Name: 125e anniversaire de la FEB
Start: 2020-3-3T10-10-00-00
End: 2020-4-1T18-18-00-00
Location: BOZAR

21 juin 2018

Leica, une vision pionnière
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lun02mar0 h 00 minsam02mai0 h 00 minLa sélection de la RédactionAppel à candidature : Prix Levallois 2020 Organisateur: Prix Levallois Type d'événement:PhotographieType d'événement 2:Festival,Prix

Détail de l'événement

Créé en 2008, le Prix Levallois soutient et accompagne des photographes de moins de 35 ans de toutes nationalités.
Tous les projets sont bienvenus : le Prix n’impose ni thème ni format, seule la qualité de l’écriture compte dans la sélection des artistes.

Quinze photographes finalistes sont choisis par les directeurs artistiques pour être présentés et défendus en toute impartialité et bienveillance devant un jury composé de personnalités du monde de la photographie, de la marraine et de l’Adjoint au Maire délégué à la Culture de Levallois.
Seront élus le/la Lauréat(e) du Prix qui reçoit une dotation de 10 000 € et la Mention Spéciale à qui est offert un boîtier numérique.
Le Prix du Public est décerné par les amateurs de photographie qui choisiront leur candidat favori sur le site selon la règle d’un clic par jour.
Autre belle récompense pour les trois lauréats : la conception avec l’aide des directeurs artistiques d’une exposition présentée la Galerie de L’Escale à Levallois en octobre 2020 qui, pour la première fois sera itinérante. La Passerelle, scène nationale des Alpes du Sud, à Gap l’accueillera en décembre ou janvier 2021.

Jane Evelyn Atwood est La marraine du Prix Levallois 2020 !

Inscription en ligne en cliquant ici >>>

Photo : © Sara Miloul, lauréate du Prix Levallois 2019

Dates

Mars 2 (Lundi) 0 h 00 min - Mai 2 (Samedi) 0 h 00 min

Organisateur

Prix Levalloiscontact@prix-levallois.com Levallois-Perret

Calendrier GoogleCal

sam29fev(fev 29)14 h 00 minven10avr(avr 10)19 h 00 minTeatri / PhotopastelsPatrizia MussaGalerie XII, 14 rue des Jardins Saint-Paul 75004 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Galerie XII Paris a le plaisir d’annoncer la première exposition personnelle de Patrizia Mussa à Paris, du 29 février au 10 avril 2020.
Depuis plusieurs années, Patrizia Mussa a entrepris un travail photographique de mémoire sur les théâtres implantés dans les villes d’Italie. Elle rehausse ses tirages au pastel, à la main, ce qui leur confère une poésie unique.

Après les photographies du Yémen exposées dans le cadre de la Troisième Biennale des photographes du monde arabe contemporain en 2019, Patrizia Mussa est de retour à la Galerie avec Teatri / Photopastels.
L’artiste photographie les théâtres de son pays, qu’elle ne considère pas seulement comme des lieux historiques. Elle les pense comme des «formes ouvertes», des espaces architecturaux transformés par le temps. Patrizia Mussa veut capturer l’essence même de ces lieux.
Depuis 2016, son travail dépasse la simple photographie. Elle utilise le pastel pour venir rehausser ses tirages à la main, de manière très subtile. Ainsi réinterprétées en photopastels, comme elle les nomme, ses images vont au-delà de la réalité. L’artiste en propose une lecture personnelle et revisitée, donnant sa propre définition du théâtre. Car le théâtre est aussi un lieu de l’imaginaire où le rêve et la poésie cohabitent et les couleurs lui permettent de le l’imaginer comme elle souhaiterait qu’il ait été, qu’il soit, et qu’il reste.

La série intitulée “The Time Lapse” de Patrizia Mussa, bien qu’étant photographie, nous transporte au-delà de la photographie. Sous l’action de sa main de peintre, par un traitement effectué avec pastels et aquarelles, ses photographies s’émancipent de leur nature mécanique, devenant des corps hybrides, dont l’essence imperceptible se situe à la limite de ce seuil qui sépare, comme le veut Walter Benjamin, l’oeuvre dotée d’une propre aura de l’oeuvre mécanisée et pouvant être répétée telle quelle à l’infini.
Chaque déclic des théâtres de Mussa s’avère une question qui interroge notre oeil, une énigme linguistique qui, même après avoir été dévoilée (elle peut vous indiquer où elle a opéré, avec la couleur et avec la main) ne perd rien de son caractère « auratique » particulier. Pouvoir de la peinture, force dés-objectivante d’une photographie qui ne se replie pas sur elle-même mais va au-delà, à la recherche d’un rapport profitable avec la peinture.
Par leur caractère unique absolu, chaque photographie est d’abord imprimée selon les modalités les plus adaptées à mettre en relief les qualités de chaque image et peinte ensuite de façon presque imperceptible mais significative afin de transformer la photographie d’une réalité donnée en une vision subtilement onirique, humblement grandiose et en mesure d’exalter avec fort pouvoir d’éloignement la vérité de lieux qui sont comme des oasis de l’imaginaire collectif de notre civilisation et qui nous parviennent, plus ou moins intacts, pour contribuer à la constitution de notre ADN culturel.
Dans cette série, Patrizia Mussa crée un portrait très personnel de lieux qui ont marqué l’histoire de l’architecture et de la culture : théâtres nés dans des prisons et commandités par les Académies émergentes de la Renaissance pour enseigner les nouvelles sciences ; théâtres voulus par des ducs pour célébrer selon un faste baroque la visite d’autres souverains, théâtres nés en tant que lieux éphémères ayant servi au cours des siècles tapour quelques représentations et jamais démantelés (heureuse inétertie de l’Histoire !) ; théâtres apparus dans le sillage des anciennes études de Vitruve, débordant de statues de dieux disparus et de nouvelles muses.
L’exposition, organisée par la Galerie XII Paris, présente une sélection d’oeuvres dont certaines inédites, réalisées entre 2018 et 2019, qui représentent : le Théâtre Farnese de Parme, le Théâtre Olympico de Vicenza, le Théâtre à l’Antica de Sabbioneta, le Théâtre Regio de Parme et le Théâtre Scientifico de Mantoue.
Pour les narrer, Patrizia Mussa emploie un langage photographique qui semble, au premier abord, de nature objectivante se caractérisant à la fois par une lumière naturelle, une vision frontale, une mise à feu totale, l’attention pour l’aspect particulier, la présence de détails, le tout s’insérant dans une « narration » calibrée, rationnelle, cristalline, omnisciente, omniprésente, omnivore, mais aussi harmonique, séraphique, claire, lumineuse et nette. Toutefois tout ceci ne vaut exclusivement que pour la photographie qui sous-tend l’image finale et sert de support à un élan de vision en mesure de récupérer le sens d’une unicité qui semblait destinée à périr sous les coups portés par le moyen de reproduction mécanique de l’oeuvre d’art. La photographie est donc la base ( si l’on veut, déjà autonome) sur laquelle P. Mussa édifie une vision qui est guidée et veut exalter ultérieurement le caractère plastique du lieu. Si la photographie révèle une certaine réalité, l’intervention picturale la relit et la redécouvre par le biais d’une opération de « maquillage » soutenu qui, rappelant les pratiques à l’aniline de l’époque du noir et blanc, transforme l’oeuvre en une véritable image mentale, une projection idéalisante et idéalisée de ce que pourrait et devrait être le lieu “théâtre”. Un lieu qui, durant des millénaires, a abrité non seulement la représentation du monde des humains mais aussi celui des dieux. Les histoires, qui s’y sont déroulées et qui ont traversé des générations, ont innervé d’idéaux et de mythes le système nerveux que nous partageons, nourrissant un rituel d’ “effet de reflet” qui, avec le rituel religieux, représente sans doute le Leitmotiv d’une histoire qui se répète au cours des diverses sédimentations des époques.
A ces corps débordant d’histoires du passé et dans l’attente de futures histoires, Mussa consacre une série photographique qui va au-delà de toute idée de « série » et de « photographie ». En réalité, il s’agit de portraits uniques et personnels de lieux abordés comme s’il s’agissait de visages de personnes possédant une âme, dotées d’une psychologie à facettes multiples et d’une histoire vécue qu’il nous incombe, à travers les oeuvres de Patrizia Mussa, de redécouvrir, d’étudier de nouveau et de faire revivre.
Par Nicola Davide Angerame

Dates

Février 29 (Samedi) 14 h 00 min - Avril 10 (Vendredi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie XII

14 rue des Jardins Saint-Paul 75004 Paris

Galerie XII14 rue des Jardins Saint-Paul 75004 ParisLa galerie est ouverte du mardi au vendredi de 14 h à 19 h, le samedi de 12h à 19h, et sur rendez-vous. Fermeture en Août

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mar03marmer01avr125e anniversaire de la FEBThierry DubrunfautBOZAR, Rue Ravenstein 23 1000 BruxellesType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

A l’occasion de ses 125 ans, la Fédération des entreprises de Belgique (FEB) a choisi de mettre en évidence l’incroyable diversité et le potentiel esthétique du tissu entrepreneurial belge en organisant une exposition. Thierry Dubrunfaut, auteur de ce parcours artistique, est un photographe hors du commun qui, depuis plus de dix ans, offre un regard rafraichissant sur le monde des entreprises belges. L’exposition ouvrira ses portes à BOZAR le 4 mars 2020 et sera ensuite accessible dans deux autres villes belges : Gand et Mons. Les photographies de « Business meets Art » sont tantôt simples, tantôt savamment superposées ; originales ou ayant déjà été exposées ; elles s’inspirent de fleurons industriels, architecturaux, commerciaux, présents dans de petites ou grandes entreprises.

Les photographies de Thierry Dubrunfaut s’apparentent à des machines à rver

Thierry Dubrunfaut travaille directement à la prise de vue. Les effets de superposition, de flou ou de filé n’ont rien à voir avec de la retouche informatique. Le cliché, l’instant de prise de vue sont sacrés pour le photographe. Il s’agit de célébrer l’activité humaine par une vision originale contrainte par le cadrage, la lumière ou encore l’exposition.
« A travers l’objectif, nous entamons un voyage. Il prend son départ dans le réalisme des sites de production ou des bâtiments et nous projette vers des scènes surréalistes, grâce à notre imagination. Comme par magie, la beauté du monde se révèle autrement, insolite, plus surprenante encore… Les lignes pures, les courbes et les couleurs m’inspirent comme une poésie, un hymne imagé à la splendeur technologique de notre ère. » – Thierry Dubrunfaut.

Y a-t-il une rencontre possible entre l’art et l’entreprise ?

Les artistes et les entrepreneurs ont besoin les uns des autres. Les artistes recherchent des mécènes, des clients, des partenaires. Et les entreprises, parfois mme sans s’en rendre compte, baignent dans la culture et dans l’art. Souvent, elles y voient des sources d’inspiration, de dépassement, de questionnement, voire plus prosaïquement de marketing ou d’image. La question reste donc ouverte, mais une chose est certaine : si rencontre il y a, elle n’est pas unique, mais plurielle. On l’a vue changer en fonction de l’évolution des moyens de production et de systèmes économiques et prendre tour à tour les formes les plus diverses.

« C’est précisément cette diversité qui ressort de l’exposition. Les entreprises font partie de la société. Leur image, leur représentation participent de notre univers créatif commun », – Philippe Lambrecht, Administrateur-secrétaire général de la FEB

Thierry Dubrunfaut (B) est arrivé à Paris en 1981. Il travaille d’abord comme assistant pendant deux ans aux côtés de Jean Daniel Lorieux, Albert Watson et Norman Parkinson. Il s’installe ensuite en 1983 comme photographe de mode et publicité à Paris. Il travaille dans ces deux domaines de 1983 jusqu’en 2008. Dans le secteur de la mode et de la beauté, il réalise les plus grandes campagnes pour Dior, Lancôme, Boucheron, Weill, Givenchy… Il collabore également avec de prestigieux magazines comme Vogue, Elle ou encore L’Officiel. En publicité, il travaille pour EDF, Mercedes mais aussi France Telecom, entre autres.
En 2003, Thierry Dubrunfaut reçoit une palme au Festival de Cannes de la publicité pour une campagne d’Amnesty International. Il décroche également un Award de la Pub pour cette mme campagne. En 2004, il est nominé à Cannes pour une campagne pour la paix.

En 2008, il décide de se consacrer exclusivement à son travail personnel à la sortie de son livre sur le port d’Anvers en 2008. Thierry Dubrunfaut a exposé à Bruxelles en 2014 à la Young Gallery et à la galerie Rasson à Tournai. En France , il a présenté ses photographies à la galerie de L’Europe, à la galerie Etienne de Caussans ou au Mini Palais. Il travaille sur d’autres sujets en photographie comme les fleurs, les portraits de personnages. Il termine actuellement un travail d’édition sur le nu et la beauté. Son travail actuel mle aussi la peinture et la photographie.

A PROPOS DE L’EXPOSITION

La rencontre entre l’art et l’entreprise suscite l’adhésion ici, le doute ailleurs ou parfois, plus discrètement, produit l’étincelle. Le type d’étincelle que l’on voudra préserver, car cette rencontre entre l’art et l’entreprise est pour les acteurs de notre société, une ouverture à des devenirs possibles et à des transformations positives. Dans une réalité trop souvent marquée par le pessimisme et une mélancolie de la finitude, nous mesurons l’importance qu’il y a à réactiver le potentiel créatif de chacun, afin d’imaginer individuellement et collectivement un monde pour demain, un monde qui réconcilie l’économie, le social et l’écologie.

Depuis plus de 10 ans, Thierry Dubrunfaut est parti à la rencontre d’un certain paysage belge : celui des entreprises. Il a d’abord fixé son appareil photo sur les industries, pour s’attarder ensuite au commerce et aux services et, enfin, à la construction. Le photographe découvre la diversité des entreprises du pays, leur renommée et leur capacité inégalée à s’exporter à travers le monde. Il s’émerveille tel un enfant ou plutôt tel un peintre, car ce sont les questions de compositions et de chromatisme qui motivent principalement sa démarche.

Les images de Thierry Dubrunfaut nous parlent de matière et de lumière : vives, évanescentes, rudes, froides, brutales, chaudes, sensuelles ou légères. Du fragment à la mégastructure qui aspire le visiteur dans ses méandres, les photographies se composent en couches successives selon le temps réservé à la prise de vue. Car l’artiste compose ses œuvres directement face à son sujet, et rien n’est ensuite retouché. Les formes se croisent, se superposent, s’entrelacent mme ici et là. En constante métamorphose, elles semblent hésiter entre ordre et chaos. Machine brulante, architecture austère, métal irisé, fleurs ou charbons disposés en montagne, chocolat en rivière, conteneurs en avenue, nous nous interrogeons devant ces compositions énigmatiques. Qui sont-elles ? Ou se situent-elles ? Les frontières entre les éléments sont poreuses. Nous sommes face à un univers qui se défait de ses apparences comme un serpent le ferait de sa peau lors de la mue. Le visible devient abstraction, la technologie côtoie l’artisanat et le local le global. L’homme est étrangement absent de ces œuvres, alors que tout parle de lui.

Un récit se met en place, se déploie. Il joue avec les différentes couches d’une réalité que l’on croit connaître. Lignes et courbes, ombres et couleurs diffusent un certain rythme. Elles invitent celles et ceux qui les regardent à entrer dans la danse, à aiguiser leur vigilance. N’est-ce pas finalement ce que l’on attend de l’art : mettre en mouvement la pensée afin qu’elle retrouve sa puissance d’exister ?

Dates

Mars 3 (Mardi) 10 h 00 min - Avril 1 (Mercredi) 18 h 00 min

Lieu

BOZAR

Rue Ravenstein 23 1000 Bruxelles

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jeu06fev(fev 6)10 h 00 minsam04avr(avr 4)19 h 00 minECLATS Late '80s FashionGérard MusyEspace Photographique du Leica Store, 105 - 109 rue du Faubourg Saint-Honoré 75008 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

En 1986, Gérard Musy, tout en écrivant son mémoire en Histoire de l’Art à l’Université de Genève sur le photographe Robert Frank, visite souvent Paris où il découvre les défilés de mode et le Palace. Le monde de la nuit et de la mode n’en font qu’un. Tous les mannequins sortent la nuit avec les tenues des Nouveaux Créateurs qui redécouvrent eux-mêmes le corps et sa liberté par les différentes matières fétichistes : le vinyle de Mugler, le latex de Gaultier, le cuir de Montana et finalement la maille galbante d’Alaïa.

La jeunesse a soif d’insouciance, de folie, de transgression, de rires. Elle redécouvre le corps, le noir et blanc, le graphisme, la mode et la nuit : une énergie fun faite de BD et de clips musicaux. La nuit avec son énergie vitale est la grande réinvention des années 80. Musy découvre les coulisses de la mode dont les défilés sont de plus en plus spectaculaires – les cabines comme on disait à l’époque. Il se trouve au cœur d’un monde en ébullition qui correspond à ses images. Personne n’avait encore photographié l’antre de ce volcan en fusion. Gérard Musy s’intègre naturellement dans cet espace intime dont il saisit l’intensité, la grâce et la légèreté.

Une invitation à contempler avec nostalgie ce tourbillonnement qui entre avec magie dans le cadre de son Leica M.

Toutes les images sont réalisées au Leica M en argentique.

Gérard Musy est représenté par la galerie Esther Woerdehoff à Paris

Dates

Février 6 (Jeudi) 10 h 00 min - Avril 4 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Espace Photographique du Leica Store

105 - 109 rue du Faubourg Saint-Honoré 75008 Paris

Espace Photographique du Leica Store105 - 109 rue du Faubourg Saint-Honoré 75008 ParisOuvert du lundi au samedi de 10h à 19h et le dimanche de 10h à 13h et de 14h à 17h30

Calendrier GoogleCal

ven20mar(mar 20)13 h 00 minsam02mai(mai 2)19 h 00 minAu bout du plongeoir, le grand bainExposition CollectiveGalerie Binome, 19 rue Charlemagne 75004 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

En écho à l’avenir fragile de notre environnement, la Galerie Binome propose d’apprécier l’horizon contemporain depuis trois points de vues artistiques comme autant de paysages perçus en regard de la profondeur de nos mémoires. Entre exaltation salvatrice et appréhension critique, les œuvres de Laurence Aëgerter, Anaïs Boudot et Douglas Mandry abordent par le prisme du medium photographique, la thématique de l’eau, cet élément fondamental de la vie, comme la rencontre de la nature et de la technologie à l’ère de l’anthropocène.
Histoire commune au XXe siècle, l’eau et la photographie se sont mutuellement découvertes une attractivité. La photographie a accompagné nos vacances d’été au bord de la mer et d’hiver en montagne, prolongé ces moments d’extase dans les albums de famille, écoulé quantité de cartes postales et d’imprimés venant figer ces instants de communion face aux cimes et à l’océan. Associée au loisir et au plaisir, l’eau se présente de prime abord comme le lieu d’archétypes, alors que sa fragilité notoire vient trahir ces semblants d’éternité. Entre les mains des artistes, elle raconte ses états : solide, liquide, son évanescence plus encore, soit des potentialités de transformation qu’accompagnent la plasticité du photographique.

Laurence Aëgerter, Bain de minuit (coraux), série Longo Mai, 2013, courtesy Galerie Binome édition de 5 (+2EA) – 280×130 cm tapisserie jacquard en fils mixtes dont laine de mohair, lurex, et fils phosphorescents

Dates

Mars 20 (Vendredi) 13 h 00 min - Mai 2 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Binome

19 rue Charlemagne 75004 Paris

Galerie Binome19 rue Charlemagne 75004 ParisOuvert du mardi au samedi, de 13h à 19h & sur rendez-vous

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