Name: OSMOSCOSMOS — 50JPG 2019
Start: 2019-6-19T11-11-00-00
End: 2019-8-25T18-18-00-00
Location: Centre de la Photographie - Genève

4 juin 2019

#Carte Blanche #Histoire de la Photographie #Photographie couleur

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mer19jui(jui 19)11 h 00 mindim25aou(aou 25)18 h 00 minOSMOSCOSMOS — 50JPG 20196ème triennale de la photographie GenèveCentre de la Photographie - Genève, 28, rue des Bains Genève 1205 SwitzerlandType d'événement:Festival,Photographie

Détail de l'événement

La sixième édition de la triennale 50JPG du Centre de la photographie Genève aura lieu du 19 juin au 25 août 2019. L’exposition principale tentera de réunir Éros & Cosmos. Sous le titre OSMOSCOSMOS, elle mettra en évidence le trait d’union entre ces deux univers, un lien peu étudié dans nos cultures occidentales, probablement trop marquées par les monothéismes et la culpabilisation développée autour de l’éros visant à mieux soumettre l’individu à l’emprise des églises.

Jean-Pierre Vernant, spécialiste de l’antiquité grecque, souligne que la sexualisation du dieu Éros se fait au moment où Uranus est castré et qu’il se dégage de Gaïa dans la souffrance pour devenir, au-dessus de nos têtes, le ciel étoilé*. Et pour le philosophe Michel Onfray, se référant au Kama Sutra, le sexe est défini ainsi : « … naturel, en rapport avec le cosmos, jamais séparé du monde, toujours là pour rappeler la liaison entre les parties d’un grand tout »**.

Une douzaine d’oeuvres établissent cette relation entre les deux facettes d’OSMOSCOSMOS, telles que Words and Stars de Grazia Toderi et Orhan Pamuk ou les contributions de Ursula Böhmer, Bunu Dhungana, Heidi Hassan, Eden Levi Am, Urs Lüthi, Boris Mikhailov, Johan Österholm, Thomas Ruff, Pierre Radisic, Catherine Radosa, Annie Spinkle (avec Beth Stephens), Christian Waldvogel et d’autres.

OSMOSCOSMOS assemble des oeuvres photographiques et vidéographiques contemporaines ainsi que diverses sources iconographiques. Parmi les artistes sélectionnés, plusieurs d’entre eux ont, dès les années 70, mis radicalement en question la définition des genres, voire la commercialisation d’Éros, que ce soit Manon, Jürgen Klauke, Renate Bertlmann, Natalia LL, Urs Lüthi, Barbara Hammer, Annie Sprinkle (avec Beth Stephens) et Liliane Vertessen ; d’autres, à la même époque, revendiquaient des esthétiques homosexuelles à l’instar de Pierre Keller ou de Walter Pfeiffer, revisitées sous une forme contemporaine par Mauricio Dias et Walter Riedweg. La trame féministe est poursuivie aujourd’hui par des artistes telles que Romy Alizée, Dorothée Baumann, Anne Collier, Déborah de Robertis, Nadia Granados, Angela Marzullo, Lina Scheynius ou encore A.L. Steiner, tandis que Eden Levi Am, Nicole Tran Ba Vang et Yuri Nagashima traitent des amours lesbiennes et/ou queers.

S’il va de soit qu’Éros touche aussi à des problématiques politiques, force est de constater que dans nos sociétés marchandes, il est gangrené par des intérêts économiques très importants, comme le démontreront les propositions de Caroline Bernard, Fred Lonidier, Susan Meiselas, Charles Weber ou encore Patrick Weidmann.

Néanmoins, chacun – nous l’espérons – a pu faire l’expérience, dans l’extase de l’union sexuelle, d’une sensation d’infini rappelant l’infini cosmique. Cosmic fuck de Lee Lozano, seul dessin parmi les oeuvres présentées, en est l’expression abstraite. Toutes les évocations du Cosmos seront principalement des simulacres d’artistes. En parallèle au cosmos qui est hors de portée pour l’humain, comme par exemple les trous noirs à 53 millions d’année lumière, OSMOSCOSMOS tiendra compte des enjeux politiques dans la relation que nous, Terriens, entretenons avec le cosmos tout proche.

Pour assembler les parties d’un grand tout qui ne pourra jamais être exhaustif, l’exposition sera plongée dans la pénombre, éclairée uniquement par les rayons émanant de la projection des images ou par l’illumination de vitrines qui contiendront des impressions de toutes sortes. L’exposition, réunissant un grand nombre d’artistes que le CPG a déjà présentés, aspire à être une constellation parmi d’autres, un atlas d’images où le visiteur est invité à constituer, voire à prolonger son propre cosmos.

*L’univers, les dieux, les hommes
**Les Bûchers de Bénarès

Dates

Juin 19 (Mercredi) 11 h 00 min - Août 25 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Centre de la Photographie - Genève

28, rue des Bains Genève 1205 Switzerland

Centre de la Photographie - Genève28, rue des Bains Genève 1205 SwitzerlandLe Centre est ouvert du Mardi au Dimanche de 11:00 à 18:00

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sam01jui14 h 30 minsam07sep(sep 7)18 h 30 minMeg Hewitt & Lorenzo CastorePhotographiesGalerie Anne Clergue, 4 plan de la cour, 13200 ArlesType d'événement:Exposition,Lectures de Portfolio

Détail de l'événement

Anne Clergue Galerie présente l’exposition Meg Hewitt-Lorenzo Castore du 1er Juillet au 7 Septembre. L’australienne Meg Hewitt avec la série Tokyo is yours inspirée par le manga, le surréalisme et le film noir. L’italien Lorenzo Castore avec 1994-2001 : A beginning, un travail intime tel un voyage initiatique qui se construit au quotidien. Deux dialogues qui se répondent en émotion et en noir et blanc.
Au cœur de la ville d’Arles, la galerie se renouvelle en passant du 12 au 4 Plan de la Cour, juste derrière la Mairie et double sa surface d’exposition. Elle s’inscrit dans la continuité en proposant un regard sur la photographie contemporaine, la peinture, gravure, sculpture, toujours à la découverte de jeunes talents.

C’est Daido Moriyama lui-même qui décrit le travail de Meg Hewitt de dangereux. La photographe australienne présente « Tokyo is yours », une série en noir et blanc réalisée entre 2015 et 2017 à Tokyo. C’est sa profonde réflexion sur le Japon, sur son incertitude, sa fragilité suite aux catastrophes écologiques qu’à suivi Meg Hewitt. Le titre de sa série vient d’un graffiti écrit dans la ville, Tokyo is yours.
Son livre de 68 photographies est un constat de son attirance pour l’absurde.
Hewitt a fait sept voyages au Japon entre 2015 et 2017. Elle a arpenté la ville douze heures par jour. Elle a capturé de petits détails qui ont attiré spontanément son attention, elle a immortalisé les habitants qu’elle a rencontrés. Le fait qu’elle ne parle ni ne lise le japonais, ne comprenne aucune conversation lui a donné un sentiment de liberté totale et de créativité profonde. Les gens qu’elle a rencontrés, les scènes auxquelles elle a assisté sont devenus des symboles, des archétypes, des métaphores. A travers ses photos, elle explore l’espace entre les choses, les souvenirs, les relations humaines, la peur, la fuite.

Elle prend souvent ses photos au flash la nuit, ce qui lui permet d’isoler son sujet du contexte. Chaque photo est construite comme un scénario. Le fait d’utiliser l’argentique accentue les contrastes des noirs au développement des films. Ces photographies construisent un sentiment de pression psychologique, une compression de l’espace qui nous pousse à vouloir prendre la fuite..
Meg Hewitt est née en 1973 à Sydney.
Elle photographie depuis 2010 après avoir étudié la peinture et la sculpture.

Lorenzo Castore a longtemps photographié de manière compulsive, sans regarder le résultat de ses prises de vue. Il n’était tout simplement pas prêt à comprendre ce qu’il faisait, encore moins à livrer son intimité la plus profonde. Sa rencontre avec Christian Caujolle est déterminante. Il entre à l’Agence Vu en 2003.
En 2011, son meilleur ami disparaît brutalement. Ce profond désarroi lui permet de retourner sur son passé avec un regard neuf, sans aucun filtre. Le passage du temps lui offre un nouveau langage et il décide de travailler sur un livre des morts, une encyclopédie de la vie, selon les circonstances. Le premier volume 1994-2001 s’appelle A BEGINNING, le commencement. Il est publié chez L’ARTIERE.
« Le destin ou le hasard ont voulu que je devienne photographe : pour me transcender, pour me voir à travers les autres et voir les autres à travers moi ; pour créer un rapport avec tout ce qui m’entoure. Mais je veux croire que si le cours de ma vie avait été différent, j’aurais fait autre chose, n’importe quoi d’autre, avec le même absolu dévouement –joie et souffrance- avec lequel aujourd’hui je photographie. La vie est beaucoup plus intéressante que l’art, ou plus exactement, les deux se confondent. …Si je dis que je ne crois pas à la photographie en soi, c’est parce que celle-ci est seulement un instrument, une passion, pour se confronter à quelque de plus intime, de plus absolu. »

Dates

Juin 1 (Samedi) 14 h 30 min - Septembre 7 (Samedi) 18 h 30 min

Lieu

Galerie Anne Clergue

4 plan de la cour, 13200 Arles

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jeu04avr(avr 4)10 h 00 minsam30nov(nov 30)18 h 00 min25ème Commémoration du génocide des Tutsi au RwandaMémorial de la Shoah, 17 rue Geoffroy–l’Asnier, 75004 ParisType d'événement:Exposition

Détail de l'événement

À l’occasion de la 25e commémoration du génocide des Tutsi au Rwanda, le Mémorial de la Shoah poursuit son travail pour la reconnaissance et la mémoire des génocides en mobilisant pour la première fois ses espaces d’exposition simultanément à Paris et à Drancy.

Entre le 7 avril et la mi-juillet 1994, près d’un million de personnes sont mortes assassinées au Rwanda : en moins de trois mois, les trois quarts de la population tutsi ont péri au cours du dernier génocide du XXe siècle. Événement historique majeur, le génocide des Tutsi rwandais n’est pas le fruit d’un soudain accès de folie collective. Le 7 avril 1994, lorsque débute l’extermination des Tutsi, les tueurs mobilisent toutes les ressources matérielles et humaines d’un État pour la mise à mort de masse : sur les collines et dans les quartiers, ils s’adonnent alors à la traque et à l’assassinat de leurs voisins. L’efficacité et la rapidité du massacre systématique des hommes, des femmes et des enfants tutsi rendent compte de la préparation minutieuse des tueries. L’ampleur et la cruauté particulière de ce génocide constituent un défi moral mais aussi intellectuel.

Cette double exposition est une opportunité unique de se pencher sur le dernier génocide du XXe siècle, d’en comprendre les origines, les conséquences, et surtout d’apporter un soutien sans failles à ceux qui en furent les victimes et à leurs familles. La mobilisation d’une grande variété de supports documentaires suivant un parcours linéaire entre les deux institutions (l’avant-génocide –1950-1994 – et le génocide vu a hauteur des enfants avec des dessins et des témoignages inédits au Mémorial de Paris, le génocide et l’après-génocide au Mémorial de Drancy) permet ainsi de restituer la réalité d’un passé toujours vivant au Rwanda, vingt-cinq ans après.

Double exposition organisée par le Mémorial de la Shoah à Paris et à Drancy
Mémorial de la Shoah à Paris et Drancy, du 4 avril à fin novembre 2019
Entrée libre

Dates

Avril 4 (Jeudi) 10 h 00 min - Novembre 30 (Samedi) 18 h 00 min

Lieu

Mémorial de la Shoah

17 rue Geoffroy–l’Asnier, 75004 Paris

Mémorial de la Shoah17 rue Geoffroy–l’Asnier, 75004 ParisDe 10h à 18h tous les jours, sauf le samedi. Nocturne jusqu’à 22h le jeudi. Fermetures annuelles : le 1er janvier, le 1er mai, le 14 juillet, le 15 août, le 25 décembre. Fermetures certains jours de fêtes juives

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mar25jui(jui 25)14 h 00 mindim27oct(oct 27)18 h 00 minL'Équilibriste, André Kertész : 1912-1982Satellite 12 : une programmation de Laura HermanJeu de Paume - Château de Tours, 25, avenue André Malraux 37000 ToursType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

L’œuvre d’André Kertész (Budapest, 1894-New York, 1985) fut à l’unisson de sa vie et de ses sentiments : de ses débuts en Hongrie à l’épanouissement de son talent en France, de ses années d’isolement à New York à sa reconnaissance internationale. Acteur majeur de la scène artistique parisienne durant l’entre-deux-guerres, André Kertész, dont la carrière s’étend sur plus de soixante-dix ans, est aujourd’hui reconnu comme l’un des photographes les plus marquants du XXe siècle.

Cette exposition d’une centaine de tirages modernes est organisée autour des principaux ouvrages que le photographe a publié de son vivant.
Des maquettes originales comme celle de Distorsions (1976) et des reproductions d’ouvrages issues de Day of Paris (1945), où il avait restitué le Paris des années 1930, Sixty Years of Photography (1972), J’aime Paris (1974), Of New York… (1976) et Hungarians Memories (1982) témoignent de sa réflexion sur son œuvre à la fin de sa vie. Alors qu’il pratique la couleur depuis les années 1940, l’utilisation du Polaroid SX-70 lui offre un nouveau champ d’expérimentation à partir de 1979.
Une sélection d’une quinzaine de tirages modernes en référence à l’ouvrage From My Window (1981) permet de découvrir la dernière série du photographe. Ces tirages respectent le format et la sélection d’une série de reproductions que Kertész a effectuée à la fin de sa vie.

Commissaires : Matthieu Rivallin et Pia Viewing

Cette exposition est coproduite par le Jeu de Paume et la Médiathèque de l’architecture et du patrimoine, en collaboration avec la Ville de Tours.

Photo : Nageur sous l’eau. Esztergom, Hongrie, 1917. André Kertész
© ministère de la Culture / Médiathèque de l’architecture et du patrimoine / Donation André Kertész

Dates

Juin 25 (Mardi) 14 h 00 min - Octobre 27 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Jeu de Paume - Château de Tours

25, avenue André Malraux 37000 Tours

Jeu de Paume - Château de Tours25, avenue André Malraux 37000 ToursMardi à dimanche : 14 h-18 h / Fermeture le lundi - Tarif plein: 4 € / Tarif réduit: 2 €

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mer05jui(jui 5)11 h 00 mindim25aou(aou 25)20 h 00 minA Dark ThreadHenry WesselLa Maison Européenne de la Photographie, 5/7 Rue de Fourcy 75004 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

« A Dark Thread » est la première grande exposition en France du photographe américain Henry Wessel, dont la carrière s’écrit sur près de cinquante ans.

Henry Wessel aimait passer en revue ses archives de planches-contacts et mettre en perspective des photographies prises à des décennies d’écart. Pour ce grand amateur de films noirs, ces rapprochements formels constituaient les débuts possibles d’un scenario d’intrigues.

L’exposition met en lumière trois séries. À l’instar d’un story-board, Incidents suit l’ordre précis constitué par Henry Wessel, selon un procédé de correspondances visuelles qui lui était cher. Sunset Park rassemble des prises de vue nocturnes, invitant à une plongée dans l’ambiance mystérieuse des nuits californiennes. Enfin, toujours en suivant un jeu de rapprochements visuels, Henry Wessel avait commencé, avant son décès en septembre 2018, à reconstituer avec les équipes de la MEP la troisième série de l’exposition : A Dark Thread, présentée sous cette forme pour la première fois.

Son univers unique et mystérieux se retrouve dans l’ensemble des ses images, comme un « fil noir » les liant les unes aux autres. L’exposition est également l’occasion de redonner sa place à l’un des artistes de la grande exposition de 1975 « New Topographics: Photographs of a Man-Altered Landscape ».

Henry Wessel avait également mis au défi des écrivains d’imaginer une nouvelle à partir d’une de ses photographies. Certains textes sont présentés de façon inédite au sein de l’exposition.

Dates

Juin 5 (Mercredi) 11 h 00 min - Août 25 (Dimanche) 20 h 00 min

Lieu

La Maison Européenne de la Photographie

5/7 Rue de Fourcy 75004 Paris

La Maison Européenne de la Photographie5/7 Rue de Fourcy 75004 ParisMercredi et vendredi de 11h à 20h , le Jeudi de 11h à 22h et le week-end de 10h à 20h. Fermeture des caisses 30 minutes avant Fermeture. Entrée : Plein Tarif : 10 € / Tarif Réduit : 6 €

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