EDITION : Le Questionnaire de Proust par Valérie Belin

Terra Amata J. M. G. Le Clézio | Autoportrait Valérie Belin

#ThePlace2B

by La Rédaction on 28 novembre 2016

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EDITION : Le Questionnaire de Proust par Valérie Belin

Name: Paysages d’architecture : une promenade à Issy
Start: 2018-12-5T11-11-00-00
End: 2019-6-30T17-17-00-00
Location: Musée Français de la Carte à Jouer & Galerie d'Histoire de la Ville

Temps de lecture : 16 secondes

En tant qu’invitée de la semaine, Valérie Belin s’est prêtée au jeu du Questionnaire de Proust façon 9 lives, aujourd’hui, l’artiste répond à la première question de la semaine « Si j’étais un livre ? »

Je serais « Terra amata », c’est un roman de J.M.G Le Clézio publié en 1967. C’est l’histoire, d’un enfant nommé Chancelade, qui retrace sa vie de son enfance à son enterrement. C’est une sorte de manifeste contre la violence urbaine.

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mer05déc(déc 5)11 h 00 min2019dim30jui(jui 30)17 h 00 minPaysages d’architecture : une promenade à IssyRaymond DepardonMusée Français de la Carte à Jouer & Galerie d'Histoire de la Ville, 16 Rue Auguste Gervais, 92130 Issy-les-MoulineauxType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Inscrite dans l’opération « Métamorphoses, Issy se [ré]invente », cette exposition associe deux grands noms, le photographe Raymond Depardon et l’artiste Jean-Michel Alberola, chargé de la scénographie avec sa fille Théa, un duo inédit et complice qui vous dévoile son regard sur le territoire à travers une quarantaine de photographies. Elle offre un panorama significatif de l’évolution urbaine et de l’innovation architecturale à Issy-les-Moulineaux dans les trente dernières années.

Immortalisée sous l’objectif de Robert Doisneau au début du XXe siècle, Issy-les-Moulineaux est passée d’une banlieue industrielle à une ville moderne pleinement ancrée au cœur du Grand Paris qui a accueilli des signatures architecturales prestigieuses : Christian de Portzamparc, Jean Nouvel, Jean-Michel Wilmotte, Daniel Libeskind, Winy Maas et Françoise Raynaud, entre autres, participent pleinement de l’attractivité de la Ville reconnue pour son audace et ses projets avant-gardistes.

A l’aube du XXIe siècle, elle s’offre au regard de Raymond Depardon, artiste reconnu mondialement pour son œuvre photographique et cinématographique, notamment récompensé par le Prix Louis-Delluc, le César du meilleur film documentaire… Ses photographies mettent à l’honneur une quinzaine d’édifices et de sites emblématiques : « c’est en quelque sorte la photographie de notre modernité » dit-il.

Ainsi, vous pourrez découvrir sa vision du Vaisseau (« V-SO ») par Jean Nouvel (1992), Galéo (Bouygues Immobilier) par Christian De Portzamparc (2009), EOS (Campus Microsoft) par Bridot-Willerval et Arquitectonica (2009), Zenora (Yves Rocher) par Jean-Paul Viguier (2014), Isséane par Marc Landowski (2008), l’ École Française du Barreau par Jean-Michel Wilmotte (2013), la Piscine Feng Shui Aquazena par les Sœurs Mikou (2015), l’École Justin Oudin par Pascal Gontier (2013), l’opération Pont d’Issy -Aquarel par Françoise Raynaud (2017/19). En effet, l’architecture, pour Raymond Depardon, « nous permet de se confronter avec notre temps, d’une manière à la fois contemporaine et terre à terre (…) ».

Plusieurs événements accompagnent cette exposition exceptionnelle : conférences, vidéo mapping. Programmation à découvrir sur sortir-issy.com

Une riche programmation accompagne cette exposition exceptionnelle du 5 décembre au 30 juin 2019. Vernissage le mercredi 5 décembre à 18h30.

Dates

Décembre 5 (Mercredi) 11 h 00 min - Juin 30 (Dimanche) 17 h 00 min

Lieu

Musée Français de la Carte à Jouer & Galerie d'Histoire de la Ville

16 Rue Auguste Gervais, 92130 Issy-les-Moulineaux

Musée Français de la Carte à Jouer & Galerie d'Histoire de la Ville16 Rue Auguste Gervais, 92130 Issy-les-MoulineauxMercredi, jeudi et vendredi : de 11h à 17h, Samedi et dimanche : de 14h à 18h. Juillet : du mercredi au dimanche de 13h à 18h & Août: fermé

Calendrier GoogleCal

ven01fev13 h 00 mindim03mar(mar 3)19 h 00 minCubaSéverine ThévenetDIDAM, 6, quai de Lesseps, 64100 BayonneType d'événement:Exposition,Photographie

ven22fev(fev 22)10 h 00 minsam30mar(mar 30)19 h 00 minWherein Lies the SpaceRosemarie CastoroGalerie Thaddaeus Ropac, 7 Rue Debelleyme, 75003 Paris

Détail de l'événement

Après sa première grande rétrospective européenne l’an dernier au Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA), la Galerie Thaddaeus Ropac a le plaisir de présenter la première exposition personnelle de Rosemarie Castoro (1939-2015), artiste américaine pionnière de l’art minimal, dans sa galerie du Marais. Coïncidant avec le 80e anniversaire de la naissance de l’artiste, l’exposition aborde toutes les facettes de sa pratique multidisciplinaire depuis le milieu des années 1960 jusqu’au milieu des années 1980. À travers une sélection d’oeuvres emblématiques, cette exposition entend rendre compte de la contribution essentielle apportée par Rosemarie Castoro au développement de la peinture abstraite, de la sculpture, de l’art conceptuel, de la poésie concrète et de la performance. De ses premières peintures, dont Frank Stella disait qu’elles reflètent la sensibilité d’une coloriste exceptionnelle à ses œuvres murales monochromes et ses grandes sculptures organiques qui sont devenues sa marque de fabrique, l’œuvre de Castoro – longtemps éclipsée par celle de ses pairs masculins – est une redécouverte pour le public d’aujourd’hui.

Rosemarie Castoro était une figure centrale de la scène artistique new-yorkaise des années 1960, aux côtés de Carl Andre avec qui elle était alors mariée. Dans son studio-loft de Soho se retrouvaient de nombreux artistes tels que Sol Lewitt, Michael Heizer, Richard Long, Lawrence Weiner, Lee Lozano, Robert Smithson, Agnes Martin et d’autres acteurs de cette avant-garde très soudée. L’une des rares femmes associées au minimalisme, elle s’est affranchie des frontières esthétiques de l’époque en introduisant des allusions surréalistes et sexuelles dans la rigueur abstraite du Minimalisme. Elle a elle-même rejeté avec ironie ce terme en 1986 en déclarant “Je ne suis pas une minimaliste, je suis un Maximust.” Tout au long de sa vie, Castoro s’est évertuée à mélanger les différentes pratiques, se définissant elle-même comme une “paintersculptor”. La critique d’art et commissaire d’exposition féministe Lucy R. Lippard l’a plus tard décrite comme une artiste ayant “subverti et dépassé le minimalisme sur son propre terrain.”

En 1969, Castoro annonce ce qui va définir l’ensemble de sa pratique dans un poème de poésie concrète qui donne son titre à cette exposition :

WHEREIN LIES THE SPACE

BETWEEN WAKEFULNESS AND SLEEP

BETWEEN METHOD AND OBJECT

Non seulement le poème démontre l’importance du langage dans son travail – elle utilise souvent des jeux de mots pour titrer ses œuvres – mais il cartographie aussi le territoire qui l’intéresse aux intersections du temps et de l’espace, du rationnel et du subconscient.

Lorsqu’elle commence sa vie d’artiste, Rosemarie Castoro se concentre essentiellement sur la peinture dont elle explore les fondements à travers différentes séries successives. Dans sa série des Prismacolor, la composition de chaque tableau est structurée autour d’une couleur principale et d’un angle. Une couche de peinture acrylique est appliquée diagonalement sur la toile brute en suivant l’orientation choisie pour l’oeuvre, orientation accentuée par des lignes parallèles tracées au crayon sur la surface peinte. Dans d’autres compositions géométriques émerge souvent une forme en ‘Y’ qui suggère l’idée d’une répétition à l’infinie d’un motif qui se déploie au-delà même des limites de la toile. Son usage de la couleur couvre un spectre très large, depuis des compositions où s’entrecroisent des tons primaires jusqu’à des teintes extrêmement subtiles qui expriment l’humeur du jour.

À la fin des années 1960, le travail de Castoro prend une direction plus expérimentale. Elle fait usage du langage dans des oeuvres de plus en plus conceptuelles, qu’il s’agisse de poésie concrète ou de ses propres journaux. Composés d’un assemblage de textes et de photographies, ces derniers renseignent sur la matrice de son processus créatif, notamment son approche performative. Les polaroids pris au retardateur dans son studio la montrent en train d’interagir dans ses propres oeuvres, adoptant parfois des poses acrobatiques qui révèlent sa formation de danseuse. Suivant une stratégie similaire à d’autres artistes conceptuels, Rosemarie Castoro a tendance à transformer les activités les plus quotidiennes en une forme artistique. Dans l’album de poésie concrète A Day in the Life of a Conscientious Objector (1968), terme utilisé par les opposants à la guerre du Vietnam, Castoro réfléchit sur sa vie d’artiste à travers l’indexation de ses activités quotidiennes au studio.

Au début des années 1970, Castoro abandonne la couleur au profit de surfaces grisées au graphite. Avec un balai, elle commence à « peindre » les surfaces de ces sculptures avec une matière épaisse faite de gesso et de graphite et crée des peintures intensément gestuelles et dynamiques qui semblent se décrocher du mur. Si ces reliefs adoptent des formes variées, une série se base plus spécifiquement sur les initiales d’amis artistes traduits en écriture sténographique. Parmi eux Guinness Martin (1972) est dédié à Agnes Martin. A propos de sa relation avec Martin, Castoro se souvient: « J’avais rencontré Agnes dans son atelier à la fin des années 1960. Nous étions toutes deux des peintres qui faisions des maquettes typographiques pour gagner notre vie. A l’époque, les peintres entretenaient une camaraderie et se rencontraient par l’intermédiaire d’autres peintres. Souvent, nous nous retrouvions dans des bars ou dans les studios des uns et des autres pour prendre le thé. En 1972, j’ai réalisé pour Agnès une découpe qui appartenait à une série de sculptures murales créées avec une brosse utilitaire et qui épelait son nom en sténographie Pitman: Guinness Martin est né comme un déguisement du nom d’Agnes. »

Au milieu des années 1970, ses œuvres gagnent une dimension surréaliste : Castoro se projette alors dans le personnage d’une femme géante qui aurait élu domicile dans son atelier, entourée de ses ‘Giant Brushstrokes’, ensemble d’imposantes protubérances murales dont fait partie Armpit Hair (1972) présentée dans l’exposition. Ses sculptures en époxy plus tardives telles que Land of Lashes (1976), qui évoque une phalange de cils géants envahissant étrangement l’espace comme des araignées, abordent la relation au corps encore plus frontalement.

À la même époque elle travaille également à de grandes installations réalisées à partir de morceaux de bois brut taillés. Beaver’s Trap (1977), dont le titre est dérivé de la traduction anglaise de son nom de famille d’origine italienne, en est un exemple iconique. L’oeuvre est composée de 42 éléments alignés sur le périmètre d’un carré. Ils sont disposés de telle sorte que le l’élément le plus haut se trouve à un coin d’un rectangle formé par les éléments restants qui descendent progressivement vers l’élément le plus court au coin opposé. L’ensemble paraît avoir été conçu pour atteindre une forme d’équilibre et pourtant la courbure différente de chaque pointe donne l’impression que la sculpture peut vaciller à tout moment. Dans une note accompagnant sa première présentation, Castoro relie le piège du castor à un désir d’autoprotection, chaque bâton étant sculpté de manière à tenir en équilibre et “s’il venait à se renverser, cela l’avertirait du danger « . L’oeuvre est alors associée à un piège érotique féminin abstrait, à un “lit destiné à la capture d’un compagnon.”

En 1979, Castoro s’engage dans une nouvelle expérience sculpturale, les Flashers, des pièces en acier noir de plus de deux mètres de haut, exposées dans l’espace public à Manhattan et à Paris sur les berges de la Seine en 1983. L’orignie de la forme humanoïde des Flashers vient d’un moment où Castoro a courbé et plié un billet de 20 dollars pour le faire tenir debout. Le titre évoque l’exhibition sexuelle, « l’imperméable gris que portent les vieux bonshommes et qu’ils ouvrent [Flash, en anglais] devant les jeunes filles innocentes », explique Castoro. La commissaire d’exposition Tanya Barson souligne “l’intérêt que manifeste Castoro à décliner différents aspects de la sexualité et, comme les exhibitionnistes eux-mêmes, à évoquer simultanément le menaçant, le comique et le pathétique ».

Bien que Castoro ne se soit jamais identifiée elle-même comme féministe, sa pratique a contribué à redéfinir les domaines du minimalisme, du post-minimalisme et de l’art conceptuel au prisme d’une subjectivité féminine.

Commissaire de l’exposition: Anke Kempkes

À PROPOS DE L’ARTISTE:

Née à Brooklyn, Rosemarie Castoro a vécu et travaillé à New York toute sa vie, devenant une figure centrale de l’avant garde minimale et conceptuelle.

Puisant très tôt son inspiration dans le domaine de la danse expérimentale alors qu’elle était encore étudiante au Pratt Institute, puis à travers des collaborations avec la chorégraphe postmoderne Yvonne Rainer dans les années 1960, l’œuvre de Castoro a toujours conservé un caractère nettement performatif et témoigne d’une attention spécifique à l’espace et au mouvement. En 1966, elle participe à la performance d’Yvonne Rainer Carriage Discreteness pendant le célèbre festival 9 Evenings. A partir de 1964, Castoro commence à peindre en créant des séries qui explorent de façon systémique des combinaisons de couleurs et de structures dans des compositions all-over innovantes.

En 1968 – alors que les Etats-Unis connaissent une période de troubles politiques – elle abandonne la couleur. Sa pratique s’ouvre à l’art conceptuel, aux performances et à la poésie concrète. En 1969 et 1970, elle participe aux expositions de Lucy Lippard à Seattle et à Vancouver, qui ont permis de définir les termes de l’art Conceptuel. Sa première exposition personnelle a eu lieu à la galerie Tibor de Nagy, à New York, en 1971, où elle expose ses imposants «Free-Standing Walls» et «Giant Brushstrokes». Parallèlement aux expositions en galerie, Castoro a toujours manifesté un intérêt à créer et à montrer son art dans la rue, depuis ses premières performances, intitulées Streetworks jusqu’à sa participation à l’événement «Art on the Beach» à Batterry Park City, à New York en 1978. Ses Flashers à l’allure de totems, ont été exposés à plusieurs reprises dans l’espace public à New York et également à Paris sur les quais de la Seine en 1983.

Castoro a également enseigné à l’Université du Colorado, Boulder; l’Université de Syracuse; au Pratt Institute et au Hunter College, New York. Elle a également milité au sein de l’Art Workers’ Coalition, qui se réunissait dans son studio, et a participé à la création du HIV Arts Network (HAN).

Elle a participé à de nombreuses expositions individuelles et collectives, notamment Distillations, Tibor de Nagy et Stable Gallery, New York (1966); Number 7, Paula Cooper Gallery, New York (1969); Biennale de Paris, Paris (1971); Painting 1967-1968, Hal Bromm Gallery de New York (1975); Direction 1981, Musée Hirschhorn et Sculpture Garden, Washington, D.C. (1981); Side by Side: New acquisitions, Musée d’art moderne de New York (1985); Knee-High Flashers, Galerie Arnaud Lefebvre, Paris (1993); Site and Insight: An Assemblage of Artists, MoMA PS1, New York (2003); Configurations, MAMCO, Genève (2005); Land of Lads, Land of Lashes, Galerie Thaddaeus Ropac, Londres (2018). Sa première grande rétrospective muséale a eu lieu au MACBA, à Barcelone, en 2017, suivie d’une exposition au MAMCO, à Genève qui ouvrira en octobre 2019.

Dates

Février 22 (Vendredi) 10 h 00 min - Mars 30 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Thaddaeus Ropac

7 Rue Debelleyme, 75003 Paris

Calendrier GoogleCal

sam02fev(fev 2)10 h 00 minsam09mar(mar 9)19 h 00 minBenjamin DerocheH Gallery, 90, rue de la Folie-Méricourt 75011 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

En collaboration avec la Galerie Françoise Paviot, H Gallery est honorée de présenter quelques séries récentes de Benjamin Deroche.
Le parcours est déjà long pour ce jeune photographe, rennais d’origine, installé dans le Finistère, qui a fait des études de littérature, est titulaire d’un doctorat en sémiologie de l’image et fait partie, depuis quelques années, des jeunes photographes français qui comptent sur le
marché de la photographie. A son propos, Françoise Paviot écrit : « Nous avons été rapidement sensibles à sa démarche qui s’inscrit dans
le champ de ce que nous aimons, une recherche exigeante qui dépasse l’anecdote, une absence de concessions à une représentation facile,
une détermination tranquille qui s’appuie sur une pensée véritable. Ses photographies ont cette capacité que nous aimons de déréaliser le réel
tout en le gardant sous nos yeux pour nous permettre de le voir autrement. »

L’artiste fonde son travail sur une relation sensible et unique avec la nature. Marchant et voyageant beaucoup (St Pierre et Miquelon,
Irlande, Lanzarote, Mer Baltique,États-Unis), il se laisse imprégner de toutes les émotions que véhiculent les paysages et voit son travail comme
une recherche contemplative et métaphysique. Il est en quête de territoires infinis qui lui permettent de ressentir une grande liberté face
à l’espace. Il espère rendre palpables les forces et les énergies invisibles de la nature et que sa beauté saisissante rendra la nécessité de
protéger l’environnement aussi évidente et vitale que celle de respirer. Dépourvus d’êtres humains, ses paysages canalisent une présence hors
cadre : « il y a souvent de très belles choses dans les extérieurs de mon image mais je décide de ne pas les faire rentrer, de les laisser horschamp comme s’il existait une sorte de magie permettant de les deviner ». Il ne cherche pas tant à livrer une perception conceptuelle qu’une
perception émotionnelle et une impression persistante de merveilleux, d’enchantement étrange.

Dans ses séries intitulées Surnature et Baltica, il converse avec les paysages en créant des installations naturelles ou à base de papier. Ces
installations peuvent être considérées comme des réponses à des lieux qui le touchent, à des moments, des sentiments, des lumières, des
ombres et des matériaux trouvés spécifiques mais aussi, comme un processus de méditation personnel. Le contraste entre la naturalité de
l’espace et le caractère artificiel des sculptures qui témoigne d’une intervention humaine créent des dispositifs ritualistes à visée spirituelle.
L’artiste est attiré par la notion d’étrangeté qui lui permet de procurer un sens nouveau à ses créations mais également, d’arrêter le regardeur
dans sa course et de lui imposer un ralentissement contemplatif. « Il se sert du médium photographique pour créer des fenêtres poétiques, tisser
des fils entre le visible et l’invisible, et interroger la nécessité de lenteur » (Emmanuelle Hascoet). Surnature évoque autant l’idée du surnaturel que la crainte qui se fait sentir face à la grandeur de la nature. Deroche est, bien sûr, un héritier du Land Art et certaines de ses créations rappellent Andy Goldsworthy ou Nils Udo, mais le sentiment de complétude et d’infini qui se dégage de ses photographies, sa façon d’offrir une nouvelle vision de la réalité et son chromatisme d’une grande éloquence font de lui un photographe tout à fait unique.

Il a récemment gagné le Prix Marguerite Duras avec une série de photos réalisée à l’hôtel des Roches Noires, à Trouville-sur-Mer où Marguerite
Duras a longtemps vécu. Benjamin Deroche travaille beaucoup en Normandie l’hiver parce qu’il est fasciné par le lien entre l’artifice humain
et la nature qui y est très fort. Lorsqu’il s’est rendu pour la première fois aux Roches noires, il y avait une grande marée et depuis les grands
fauteuils du hall, il voyait la mer qui montait jusqu’au bord du jardin et faisait corps avec elle. Ce moment lui est apparu comme onirique et à
partir de ce moment, le projet s’est imposé à l’artiste.

Alain Vircondelet, écrivain et universitaire, spécialiste de Marguerite Duras, écrit à propos de cette série : « Marguerite Duras s’est toujours
intéressée à la photographie et plus largement à l’image. Défier les pesanteurs de la matière, des êtres et des sociétés et retrouver l’innocence
originelle, la blancheur des premiers jours. Savoir rendre par les mots cette clarté inaugurale, transcrire la force de son apparition. Benjamin
Deroche a sûrement entendu ce désir-là de Marguerite Duras […]. Il l’a sûrement comprise, cette voie, pour avoir réalisé avec tant de justesse
cette série de 12 clichés pris dans la pureté d’un début du monde, au lieu même où Duras habitait. Benjamin Deroche fait ici comme Duras,
oeuvre spirituelle. Du silence qui surgit du hall de Mallet-Stevens, des jardins jusqu’à la mer de l’ancien palace, des rivages de sable poudrés
de neige, il fait entendre la solitude, le désir de l’en-allé, l’effacement des choses et des êtres, des traces de l’infini blanc ; du châle posé
sur une balustrade et qui semble s’envoler, il trahit le frémissement des mémoires, le jeu sensible des âmes languissantes, celle d’Anne- Marie
Stretter se dirigeant vers la mer, pour s’y confondre. Et ces images qu’il accueille, qu’il ne conçoit pas mais que son oeil voit et accueille,
révèlent ce qu’elle écrivait dans L’Amour […] (ce texte de) 1972, dans lequel la lumière est omniprésente, parce qu’elle « ouvre, écrit-elle,
montre l’espace qui grandit ». C’est cela qui me retient en admirant les photographies de Benjamin Deroche : cette lumière partout, qui
envahit l’espace, l’élargit et aveugle. Le silence accapare tout, mais il laisse émerger la musique, elle résonne, intérieurement, comme un cri
contenu, elle rythme les lieux, plain-chant, pleine mer, plein ciel encore ».

Dates

Février 2 (Samedi) 10 h 00 min - Mars 9 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

H Gallery

90, rue de la Folie-Méricourt 75011 Paris

H Gallery90, rue de la Folie-Méricourt 75011 ParisAprès huit ans à New York (Peter Freeman, Inc. ; Parkers Box) et 6 ans à la Pinacothèque de Paris (Paris – Singapour), Hélianthe Bourdeaux-Maurin ouvre la H Gallery à Paris en 2016. Elle fonde sa ligne artistique sur la découverte et la mise en valeur de talents qui n’ont jamais ou rarement, été montrés en France  : que ce soit des artistes français ou, plus particulièrement, des artistes qui vivent et travaillent en Amérique du Nord et en Amérique Latine.

Calendrier GoogleCal

sam12jan10 h 00 minmar12mar19 h 00 minSerge & JacquelineLaure VoutersGalerie Nadar - Médiathèque André Malraux de Tourcoing, 26 Rue Famelart, 59200 TourcoingType d'événement:Exposition,Photographie

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