Temps de lecture : 58 secondes

Le Festival Photo Saint Germain propose chaque année, un parcours culturel au cœur du quartier de Saint Germain des Prés. Sous la direction de Virginie Huet et Aurélia Marcadier, la manifestation rassemble plus d’une quarantaine d’expositions. Cette semaine, nous vous présenterons une petite sélection de ce qu’il ne faut pas rater. Aujourd’hui : rendez-vous à la Maison Deyrolle pour découvrir la série de Léa Habourdin.

En 2014, la Latvian fund for nature et l’Estonian ornithological society s’associaient pour mettre sur place l’Eagles cross border project. À la frontière des deux pays ( l’Estonie et la Lettonie ) ces chercheurs ont posé une webcam rivée 24/24 un nid de balbuzards, permettant ainsi de suivre la vie d’un couple d’oiseaux sauvages, de la nidification à l’envol des petits. Pendant plusieurs mois, je me suis glissée à la place des chercheurs devant ce nid, théâtre d’évènements infra- ordinaires où les protagonistes, devenus acteurs de leur propre quotidien, n’ont cessé de me fasciner.

Le don d’ubiquité.

Cette caméra « live » m’a permis d’être à la fois ici — dans mon atelier — et là-bas, — en surplomb de ce nid — 24h/24. Pour cette exposition chez Deyrolle, je réactive cette ubiquité en choisissant de montrer une installation mettant en scène un livre d’artiste et sa manipulation par le public. Une série de multiples est éditée pour l’occasion.

Retrouvez le programme complet de l’édition 2017 du Photo Saint Germain
http://9lives-magazine.com/27548/2017/11/03/inauguration-festival-photo-saint-germain/

Plan

Parcours complet Photo Saint Germain

Parcours Photo Saint Germain Focus Saint Germain des Prés

INFORMATIONS PRATIQUES
Léa Habourdin
and everything becomes nothing again
Du 3 au 19 novembre 2017
Deyrolle
46, rue du Bac
75007 Paris
http://deyrolle.com

Festival Photo Saint Germain
Parcours 42 expositions
Du 3 au 19 novembre 2017
http://photosaintgermain.com

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Type d'événement

Type d'événement 2

Lieu de l'événement

Organisateur de l'événement

ven03juldim01novNuits ÉlectriquesMuMa – Musée d’art moderne André Malraux, 2, boulevard Clemenceau 76600 Le HavreType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Nuits Électriques révèle la manière dont l’arrivée de l’éclairage artificiel dans les villes dès le milieu du XIXème siècle a profondément impacté les artistes. Les nouveaux jeux de contrastes offrent aux photographes une opportunité inédite de capter la vie nocturne.
Des photographes comme Léon Gimple, Charles Marville, Gabriel Loppé… immortalisent un Paris de nuit, teintée d’une magie et d’une poésie nouvelle.
L’exposition dévoile un ensemble inédit de ces nocturnes photographiques dont une série majeure de Marville sur le réverbère, devenu icône de la Ville Lumière.

Le réverbère : icône de la Ville Lumière

L’arrivée de l’éclairage urbain modifie fortement l’apparence des centres-villes. De nouvelles silhouettes apparaissent : celles des réverbères, becs à gaz et autres globes électriques qui illuminent les rues des grandes villes.
La grande variété des formes des réverbères est somptueusement révélée par la première série photographique que lui consacre Charles Marville. Le réverbère devient un symbole de modernité et une icône de la « ville lumière ».

Photo : Gabriel Loppé
Illuminations de la tour Eiffel pendant l’Exposition
universelle en 1900, 1900
Aristotype à partir d’un négatif verre au gélatino-bromure d’argent,
12,9 x 17,8 cm
Paris, musée d’Orsay, don de la Société des Amis du Musée
d’Orsay, 1989 – © RMN (Musée d’Orsay) – Patrice Schmidt

Dates

Juillet 3 (Vendredi) 11 h 00 min - Novembre 1 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

MuMa – Musée d’art moderne André Malraux

2, boulevard Clemenceau 76600 Le Havre

MuMa – Musée d’art moderne André Malraux2, boulevard Clemenceau 76600 Le HavreOuvert de 11h à 18h tous les jours sauf le lundi et jusqu'à 19h le week-end

Calendrier GoogleCal

sam05sep(sep 5)0 h 00 minsam31oct(oct 31)0 h 00 minEast Side StoriesTim Parchikov et Guillaume de SardesType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Ayant initié une série de dialogues depuis quelques années, la Galerie Odile Ouizeman est heureuse de présenter le regard croisé de deux artistes qui explorent la photographie, l’écriture mais également la vidéo, Tim Parchikov et Guillaume de Sardes.

“D’une ville à l’autre, je n’ai fait que poursuivre des rêves”, “atmosphère d’inquiétante féerie”, les mots qui accompagnent les photographies issues du projet Vers l’Est de Guillaume de Sardes trouvent un écho particulier dans celui de Tim Parchikov, Magnitogorsk. From Stalin to Putin.

Ces deux observateurs de l’Est regardent de “l’intérieur”.
Budapest, Bakou, Berlin, Kiev, Moscou, Vilnius… Villes traversées, paysages, fiancées ou beautés d’occasion au visage blanc, tremblé, croisées dans une chambre d’hôtel : c’est la vie qui fournit à Guillaume de Sardes les sujets de ses photographies.
Vers l’est tient à la fois du roman photographique et du journal intime. Ici, la création est liée à l’errance et à la quête de soi.

Tim Parchikov et Guillaume de Sardes voient dans la grande et la petite histoire un terrain d’expériences qu’ils parcourent pour saisir l’essence de l’instant. Ces deux photographes construisent une image atmosphérique, cinématographique, un basculement qui entraîne l’oeil vers un champs (de force) pictural.

Avec un magnétisme évident qui émane de leurs images.
Peut-être une autre raison pour que Tim Parchikov pose son regard facétieux et empreint de magie sur une ville surgie de nulle part dans les années 30 au sud de l’Oural, Magnitogorsk.
Tirant littéralement son nom du Mont d’Aimant, une anomalie magnétique qui l’encercle, Magnitogorsk est aujourd’hui une ville figée dans le temps à proximité d’un énorme fossé signifiant que tout le fer a été extrait.
C’est l’une des ville les plus polluées au monde qui enterre les utopies et absorbe des habitants sans illusion ni désillusion. Une ville enveloppée ou engloutie par une brume qui s’échappe de l’organe central de la ville, l’usine, et diffuse sa lumière chaude et rosée.
Le décor d’une production fantastique réalisée sans effets spéciaux. Une usine et ses dirigeants qui contrôlent toute l’économie de la ville, avec en arrière plan la menace d’une nouvelle crise économique, la concurrence de la métallurgie chinoise ou un désaccord politique entre la Russie et le Kazakhstan. C’est aussi une menace que Tim Parchikov a vu à Magnitogorsk car ces innombrables facteurs peuvent conduire l’usine à la faillite et la ville à un désastre économique et humanitaire.
Faut-il voir pour autant les oeuvres de ces deux artistes comme un simple témoignage? «Le témoin pour un philosophe est, d’une certaine manière, aussi étrange que le poète ou le fou» dit Stanislas Breton.
Il nous reste alors à engager un mouvement et à suivre, le temps du dialogue, ces deux artistes dans ces East Side Stories…

Dates

Septembre 5 (Samedi) 0 h 00 min - Octobre 31 (Samedi) 0 h 00 min

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jeu24sep10 h 00 minjeu24déc19 h 00 minMythologies du Poisson RougeMaurice RenomaL’Appart Renoma, 129bis, rue de la Pompe 75116 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Mythologies du Poisson Rouge, une exposition photographique engagée
Infatigable voyageur, Maurice Renoma a sillonné le monde pendant 2 ans accompagné de son poisson rouge Cristobal. Il a photographié ses rencontres au fil de ses périples.
Le poisson Cristobal est au centre des rencontres de Maurice, immortalisées dans une série de photographies humoristiques, sensuelles, tendres et saisissantes.
Cet étonnant ami a la particularité d’être en plastique et il ne laisse personne indifférent : est–il un résidu de pétrole issu de l’industrie du plastique, le résultat à court terme de la pêche intensive ou encore un ami artificiel dans notre société individualiste ?
Témoin sans mot mais pas muet pour autant, Cristobal dénonce l’omniprésence du plastique dans nos sociétés et souhaite interroger les nouvelles générations sur son utilisation.
Ces photographies sont à découvrir lors de l’exposition multimédia et immersive Mythologies du Poisson Rouge, du 27 mars au 31 juillet 2020, à l’Appart et au Souplex Renoma.

Une scénographie immersive
Au Souplex de la boutique Renoma, Cristobal nage à travers des mises en scènes spectaculaires et immersives, cocasses et poétiques, pointant les problématiques écologiques mais aussi sociétales : dépendance, distraction maladive et mutation du sens commun.
Cristobal guide le visiteur, tel un (poisson) fil-rouge, au gré d’une scénographie décalée réalisée à partir de matériaux de récupération, fidèle à l’univers onirique et subversif du photographe-concepteur.
À l’Appart, Cristobal se fait bourgeois : portraits en pied ou natures mortes classiques – vanités, reflets de notre image, réflexion sur notre vie, nos relations, notre consommation, notre alimentation…

L’Appart Renoma, nouveau lieu culturel
Dans un appartement haussmannien du 129bis rue de la Pompe, en plein coeur du 16ème arrondissement de Paris, l’Appart Renoma, installé au-dessus de la boutique historique de la Maison, est un nouveau lieu d’émulation artistique sur 220m2.
Cette galerie, installée dans un appartement, a pour vocation d’accueillir l’art sous toutes ses coutures, dans une ambiance intimiste.
Dédiée aux rencontres artistiques, la programmation sera énergique et décalée, à l’image des autres lieux de la Maison tels que le Renoma Café, la boutique et son Souplex, ou encore le Renoma Hotel à Tel-Aviv.
L’Appart ouvre ses portes sur l’exposition photographique et engagée de Maurice Renoma, Mythologies du Poisson Rouge, à partir du 27 mars 2020.

Dates

Septembre 24 (Jeudi) 10 h 00 min - Décembre 24 (Jeudi) 19 h 00 min

Lieu

L’Appart Renoma

129bis, rue de la Pompe 75116 Paris

L’Appart Renoma129bis, rue de la Pompe 75116 ParisOuverts du mardi au samedi, de 10h à 19h

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ven18sep(sep 18)15 h 00 minsam31oct(oct 31)17 h 00 minAmmaVasantha YogananthanGalerie Polka, 12, rue Saint-Gilles 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

La galerie Polka est heureuse d’annoncer sa collaboration avec l’artiste et photographe Vasantha Yogananthan, né en 1985 à Grenoble (France), dans le cadre de l’exposition « Amma » présentée du 18 septembre au 31 octobre 2020.

Après une incursion dans le champ documentaire avec un travail remarqué sur Piémanson, dernière plage sauvage de France, et ses habitants, exposée au musée Albert-Kahn (Paris, France, 2013) et à la Maison de l’Image documentaire (Sète, France, 2015), Vasantha Yogananthan s’est lancé dans un projet au (très) long cours, « A Myth of Two Souls » réalisé entre 2013 et 2020, cadencé en sept chapitres, sept années et sept livres qui racontent en images le Ramayana, histoire fabuleuse et célèbre d’un prince et d’une princesse, Rama et Sita, héros célèbres d’un texte matrice de la mythologie hindoue devenue la grande histoire indienne par excellence.

« Au fil des voyages et des rencontres, j’ai compris que tous les Indiens ont un rapport personnel à cette histoire qui a bercé leur enfance. L’idée était de proposer, humblement, ma version de ce conte. »

Dans cette épopée photographique picturale et poétique, se mêlent aux frontières de l’art et de l’artisanat, la fiction, le rêve et le politique. Images prises sur le vif, mises en scènes, multiplication des procédés (photographie, peinture, collage) l’artiste lauréat du prix international Magnum Photos (2015), du prix SCAM Roger Pic (2015), du prix Levallois (2016) et d’un ICP Infinity Award dans la catégorie « photographe émergent » (2017), s’est lancé dans une véritable épopée photographique, construite au fil de ses nombreux voyages en Inde et au Sri Lanka.

« A Myth of Two Souls a été un grand chamboulement dans ma pratique. Dès le départ, l’utilisation d’une chambre photographique grand format, a transformé le rapport au corps, à l’espace et à la population. En l’installant dans la rue, je me plaçait peu à peu dans une position de metteur en scène. »

Entre techniques ancestrales et modernes, entre réalité et fiction, du noir et blanc à la couleur, et de la chambre noire à l’atelier du peintre, Vasantha Yogananthan mêle, dans ses oeuvres, les médiums, les techniques et les approches.

« Petit à petit, le temps du studio est devenu aussi important que celui de la prise de vue. Chaque chapitre m’a poussé à chercher de nouvelles formes, adaptées au contenu. »

Depuis 2015, il collabore avec le peintre indien Jaykumar Shankar pour coloriser – et donc réinventer – ses images.

« Au temps où l’Inde était une colonie britannique, les peintres de studio peignaient sur les tirages argentiques réalisés par les photographes anglais. C’est donc par la couleur que les artistes indiens sont arrivés à la photographie, en quelque sorte. Très vite, la collaboration avec Jaykumar Shankar a dépassé le stade de la commande. Il a pris de plus en plus de libertés, et je lui ai donné carte blanche pour projeter sa vision sur mes images… Cette perméabilité, cette zone de rencontre entre photographie et peinture ouvre pour moi un champ infini d’exploration. »

Preuve en est, profitant de la solitude du confinement lié à la pandémie de COVID-19, Vasantha Yogananthan s’est lui aussi, dernièrement, essayé à la peinture, dans le secret de son atelier parisien. L’exposition « Amma » présentera plusieurs de ces oeuvres, aussi singulières qu’inédites.

En 2019, le projet « A Myth of Two Souls » a été présenté au musée de l’Elysée de Lausanne (Suisse) ainsi qu’au Chanel Nexus Hall de Tokyo (Japon).

Dates

Septembre 18 (Vendredi) 15 h 00 min - Octobre 31 (Samedi) 17 h 00 min

Lieu

Galerie Polka

12, rue Saint-Gilles 75003 Paris

Galerie Polka12, rue Saint-Gilles 75003 ParisOuvert du mardi au samedi de 11h à 19h00 ou sur rendez-vous

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mar08sep11 h 00 minjeu08oct19 h 00 minDésindustrialisationPeter Mitchell & John MyersGalerie Clémentine de la Féronnière, 51 Rue Saint-Louis en l'Île, 75004 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Les photographiques britanniques John Myers et Peter Mitchell s’exposent ensemble pour la première fois, avec une thématique identitaire de leur oeuvre et pourtant peu explorée.
John Myers lui-même est à l’origine de cette exposition, qui rend compte de la transformation du paysage causée par la désindustrialisation brutale du Nord de l’Angleterre au début des années 1980.

On connait l’importance de ces deux auteurs britanniques : Peter Mitchell, dresse le portrait des habitants de Leeds dans sa série « Nouveau Démenti de la Mission Spatiale Viking 4 », première exposition de photographies couleurs en Angleterre (1979), redécouverte quelques années plus tard aux Rencontres d’Arles en 2016, à la galerie en 2017 et présentée à partir du 26/09 au musée de la photographie de Charleroi. John Myers, dont l’oeuvre noir et blanc est ultra-classique, s’inscrit dans la lignée de la photographie documentaire, ici teintée d’une certaine austérité, celle de l’Angleterre de Margaret Thatcher.
Il a récemment réédité l’ensemble de son oeuvre en trois volumes : The Portraits et Looking at the Overlooked (exposées à la galerie en 2019), et enfin The End of Industry, dont nous parlons ici.

Le thème de la désindustrialisation du Royaume-Uni, est donc la trame de fond de cette exposition, curatée par John Myers. Ses propres photographies sont prises entre 1981 et 1988, dans la région des West Midlands, située à l’Ouest de Birmingham, surnommée ‘The Black Country’. Pendant la révolution industrielle, elle a été la région la plus développée de l’Angleterre, avec ses mines de charbon, ses forges, ses usines métallurgiques et de fabrication de briques. ‘The Black Country’ est touché de plein fouet au début des années 1980 par la crise. Dépôt de bilan, fermetures d’usines, laissent au chômage des milliers de personnes.
Les usines sont abandonnées, transformées en lieu de stockages ou bureaux, puis en zones d’activités, distribution, logistique et autres promotions immobilières. C’est ce changement rapide et irréversible que John Myers saisit avec une certaine brutalité.

Il sélectionne et édite ensuite la série de photographies en couleurs de son acolyte Peter Mitchell présentée ici. Il choisit de mélanger ainsi deux écritures très différentes, délayant sans aucun doute la brutalité de leur temporalité, leur donnant aussi un certain recul, quarante années plus tard. Pour sélectionner les images couleurs de Peter Mitchell, il parcourt plus de 500 négatifs inédits. On y redécouvre le Leeds de Peter Mitchell sous un regard différent, les strates d’une ville empreinte d’histoire, exposée aux changements urbains des années 1970 puis des années 1980. Des hôtels victoriens aux barres d’immeubles en béton, l’asphalte, le macadam, tout cela dans le cadre carré caractéristique et l’ambiance grinçante de Peter Mitchell.

Dates

Septembre 8 (Mardi) 11 h 00 min - Octobre 8 (Jeudi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Clémentine de la Féronnière

51 Rue Saint-Louis en l'Île, 75004 Paris

Galerie Clémentine de la Féronnière51 Rue Saint-Louis en l'Île, 75004 ParisOuvert du mardi au samedi de 11h à 19h

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a ppr oc he, 4ème édition : interview exclusive Emilia Genuardi et Elsa Janssen

Rencontre avec Jérémy Chabaud, directeur de Jeune Création

CultureSecrets et 9 lives vous convient à une visite privée de l’exposition « Tehachapi » à la Galerie Perrotin

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