Daily Archives: 23 novembre 2018

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Type d'événement

Type d'événement 2

Lieu de l'événement

Organisateur de l'événement

sam19sep(sep 19)14 h 00 min2021dim07mar(mar 7)18 h 00 minWildlife photographer of the YearExposition collectiveFabrique des Savoirs, 7 Cours Gambetta, 76500 ElbeufType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

La Réunion des Musées Métropolitains vous invites à découvrir la nouvelle exposition Wildlife du 19 septembre 2020 au 7 mars 2021 à la Fabrique des Savoirs d’Elbeuf-sur-Seine. Cette exposition présente les 100 plus belles photographies de nature du célèbre concours international Wildlife Photographer of the Year. Pour la première fois, Vous pouvez découvrir les clichés sélectionnés sous un format inédit : Les photographies sont exposées en parallèle de plusieurs spécimens taxidermisés issus des collections des musées de la Métropole Rouen Normandie ; Une occasion pour sensibiliser les visiteurs à la diversité animale et à sa préservation.

Une exposition en partenariat avec le Natural History Museum de Londres
Organisé par le Muséum d’Histoire Naturelle de Londres, le concours est ouvert à tous les photographes professionnels et amateurs du monde entier. Cette année encore, le concours Wildlife Photographer of the Year a rencontré un immense succès avec la participation de plus de 48 000 photographes de tous âges, amateurs et professionnels venus d’une centaine de pays différents.

La Fabrique des Savoirs à Elbeuf-sur-Seine présente le résultat du concours sous la forme d’une exposition des 100 plus belles photographies sélectionnées par un jury international sur la base de critères précis. A la créativité, l’originalité et la qualité technique, se mêle ainsi le regard des artistes qui, par leur travail, révèlent leur vision et leur interprétation de la nature. Tous invitent le public à découvrir sa beauté et sa diversité mais aussi sa grande fragilité.

Pour cette nouvelle édition, l’exposition Wildlife Photographer of the Year s’enrichit du dialogue entre les clichés primés et les collections de spécimens naturalisés de la Fabrique des Savoirs d’Elbeuf-sur-Seine. Certains spécimens correspondent d’ailleurs à des animaux photographiés tels, le puma ou la marmotte. A la fois patrimoine et sources de données scientifiques, les spécimens naturalisés présentent un grand intérêt pour l’étude et la compréhension des espèces et de leur environnement. Témoignages de la diversité du monde animal, ils contribuent à sa connaissance et donc à sa préservation, comme les exceptionnelles images du concours Wildlife qui visent à sensibiliser le public aux menaces pesant sur la biodiversité de notre planète.

De nombreux évènements et activités pour petits et grands seront organisés autour de cette grande exposition, de quoi nous sensibiliser à la diversité et à la préservation du monde animal.

Musée/CIAP : ouvert du mardi au dimanche de 14h à 18h
Centre d’archives patrimoniales : du mardi au samedi de 14h à 18h
Collections permanentes gratuites
Le musée est fermé le lundi et les 1er janvier, 1er mai, 1er et 11 novembre, 25 décembre.

Dates

Septembre 19 (Samedi) 14 h 00 min - Mars 7 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Fabrique des Savoirs

7 Cours Gambetta, 76500 Elbeuf

Calendrier GoogleCal

mer06jan(jan 6)0 h 00 minmar02fev(fev 2)0 h 00 min11ème Prix Carmignac du photojournalisme : Congo in Conversation, Finbarr O’ReillyTour Saint-Jacques, Square de la Tour Saint-Jacques, 75004 Paris Organisateur: Fondation Carmignac Type d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Le 11e
Prix Carmignac du photojournalisme – consacré à la République démocratique du Congo (RDC) – a été attribué au photographe canadien et britannique Finbarr O’Reilly. Son reportage a débuté en janvier 2020, avant l’irruption de la pandémie de coronavirus et le confinement de la planète. En raison de l’aggravation de la situation sanitaire et de la fermeture des frontières, un fonctionnement différent s’est imposé. Finbarr O’Reilly et l’équipe du Prix – en lien étroit avec le jury de la 11e édition – ont repensé les contours de ce travail face à la crise.

La Fondation Carmignac a ainsi l’honneur de présenter «Congo in Conversation», un reportage collaboratif, réalisé avec la contribution de journalistes et photographes locaux, qui documente les défis humains, sociaux et écologiques que le Congo affronte au temps du Covid-19. Basé sur un site Internet créé pour l’occasion et relayé sur les réseaux sociaux, Congo in Conversation est un flux continu et inédit d’écrits, de reportages photos et de vidéos, que les visiteurs peuvent consulter par thèmes et par contributeurs. Avec «Congo In Conversation» le Prix Carmignac offre à ces voix congolaises une tribune pour contribuer à la conversation mondiale, témoigner en commun de la situation sur le territoire de cet immense pays, et sensibiliser les opinions publiques.

Finbarr O’Reilly, photographe indépendant et journaliste multimédia, est l’auteur d’un récit de souvenirs paru chez Penguin Random House en 2017, Shooting Ghosts, A U.S. Marine, a Combat Photographer, and Their Journey Back from War (La chasse aux fantômes, retour du front d’un Marine et d’un photographe de guerre). Finbarr O’Reilly a vécu 12 ans en Afrique occidentale et centrale et couvert vingt ans de conflits au Congo, au Tchad, au Soudan, en Afghanistan, en Libye et à Gaza. Choisi pour réaliser les images de l’exposition «Crossroads Ethiopia» autour du prix Nobel de la paix 2019 Abiy Ahmed Ali, il est fréquemment publié dans le New York Times et son travail lui a valu de nombreuses récompenses professionnelles, dont le premier prix dans la catégorie Portraits au World Press Photo Awards en 2019. Il a également été lauréat du World Press Photo of the Year en 2006.

Photo : Goma, République démocratique du Congo, 2 avril 2020. © Moses Sawasawa pour la Fondation Carmignac

Dates

Janvier 6 (Mercredi) 0 h 00 min - Février 2 (Mardi) 0 h 00 min

Lieu

Tour Saint-Jacques

Square de la Tour Saint-Jacques, 75004 Paris

Organisateur

Fondation Carmignac

Calendrier GoogleCal

mer02déc(déc 2)14 h 00 min2021sam30jan(jan 30)19 h 00 minC’est quoi l’été pour vous ?Exposition CollectiveGalerie Le Réverbère, 38 rue Burdeau 69001 LyonType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

C’est quoi l’été pour vous ?, en voilà une question…

Dans notre époque agitée et assez morose poser cette question nous semble lancer un débat profond mais gai. La légèreté d’une question n’en exclut pas son importance. En effet dans un temps où le voyage, l’exotisme, le tourisme de masse dominent, se la poser, non pas pour savoir quelle destination prendre mais ce que veut dire pour nous cette vacance, n’est pas anodin. Aujourd’hui l’été n’est plus une des quatre saisons c’est avant tout des congés, du déplacement, de l’économie touristique. Cette euphorie programmée est sans doute le symptôme d’une attente éperdue de liberté et de retour à soi, nous sommes très curieux de savoir comment pour les photographes de la galerie l’été est vécu.

Une carte blanche donnée aux photographes qui était initialement prévue en mai 2020, qui exposeront pour la plupart des inédits ou images récentes.
De l’humour à la critique, du tintement mélancolique à la caresse du vent.

Photographes
Frédéric Bellay, Arièle Bonzon, Pierre Canaguier, Thomas Chable, Serge Clément, Beatrix von Conta, Jacques Damez, François Deladerrière, Pierre de Fenoÿl, André Forestier, Lionel Fourneaux, Rip Hopkins, William Klein, Géraldine Lay, Baudoin Lotin, Julien Magre, Philippe Pétremant, Bernard Plossu, Denis Roche, Yves Rozet

Dates

Décembre 2 (Mercredi) 14 h 00 min - Janvier 30 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Le Réverbère

38 rue Burdeau 69001 Lyon

Galerie Le Réverbère38 rue Burdeau 69001 LyonUne galerie en province. 300m2 sur les pentes de la Croix-Rousse, à Lyon. C'est le Réverbère, qu'anime un double regard aigu, exigeant et sans complaisance : celui de Catherine Dérioz et Jacques Damez, ses créateurs, dont, au fil des années, les qualités se sont faites vertus. Du mercredi au samedi de 14h à 19h et sur rendez-vous en dehors de ces horaires

Calendrier GoogleCal

jeu07jan(jan 7)11 h 00 minjeu28(jan 28)19 h 00 minJardinMassao Mascaro Galerie du Crous, 11 rue des Beaux Arts 75006 ParisType d'événement:Exposition

Détail de l'événement

Cailloux éparpillés

Le jour où les hommes et les femmes firent usage de la parole, ils commencèrent aussi à mettre de l’ordre au chaos des sentiments qui habitaient leurs coeurs. En affirmant cela, on ose faire écho à la phrase de la Genèse « Au commencement était le Verbe ». En tant qu’êtres humains, nous commencions à doter nos vies de sens, nous leur donnions une direction, cela nous permettait de conter des histoires et aussi de les transmettre. Les mythes et les histoires étaient nés. À partir de ce moment-là, les êtres humains concevaient le temps.

Mais qu’en était-il de l’espace ?

Au commencement, il y avait aussi le Jardin. Un jardin est un espace clos. Le jardin, pour exister, a besoin d’un cadre. Le jardin est le point à partir duquel un lieu devient un paysage. Le jardin est le germe qui favorise l’implantation du foyer, du village, de la ville, de la nation. Le jardin, pourrions nous dire, n’est ni entièrement naturel, ni pleinement humain, se tenant ainsi à égale distance entre l’Homme et Dieu. Les Humains sont des créateurs de jardins tout comme ils sont des conteurs d’histoires. Dans Jardin, les photographies de Massao Mascaro traitent simultanément ces deux activités culturelles. Elles incarnent, toutes, les tensions délicates qui se produisent dans l’espace et dans le temps, un moment jamais décisif mais toujours suspendu, de minuscules fenêtres ouvertes sur l’éternité : l’espace entre deux mains, un rayon de lumière sur une branche qui ondule, une brindille prise dans le grillage d’une clôture, le regard mystérieux dans les yeux d’une jeune femme. La Nature est une invention de l’Homme, une chose avec laquelle nous vivons et qui nous permet de parler de tout ce qui n’est pas humain. La Nature est un paradoxe, mais un paradoxe plein de nostalgie, la seule chose dans le monde étrangère à l’Homme, qui était là avant lui, qu’il n’avait encore ni vue ni nommée. La Nature est ce dont on peut seulement rêver et le jardin est ce lieu que nous avons imaginé pour accueillir nos rêveries. Les jardins sont toujours habités par l’absence ou par les tristes présages de disparition. Tout comme les photographies, qui elles, sont habitées par notre absence. Ce pourrait être la raison pour laquelle il manque toujours quelque chose dans les images de Massao Mascaro, une espèce de vide. Parfois c’est une ombre, un trou noir dans la route, une silhouette incomplète dessinée sur le sol par des bouteilles vides, ou des cailloux éparpillés.

Federico Clavarino

Exposition présentée dans le cadre de PhotoSaintGermain.

Dates

7 (Jeudi) 11 h 00 min - 28 (Jeudi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie du Crous

11 rue des Beaux Arts 75006 Paris

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sam10oct(oct 10)14 h 00 min2021dim14fev(fev 14)19 h 00 minChroniques de l'invisibleExposition CollectiveLe Grand Café Saint-Nazaire, Place des 4 Z'horloges, 44600 Saint-NazaireType d'événement:Art Contemporain,Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Dernière étape du cycle Généalogies fictives, conçu par le commissaire Guillaume Désanges à l’invitation du Grand Café, Record of the Invisible / Chroniques de l’invisible est une exposition qui joue sur des relations entre visibilité et invisibilité, proximité et distance, l’ici et l’ailleurs. Ce projet part d’une proposition faite à cinq artistes d’imaginer des interventions artistiques à l’extérieur du Grand Café, dans des espaces publics ou privés de la région de Saint-Nazaire. De ces gestes déposés « hors les murs » et volontairement non médiatisés, l’exposition du Grand Café n’accueille que les traces ou les échos déformés, qui composent ensemble une exposition autonome, formellement et sensuellement indépendante de son protocole d’origine. Comme pour les deux précédentes étapes de ce cycle, ce projet travaille l’histoire et la géographie de la ville, mais cette fois dans un régime spectral, celui de la rumeur, de la clandestinité et de la figuration d’un ailleurs. C’est la traduction poétique ou symbolique d’une absence qui est au coeur de ce projet, laissant la sensibilité, l’imagination et la croyance du visiteur prendre le relais de la compréhension d’un message ou de la réception d’une oeuvre soumise à son regard.

Cette expérience va puiser à plusieurs sources. La première est une réflexion critique sur l’art dans l’espace public, qui est trop souvent considéré comme une simple extension du musée, autrement dit un espace à conquérir ou annexer où l’oeuvre conquérante vient se poser et s’imposer. Ici, on privilégie à l’inverse des gestes non assignés, parfois invisibles, qui ne laissent pas toujours de traces, et restent minoritaires et non dominants par rapport à leur contexte d’apparition. Des oeuvres pour un regard éventuel mais pas certain, pour des rencontres fortuites, pour des témoins conscients ou inconscients autant que pour les animaux ou les éléments. De l’art pour le vent, la mer, le soleil ou les oiseaux. Dès lors, ces interventions, modestes par nécessité, mesurent la capacité de l’art à résister, survivre mais aussi poétiser librement le monde sans la pression d’un regard de spectateur déterminé et déterminant. Petite leçon d’humilité objectale : des oeuvres clandestines, abandonnées, exilées dans le réel, doivent nécessairement négocier avec leur écosystème.

La deuxième source à l’origine de ce projet concerne une exposition intitulée Nul si découvert que j’avais organisée en 20111, qui reposait sur l’idée d’expérience impossible à travers une sélection d’oeuvres se désagrégeant à l’instant même où elles pouvaient être observées. Inspirées par la pensée de Susan Sontag, pour qui l’art absolu, le plus ambitieux et le plus édifiant est un art privatif, de l’effacement, du retrait, un art des rumeurs et « des mélodies non entendues qui perdurent, à l’inverse que celles, évanescentes, qui sifflent à l’oreille des sens »2.
Soit l’inaccessibilité comme moteur émotionnel et cognitif.

La troisième source, enfin, est une exposition organisée par le collectif japonais Chim Pom en 2015, qui proposait à des artistes d’intervenir dans la zone d’exclusion de la ville de Fukushima marquée par la catastrophe nucléaire. Dans une logique de l’urgence, il s’agissait d’installer des oeuvres dans une zone devenue inaccessible au public parce qu’irradiée, et dont l’exposition tournante ne présentait que des traces ou de la documentation. Ce projet avait représenté pour moi une passionnante réaction, à la fois poétique et politique, au caractère sidérant, et potentiellement neutralisateur d’un danger précisément invisible. Le très beau titre de l’exposition Don’t follow the wind (Ne suivez pas le vent), était en soi un avertissement et une invitation, injonction mélancolique à laisser exister un ailleurs sans expérience directe.
C’est de fait à une expérience particulière pour le public, mais aussi pour les artistes et le commissaire qu’invite le protocole de l’exposition Record of the Invisible / Chroniques de l’invisible. Une exposition qui considère les oeuvres d’art comme les témoins d’une absence, mais dont la trace, médiatrice et intercesseuse, s’avère finalement plus importante que l’objet original. C’est là tout l’enjeu de cette expérience curatoriale à deux dimensions : comment rendre compte, artistiquement, c’est-à-dire par la forme et non par le récit, d’une série de gestes lointains. Car depuis le début de ce projet, il ne s’agit donc pas de documenter, mais de « faire exposition ».
Pour ce faire, les artistes ont produit des formes spécifiques ou convoqué des oeuvres existantes recomposées comme un rébus. Dans tous les cas, ces traductions incertaines, symboliques, poétiques ou métaphoriques sont censées s’autonomiser, échapper à leur statut de substituts pour créer une forme nouvelle.
Dans la continuité de l’exposition précédente du cycle , qui proposait de travailler un commissariat en « circuit-court », c’est-à-dire en présentant des oeuvres et documents issus de l’histoire locale, cette exposition prend la ville de Saint-Nazaire et son environnement immédiat comme base de travail.

En effet, le processus a d’abord consisté à proposer aux artistes de choisir des lieux d’interventions en arpentant la ville et ses environs, avec une grande ouverture sur les topographies possibles : espace public ou privé, dans la ville, à la campagne, sur la côte, dans la mer, accessible ou pas. La méthode a donc été celle de l’étude de terrain, nourrie de storytelling et de recherches locales, à laquelle les artistes ont participé activement. Comme le suggère le titre de l’exposition, il s’agissait de se concentrer principalement sur des points aveugles, des angles morts de l’histoire et de la géographie locales.
À partir de ces bases, chaque artiste a pu interpréter comme il le souhaitait l’invitation à déposer un geste hors les murs, qui pouvait être un objet, une action, un retrait ou une observation. De fait, les artistes ont répondu de manière très diverse à cette proposition très ouverte, chacun s’emparant d’un morceau d’histoire ou de géographie de la ville. Ignasi Aballí a choisi de se focaliser sur l’histoire du musée des beaux-arts de Saint-Nazaire, disparu pendant la guerre, dont il replace des signes dans la ville, comme une présence fantomatique. Edith Dekyndt, elle, s’est intéressée à l’histoire du Grand Café, au moment de sa splendeur romantique au début du 20e siècle : sous des halles de plein air, face à la mer, une lumière suit les circonvolutions d’un couple invisible qui danse une valse. Eva Barto aborde l’histoire économique et industrielle de la ville et notamment la circulation de matériaux entre industrie navale, métallurgie et artisanat local. Lois Weinberger, lui, a proposé de s’adresser directement aux oiseaux qui survolent les Forges de Trignac, en leur construisant un abri qui redonne, de manière à la fois concrète et symbolique, une vie sociale à ce site industriel abandonné. Ismaïl Bahri, lui, propose divers moments d’observation des éléments extérieurs de la région, et en livre des échantillons dans l’espace d’exposition.

Toutes ces actions spécifiques sont enrichies dans les espaces du Grand Café d’oeuvres qui résonnent avec les questionnements de l’exposition.
En lien avec l’esprit du cycle, la généalogie révélée par ce projet est donc d’abord celle d’un territoire. Imprégné, hanté par des couches de réalités enchevêtrées, un lieu est toujours une entité géopolitique complexe, dont la surface apparemment stable masque un bouillonnement de récits souterrains, naturels et culturels, humains et non humains, individuels et collectifs. D’une forêt de chênes saisie dans la tourbe depuis 5000 ans à une mangrove mystérieuse formée dans les vestiges d’une usine métallurgique séculaire. Des théories philanthropiques du patronat du XIXe siècle au destin mondial des chantiers de l’Atlantique. De tombes mégalithiques construites il y a 6000 ans aux derniers phares habités de l’estuaire. De ces faits enchaînés les uns aux autres dans la topographie aussi bien que dans l’esprit des lieux, nous n’avons que des échos ou des bribes éparses qui ont servi de matériau aux artistes. Dès lors, la généalogie ici mise à jour est aussi celle d’une ligne trouble entre le réel et la fiction, entre l’histoire et l’art, entre l’oeuvre dehors et son récit dedans. Des généalogies incomplètes, incertaines, toujours partiellement inventées ou fantasmées. C’est pourquoi les artistes n’ont pas été choisi.e.s parmi les chercheurs ou les documentaristes. Ils et elles ont été choisis pour leur capacité à détourner plus qu’à reporter fidèlement une situation donnée. On l’aura compris, on privilégie ici l’abstraction et la poésie à l’information. C’est aussi pourquoi, dans l’exposition, l’ensemble des sources factuelles ont été réunies, en vrac, dans une salle des récits, sorte d’antichambre narrative de l’exposition, volontairement déconnectée des formes artistiques. Une manière de créer une généalogied’un espace à l’autre, d’un récit à une forme, de l’oral au visuel, en préservant volontairement une distance entre sujet et objet de l’exposition. C’est dans ces écarts spatiaux et temporels que se joue l’essentiel de ces chroniques de l’invisible, et c’est là précisément que réside le caractère passionnément fictif de ces généalogies.
Guillaume Désanges

Notes :
1 – Void If Removed / Nul si découvert (Concrete Erudition 4), Le Plateau, Frac Île-de-France, 2011, avec des oeuvres de Bas Jan Ader, Eric Baudelaire, Bernard Bazile, Alighiero Boetti, Chris Burden, Coop Himmelblau, Marcel Duchamp, Ceal Floyer, Ryan Gander, Dora Garcia, Joseph Grigely, Ann Veronica Janssens, Jiri Kovanda, Joao Louro, Julien Loustau, Daniel Pommereulle, Stephen Prina, Anna-Maria Maiolino, Man Ray, Lawrence Weiner, Ian Wilson, Carey Young, Rémy Zaugg
2 – Susan Sontag, « The Æsthetics of silence » in Styles of radical will, New York Picador, États-Unis, 2002
3 – Exposition Contre-Vents, Solidarités ouvrières, étudiantes et paysannes dans l’Ouest de la France : une généalogie, 26 mai – 29 septembre 2019, Le Grand Café – centre d’art contemporain, Saint-Nazaire

Dates

Octobre 10 (Samedi) 14 h 00 min - Février 14 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

Le Grand Café Saint-Nazaire

Place des 4 Z'horloges, 44600 Saint-Nazaire

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