Name: Masafumi Maita & Masaki Nakayama
Start: 2020-1-25T10-10-30-00
End: 2020-2-22T19-19-00-00
Location: Galerie Christophe Gaillard

Temps de lecture : 5 secondes

La danseuse néerlandaise Mata Hari est née le 7 août 1876, elle fut
fusillée pour espionnage pendant la Première Guerre mondiale le 15 octobre 1917.

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sam25jan(jan 25)10 h 30 minsam22fev(fev 22)19 h 00 minMasafumi Maita & Masaki NakayamaGalerie Christophe Gaillard, 5 rue Chapon 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Après une première exposition collective consacrée à la photographie conceptuelle japonaise des années 1970, la Galerie Christophe Gaillard est heureuse de présenter, pour deux expositions personnelles inédites en France depuis les années 1980, l’œuvre de Masafumi Maita et celle de Masaki Nakayama.

MAITA

Artiste pionnier de la scène conceptuelle japonaise des années 1970, Masafumi MAITA (1944 – 2009) imagine des dispositifs qui interrogent le rôle de l’image et les limites de la représentation du réel par la photographie. Maita joue des écarts et des variations entre le sujet naturel et contemplatif qu’il photographie, le réel qu’il enregistre (vues de forêts, de plages et de montagnes vierges de toute présence humaine) et l’opération sérielle et arbitraire qu’il répète sur l’image.

En 9 clichés, l’ensemble Flow (1976) le met ainsi en scène face à l’océan, placé au centre d’un rectangle tracé au sol, déclinant les étapes de la torsion méthodique d’une tige de plomb. Selon un protocole défini au préalable, l’œuvre propose une forme d’inventaire de gestes et de possibilités d’inscriptions du corps dans l’espace. La photographie enregistre et narre une performance : elle s’inscrit dans une temporalité nouvelle.

« L’essentiel de son œuvre est la conscience du temps » écrit le critique japonais Yusuke Nakahra. Avec la série Sans titre (1979) de paysages en noir et blanc marqués par la main de l’artiste, Maita accentue les phénomènes de décalages. Décalage entre le paysage et les formes géométriques simples, triangle, cercle et carré tracés en pointillés sur le négatif, entre la chose vue et le regard que nous portons sur elle. Décalage entre deux temporalités, celle du réel qui a été capturé et du geste, toujours actif, qui altère l’image.

Maita a développé ces recherches dans des installations, y introduisant des objets puis des sculptures, en dialogue avec ses photographies. « Dans l’espace, écrit Yusuke Nakahra, l’image photographiée et l’objet réel ont l’air de s’inscrire dans une continuité, mais on a l’impression de faire face à deux temporalités – l’une au présent, l’autre au passé. Les objets réels renvoient toujours au présent, l’image au passé. (…) Cette différence est décisive. En combinant la photo et les objets réels, l’artiste rend notre conscience du temps vivante. (…) C’est la différence entre la perception et la mémoire. L’artiste travaille en fait avec deux éléments : la perception et la mémoire[1]. »

NAKAYAMA

D’abord sculpteur travaillant le bois, Masaki NAKAYAMA (1945) n’a eu de cesse depuis les années 1970 d’associer dans ses installations l’action de son propre corps, son enregistrement par la photographie ou le dessin et leur confrontation à l’objet. Avec la grande série Body Scale, qu’il commence dans les années 1970 et qu’il continue de renouveler, Nakayama tente d’approcher le monde en prenant son corps comme échelle décisive. Usant d’un vocabulaire de formes géométriques simples et prenant le corps comme outil premier dans ses dispositifs, l’artiste japonais s’inscrit dans la lignée des figures majeures de la scène artistique internationale de sa génération, tels Bruce Naumann et ses Wall-Floor positions (1968) aux Etats-Unis ou Franz Erhard Walther en Allemagne dans les années 1960.

« Il y a plus de 40 ans que j’ai commencé mes travaux sur l’échelle corporelle, qui utilisent le corps humain a leur sujet. Bien que ces œuvres aient des sous-titres différents, le thème fondamental est resté inchangé et je continue à créer des œuvres sur ce thème aujourd’hui. Ces œuvres ne sont pas préoccupées par la structure ou la taille du corps humain, et ne sont pas non plus fondées sur une quelconque » théorie du corps » philosophique. Ce sont simplement des éléments qui ont été accessoires à un ensemble composite. (…) Par exemple, ce qui se trouve entre l’espace réel de mon corps actif et l’espace réel de ce qui est capturé dans mes photographies n’est pas une distance, mais l’écart entre des existences qui se chevauchent dans un espace à plusieurs couches. C’est ainsi qu’une relation mutuellement harmonieuse est née. C’est là que se trouve ma perspective. C’est, en d’autres termes, à ce concept d’espace multicouche de l’être humain que je me réfère avec mon titre « Body Scale[2] ». (Masaki Nakayama)

BIO

Masafumi MAITA (1944 – 2009) est né en Mandchourie (Chine), il a étudié à Paris (1971 – 1973) puis a vécu et travaillé au Japon. Photographe, il questionne et réinvente son medium, en dialogue avec l’objet puis la sculpture à partir des années 1970. Son œuvre a été exposée dans le monde entier, en particulier aux Biennales de Venise de 1976 et 1986. Ses œuvres sont conservées dans de nombreuses collections publiques notamment au Japon (The Utsukusi-ga-hara open-Air Museum, Nagano ; Open-Air Museum of Sculpture, Ube ; Museum of Modern Art, Kamakura ; Museum of Modern Art, Toyama ; Yokosuka Museum of Art, Kanagawa, etc.), en France (Centre National des Arts Plastiques, Paris ; Musée d’Art Moderne de la Ville, Paris ; Musée d’Art Moderne et Contemporain, Strasbourg ; Musée Cantini, Marseille ; FRAC Champagne-Ardenne), en Italie (MuSaBa, Parco Museo Santa Barbara, Mammola) et aux Etats-Unis (Museum of Fine Arts, Houston ; The State Foundation on Culture and the Arts, Hawaii).

Masaki NAKAYAMA est né en 1945 à Kofu au Japon, où il vit et travaille actuellement. Sculpteur de formation, Nakayama est diplômé de l’Ecole de Komagome à Tokyo. Dans ses installations et ses photographies, il utilise son propre corps comme échelle décisive de son travail. Ses œuvres ont principalement été exposées au Japon, en France, en Pologne et en République Tchèque. Elles sont conservées au Japon au Yamanashi Prefectural Museum of Art (Kofu), au Yokohama Civic Art Gallery (Kanagawa) ainsi qu’au Urawa Art Museum.

En collaboration avec Yumiko Chiba Associates (Tokyo, Japon).

Dates

Janvier 25 (Samedi) 10 h 30 min - Février 22 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Christophe Gaillard

5 rue Chapon 75003 Paris

Galerie Christophe Gaillard5 rue Chapon 75003 ParisDu mardi au vendredi 10h30-12h30 14h-19h et le samedi 12h-19h

Calendrier GoogleCal

mar15oct(oct 15)11 h 00 min2020dim09fev(fev 9)19 h 00 minChine 1948-1949-1958Henri Cartier-BressonFondation Henri Cartier Bresson, 79, rue des Archives 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Le 25 novembre 1948, Henri Cartier-Bresson reçoit une commande du magazine Life pour faire un reportage sur les « derniers jours de Pékin » avant l’arrivée des troupes maoïstes. Venu pour deux semaines, il restera dix mois, principalement autour de Shanghai, assistant à la chute de la ville de Nankin tenue par le Kuomintang, puis contraint de rester à Shanghai sous contrôle communiste pendant 4 mois, et quittant la Chine quelques jours avant la proclamation de la République populaire de Chine (1er octobre 1949).
Au fil des mois, ses témoignages des modes de vie « traditionnels » et de l’instauration d’un nouvel ordre (Pékin, Hangchow, Nankin, Shanghai), produits en pleine liberté d’action, rencontrent beaucoup de succès dans Life et les meilleurs magazines internationaux d’actualité (dont Paris Match, qui vient d’être créé).
Le long séjour en Chine s’avère être un moment fondateur de l’histoire du photojournalisme : ce multireportage intervient aux débuts de l’agence Magnum Photos, que Henri Cartier-Bresson a co-fondée dix huit mois auparavant à New York, et apporte un nouveau style, moins événementiel, plus poétique et distancié, attentif aux personnes autant qu’aux équilibres de l’image. Un grand nombre de ces photos sont aujourd’hui encore parmi les plus célèbres du photographe (telle le « Gold Rush à Shanghai »).
Comme une répercussion de « Chine 1948-1949 », Henri Cartier-Bresson devient dès 1950 une référence majeure du « nouveau » photojournalisme et du renouveau photographique en général. Les livres Images à la sauvette (Verve, 1952) et D’une Chine à l’autre (Delpire, 1954), préfacé par Jean-Paul Sartre, confirment cette suprématie.
En 1958, à l’approche du dixième anniversaire, Henri Cartier-Bresson repart à l’aventure dans des conditions toutefois opposées : contraint par l’accompagnement d’un guide pendant 4 mois, il parcourt des milliers de kilomètres, au lancement du « Grand Bond en avant », pour rendre compte des résultats de la Révolution et de l’industrialisation forcée des campagnes. Il réussit toutefois à montrer aussi les aspects les moins positifs, l’exploitation du labeur humain, l’emprise des milices, etc. Là encore, le reportage rencontre un succès international.
L’exposition à la Fondation HCB regroupe 114 tirages originaux de 1948-1949, 40 tirages de 1958, et de nombreux documents d’archives.
Michel Frizot

Commissariat : Michel Frizot, Ying-lung Su
Directrice artistique : Agnès Sire
Conservatrice des Collections : Aude Raimbault

Dates

Octobre 15 (Mardi) 11 h 00 min - Février 9 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

Fondation Henri Cartier Bresson

79, rue des Archives 75003 Paris

Fondation Henri Cartier Bresson79, rue des Archives 75003 ParisLa Fondation est ouverte du mardi au dimanche de 11h à 19h. Plein tarif 10 € / Tarif réduit 5 € (sur justificatif)

Calendrier GoogleCal

jeu16jan(jan 16)10 h 00 minsam28mar(mar 28)18 h 00 minThe Fall Of AtticaSophie KnittelL'Abat Jour, 33 rue René Leynaud 69001 LyonType d'événement:Exposition,Photographie

lun25nov2020dim01marUn Président, citoyen du mondeJacques Chirac sous le regard d'Éric LefeuvreCampo Santo Chapelle de la Funéraria, Rue Amiral Ribeil, 66000 PerpignanType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

L’image d’un homme public, et a fortiori celle d’un président de la République, ne peut être laissée au hasard. C’est pourquoi un certain nombre d’entre eux s’attachent les services d’un photographe.
C’est Jacques Lowe pour John Fitzgerald Kennedy – on se souvient de la célèbre photo du petit John-John jouant sous le bureau de son père à la Maison Blanche – ou plus récemment Pete Souza, pour Barack Obama.
Jacques Chirac, lui, a choisi Éric Lefeuvre. Photographe attitré, de la Mairie de Paris à l’Élysée, Eric Lefeuvre l’a accompagné pendant plus de trente-cinq ans, le suivant dans toutes ses activités, en province, en Europe, dans le monde. Observateur attentif des coulisses du pouvoir, il a réalisé, sans jamais se mettre en avant, des milliers de clichés qui constituent un témoignage irremplaçable sur un président qui est entré aujourd’hui dans l’Histoire.
La plupart de ses photographies sont prises au vol et nous révèlent un homme empathique et chaleureux. Il le suit jour après jour tentant, non sans mal, de mettre ses pas dans ceux d’un président qui parcourt le monde à grandes enjambées et traverse sans complexes les foules au grand dam de son service de sécurité.
Jacques Chirac, nous dit Éric Lefeuvre, aimait la photographie mais restait indifférent à celle qui le représentait. Seules trônaient sur son bureau à l’Élysée quelques photographies de famille, dont le portrait de son petit-fils Martin et celui de Georges Pompidou.
Sur plusieurs images on peut voir le président l’oeil sur le viseur d’un appareil photo. On connaissait son goût pour les arts asiatiques et les arts premiers mais savait-on qu’il nourrissait une passion discrète pour l’art de Niépce, l’inventeur de la photographie au début du XIXe siècle ?
En soutenant l’initiative du Mois de la Photo, en ouvrant des départements photographiques dans les musées et en décidant la création de la Maison Européenne de la Photographie, le Maire de Paris, en effet, a fortement contribué à rendre à la ville lumière son statut de capitale mondiale de la Photographie. Il appréciait les oeuvres d’Henri Cartier-Bresson, d’Irving Penn ou encore Bettina Rheims…

Une exposition de soixante photographies en noir et blanc et en couleur, dont la plupart sont inédites, réalisées par Éri© Lefeuvre, photographe, auteur et journaliste.
Pendant plus de trente ans, il n’a cessé de photographier cet homme d’État qui figure aujourd’hui parmi les personnalités politiques préférées des Français. Trente années à côtoyer, accompagner, observer mais surtout à épier avec ses « Leica » ce personnage hors du commun, aussi secret et mystérieux qu’attachant mais avant tout profondément humain.
À travers des photographies de Jacques Chirac, des scènes de vie et des portraits de ceux qu’il rencontrait lors de ses voyages, cette exposition nous permet d’approcher au plus près de cette soif authentique de découverte de l’Homme et des cultures qui anima tout au long de sa vie Jacques Chirac, véritable citoyen du monde.
Certains pensent que Jacques Chirac aurait fait un excellent anthropologue, sans doute, mais ce dont Éri© Lefeuvre est aujourd’hui certain, c’est qu’il aurait pu être un grand photographe et que sur certains voyages officiels il aurait certainement parfois préféré être à « sa » place !

Dates

Novembre 25 (Lundi) 11 h 00 min - Mars 1 (Dimanche) 17 h 30 min

Lieu

Campo Santo Chapelle de la Funéraria

Rue Amiral Ribeil, 66000 Perpignan

Calendrier GoogleCal

sam11jan(jan 11)13 h 00 mindim05avr(avr 5)19 h 00 minDenis DarzacqCentre d’art Contemporain de la Matmut, 425 rue du Château 76480 Saint-Pierre-de-VarengevilleType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Ces compositions abstraites ont tous les atours des canons artistiques modernes. On y voit volontiers un peu de Kandinsky, une bonne dose de Arp, un zest de Bacon et du Hains ou du Villéglé évidemment, pour les déchirures. Ce sont des constructions aux couleurs vives, dans certaines on perçoit un espace sous les couches de formes qui occupent leurs centres. Comme autant de vortex chromatiques et poétiques, ces zones fragiles et instables sont des invitations au voyage à travers un univers tout en suspension au sein duquel une ligne vous mène vers un aplat de couleur qui lui-même fait émerger une forme aussi captivante qu’indéfinissable. On est happé. Propulsé dans une traversée introspective mais heureuse de ces espaces inconnus. L’artiste les qualifie d’Absences. Pourtant, ils paraissent bien présents, pleins de couleurs et de formes.
De quelles absences s’agit-il alors ?
Il est vrai qu’ici pas de signifiant et encore moins de signifié. Rien de familier auquel se raccrocher. Pas de sujet directement visible. Tout est en rupture avec l’histoire de celui qu’on connaît avant tout comme photographe de presse.
On apprend que pour créer ces Absences, l’artiste manipule d’anciens tirages par le déchirement, le froissage, le découpage et enfin l’assemblage, quelque part entre la peinture, la sculpture, le bas-relief aussi. L’absence du sujet est ainsi à relativiser.
Le sujet photographique, nécessairement autoréférentiel, est au coeur du processus et si absence il y a, c’est moins de photographie que d’image. Et il semble nécessaire de revenir sur le long cheminement artistique de ce regardeur du réel qu’est Denis Darzacq pour saisir les enjeux de ce travail profondément paradoxal dans son corpus.
(…)
Les deux pendants de son travail (photographie reportage et photographie plasticienne) s’enrichissent et s’alimentent mutuellement dans une perpétuelle recherche de cohérence sémantique et artistique à travers les réalités sociales et politiques. Celle-ci le mènera par exemple en banlieue, à Bobigny en 2004. En dehors de toute actualité, quelques années après la génération qu’on appelait alors « black-blanc-beur » et quelques mois avant la révolte de novembre 2005, le série dépasse les préjugés et offre une image de la banlieue radicalement différente de celle que véhiculent traditionnellement les médias. L’artiste arpente ce paysage urbain avant tout espace social vivant revendiqué collectivement comme individuellement par leurs habitants. En proposant entre autre, aux jeunes des cités de poser devant chez eux, Denis Darzacq entérine une approche photographique qui problématise la place du corps dans l’espace social. Travail poursuivit avec La Chute (2006) qui constitue certainement la série la plus exemplaire de sa virtuosité à conjuguer mise en scène et réalité. Elle figure des danseurs de banlieue photographiés en suspension dans l’air pendant qu’ils performent une figure de hip-hop. Comme pour illustrer la citation issue du film générationnel culte La Haine (1995) de Mathieu Kassovitz « l’important n’est pas la chute, c’est l’atterrissage », Denis Darzacq saisit le moment de la fragilité absolue, de tous les possibles comme de tous les dangers, où on s’émancipe des pesanteurs sociales, l’espace d’un instant. La pertinence de la série sera récompensée par le 1er Prix du World Press Photo, catégorie Arts and Entertainment, en 2007. Les questionnements de La Chute trouveront prolongement dès l’année suivante dans la série Hyper (2007-2009) qui fera l’objet d’une exposition aux Rencontres d’Arles en 2009. Poursuivant son investigation des formes chorégraphiques et de leur potentiel signifiant, Denis Darzacq photographie des corps en suspension cette fois dans les rayons des supermarchés. Il se dégage toujours de ces images une impression de point d’arrêt, de temps figé, d’équilibre précaire et de potentiel effondrement mais cette fois, l’artiste s’attaque directement à la place du corps dans l’espace normatif du consumérisme. Cette problématique constitue d’ailleurs un champ de recherche important qui va jusque constituer un fil rouge dans sa pratique notamment avec le travail Casques de Thouars (2007-2008) réalisé lors d’une résidence dans cette petite ville des Deux-Sèvres. Changement radical de décor, le photographe se trouve alors bien loin de la capitale et de ses banlieues dans un contexte social marqué par l’éloignement physique des espaces de consommation et de culture de masse. Il se passionne alors pour une pratique de customisation des casques de motos par des jeunes du coin en pleine déshérence. Aussi bien armure que masque et parure, le casque super-esthétisé devient de support d’expression du corps social, l’endroit de l’indispensable singularisation autant que de la revendication de l’appartenance à un tout : le monde globalisé. C’est également de l’existence au-delà des stigmatisations que traite la série Act (2008-2011). Denis Darzacq mène alors un travail de longue haleine avec des personnes en situation de handicap.

« To act » en langue de Shakespeare fait aussi bien référence au fait de jouer un rôle qu’au fait d’agir. Le photographe invite chacun de ses complices à faire acte dans l’image qu’ils soient acteurs, sportifs ou danseurs pour revendiquer leur singularité en transcendant le statut des personnes en situation de handicap et donc d’assistés que la société leur assigne. Dans la proximité ou l’éloignement, dans la performance ou l’anonymat, chacun cherche sa place dans la société contemporaine.

Le début des années 2010 marque un point de bascule dans la carrière de Denis Darzacq. Il prend la décision de rompre avec une pratique proprement documentaire de la photographie pour verser dans une approche résolument plasticienne sans pour autant perdre de vue ses ingrédients thématiques d’élection à commencer par les problématiques de consommation de masse. Avec Recomposition (2010-2011), il jette son dévolu sur une chaise Ikea dont il propose à des danseurs de se saisir de l’assise et de l’emballage en carton. En résulte des images énigmatiques de corps affublés de volumes géométriques. Alors qu’on parierait que ces hybridations sont le fruit de quelques manipulations numériques, tout ici est chorégraphie. L’objet devient l’artefact qui définit le corps autant qu’il le contraint. Quand les précédentes séries postulaient la revendication de la subjectivité du sujet, la Recomposition postule le produit de consommation courante – la chaise Ikea – comme outil de sa disparition, le chemin vers son abstraction.

Nous sommes alors fondés de penser que les Absences que nous présentent Denis Darzacq constituent en somme le point d’orgue d’une recherche plastique profondément ancrée dans une conscience politique construite par la photographie documentaire.
Les Absences sont faites de cette matière photographique nécessairement signifiante dont la perte de sujet visible ne constitue en rien l’abandon de la valeur politique.

« L’absence, ce n’est jamais le vide, c’est la présence qui manque. »

Dates

Janvier 11 (Samedi) 13 h 00 min - Avril 5 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

Centre d’art Contemporain de la Matmut

425 rue du Château 76480 Saint-Pierre-de-Varengeville

Centre d’art Contemporain de la Matmut425 rue du Château 76480 Saint-Pierre-de-VarengevilleEntrée libre et gratuite, du mercredi au dimanche, de 13 h à 19 h.

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Ephméride (1917) : Naissance de Mata Hari

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Ça s’est passé un 22 janvier : Mort de Jean-Maurice Rouquette

Née un 20 février : La photographe Ella Maillart

Ça s’est passé un 15 janvier : Mort de Dolores O’Riordan

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