Name: Paysage de L'Exil
Start: 2019-10-19T14-14-00-00
End: 2019-12-8T18-18-00-00
Location: Centre d’art et de photographie de Lectoure

15 juin 2018

#Exposition #Nouvelle-Aquitaine

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#Femmes Photographes #Festival #Normandie #Prix

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sam19oct(oct 19)14 h 00 mindim08déc(déc 8)18 h 00 minPaysage de L'ExilCarlos Aires & Laetitia TuraCentre d’art et de photographie de Lectoure, Maison de Saint-Louis, 8 cours Gambetta, 32700 LectoureType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

En 2019, la région Occitanie commémore les 80 ans de la Retirada avec l’intention d’exprimer avec force et conviction les valeurs républicaines qu’elle porte et défend. A une époque où les problématiques migratoires et identitaires sont particulièrement actives, se souvenir de la Retirada en 2019 c’est aussi engager les habitants d’un pays, d’un territoire à une vigilance républicaine quant à la défense de nos idéaux démocratiques, de liberté et de progrès social.
Dans le cadre d’un ensemble pensé à l’échelle du territoire, des expositions d’art contemporain sur les thèmes de l’histoire et de l’exil sont mise en place au musée des Abattoirs à Toulouse et développées aussi sur d’autres sites, centres d’art et musées à Toulouse et plus largement dans la région Occitanie. Presque simultanément à ce projet, le réseau Diagonal fête ses dix ans d’existence à l’automne 2019 et c’est sous la thématique de l’engagement que les membres du réseau ont choisi de programmer respectivement dans leur lieu un événement artistique.
Le Centre d’art et de photographie de Lectoure, membre du réseau Diagonal et du réseau régional air de Midi, participe aux deux dispositifs et propose une exposition, «Paysage de l’exil», qui réunit des oeuvres de Laetitia Tura et de Carlos Aires. L’exil comme un nouvel espace à repenser, à réinventer et à investir. Laetitia Tura mène un projet photographique et audiovisuel autour de la transmission de la mémoire de l’exil et sur les processus mémoriels dans l’Espagne post-dictature. En détournant les stéréotypes, Carlos Aires souligne l’ambiguïté des images et dénonce les dérives du totalitarisme sous toutes ses formes, qu’il s’agisse du franquisme ou de la religion. Pour lui, derrière chaque histoire officielle se trouve une autre vérité qu’il convient de dévoiler.

Avec Carlos Aires et Laetitia Tura

Dates

Octobre 19 (Samedi) 14 h 00 min - Décembre 8 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Centre d’art et de photographie de Lectoure

Maison de Saint-Louis, 8 cours Gambetta, 32700 Lectoure

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mar03sep(sep 3)12 h 00 minsam26oct(oct 26)19 h 00 minHistoires NaturellesCharles Jones / Karl BlossfeldtGalerie Miranda, 21 rue du Château d’Eau 75010 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

En présentant les oeuvres de ces deux grands photographes du début du 20ème siècle, la Galerie Miranda (Paris) et la galerie Michael Hoppen (Londres) rendent hommage à la beauté de la nature, thème au coeur des questionnements d’aujourd’hui.

Charles Jones (1866-1959, Angleterre) était un jardinier anglais qui cultivait des fruits, des légumes et des fleurs de jardin dans un grand domaine privé dans le Lincolnshire. Jones était également, secrètement, un photographe passionné et un imprimeur doué qui tout au long de sa vie a documenté son travail. Ses tirages n’ont été découverts qu’en 1981 par Sean Sexton, historien d’art et collectionneur de photographies, qui, lors d’une brocante londonienne, a acheté une malle remplie de ses tirages uniques.
Jones photographiait ses sujets sur un fond très neutre, les élevant au rang du portrait en anticipation d’un style épuré, documentaire et rigoureux qui sera adopté une trentaine d’années plus tard par les modernistes – Edwards Weston, August Kotzsch, Joseph Sudek – et ensuite par Bernd et Hilla Becher. Doté d’un sens inné de la composition, Charles Jones imprimait à partir des négatifs en plaque de verre, tirant des photographies argentiques virés à l’or; ses fruits et légumes luisent doucement, comme s’ils portaient encore la chaleur du soleil sur leur peau. Les photographies d’époque de Charles Jones se trouvent notamment dans les collections du Fine Arts Museums de San Francisco, l’Achenbach Foundation for Graphic Arts, San Francisco, le Victoria and Albert Museum, Londres, et le Museum of Fine Arts, Boston.
La Galerie Miranda exposera une sélection de tirages d’époque uniques datant de la fin du 19ème siècle. Des légumes seront à l’honneur : petits pois, céleri, courges, betteraves, concombres…

Karl Blossfeldt (1865-1932, Allemagne) a fait des études en sculpture avant de travailler dans une fonderie où les feuilles l’inspirait déjà pour décorer ses productions. Inscrit à l’école d’art à Berlin, il a entrepris, de 1890 à 1896, une étude des plantes communes locales, destinée à servir de référence de l’ornementation, mais le projet a surtout révélé son talent et sa passion pour la photographie.
D’une grande modernité, les photographies de Karl Blossfeldt interpellent aujourd’hui comme en son temps, au moment de leur publication dans ses deux livres majeurs: Urformen der Kunst (‘Des formes originelles de l’art’) 1929 and Wundergarten der Natur (‘Le jardin enchanté de la nature’), 1932. C’est sans doute la maitrise technique qu’il a développée, née de son invention d’un appareil macrophotographique qui rend si exquis le travail de Blossfeldt : les gros plans révèlent les formes et les symétries insoupçonnées des plantes. Blossfeldt concevait son travail comme un outil pédagogique et une source d’inspiration pour des artistes, sculpteurs et architectes.
L’étude des formes naturelles lui paraissait indispensable pour l’avenir de l’art contemporain. Galerie Miranda présentera des photogravures première édition des plantes et des fleurs.

Dates

Septembre 3 (Mardi) 12 h 00 min - Octobre 26 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Miranda

21 rue du Château d’Eau 75010 Paris

Galerie Miranda21 rue du Château d’Eau 75010 ParisOuvert du mardi au samedi de 12h à 19h ou sur rendez-vous

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mer11sep(sep 11)11 h 00 mindim17nov(nov 17)20 h 00 minHassan HajjajLa Maison Européenne de la Photographie, 5/7 Rue de Fourcy 75004 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

En septembre, Hassan Hajjaj transforme la Maison Européenne de la Photographie en Maison Marocaine de la Photographie.

La MEP est heureuse de présenter la première rétrospective en France de l’artiste Hassan Hajjaj, en lui donnant carte blanche pour investir la totalité de ses espaces. Le grand parcours, qui retrace plusieurs années du travail de l’artiste anglo-marocain, présente de nombreuses séries photographiques, mais également des installations, des vidéos, du mobilier et des éléments de décoration. Les espaces éducatifs au sous-sol de la MEP abritent un studio où les visiteurs peuvent se prendre en photo devant un mur de papier peint, cadre symbolique et habituel des prises de vues de Hassan Hajjaj. Enfin, la nouvelle librairie de la MEP présente une gamme de vêtements et objets décoratifs réalisés par l’artiste. Autodidacte, Hassan Hajjaj ne se fige dans aucun genre ni aucune forme.
Né en 1961 à Larache au Maroc et londonien depuis 1973, Hassan Hajjaj, vit et travaille depuis lors entre les deux pays ; il est autant influencé par les scènes culturelles et musicales londoniennes, que par son héritage nord africain. Son univers artistique traduit sa capacité à créer des ponts entre ces deux cultures, comme le révèlent ses séries photographiques, entreprises dès 1980. Grandes compositions colorées, adoptant les codes de la photographie de mode contemporaine et du pop art, elles font se croiser les styles, les univers et les icônes.
Mais au delà de l’humour parfois volontairement kitsch qui s’en dégage, elles donnent de la force au propos engagé de l’artiste. Si Hassan Hajjaj joue avec l’imagerie des marques, c’est tout autant pour répondre à la question d’un « nouveau pop art aujourd’hui », qu’une façon d’exprimer son point de vue, décomplexé, sur la société de consommation et le port du voile. À travers l’appropriation des marques par les jeunes femmes voilées, l’artiste interroge ainsi la question de politique d’identité.
Ce mélange entre le fond de son discours et la forme pop qu’il lui donne, se traduit jusque dans les encadrements de ses photographies, qu’Hassan Hajjaj fabrique en relief à partir d’objets de consommation majoritairement marocains (boîtes de conserves, canettes de soda, tubes d’harissa, etc…) et qui deviennent partie intégrante de l’oeuvre. Ainsi, le surnom que lui avait donné Rachid Taha n’est sûrement pas un hasard : Andy Wahloo*, aphorisme qu’Hassan Hajjaj appose sur ses vêtements ou prête à un bar parisien éponyme dont il a signé le design.
* « je n’ai rien » en arabe

ESPACE 1 – VOGUE : THE ARAB ISSUE
La première salle du parcours souligne l’intérêt de l’artiste pour l’univers de la mode et du vêtement, ainsi que ses contradictions. Les oeuvres présentées évoquent avec ironie les séances régulières de magazines dans la Medina de Marrakech ou de Casablanca, au cours desquelles le Maroc sert souvent de toile de fond exotique. Pour trancher avec les modèles européens habituellement photographiés, Hassan Hajjaj présente une série de portraits de femmes marocaines, vêtues de ses propres créations qui sont le plus souvent influencées des traditions vestimentaires marocaines.
D’autres photographies montrent des femmes portant le Hijab. En écho, une série de portraits peints représentent également des femmes voilées, sur des fonds aux couleurs vives.

ESPACE 2 – INSTALLATION U-LOT, SÉRIES « LEGS », « GNAWI RIDERS » ET « KESH ANGELS »
L’exposition se poursuit avec des oeuvres issues de différentes séries, ainsi qu’une installation vidéo inédite intitulée U-LOT. Celle-ci prolonge la réflexion de l’artiste sur le statut ambigu du voile au sein de nos sociétés, en mettant en regard frontalement des portraits de femmes voilées.
Non loin de cette vidéo sont présentées les photographies au cadrage singulier de la série « Legs », mettant en évidence les jambes de modèles vêtus de tenues aux origines culturelles très variées.
Ce travail est une transition entre la première partie de l’exposition qui s’inscrit dans l’univers de la mode et du vêtement au sens large, et la suite du parcours qui s’ancre davantage dans le quotidien et les modes de vie des modèles photographiés.
Sur ces images se côtoient des éléments traditionnels et des accessoires reprenant les logos de grandes marques de luxe. Vives et colorées, à l’instar de l’ensemble du travail d’Hassan Hajjaj, elles résonnent avec ses réalisations sur la mode, et rappelle une fois de plus cet univers pop inspiré des couleurs et de la lumière marocaine.
Ainsi, Hassan Hajjaj rappelle-t-il souvent ses liens et son attachement pour son pays natal, le Maroc :
« J’aime particulièrement la lumière et les couleurs du Maroc. J’aime toutes les couleurs, mais j’aime surtout le méli-mélo de nuances. J’ai appris à ne pas avoir peur de tout mélanger. La musique est également très importante pour moi et j’en écoute en travaillant.Peut-être que ça se voit, les images et les cadres possèdent une sorte de rythme. »
Cette section se poursuit avec la mise en parallèle de deux séries : « Gnawi Riders » et « Kesh Angels ». Dans la première, Hassan Hajjaj saisit des musiciens gnaoua, issus de la culture traditionnelle éponyme. Tous les modèles sont des hommes posant sur des motos de la même manière : un pied à terre, il se dégage de chacun d’eux un grand sentiment de fierté.
À cet ensemble répondent les oeuvres de « Kesh Angels », dont le titre s’inspire des gangs des Hells Angels, tout en reprenant pour la première partie du nom le diminutif de Marrakech (« Kesh »). Les portraits saisis ici sont ceux de femmes vêtues de djellaba, de foulards, de voiles ou d’autres éléments traditionnels avec lesquels contrastent la modernité et l’aspect étonnant de certains détails, comme la couleur vive des tissus, les motifs léopard, les lunettes de soleil ou bien les chaussures imitant de grandes marques de luxe. L’allure fière et conquérante, Hassan Hajjaj les fait poser sur leur moto, transport qu’elles utilisent quotidiennement pour se déplacer dans Marrakech.

ESPACE 3 – MY ROCKSTARS
La série « My Rockstars » est un vibrant hommage aux personnalités issues de multiples horizons côtoyées par Hassan Hajjaj : célébrités internationales, mais aussi amis ou connaissances de l’artiste, inconnus du grand public. La plupart des modèles, sélectionnés tout à fait subjectivement par Hassan Hajjaj, sont souvent des musiciens aux influences variées : hip-hop, jazz ou bien encore gnaoua. On retrouve ainsi Rachid Taha, Keziah Jones ou bien Hindi Zahra.
Quelques jours avant la prise de vue, Hassan Hajjaj pense l’ensemble du décor et des vêtements afin de donner un cadre général à la séance photographique. Cette préparation permet ainsi une grande liberté au modèle à qui Hassan Hajjaj accorde une place prépondérante. Ce n’est pas uniquement sa photographie mais aussi celle de la personne saisie. C’est un travail collaboratif au cours duquel le modèle doit laisser transparaître son caractère, ses goûts, en proposant parfois lui-même les accessoires et la scénographie de la prise de vue.

ESPACE 4 – LE NOIR ET BLANC
L’exposition se clôt sur un ensemble de photographies inédites en noir et blanc. Portraits, photographies de groupes, clichés saisis dans la rue à l’aspect davantage documentaire : autant d’éléments qui tranchent formellement avec les ensembles colorés précédents.
Mais quelle que soit la série, la couleur de la photographie ou le modèle, Hassan Hajjaj se plaît à rappeler : « Je veux partager avec le monde entier ce que je connais du Maroc : une énergie et une attitude ; l’inventivité et le glamour de la mode de rue ; le graphisme étonnant véhiculé par les objets du quotidien ; la jovialité et la force de caractère des gens. »

TRANSFORMATION DE LA MEP EN MAISON MAROCAINE DE LA PHOTOGRAPHIE
À l’occasion de l’exposition, Hassan Hajjaj offre lui-même carte blanche à deux artistes marocaines qu’il invite successivement à présenter leur travail au sein du Studio de la MEP : Zahrin Kahlo (11.09-13.10) et Lamia Naji (18.10-17.11).
L’artiste investit ainsi les lieux de son univers singulier et y présente ses objets dérivés, tapis, mobiliers, vêtements… Car outre la photographie, le design et le travail de récupération sont au coeur de la démarche d’Hassan Hajjaj qui mixe influences ethniques, logos et objets du quotidien.
Ses créations s’insipirent de tous les clichés et les détournent en leur donnant une forme contemporaine au kitsch assumé. Le chameau, les babouches, le caftan, la théière, sont ainsi pour lui des emblèmes. Il transforme des cageots de soda en bancs, des pots de peintures en supports de tabourets et des signaux routiers en plateaux de tables, tandis que les boites de conserves deviennent des lustres.

> Dans le cadre de la 3ème Biennale des Photographes du Monde Arabe Contemporain

Dates

Septembre 11 (Mercredi) 11 h 00 min - Novembre 17 (Dimanche) 20 h 00 min

Lieu

La Maison Européenne de la Photographie

5/7 Rue de Fourcy 75004 Paris

La Maison Européenne de la Photographie5/7 Rue de Fourcy 75004 ParisMercredi et vendredi de 11h à 20h , le Jeudi de 11h à 22h et le week-end de 10h à 20h. Fermeture des caisses 30 minutes avant Fermeture. Entrée : Plein Tarif : 10 € / Tarif Réduit : 6 €

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ven27sep(sep 27)13 h 30 minsam23nov(nov 23)18 h 30 minLe Corps est la PesanteurExposition CollectiveVilla Pérochon, 64 rue Paul-François Proust BP 59135 – 79061 Niort CEDEX 9Type d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

«Si l’Occident est une chute, comme le veut son nom, le corps est le dernier poids, l’extrémité du poids qui bascule dans la chute. Le corps est la pesanteur.»
Jean-Luc Nancy

Et s’il ne restait plus que cela : le corps ? Le corps comme dernière limite, ultime bien de l’espèce humaine face à une conscience renouvelée de sa fragilité et de sa finitude. En recherche de ses fondamentaux, l’activité artistique en revient toujours et encore à ce qui définit et rassemble l’humanité à travers son plus petit dénominateur commun : sa corporéité.Le regain du corporéisme dans les sociétés occidentales est l’expression des formes multiples et quotidiennes d’une ostentation du corps. D’autres définitions du corps s’affirment aujourd’hui, auxquelles l’art donne des représentations renouvelées, en phase avec une compréhension des enjeux se cristallisant autour de la question du corps comme véhicule d’affirmation des différences et lieu de revendication biopolitique. En opposition à un discours superficiel de “résurrection” d’un corps mis en gloire par le matérialisme, des formes de radicalité expriment la nécessité subversive de rappeler les dimensions politique et sociale du corps. Le corps est la surface d’impression des inégalités.
Plutôt qu’une opposition binaire entre un corps individualiste, narcissique, et un corps collectif, solidaire et engagé, il faudrait comprendre le soi corporel comme un lieu et un médium de découverte, de jouissance, de connaissance et reconnaissance de l’altérité. Un lieu d’acceptation des différences. Le corps fait effraction sur la scène sociale et dans les pratiques artistiques. Après le processus de désidéalisation du corps engagé par la modernité, après le réalisme de sa trivialité et la recherche des extrêmes de sa mortification, il s’agit aujourd’hui plus que jamais pour les artistes de rappeler que le corps est un objet idéologique. En contradiction avec une alliance du spectacle et de l’industrie qui cherche à activer les fantasmes du post-humain à seules fins commerciales, l’art est en recherche d’un autre corps, symbole de la société, nécessairement résistant à l’aliénation.

Dates

Septembre 27 (Vendredi) 13 h 30 min - Novembre 23 (Samedi) 18 h 30 min

Lieu

Villa Pérochon

64 rue Paul-François Proust BP 59135 – 79061 Niort CEDEX 9

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mar15oct(oct 15)15 h 00 minsam02nov(nov 2)17 h 00 minSweet SixtiesHugues VassalGalerie Polka, 12, rue Saint-Gilles 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

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