Théo Gosselin : Finaliste du Prix Picto de la Jeune Photographie de Mode

L'Ephéméride

by La Rédaction on 11 octobre 2017

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Théo Gosselin : Finaliste du Prix Picto de la Jeune Photographie de Mode

Name: On the Water’s Edge
Start: 2020-1-11T12-12-00-00
End: 2020-3-7T20-20-00-00
Location: Galerie Templon

Temps de lecture : 18 secondes

La 20ème édition du Prix Picto de la Jeune Photographie de Mode a été remis le 9 octobre au Palais Galliera. 24 photographes finalistes ont été présentés au jury. Chaque jour, jusqu’à la fin de semaine prochaine, nous vous présenterons une sélection des finalistes. Aujourd’hui : Théo Gosselin.

Retrouvez les résultats de la 20ème édition du Prix Picto de la Jeune Photographie de Mode :
http://9lives-magazine.com/25776/2017/10/10/resultats-de-vin…ographie-de-mode/

Pour en savoir plus sur le prix et découvrir l’intégralité des finalistes :
http://www.picto.fr/prixpictodelamode/

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sam07sep(sep 7)11 h 00 min2020ven31jul(jul 31)19 h 00 minLe Monde selon Roger BallenLa Halle Saint Pierre, 2 Rue Ronsard, 75018 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

sam11jan(jan 11)12 h 00 minsam07mar(mar 7)20 h 00 minOn the Water’s EdgeJames CasebereGalerie Templon, 30 Rue Beaubourg 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

our cette nouvelle exposition, James Casebere s’affirme une fois de plus en maître de la photographie de mise en scène avec une série inédite qui relève avec justesse les grandes questions contemporaines liées au changement climatique et de la menace de désastres écologiques.

En 2016, pour répondre à une société secouée par la montée du populisme, Casebere proposait une exposition-hommage à Luis Barragán. Un ensemble architectural mettant à l’honneur un certain sens de la spiritualité. Avec ce nouveau travail, « On the Water’s Edge », il décide de tourner son regard vers l’avenir en proposant à travers une série de nouvelles structures hybrides, mêlant ingénieusement espaces publics et sanctuaires privés des régions côtières, un regard à la fois critique et optimiste sur les désastres actuels liés à la montée du niveau des eaux.

Pour cette exposition, l’artiste préfère au travail sur structures déjà existantes la création de nouveaux ensembles composites ex-nihilo dont l’allure inachevée en font des sanctuaires de paix dans lesquelles chacun des réfugiés peut y chercher refuge. Chaque photographie est le fruit d’un minutieux travail d’atelier, qui démarre avec la construction de maquettes aux inspirations architecturales multiples et s’achève avec un complexe travail de mise en lumière, de mise en couleur et de mise en image inspirée de souvenirs personnels de l’artiste.

Si ces structures tendent vers l’abstrait, elles proposent pourtant, dans la lignée des demeures Floridiennes de Paul Rudolf et du mouvement Arts et Crafts des années 1900, une interprétation moderne d’un idéal de mode de vie en harmonie avec la nature. L’instauration d’un jardin d’Eden dans un monde au bord de l’écroulement est un élément récurrent dans l’œuvre de l’artiste.
A travers ces demeures et pavillons solidement implantés au sein de paysages inondés, l’artiste se joue d’une surprenante dichotomie humaine, vulnérable face à la nature et remarquable pour en affronter ses défis.

Né en 1953 dans le Michigan, James Casebere vit et travaille à New York. S’appuyant sur son goût pour l’architecture, nourri aux sources cinématographiques, le travail de James Casebere l’a établi il y a vingt-cinq ans à l’avant-garde des artistes de la « staged photography », la photographie de mise en scène dont Jeff Wall ou Gregory Crewdson sont d’autres protagonistes célèbres. Parmi ses expositions les plus récentes on retrouve la rétrospective Fugitive (Haus Der Kunst, Munich) et After Scale Model: Dwelling in the Work of James Casebere, BOZAR (Bruxelles) en 2016. Son œuvre est représentée dans de nombreuses institutions, notamment au Museum of Modern Art, au Solomon R. Guggenheim Museum et au Metropolitan Museum à New-York, au Victoria and Albert Museum et à la Tate Modern (Londres).

Photo : Santa Teresa White Duplex, 2019. Copyright of the artist

Dates

Janvier 11 (Samedi) 12 h 00 min - Mars 7 (Samedi) 20 h 00 min

Lieu

Galerie Templon

30 Rue Beaubourg 75003 Paris

Calendrier GoogleCal

mar07jan(jan 7)13 h 00 minmar10mar(mar 10)18 h 30 minD'un continent, l'autreThomas JorionMAC - Maison des Arts de Créteil, 1 Place Salvador Allende, 94000 CréteilType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Les séries « Vestiges d’Empire » et « Veduta »sont présentées en regard l’une de l’autre pour cette deuxième exposition de la saison.

« Lorsque j’ai abordé ce projet fascinant, je n’imaginais pas les nombreuses aventures qui m’attendaient et, encore moins prévisible, les rencontres qui allaient changer ma perception du monde.
L’histoire de l’empire colonial français est ambivalente. Sujet sensible pour certains, il est chargé d’aventures et de récits imaginaires pour d’autres. Les conquêtes successives du premier empire, qui court des Amériques au Sénégal et à l’Inde, puis du second empire, qui s’étend d’Afrique jusqu’en Asie du Sud-Est, ont permis la réalisation de bien des destins. (…)
Si cet ordre politique et social du monde prit fin, il reste une empreinte visible de ces échanges et de cette présence française au-delà de ses frontières.
De Casablanca à Pondichéry, en passant par Saint-Louis du Sénégal, Shanghai, Alger ou Port-au-Prince, ces vestiges sont à la fois modestes et grands. Certains édifices et bâtiments ont traversé les années et racontent encore leurs histoires. (…)
J’ai réalisé cette série et orienté mes voyages en fonction des recherches documentaires effectuées en amont à Paris. J’ai ensuite produit ces photographies en utilisant exclusivement une chambre grand format 4×5″ et des plans films couleurs.
Mon goût pour l’aventure, les traces du temps et les lieux de mémoire ont initié ce projet. Toutefois, avec du recul, j’ai compris que ces ruines ne pouvaient être présentées comme n’importe quelles ruines. Je ne pouvais pas me limiter à les montrer belles ou esthétiques, car elles portent le terrible poids de l’histoire et de la domination d’un peuple sur un autre.
Peu à peu, ce projet m’est donc apparu comme l’opportunité d’aborder, sous un angle original, un sujet bien souvent mis de côté, alors qu’il est justement la source actuelle de nombreuses frictions tant au niveau national qu’international. Quand l’histoire pèse autant sur le présent, il vaut mieux la connaître pour analyser ses conséquences. Nous sommes les héritiers d’une histoire dont la partie visible est composée de ruines évoquant la vanité de peuples suprématistes, et dont la partie invisible vient hanter les crises modernes. » Thomas Jorion, Juillet 2016

Le photographe Thomas Jorion nous propose avec sa série « Veduta » une plongée dans une Italie d’un autre temps. La série de clichés, prise en Italie de 2009 à 2019, présente des lieux oubliés, retirés du monde, théâtre poussiéreux d’un temps figé empreint d’une magnificence déchue.
Palais, jardins, masserias, villégiatures estivales … le photographe a sillonné l’Italie du nord au sud pendant près de dix ans pour trouver ces écrins mystérieux et silencieux dont plus personne ne se soucie. La grandeur et le faste architectural de ces riches demeures du XVIIIème et XIXème siècles perdurent ainsi par le prisme du regard du photographe.

« Dans nos sociétés sous pression, de rentabilité et d’optimisation de chaque instant, Thomas Jorion prend lui le temps et nous conte à travers ses clichés silencieux d’autres histoires. Il nous questionne de façon absolue sur notre rapport à la vie et au temps. Ces lieux désertés où l’homme était mais n’est plus, interrogent le spectateur comme une inéluctable mise en abîme, sommes-nous les auteurs, les acteurs de cet abandon ? Sommes- nous les témoins de notre passé ou face à ce qu’il adviendra ?
Telle une vanité des temps modernes, unmemento mori,les clichés de l’artiste sous-tendent implacablement l’éphémère, la fragilité de l’existence humaine.Quand nous ne sommes plus il demeure la beauté des pierres. Une poésie de l’absence et du silence. » Bérengère Chamboissier.

Dates

Janvier 7 (Mardi) 13 h 00 min - Mars 10 (Mardi) 18 h 30 min

Lieu

MAC - Maison des Arts de Créteil

1 Place Salvador Allende, 94000 Créteil

MAC - Maison des Arts de Créteil1 Place Salvador Allende, 94000 CréteilEntrée libre du mardi au samedi de 13h à 18h30 et les soirs de représentation

Calendrier GoogleCal

dim06oct(oct 6)14 h 00 min2020dim26jan(jan 26)18 h 00 minSammy BalojiLe Point du Jour, centre d’art/éditeur, 107, avenue de Paris 50100 Cherbourg-en-CotentinType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

L’essence du travail artistique de Sammy Baloji réside dans l’exploration du patrimoine culturel, architectural et industriel du Congo. L’artiste exhume le passé colonial de son pays natal, ancré dans l’inconscient collectif et le paysage. Il explore l’architecture et le corps humain à la fois comme lieux de mémoire et marqués d’une histoire sociale et politique. Il questionne la construction de celle-ci via la manipulation d’archives du musée royal de l’Afrique centrale à Tervuren, du musée des Confluences à Lyon, ou encore celles du Smithsonian Museum à Washington. En associant à sa pratique artistique un travail de recherche, Sammy Baloji pose un regard à la fois lucide et incisif sur un récit colonial souvent biaisé. De cette façon, sa démarche croise et confronte le passé et le présent de son pays d’origine.
L’exposition présentera une sélection de ses travaux récents et en particulier une pièce produite suite à une résidence à Lisbonne en compagnie de l’anthropologue Philip de Boeck. Comme souvent dans le travail de Baloji, cette oeuvre prend pour origine, des documents d’époque : là une lettre du roi Afonso 1er datant du XVIe siècle, adressé au roi du Portugal, témoignage de l’emprise coloniale européenne sur le Congo et de l’évangélisation qui s’en suivit. Ce manuscrit reproduit dans l’exposition sera mis en regard d’objets tels que des ivoires sculptés modélisés qui rappelleront le poids et l’emprise des nations européennes sur les richesses de ce pays : domination d’hier avant la création du Congo belge et celle d’aujourd’hui par les pays asiatiques,
notamment la Chine.
–
Sammy Baloji est né en 1978 en République Démocratique du Congo. Après des études en sciences sociales à l’université de Lubumbashi, il commence à pratiquer la photographie. En 2005, il intègre l’École supérieure des arts décoratifs de Strasbourg. Aujourd’hui, son travail se déploie à travers des installations constituées de vidéos, documents d’archives, sculptures et photographies. En 2010, sa première exposition personnelle, « The Beautiful Time », est présentée au Museum for African Art de New York, puis au Smithsonian Museum de Washington. Ses oeuvres ont été exposées dans des manifestations internationales d’art contemporain telles que la 56e biennale de Venise, la biennale de Lyon en 2015 et la documenta 14 à Athènes et Kassel en 2017. Tout récemment, le Palais de Tokyo a présenté l’installation Hunting & Collecting au sein de l’exposition collective « Dioramas ».

Dates

Octobre 6 (Dimanche) 14 h 00 min - Janvier 26 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Le Point du Jour, centre d’art/éditeur

107, avenue de Paris 50100 Cherbourg-en-Cotentin

Le Point du Jour, centre d’art/éditeur107, avenue de Paris 50100 Cherbourg-en-CotentinOuvert du mercredi au vendredi, de 14h à 18h Samedi et dimanche, de 14h à 19h - Entrée libre

Calendrier GoogleCal

jeu16jan(jan 16)11 h 00 minsam14mar(mar 14)19 h 00 minGaudìEikoh HosoeGalerie Baudoin Lebon, 8, rue Charles-François Dupuis 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

«Pour moi la photographie peut être à la fois un enregistrement et un ‘miroir’ ou une ‘ fenêtre’ de l’expression de soi. L’appareil photo est en général supposé ne pouvoir décrire ce qui est invisible à l’œil et pourtant, le photographe qui le manie bien arrive à représenter ce qui reste caché dans sa mémoire.» Eikoh Hosoe

Grand nom de la photographie japonaise, Eikoh Hosoe à 83 ans, a su conserver intactes sa prolificité et son influence. Il débuta sa carrière en tant que photographe indépendant dès 1954 à sa sortie du Tokyo College of Photography. Il a été depuis, récompensé de la médaille spéciale lors du 150ème anniversaire de la Royal Photographic Society, il est également honoré au Japon du titre Personal of Cultural Merit, distinction attribuée aux influents de la culture japonaise.
Par un langage photographique dont le style novateur le place parmi l’avant-garde créatrice nippone, Eikoh Hosoe impose son empreinte grâce à une esthétique quasi baroque où le grain de l’image, les mises en scène et les contrastes originaux apparaissent réactionnaires face à une société japonaise autoritaire au sortir de la guerre.

De 1957 à 61, il forme avec les photographes Shomei Tomatsu, Ikko Narahara, Kikuji Kawada, Akira Sato et Akira Tanno, le collectif VIVO qui crée le mouvement «Ecole de l’image» dont l’ascendant marquera le style photographique japonais des années 60 et 70.
Inspiré par ses contemporains (Bill Brandt, Ansel Adams, Edward Winston), Hosoe traque le Beau. Cette quête perpétuelle s’accomplit dans la perception visuelle des nus, des scènes théâtrales qu’il élabore. Le corps devient une idée fixe pour lui, notion impensable dans une culture où le nu n’existe pas.
Cette exploration que Hosoe mène par la vision esthétique et contrastée des corps nous renvoie à une réflexion sur l’identité et le moi profond.
Hosoe développe un sens unique situé aux croisements de plusieurs formes d’art, combinant la photo avec le théâtre, la danse, le cinéma et l’art traditionnel japonais. A la fin des années 50, il commence à atteindre une certaine notoriété, grâce à sa série Man & Woman.
En s’entourant d’artistes influents il aborde les différentes formes d’art. Ainsi pour son ouvrage Kamaitachi il travaille avec Tatsumi Hijikata, danseur du théâtre butô et le construit comme un spectacle, pour l’album Barakei-Killed by Roses il collabore avec l’écrivain Yukio Mishima.
Grâce à la volonté d’un éditeur barcelonais de publier une version espagnole du livre Ba Ra Kei-Ordeal by Roses, le premier contact d’ Eikoh Hosoe avec les oeuvres de Gaudì se réalise.
Mais ce n’est que 13 ans plus tard, en 1977 qu’il commence à photographier le Parc Güell et La Familia Sagrada. Cependant, il ne saisit pas à ce moment l’esprit ni l’idéologie du créateur dans ces architectures, ni en 1978 lors de son 3ème shooting, c’est sans doute pour cela que son travail se poursuit jusqu’en 1984.
Hosoe n’a jamais photographié d’architecture au Japon. Il préfère les humains comme modèles mais chez Gaudì, les architectures ressemblent pour lui à des corps au fort potentiel sexuel. Les photographies d’architecture de Gaudì à Barcelone dont Hosoe ressent l’esprit zen, que l’on retrouve dans son ouvrage The Cosmos of Gaudì et présentées pour la première fois en France avec baudoin lebon, ne s’éloignent pas de cette recherche car le parti pris de ses perspectives orientées et engagées s’apparentent aux courbures d’un corps humain dont la profondeur en clair-obscur rappelle un spectacle de sons et lumière.

Dates

Janvier 16 (Jeudi) 11 h 00 min - Mars 14 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Baudoin Lebon

8, rue Charles-François Dupuis 75003 Paris

Galerie Baudoin Lebon8, rue Charles-François Dupuis 75003 ParisDu mardi au samedi de 11h à 19h et sur rendez-vous

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