Rencontre avec Fanny Gonella, nouvelle directrice du Frac Lorraine

Actu Art Contemporain, OtherSide

by Marie-Elisabeth De La Fresnaye on 9 mai 2018

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Rencontre avec Fanny Gonella, nouvelle directrice du Frac Lorraine

Temps de lecture : 35 secondes

Fanny Gonella prend la direction du 49 Nord 6 Est – Frac Lorraine ! Après 4 ans en tant que directrice artistique de la Künstlerhaus de Brême (DE), elle envisage cette première exposition comme un prologue, un acte d’ouverture, afin de faire connaissance. Sa proposition artistique prend la forme d’une rencontre entre deux entités : la collection du 49 Nord 6 Est – Frac Lorraine et son dernier projet présenté en Allemagne (Wie werden wir uns wieder erkennen, 17 Nov 2017 – 28 Jan 2018).

Vous me rappelez quelqu’un s’appuie sur les mécanismes activés par la ressemblance, le mimétisme et la réciprocité pour interroger notre rapport aux images dans un monde où elles se propagent sans fin. Uniformisation, interchangeabilité, systématisation autant de phénomènes décryptés par les artistes rassemblés. Fanny Gonella revient sur ce projet et les enjeux qui l’animent au sein du territoire et au delà.

INFOS PRATIQUES :
Vous me rappelez quelqu’un
Jusqu’au 17 juin 2018
49 NORD 6 EST – Frac Lorraine
1bis rue des Trinitaires, Metz
Entrée libre.
http://www.fraclorraine.org

Marie-Elisabeth De La Fresnaye

Après une formation en littérature et histoire de l'art, Marie de la Fresnaye intègre le marché de l'art à Drouot et se lance dans l'événementiel. En parallèle à plusieurs années en entreprise dans le domaine de la communication éditoriale, elle créé son blog pour partager au plus grand nombre sa passion et expertise du monde de l'art contemporain et participe au lancement du magazine Artaïssime. http://fearofmissingout.over-blog.com

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Lieu de l'événement

Organisateur de l'événement

mar01sep14 h 30 minmer30(sep 30)19 h 30 minIsabelle Levistre, photographiesLittle Big Galerie, 45 rue Lepic 75018 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

sabelle Levistre questionne notre construction en tant qu’êtres humains depuis l’âge de l’enfance : nos racines, nos histoires familiales qui construisent et déconstruisent, le parcours de vie, et la confrontation de nos expériences antagonistes. Au moment de son changement de vie et poussée par un fort besoin d’expression, Isabelle Levistre débute son travail photographique sur la petite enfance de ses jumelles. Elle s’interroge alors, sur elle-même et sur la sienne. Il s’en suit un travail de résilience au travers de la photographie. Au fil des images et des projets, elle explore ses souvenirs et son vécu à la recherche des sentiments, des émotions, des bonheurs et des épreuves qui jalonnent une vie. De sa prime enfance, elle recherche les souvenirs, l’état de grâce, les jeux, l’insouciance liée à cet âge.

Au fil des projets, le propos se resserre, le ton s’affirme. Isabelle nous entraine sur ce chemin de vie où elle interroge plus directement son identité d’individu, de femme, de mère. Le retour aux sources, aux forces essentielles, Isabelle va le chercher dans son rapport fort à la nature. La légèreté et la poésie peuvent céder la place à la fragilité, la gravité, la dureté inhérente à toute existence.

C’est un travail personnel et exigeant. Il nécessite une introspection profonde et une mise à nu. Elle le conduit avec la grande sensibilité et l’intuition qui lui sont propres mais aussi avec force et détermination. Un travail délicat, sensible qui évoque aussi le chemin de tout un chacun. C’est en cela qu’il nous touche.

Un parcours qui se poursuit…

A l’occasion de cette exposition, Isabelle Levistre présente des extraits de plusieurs de ses séries (Anamnèse, Arbor Essence, Mélancholia, et présente pour la première fois ses ororones et silvertones de la série Shimmer.

Image orotone, série Shimmer. Au pied de l’arbre.2018.

Dates

1 (Mardi) 14 h 30 min - 30 (Mercredi) 19 h 30 min

Lieu

Little Big Galerie

45 rue Lepic 75018 Paris

Little Big Galerie45 rue Lepic 75018 ParisConstance Lequesne vous accueille dans sa galerie du mardi au dimanche de 14h30 à 19h30, le samedi dés 11h, et sur rendez-vous

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mar15sep(sep 15)10 h 00 minven20nov(nov 20)18 h 30 minL'oeil en scènes, 1887-1939Paul NadarGalerie du Théâtre Jacques Carat, 21 avenue Louis Georgeon 94230 CachanType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

En 1887, Félix Tournachon, dit Nadar se retire dans sa maison de la forêt de Sénart, laissant son fils Paul à la tête du célèbre atelier qu’il a créé au milieu des années 1850. Aux portraits officiels épurés et intimistes de Félix, Paul préfère des scénographies plus complexes, usant d’accessoires et de décors qui identifient le personnage photographié dans son rôle ou sa qualité professionnelle.
Nombreux sont les comédiens et comédiennes qui défilent devant son objectif venant réinterpréter des scènes jouées à l’époque dans les plus grands théâtres parisiens.
À travers les archives de la Médiathèque de l’architecture et du patrimoine (MAP), riche du fonds de négatifs des ateliers Nadar père et fils, cette exposition présente les grandes figures de ce patrimoine théâtral, mais aussi la gestuelle, les costumes et les coulisses des séances de poses.

Avec quinze millions de négatifs, quatre millions de tirages et près d’un million d’images accessibles en ligne, la MAP est un des principaux opérateurs de l’État en matière de conservation des fonds photographiques patrimoniaux.
Créé en 1996 par regroupement de plusieurs services préexistant, cet établissement du ministère de la Culture a pour double-mission de conserver les archives de l’administration des Monuments historiques, au sens large de ce terme, et les collections photographiques du ministère.

Constituées depuis le milieu du XIXe siècle et s’enrichissant continuellement, les collections photographiques de la MAP couvrent aujourd’hui des thématiques très diverses : sites et monuments, beaux-arts, première guerre mondiale, portraits, spectacles et cinéma, voyages et expéditions, œuvres d’auteurs, fonds d’amateurs photographes.
Ce sont en tout plus de cinq cents fonds, parmi lesquels figurent l’atelier Nadar, Jacques-Henri Lartigue, Eugène Atget, André Kertész, Félix Bonfils, Willy Ronis, les frères Séeberger ou le studio Harcourt.

Charles Lamy, dans l’opérette La Belle au bois dormant, théâtre des Bouffes Parisiens, 1900 © Ministère de la Culture, MAP, diff. RMN-GP / Atelier Nadar

Commissariat :
Fatima de Castro et Catherine Plouidy

Dates

Septembre 15 (Mardi) 10 h 00 min - Novembre 20 (Vendredi) 18 h 30 min

Lieu

Galerie du Théâtre Jacques Carat

21 avenue Louis Georgeon 94230 Cachan

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mer01jul10 h 00 mindim01nov18 h 00 minThe perceiving body - Le corps perceptifRobert MorrisMAMC+ Musée d'Art Moderne et Contemporain - Saint-étienne Métropole, rue Fernand Léger 42270 Saint-Priest-en-JarezType d'événement:Art Contemporain,Exposition

Détail de l'événement

Comme nous l’avait annoncé Aurélie Voltz directrice du MAMC+ lors de son interview de déconfinement (relire ici) l’exposition labellisée d’intérêt national par le ministère de la Culture – et intitulée « ROBERT MORRIS The perceiving body – Le corps perceptif » (1er juillet – 1er novembre 2020), présente un caractère exceptionnel. Conçue en coproduction avec le Mudam Luxembourg par le commissaire indépendant américain Jeffrey Weiss en étroite collaboration avec Robert Morris lui-même, avant qu’il ne disparaisse en décembre 2018. Il s’agit ainsi de la première exposition revenant sur sa
production historique depuis son décès.
Elle constitue l’occasion de rassembler un ensemble d’oeuvres majeures – très grandes installations aux dimensions architecturales considérées aujourd’hui comme des œuvres canoniques d’art minimal et postminimal – rarement vues en France provenant de grandes collections internationales (Tate Modern à Londres, Art Institute of Chicago, Solomon R. Guggenheim Museum à New York…).

“Nous sommes très heureux de maintenir ce projet, temps fort de notre programmation 2020, pour lequel notre équipe s’est tant battue ces derniers mois. Intitulée The Perceiving Body, cette exposition permettra aux visiteurs de s’interroger plus que jamais sur leurs rapports intuitifs et corporels à la sculpture, dans le contexte de la période trouble que nous traversons.” Aurélie Voltz

L’exposition du MAMC+ couvre ses premiers travaux, du début des années 1960 à la fin des années 1970, période qui marque pour l’artiste son intérêt pour les processus de production et de perception. Elle se présente sous la forme d’une constellation composée de sept espaces distincts contenant chacun une installation unique ou un ensemble d’objets reposant sur des principes similaires, datés des années 1960 et 1970.

La tenue de cette exposition au MAMC+ s’inscrit dans la continuité des liens privilégiés entretenus par Robert Morris avec le
musée, qui lui consacra une exposition personnelle dès 1974 et qui a depuis réuni un ensemble conséquent de ses œuvres
abondant ses fonds d’art minimal et post-minimal parmi les plus riches en France.

Catalogue
Coédition Mudam Luxembourg – Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean,
Musée d’art moderne et contemporain de Saint-Étienne Métropole et
Mousse Publishing
Édition bilingue français/anglais

Dates

Juillet 1 (Mercredi) 10 h 00 min - Novembre 1 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

MAMC+ Musée d'Art Moderne et Contemporain - Saint-étienne Métropole

rue Fernand Léger 42270 Saint-Priest-en-Jarez

MAMC+ Musée d'Art Moderne et Contemporain - Saint-étienne Métropolerue Fernand Léger 42270 Saint-Priest-en-JarezOuvert tous les jours de 10 h à 18 h sauf les mardis

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jeu24sep(sep 24)14 h 00 minsam31oct(oct 31)19 h 00 minNew York RhythmSid KaplanLes Douches la Galerie, 5, rue Legouvé 75010 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

SID KAPLAN : LE GOUT DE LA RUE NEW YORKAISE

Voir des images de Sid Kaplan est chose rare. Car ce photographe new-yorkais de 82 ans, qui tient encore studio et chambre noire dans l’East Village, a eu sa propre carrière escamotée par la légende encombrante de Mr Frank, comme il nomme celui dont il a produit, pendant trente-cinq ans, les tirages.

Robert Frank (1924-2019), auteur, en 1958, du livre culte « Les Américains » édité par le Français Robert Delpire, fut donc l’arbre qui cache la forêt. Et il eut beau déclarer : « Sid Kaplan est non seulement un excellent tireur, mais aussi un très grand photographe pas encore assez reconnu », rien n’y a fait. L’homme a dû attendre 2005 pour que des cimaises s’intéressent à l’œuvre de sa vie – quelques 96 000 images- leur offrant enfin exposition et reconnaissance.

Vous allez succomber au charme et à l’énergie de la fameuse rue américaine. Mais comment ? Qu’est ce qui guide le regard de Sid Kaplan lorsque, traînant dans un bar new yorkais, il tombe sur un fumeur que surplombent trois écrans ? Lorsque la neige lui faisant le même effet que lorsqu’il était gosse, il sort, tout émoustillé, capter la magie de paysages urbains blanchis ? Lorsque deux ans durant, il photographie d’une fenêtre un carrefour situé à l’angle de Madison Avenue ? Lorsque pendant dix ans, il fixe, après les solstices d’hiver et d’été, le coucher du soleil, entre les gratte-ciels de Manhattan ?

On est loin du mitraillage de Gary Winogrand qui, outre les femmes, cadre, tant qu’il le peut, l’énergie, le flux, le bazar urbain. Loin de Lee Friedlander qui, influencé par Walker Evans, tente de donner vie à du paysage social. De Louis Faurer qui privilégie, chez des anonymes souvent croisés la nuit, la fragilité et le doute. De Diane Arbus dont les portraits révèlent le diable caché en chacun de nous.

Sid Kaplan ne photographie pas à la sauvette, il ne cherche pas davantage le nombre d’or. À son agent Deborah Bell, il explique : « Pour moi, la meilleure façon de pratiquer la photographie, c’est de le faire pendant mon temps libre, comme Jacques-Henri Lartigue ou Alfred Stieglitz. Je n’ai jamais voulu en faire un boulot qui m’aurait mis à la merci des directeurs artistiques et des délais à respecter, je serais devenu dingue ». À son collègue, le tireur français Guillaume Geneste, auteur du livre «Le tirage à mains nues » paru, en cette rentrée, chez La Main Donne, il confirme : « Je savais que je ne voulais pas être en studio. Je voulais simplement être seul avec mon appareil et me promener pour faire mes propres photos ».

Où est né ce désir de photographie et quand ? Dans le Sud du Bronx, où sa famille juive issue d’Europe de l’Est, s’est exilée. Puis, le hasard faisant bien les choses, il rencontre Weegee à 14 ans. C’est là qu’il dit s’être retrouvé « hypnotisé, attiré comme par une drogue » en découvrant pour la première fois une image prenant forme dans le révélateur.

Eugene Smith devient son voisin. Ralph Gibson l’introduit auprès de Robert Frank, « un client qui paie ». Entre temps, le jeune homme, qui doit gagner sa vie, s’est mis à travailler pour « Compo », le laboratoire photographique le plus prestigieux de Manhattan. Là, il passe sa vie dans la chambre noire, mais en lavant, en glaçant, en séchant les tirages, son œil, à leur contact, n’en finit pas de se former.

Car il se frotte là à la crème des photographes de l’époque, de l’équipe de l’exposition « Family of Man » qui s’exporte dans le monde entier, à celle de la FARM (Farm Security Administration) à ceux de l’agence Magnum parmi lesquels Cornell Capa qui lui fait tirer les clichés de son frère Robert, à Lou Bernstein d’ICP, à Philippe Halsman, au poète Allen Ginsberg…

Nombre de ces photographes sont très engagés au sein de la Photo League, que la commission Mac Carthy dissoudra bientôt. Reporters ou photojournalistes, ils ont des préoccupations artistiques, mais aussi sociales. Ils veulent témoigner. Ce n’est pas le cas de Sid Kaplan. Élevé dans le Bronx, il a certes côtoyé la misère, il est certes imprégné de la culture juive d’Europe de l’Est, il ne quitte d’ailleurs guère le Lower East Side, mais ne se sent aucunement investi d’une mission. Si ce n’est de transmettre son génial savoir faire de tireur noir et blanc à l’École des Arts Visuels de New-York, où il est professeur.

Des lignes dans l’espace, de hautes lumières, les traces d’un New York disparu, une scène de rue avec gosses, un nuage qui passe… Sid Kaplan le documentariste se régale humblement de ce qui aurait ravi André Kertész. L’humain ne l’intéresse pas plus que cela. Il ne se prend pas la tête. Et surtout, il ne s’interdit rien. Il n’a pas peur de l’éclectisme qui, chez lui, est une force le maintenant loin, bien loin de l’anecdotique.

Magali Jauffret

Dates

Septembre 24 (Jeudi) 14 h 00 min - Octobre 31 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Les Douches la Galerie

5, rue Legouvé 75010 Paris

Les Douches la Galerie5, rue Legouvé 75010 ParisOuvert du mercredi au samedi de 14h à 19h ou sur rendez-vous

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sam12sep(sep 12)10 h 00 minsam03oct(oct 3)19 h 00 minLa mer, la mer, toujours recommencéeExposition CollectiveGalerie SIT DOWN, 4, rue Sainte Anastase 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Exposition collective avec les œuvres de Gilles COULON, Catherine HENRIETTE et Valérie WINCKLER

La mer, la mer, toujours recommencée*
Hypnotique, mystérieuse, depuis la nuit des temps, par son éternel mouvement de recommencement où le présent apportant le futur vient effacer, engloutir le passé, la mer fascine. Par son intemporalité, son infinité, elle est synonyme de légendes, de désirs d’aventures.
Par ses caractéristiques, par les conditions climatiques où sa surface miroitante, argentée, devient tempête, par sa palette changeante, abordant une robe aux tonalités irisées, progressant du bleu au vert, la mer est devenue l’un des motifs des artistes, un prétexte à capturer le paysage, à dompter la force des éléments.
En capturant l’humeur changeante de la mer, l’entrechoquement des vagues sur les rochers, les activités de loisirs qu’elle engendre, au regard de l’histoire de l’art, les artistes peintres et tout particulièrement les impressionnistes ont su saisir les différentes personnalités de celle-ci.
De ce regard sur la mer, la photographie va également s’y confronter. Dès son origine, les opérateurs ont su la fixer et les Marines de Gustave Le Gray, qu’il réalise entre 1856 et 1858, seront apparentées à l’approche des impressionnistes.
Avec La mer, la mer, toujours recommencée, l’exposition nous propose de découvrir les approches singulières de trois artistes photographes, Catherine Henriette, Valérie Winckler et Gilles Coulon. Par leur sensibilité photographique, leur regard s’est posé sur cet élément essentiel à la vie, à ses habitants, à sa faune, à sa flore, à ses motifs.
De leurs oeuvres se dégagent une certaine mélodie, la mer y est vécue comme une partition où chaque élément vient s’équilibrer, s’harmoniser.
Les plongeurs de Gilles Coulon sont comme des acrobates. À la frontière de la chute et de l’élan de liberté, dans cette opportunité de l’instant et par sa composition qui fait écho à la décomposition des mouvements de Muybridge, les plongeurs se font oiseaux, signes, points, virgules venant ponctuer le rythme des vagues qui les accueillent.
Dans ce même esprit, les surfeurs de Catherine Henriette sont comme des oiseaux migrateurs, regroupés et posés sur la mer, leurs corps deviennent des notes. Du mouvement des vagues, le rythme du Swell rebondit comme une comptine entêtante.
Dans une lumière crépusculaire, harmonisant le ciel, la terre et la mer, le mouvement des vagues, l’infinie de l’horizon se transforment en un opéra, en une chorégraphie des éléments.
D’une tout autre manière, Valérie Winckler cartographie les éléments de la mer.
Transformant le banal en extraordinaire, à la manière d’une composition abstraite, par des jeux de transparences et d’expérimentations, la matière marine se lit comme un paysage, comme une archéologie de la calotte glaciaire. En collaborant avec la nature et en acceptant l’accident, l’image photographique devient geste pictural.
Par son mouvement de recommencement perpétuel, venant effacer l’instant précédent, la mer, par sa palette mouvante, en devenant la matière des artistes, permet d’écrire une infinité de signes, de gestes, de pensées, de possibilités.

Anne-Frédérique Fer, rédactrice en chef de FranceFineArt.com
* Vers issu du poème Le cimetière marin de Paul Valéry

Dates

Septembre 12 (Samedi) 10 h 00 min - Octobre 3 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie SIT DOWN

4, rue Sainte Anastase 75003 Paris

Galerie SIT DOWN4, rue Sainte Anastase 75003 ParisGalerie ouverte sur rendez-vous uniquement par téléphone au 01 42 78 08 07 ou info@sitdown.fr

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