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Mise en vente des restes d’un révolver à Drouot le 19 juin – ou comment on fabrique des fake news en (ré)écrivant l’histoire.

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Coup de Gueule de Mat Jacob : Ne dites à personne que je suis photographe (Ou dites à tout le monde que je ne le suis plus)

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Rouge était sa couleur, le nouvel ouvrage de Colette Pourroy à venir aux éditions André Frère

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Hommage à Marie Vassilieff, artiste écartée du modernisme

Russe d’origine, ancienne élève de Matisse, Marie Vassilieff ouvre son Académie dans son ...

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Palmarès 2019 du festival ‘Les femmes s’exposent’

Pour cette seconde édition, le festival de photographie normand qui rend hommage aux ...

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18 juin : Journée de la gastronomie durable

Nous célébrons aujourd’hui la Journée de la gastronomie durable. Ce journée réaffirme que toutes ...

Type d'événement

Type d'événement 2

Lieu de l'événement

Organisateur de l'événement

mar19jan(jan 19)11 h 00 mindim25avr(avr 25)19 h 00 minVoir ParisEugène AtgetFondation Henri Cartier Bresson, 79, rue des Archives 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Environ deux générations séparent les deux photographes. Le premier, Eugène Atget, abandonne sa carrière de comédien, le deuxième, Henri Cartier-Bresson, celle de peintre, au profit d’un art relativement nouveau, l’enregistrement photographique. Dans une double exposition exceptionnelle et des approches inédites, la Fondation HCB (du 17 novembre 2020 au 21 février 2021) et le musée Carnavalet – Histoire de Paris (au printemps 2021), s’associent pour montrer, à partir de leurs collections, l’essence de la capitale dans l’oeuvre de ces deux grandes figures de la photographie française.
Henri Cartier-Bresson, subjugué par l’approche d’Eugène Atget, l’imitera jusqu’au moment où il découvre le Leica et pratique l’image à la sauvette. « Prendre la poudre d’escampette » après avoir enregistré ce qu’il a vu, comme le disait souvent Cartier-Bresson, reste sa provocation favorite alors que pour Atget, dès l’aube, son lourd chargement sur le dos, l’enregistrement est très réfléchi ; on y devine peu de hasards mais un plaisir de la vision qui s’affirme avec le temps.
Atget, plus intéressé par la ville, depuis l’architecture la plus classique jusqu’aux cours les plus reculées, a mis en images de façon obsessionnelle un Paris marqué par l’histoire, proposant ses tirages à des peintres ou des bibliothèques. Les personnages qui s’invitent dans le cadre se fondent dans le décor. Henri Cartier-Bresson, après avoir fréquenté les surréalistes dans les années vingt, se découvre voyageur au long cours, avec Paris comme port d’attache. Plus que la ville, c’est l’Homme qui l’intéresse, il le saisit dans la rue ou à l’occasion de rencontres. Son boitier ne le quitte pas, photographier est une respiration, une affirmation, une protestation parfois, avec de temps en temps une velléité documentaire mais sans satisfaction.
Atget n’a rien dit ou presque sur son travail. Des propos rapportés ont servi à définir un projet essentiellement documentaire mais son approche directe et emprunte de poésie a fasciné nombre de ses contemporains, d’où les commentaires les plus contradictoires sur cette oeuvre atypique.
Cartier-Bresson, dont le musée Carnavalet possède une belle collection, a beaucoup commenté son travail et surtout en opposition à ce que l’on voulait lui faire dire. Il en résulte une autre complexité confirmée par l’examen de ses archives conservées au sein de sa fondation.
Photographes, Atget et Cartier-Bresson sont aussi de grands lecteurs. Ces deux figures foncièrement indépendantes, un brin austères, n’ont cultivé ni concepts intellectuels ni principes artistiques pour se fonder sur la valeur de l’expérience. Ils invitent à exercer notre regard, à considérer la complexité de ce monde comme la source même de notre faculté imaginaire. L’Histoire a voulu que ces deux oeuvres, émancipatrices de la photographie, soient d’abord reconnues aux États-Unis, avant de laisser chacune une postérité immense. Les deux commissaires ont voulu que cette sélection originale reflète la dimension poétique des deux auteurs.
À l’occasion de la réouverture du musée Carnavalet et du deuxième anniversaire de l’arrivée dans le Marais de la Fondation HCB, c’est une célébration de Paris par des regards singuliers, un siècle avant qu’elle ne devienne la ville la plus photographiée au monde.

COMMISSARIAT DES DEUX EXPOSITIONS
Anne de Mondenard, responsable du département Photographies et Images numériques, musée Carnavalet – Histoire de Paris
Agnès Sire, directrice artistique, Fondation HCB

Dates

Janvier 19 (Mardi) 11 h 00 min - Avril 25 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

Fondation Henri Cartier Bresson

79, rue des Archives 75003 Paris

Fondation Henri Cartier Bresson79, rue des Archives 75003 ParisLa Fondation est ouverte du mardi au dimanche de 11h à 19h. Plein tarif 10 € / Tarif réduit 5 € (sur justificatif)

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jeu07jan(jan 7)11 h 00 minsam23(jan 23)19 h 00 minUncertain life & sure deathJonathan LLenseGalerie du Crous, 11 rue des Beaux Arts 75006 Paris Organisateur: PhotoSaintGermain Type d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

C’est au travers de déambulations dans la ville et de pérégrinations quotidiennes que mon travail prend forme. Guidé par une intuition première, je joue avec mon environnement en composant ou re-composant avec les éléments présents et en faisant fi de toute relation spatio-temporelle, de sorte à accuser une perception nouvelle et ludique.
L’espace urbain ainsi que le cercle privé sont d’inépuisables réservoirs de trouvailles et d’inspiration. J’identifie des systèmes visuels, des formes par défaut, des arrangements et des détournements, dont la puissance évocatrice tient à la récurrence de compositions et de gestes, que je conjugue par la suite avec le réel devant moi. Je m’attache ainsi à représenter aussi bien des personnes que des objets, dans des configurations singulières, mises en scène ou des situations construites en réaction au moment vécu. Les corps, le trivial et le rebut, les éléments naturels ou industriels, singuliers ou anodins, se prêtent à des jeux d’associations formelles, des déplacements sémantiques, des collages en deux ou trois dimensions, photographiés ou présentés tels quels dans l’espace d’exposition.
Par ces gestes archaïques, ces bricolages intuitifs et décomplexés, je restitue toute la théâtralité d’un espace quotidien travaillé par ses usagers. Je témoigne d’un regard amusé sur les choses qui nous entourent, sur ces scénettes de la vie de tous les jours, et révèle le potentiel d’expérimentation jouissive qu’elles réservent.
Jonathan LLense

Dates

7 (Jeudi) 11 h 00 min - 23 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie du Crous

11 rue des Beaux Arts 75006 Paris

Organisateur

PhotoSaintGermaincontact@photosaintgermain.com Paris

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sam31oct(oct 31)10 h 00 min2021sam20fev(fev 20)18 h 00 minSouffleExposition collectiveLe centre d’art contemporain les Pénitents Noirs, Les Aires, chemin de Saint Michel – 13400 AubagneType d'événement:Art Contemporain,Exposition,Photographie

Détail de l'événement

PHOTO / ART SONORE / DESSIN

L’exposition Souffle est réalisée grâce aux prêts du musée Réattu d’Arles et du CNAP (Centre National des Arts Plastiques). Représenter le souffle, l’air qui nous entoure n’est pas simple mais c’est justement l’enjeu de l’exposition. Pluridisciplinaire on y retrouvera de la photographie, du dessin, et de l’art sonore. Les deux premières disciplines sont courantes, mais l’art sonore est plus rare. Qui sont ces artistes qui se réclament de cette esthétique ? La Commissaire de l’exposition Coralie Duponchel pense que c’est l’artiste lui-même qui choisit de se « ranger » sous ce vocable. Elle précise qu’ils ne sont pas tous musiciens. L’exposition se veut multisensorielle, plus que jamais immersive et expérimentale.
Elle permettra de franchir les frontières entre sensibilité, science et art.
Des oeuvres de l’artiste sonore, performeuse et compositrice suédoise, Anna Hartman, seront présentées.
Trois pièces sonores de cette artiste reconnue internationalement et primée à l’occasion de festivals spécialisés.
Elle est née à Upsala mais travaille à Berlin depuis les années 2000. En se focalisant sur les sons naturels, Hanna Hartman collecte son matériel de création à même le paysage. Acoustic Catacombs est l’oeuvre présentée à Aubagne. Créée en 2010, cette pièce sonore, via un plancher équipé de haut-parleurs, convoque tout le corps, qui se mue en une caisse de résonance vibrant au rythme des pulsations de la ville d’Arles.
On circulera dans l’exposition passant du visuel, au son entendu ou perçu, puis au dessin. Ces dessins et photographies qui expliquent la rencontre du son avec les éléments, photographies de Corinne Mercadier, Luca Gilli ou Jacqueline Salmon, récemment exposés aux Rencontres de la Photo d’Arles, et dessins, oh combien merveilleux, de Jacques Réattu, un artiste contemporain de la Révolution Française. Au total on trouvera une vingtaine de photographies au format 60×80 cm, et une vingtaine de dessins de Jacques Réattu dont une grisaille de 600×200, prêt exceptionnel du Musée arlésien.

Photo : © Corinne Mercadier

Dates

Octobre 31 (Samedi) 10 h 00 min - Février 20 (Samedi) 18 h 00 min

Lieu

Le centre d’art contemporain les Pénitents Noirs

Les Aires, chemin de Saint Michel – 13400 Aubagne

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mar15déc(déc 15)14 h 00 min2021sam20fev(fev 20)19 h 00 minFonds photo déconfinéExposition collectiveHôtel Fontfreyde - Centre photographique, 34, rue des Gras 63000 Clermont-FerrandType d'événement:Festival,Photographie

Détail de l'événement

Une mosaïque photographique et urbaine

“Fonds Photo Déconfiné”, proposé en remplacement de l’exposition “Grand Remix Urbain”, présente les œuvres réalisées dans le cadre des résidences photographiques commanditées par la Ville depuis 2004. Elle offre à la fois une vision de la photographie contemporaine française et des évolutions urbanistiques récentes de Clermont-Ferrand. La mise en espace de ces œuvres, signée François-Nicolas L’Hardy, rebat les cartes des habituelles représentations urbaines et fait dialoguer entre elles les images d’une quinzaine d’artistes accueillis en résidence de création.

Un fonds photographique revisité

Depuis seize ans, la Ville de Clermont-Ferrand confie à un photographe le soin de porter un regard libre sur la cité. Ce dispositif revêt un triple objectif : soutenir la création en proposant un travail sur le territoire de la ville, favoriser des rencontres entre artistes et habitants, et constituer un fonds photographique. Cette résidence de création photographique comporte l’attribution d’une bourse, d’un appui logistique pendant la durée du séjour, la production d’une exposition et, parfois, l’édition d’un catalogue.

Les artistes invités en résidence depuis 2004 : un panorama de la création contemporaine

Charles FREGER – 2004
Bogdan KONOPKA – 2005
Éric BAUDELAIRE – 2006
Jürgen NEFZGER – 2007
Véronique ELLENA – 2008
Martin KOLLAR – 2009
Christophe BOURGUEDIEU – 2010
John DAVIES – 2011
Bertrand MEUNIER – 2012
Thibaut CUISSET – 2013
Anne-Marie FILAIRE – 2014
Bruno BOUDJELAL – 2015-2016
Bernard PLOSSU – Don à la Ville
Marion POUSSIER – 2017-2018
Pascal AIMAR – 2019-2020
Patrick TOURNEBOEUF – 2020-2021 (en cours)
Béatrix VON CONTA – 2021-2022 (en cours)

Dates

Décembre 15 (Mardi) 14 h 00 min - Février 20 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Hôtel Fontfreyde - Centre photographique

34, rue des Gras 63000 Clermont-Ferrand

Hôtel Fontfreyde - Centre photographique34, rue des Gras 63000 Clermont-FerrandOuvert du mardi au samedi de 14H à 19H

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mar15déc12 h 00 min2021lun15mar19 h 00 minMiguel Rio BrancoŒuvres photographiques 1968-1992LE BAL, 6, Impasse de la défense 75018 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

« Seul un petit nombre d’entre nous, au milieu des grands agencements de cette société, se demande encore naïvement ce qu’ils font sur le globe et quelle farce leur est jouée. Ceux-là veulent déchiffrer le ciel ou les tableaux, passer derrière ces fonds d’étoiles et ces toiles peintes, et comme des mioches cherchant les fentes d’une palissade, tâchent de regarder par les failles de ce monde. »
— George Bataille

LE BAL présente le travail photographique de la première période (1968-1992) de l’artiste brésilien Miguel Rio Branco, figure majeure de l’art contemporain dans son pays, connu dans le monde entier pour ses installations et oeuvres multimédias.
De ses débuts en noir et blanc à New York en 1970, où son attention se porte sur les quartiers déshérités de la ville, à son travail couleur essentiel réalisé au Brésil notamment à Salvador de Bahia, jusqu’aux images du Mexique au milieu des années 1980, l’exposition restituera l’évolution de son regard photographique, intrinsèquement lié à sa pratique picturale.
« Je ne suis pas un coloriste comme Matisse, ma vision est plus sombre, à la manière de Goya » dira Miguel Rio Branco.
Dépassant une simple lecture formelle de son travail, le choix des oeuvres – pour la plupart tirages d’époque jamais exposés en France – mettra en avant les télescopages permanents de matières et de gestes opérés dans ses images. Auscultant les corps et leur inscription dans l’espace, rendant visibles les marques du temps et des structures sociales, ses images rendent compte d’une vision viscérale immergée dans la noirceur et la violence de son temps.

LE COUTEAU PAR TERRE
EXTRAITS DU TEXTE INÉDIT DE JEAN-PIERRE CRIQUI PUBLIÉ DANS LE LIVRE QUI ACCOMPAGNE L’EXPOSITION.

Dans la mesure où elle découpe à même le vivant, la photographie se laisse envisager comme étant d’ordre sacrificiel :
tel un papillon épinglé, ce qu’elle prélève est toujours simultanément exalté et immolé. Il y va du sauvetage, de la sauvegarde, mais aussi de la conjuration ou de la perdition. Cette tension extrême, en permanence au bord du déchirement, hante les images de Miguel Rio Branco. C’est leur basse continue.
*
Les photographies de Miguel Rio Branco (qui est aussi peintre, et l’a été avant de devenir photographe) nous proposent un vaste catalogue de matières, assemblé avec un oeil sensible à la transmutation esthétique des motifs les plus humbles ou les plus vils. On pense ici à Baudelaire et son évocation du chiffonnier dans Les Paradis artificiels : « Tout ce que la grande cité a rejeté, tout ce qu’elle a perdu, tout ce qu’elle a dédaigné, tout ce qu’elle a brisé, il le catalogue, il le collectionne. Il compulse les archives de la débauche, le capharnaüm des rebuts. » L’excès est ce qui caractérise ici la matière – d’où cette « asphyxie » dont Miguel Rio Branco a parlé au sujet de la photographie : excès de la vie qui s’agite en tous sens, et de la mort au travail qui en forme l’inséparable envers.
*
Apothéose des sols, les photographies de Miguel Rio Branco regardent plus volontiers vers le bas que vers le haut. Peu de ciels ou d’horizons dans ces vues où la terre attire tel un aimant, jusqu’à l’engloutir, tout ce qu’elle supporte. Royaume des traces et des ombres, plaque sensible où le temps laisse inlassablement son empreinte : deux hommes s’y étreignent, lutte ou jeu, aux pieds d’un troisième qui projette sur eux sa silhouette; les déchets les plus dérisoires, les plus mirifiques, y convergent; les imprimés viennent s’y disperser en masse, les animaux y mourir. Le sol célébré par Miguel Rio Branco exhale toujours un avant-goût du séjour des disparus. C’est le lieu par excellence de l’inquiétude, voire de l’affolement. C’est aussi le motif où se concentre un éventail de résonances esthétiques : Dirt Painting et Combines (par leur goût du rebut et de l’horizontalité) de Rauschenberg, Matériologies et Texturologies de Dubuffet, plastiques, bois et tôles brûlés par Alberto Burri, scatter pieces de Robert Morris.
Jean-Pierre Criqui est conservateur au service des collections contemporaines du Musée national d’art moderne.

Dans le cadre de Photo Days

Dates

Décembre 15 (Mardi) 12 h 00 min - Mars 15 (Lundi) 19 h 00 min

Lieu

LE BAL

6, Impasse de la défense 75018 Paris

LE BAL6, Impasse de la défense 75018 ParisLE BAL est une plateforme indépendante d’exposition, d’édition, de réflexion et de pédagogie, dédiée Mercredi 12h - 22h Nocturne. Jeudi 12H - 19H Soirées BAL LAB 20H-22H (Fermeture de l'exposition à 19H) et le Vendredi, samedi, dimanche 12H - 19H. Fermé le Lundi et Mardi

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