issues de cette série seront dévoilées pour la première fois dans l’exposition.

En réaction aux décrets signés en février 1989 par le gouvernement brésilien pour démembrer le territoire Yanomami en un archipel de dix-neuf micro-réserves, Claudia Andujar crée Genocide of the Yanomami: Death of Brazil (1989-2018), un manifeste audiovisuel réalisé à partir de photographies tirées de ses archives qu’elle re-photographie à l’aide de filtres et d’éclairages divers. Véritable point d’orgue de l’exposition, cette œuvre, présentée dans une nouvelle version réalisée à cette occasion, montre le bouleversement d’un monde amérindien dévasté par la prédation de la civilisation occidentale. Une bande-son composée par Marlui Miranda à partir de chants Yanomami et de musique expérimentale accompagne l’installation.

En 1992, grâce au combat mené sans relâche par Claudia Andujar, Carlo Zacquini, Bruce Albert et le chaman et porte-parole des Indiens Yanomami Davi Kopenawa, le gouvernement brésilien a accepté de reconnaître légalement le territoire des Yanomami. L’intégrité de ce territoire, homologué à la veille de la conférence générale des Nations unies sur l’environnement tenue la même année à Rio, est encore aujourd’hui menacée par une invasion massive de chercheurs d’or et la déforestation causée par les grands éleveurs.

En retraçant le combat d’une vie et en dévoilant la richesse formelle du travail de Claudia Andujar, l’exposition Claudia Andujar, La Lutte Yanomami montre pour la première fois son œuvre dans toute sa beauté et sa complexité. Elle offre une immersion dans l’univers cosmologique et la vie quotidienne des Yanomami ainsi qu’une puissante mise en accusation politique des abus dont ils sont victimes.

La Fondation Cartier pour l’art contemporain soutient la cause Yanomami et le travail de Claudia Andujar depuis 20 ans. Claudia Andujar et des artistes Yanomami, tels que Taniki, Joseca, Ehuana et Kalepi ont participé à plusieurs expositions et figurent parmi les artistes de la collection de la Fondation Cartier.

La Fondation Cartier a le plaisir d’annoncer la présence exceptionnelle de Claudia Andujar, Davi Kopenawa, Bruce Albert et Thyago Nogueira lors des événements d’ouverture de l’exposition. Ils participeront également à la Nuit Yanomami organisée à cette occasion.

Pour accompagner l’exposition, la Fondation Cartier publie un catalogue en trois versions (français, anglais, italien), qui présente les photographies de l’artiste et des extraits de ses carnets, ainsi que des dessins Yanomami réalisés à sa demande dans les années 1970. Des textes de Claudia Andujar, Thyago Nogueira et Bruce Albert, ainsi qu’une carte du territoire Yanomami et une chronologie documentent à la fois l’engagement de l’artiste et l’histoire de l’un des derniers grands peuples de la forêt amazonienne. Le catalogue est en lice pour le prix Paris Photo-Aperture du catalogue photographique de l’année.

Dans le cadre du partenariat entre la Fondation Cartier et Triennale Milano, Claudia Andujar, La Lutte Yanomami sera présentée à Milan à partir de l’automne 2020. L’exposition voyagera également au Fotomuseum Winterthur (Suisse) à partir du 6 juin 2020, et à la Fondation Mapfre (Espagne) à partir du 11 février 2021.

L’exposition est organisée en collaboration avec l’Instituto Moreira Salles (Brésil) et bénéficie du soutien de l’Association Yanomami Hutukara (Boa Vista) et de l’Instituto Socioambiental (São Paulo et Boa Vista).

Commissaire de l’exposition : Thyago Nogueira, Directeur du département de photographie contemporaine de l’Instituto Moreira Salles (Brésil) assité de Valentina Tong

Conservatrice : Leanne Sacramone, assitée de Juliette Lecorne

Exposition organisée en collaboration avec l’Instituto Moreira Salles (São Paulo)

Dates

Juin 16 (Mardi) 11 h 00 min - Septembre 13 (Dimanche) 20 h 00 min

Lieu

Fondation Cartier pour l'art contemporain

261, boulevard Raspail 75014 Paris

Fondation Cartier pour l'art contemporain261, boulevard Raspail 75014 ParisLa Fondation Cartier est ouverte tous les jours de 11 h à 20 h, sauf le lundi. Nocturne le mardi jusqu’à 22 h. PLEIN TARIF : 10,50 € / 7 € (réduit)

Calendrier GoogleCal

mer01jul0 h 00 minmar01sep0 h 00 minINWARDSLa vie en pause comme point de départ de transformation Organisateur: Luminous Eye Type d'événement:PhotographieType d'événement 2:Exposition

Détail de l'événement

Luminous Eye (www.luminouseye.net) est une nouvelle galerie à Athènes, près du Musée de l’Acropole, dédiée à la photographie contemporaine. Elle a été fondée en 2019 et aspire à devenir un lieu de rencontres et de référence pour l’art de la photographie. Son objectif est d’identifier les tendances de la photographie contemporaine et de promouvoir des artistes dont le travail mérite d’être mieux connu.

Luminous Eye lance un appel à projets, international et thématique, dans le but d’organiser une exposition de groupe intitulée « Inwards », la condition de la pause comme point de départ de transformation.
La raison du présent appel est la pause que nous vivons aujourd’hui à cause des effets de la pandémie. Quel est l’antidote à l’insécurité et à la peur? La situation actuelle nous donne l’occasion de réfléchir sur les valeurs que nous défendons dans nos vies, notre relation avec le monde et nous-mêmes, ainsi que de voir sous une lumière différente nos motivations, nos objectifs et nos aspirations.
Au lieu de se concentrer sur une recherche constante de confirmation, la période de limitation peut être le point de départ pour orienter notre vie quotidienne, peut-être nos vies, dans une autre direction. Cette redéfinition commence par une enquête et une introspection, aujourd’hui considérées non seulement comme légitimes mais aussi nécessaires. Ce processus de transformation, qui se reflète toujours dans le regard, est l’occasion que la condition présente nous offre.

Les photos doivent être envoyées par wetransfer à l’adresse : info@luminouseye.net, au plus tard le 1er septembre 2020 à minuit.

En raison de la situation particulière que nous vivons, l’exposition se tiendra dans la première phase sous forme numérique sur le site Web de Luminous Eye. Après la levée des mesures restrictives, une exposition, d’une durée de deux mois, se tiendra à l’espace de Luminous Eye, 1a Mitsaion, Athènes.

Les participants sont invités à soumettre des photographies liées au processus interne de transformation, à l’éveil émotionnel, à la résilience, au changement de perception, à l’aiguisement de la sensibilité. Il n’y a aucune restriction quant au traitement et à la représentation du sujet. Une condition essentielle est que les photographies reflètent une réalité intérieure vécue.
Les photos doivent avoir été créées après le 1er mars 2020.

Tous les photographes-artistes (professionnels ou amateurs) du monde entier qui utilisent le support photographique, sans distinction de citoyenneté et de nationalité ont le droit de participer.
L’âge minimum est de 18 ans.

Les participants sont invités à soumettre :
• Nom et prénom
• Une série de 12 à 15 photos au format jpg numérique, taille 1500 pixels le plus grand côté et résolution 72 dpi.
• Le nom du fichier doit être: PRENOM_NOM-01.jpg
• Un texte sur le sujet et l’approche photographique du projet (jusqu’à 250 mots).
• Un CV (jusqu’à 300 mots).
• L’adresse de leur site Internet et de leur profil sur les réseaux sociaux (le cas échéant)
• L’ensemble doit être envoyé par wetransfert à l’adresse : info@luminouseye.net

Les projets seront évalués par un comité de cinq membres. Le comité est composé de:
1. Kostis Antoniadis, photographe
2. Vassilis Gerontakos, Luminous Eye – photographe
3. Haris Kakarouchas, Luminous Eye – photographe
4. Efi Mitropoulou, psychothérapeute
5. Pavlos Pavlidis, Luminous Eye – photographe

Lors de la sélection, le jury examinera la conformité des photographies au thème de l’appel (voir points 2 et 5.1) ainsi que leur originalité et valeur artistique.
Le jury sélectionnera pour l’exposition dix des candidatures qui correspondent aux critères ci-dessus.
Les résultats seront annoncés le 1er octobre 2020 via le site Web et les comptes aux réseaux sociaux de Luminous Eye. Tous les participants seront informés séparément par e-mail.
Après l’annonce des résultats, les dix photographes sélectionnés doivent envoyer à Luminous Eye leurs photographies en haute résolution, 4000 pixels le plus grand côté. Les photographes sélectionnés qui n’auront pas envoyé leurs photos en haute résolution, au plus tard le 31 octobre, seront exclus. Les dix photographes sélectionnés auront l’opportunité de présenter leur travail au public :
– en ligne, sur le site de Luminous Eye sous la forme d’une exposition numérique (ouverture de l’exposition numérique : 11 décembre 2020)
– après la levée des mesures restrictives, à une exposition de deux mois à l’espace de Luminous Eye. Cette exposition sera transférée à d’autres espaces d’exposition-institutions culturelles en Grèce
– après la levée des mesures restrictives, sous la forme d’un catalogue photographique imprimé, qui sera disponible à la vente sur la boutique en ligne Luminous Eye.

Dates

Juillet 1 (Mercredi) 0 h 00 min - Septembre 1 (Mardi) 0 h 00 min

Organisateur

Luminous Eyeinfo@luminouseye.net Anthènes, Grèce

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