Name: Le chant de la lumière
Start: 2020-2-8T15-15-00-00
End: 2020-7-11T19-19-00-00
Location: Galerie Confluence

26 juin 2019

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sam08fev(fev 8)15 h 00 minsam11jul(jul 11)19 h 00 minLe chant de la lumièreGilles RoudièreGalerie Confluence, 45 rue de Richebourg 44000 NantesType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

A la fin des années 1950 aux Etats-Unis est née une nouvelle attitude en photographie, qu’on a pris pour habitude de relier au mouvement littéraire du « stream of consciousness » (le « flux de conscience ») et à la beat generation. Deux photographes majeurs, William Klein et Robert Frank, ont porté, de manière assez distincte, cette approche marquée par un rapport différent à l’appareil photographique (démarche de prise de vue gestuelle et spontanée, décadrages, diagonales, absence apparente de visée…), à la matière des photographies (souvent granuleuse ou floue) et à un récit photographique devenu le résultat subjectif d’une errance sans destination.
C’est clairement à cette lignée photographique qu’appartient Gilles Roudière, dont la présente exposition regroupe des images issues de deux séries, l’une réalisée à Istanbul (et intitulée initialement Sous de noirs soleils), l’autre au cours de plusieurs voyages à Cuba, nommée Trova. Il est frappant de constater que ces deux ensembles peuvent se rattacher chacun à l’une des deux approches photographiques initiées par William Klein et Robert Frank dans leurs travaux des années 1950. Avec la série sur Istanbul, c’est comme dans le travail de Klein à New York l’énergie et la puissance graphique qui dominent, la ville étant le lieu où la solitude du photographe se confronte à la multiplicité du visible et à la vie comme expérience collective. La ville est ici un espace brutal de collision des formes, des ombres et des lumières, un dédale de sensations et de rencontres où rêve et réalité se mêlent inextricablement. Ce sont la granulosité de la matière et les forts contrastes qui marquent ces images à la géométrie violente, où la vision du photographe semble aimantée par des entrées fracassantes de clarté et des ombres profondes. Leur captation donne forme à ce qui se rend subitement visible pour un instant, afin, comme le disait Garry Winogrand pour résumer sa propre pratique photographique, de « décrire le chaos de la vie ».
La série de photographies consacrée à Cuba nous fait quitter l’espace unique de la ville et nous entraîne dans une dérive à travers l’île. Elle s’approche davantage de la démarche de road trip qui conduira Robert Frank à la réalisation de son livre The Americans (1958). On n’est plus ici dans une transcription du désordre urbain, mais dans la mélancolie d’un voyage où s’évanouissent les images préconçues de Cuba, de sa culture et de son histoire. Les détails architecturaux, les objets, les silhouettes humaines ou animales, les ciels chargés et les paysages ouverts construisent un espace avant tout mental où dominent les nuances de gris. La photographie se fait ici atmosphérique et intériorisée, proche d’un journal intime reflétant la météorologie affective du photographe. Les variations de lumière et d’ombre traduisent son expérience subjective et solitaire, ses intuitions et son désir de connaître le visible tel qu’il se donne dans le temps.
Une telle expérience photographique conduit à quitter le plus souvent l’idée d’ « instant décisif » et à travailler sur les temps faibles, les espaces intersticiels. Gilles Roudière veut restituer le mouvement de la vie dans son obscure confusion comme dans sa beauté irradiante. Son désir de lumière se mêle à une mélancolie de l’ombre qui souligne sa recherche et lui donne sa profondeur. C’est peut-être cette tonalité particulière qui le rapproche des photographes japonais qui lui sont chers. Comme le disait Nobuyoshi Araki à propos des photographies de Daido Moriyama réalisées dans les années 1970 : « Dans ces photographies, la lumière filtre à travers l’obscurité, se métamorphosant en une nuance de gris 1». Une telle remarque n’est bien sûr pas uniquement esthétique : elle traduit un rapport au monde fait d’inquiétude et de quête permanente, d’illuminations et d’obscurité, car « chaque journée est un voyage du corps et de l’esprit à travers un labyrinthe » (Daido Moriyama 2).
Gilles Roudière est par essence un photographe voyageur. Ce qui signifie qu’il va chercher ses sujets hors de son domaine de connaissance et d’habitude, là où le visible peut venir le frapper dans toute sa dimension poétique, ainsi que dans l’expérience du haïku, poème japonais qui est « saisie de la chose comme événement et non comme substance » (Roland Barthes 3). L’espace photographique est cette dimension qui s’identifie aux événements et nous introduit à une esthétique du temps. Les formes n’y existent que sous l’angle de leur surgissement temporel et parallèlement le temps s’y concrétise en flou et netteté, trouées de lumière et obscurcissements. Dans l’esthétique japonaise que partage Gilles Roudière, l’image est intérieure et mentale avant d’être une imitation. Il s’agit dès lors de donner forme à cette image tout en lui gardant son caractère d’événement, sa perméabilité au temps.
Gilles Roudière a choisi le titre Trova pour sa série de photographies de Cuba. Ce mot fait référence aux trovadores cubains des XIXème et XXème siècles, poètes, compositeurs et chanteurs autodidactes qui s’en allaient parfois de ville en ville pour partager leurs chansons, et au genre musical qu’ils ont popularisé, fait de simplicité et de nostalgie. Il évoque aussi le vagabondage du photographe à la recherche de ses visions dans le labyrinthe du temps et de l’espace. La lumière est pour lui l’instrument de ce chant qui pourra dire l’extase et la douleur de vivre. Composées en noir et blanc comme les notes sur une portée, ses images sont faites de rythmes, de respirations, d’éclats et de silences. Le chant de la lumière est la poésie du monde visible.
Bruno NOURRY

1 Entretien avec Daido Moriyama dans Daido Moriyama, Fondation Cartier et Actes Sud, 2003.
2 Postface à Labyrinth, Aperture, 2012.
3 L’Empire des signes, Skira – Flammarion, 1970.

Dates

Février 8 (Samedi) 15 h 00 min - Juillet 11 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Confluence

45 rue de Richebourg 44000 Nantes

Galerie Confluence45 rue de Richebourg 44000 NantesOuvert du mercredi au samedi, de 15H à 19H et sur RDV

Calendrier GoogleCal

sam06jui(jui 6)14 h 00 minven31jul(jul 31)19 h 00 minLa DoñanaJorge CamachoGalerie Sophie Scheidecker, 14 Bis rue des Minimes 75003 ParisType d'événement:Art Contemporain,Exposition,Photographie

lun15jui14 h 30 minmer15jul19 h 00 minFrench Riviera – La plage Laurence KourciaAtelier/Galerie Taylor, 7 Rue Taylor, 75010 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

J’ai porté mon regard sur les plages de mon enfance, la Côte d’azur et sa fureur d’été, les corps huilés et tatoués, la ferveur des instants voués à s’éclabousser, sauter, patauger.
J’ai observé la plage comme une représentation théâtrale, saisi chaque photo comme un tableau, chacune d’elles raconte sa propre histoire. Photographier la plage, c’est partager soudain l’intimité d’une société, ses rituels estivaux, les gestes mille fois répétés.
Le corps dissimulé tout l’hiver se dévoile, respire, s’exprime, s’émancipe ou s’esquive. On se rencontre les uns les autres, on s’observe, on s’épie. Ce que l’on veut montrer ce que l’on veut cacher apparait au grand jour illuminé par les sunligtht.
La plage devient alors territoire d’observation que chacun s’approprie.
Chacun crée son périmètre d’espace vital qu’il agence à son goût, qu’il investi de sa culture, ses habitudes, ses manies. De Beaulieu sur mer à Cannes la Croisette, noms porteurs d’un imaginaire collectif évoquant tout aussi bien la Jet Set que le tourisme de masse, se croisent et se mêlent toutes les couches de la société. Ici, durant les mois d’Aout et de juillet, tous se partagent quelques centimètres carrés de sable ou de galets. Même si des frontières invisibles séparent les transats bien alignés des plages privées, du territoire désordonné et coloré des plages publiques, enfants et adultes se livrent aux mêmes joies, aux mêmes excès. Les rôles s’inversent, les valeurs intellectuelles et urbaines laissent place au règne de la liberté du mouvement et du corps. La bouée rose devient le bien le plus convoité du moment. Le temps d’un été, les corps et les esprits se délient et pétillent. La plage devient poésie.
Après des études de cinéma, Laurence Kourcia se lance dans la photo par le biais du portrait et photographie principalement des comédiens et des gens du spectacle. En 1990, elle participe à un stage de photo-journalisme et son premier reportage sur les Communautés Ethniques en France lui ouvre les portes de la prestigieuse Agence de Presse Rapho et lui donne sa première publication dans le magazine « Actuel ».
Elle s’oriente alors vers un travail personnel, où elle traite de sujets de sociétés au long cours, de manière intimiste. Elle explore les questions d’identités, d’origine, de différence et réalise notamment des reportages sur la Communauté Juive (en France, en Israel au Magreb), l’Adolescence, les Grosses, les Jeunes Agriculteurs… Elle collabore également avec la presse magazine nationale et internationale (Télérama, Libé, Géo, le Pélerin, Fig Mag, l’Express, Der Spiegel…) et répond à des commandes Corporate (Ministère de l’Agriculture, agence Altédia…).
Elle participe régulièrement à des expositions collectives, son travail «Origine Séfarade» est exposé au festival photo de Biarritz et son sujet sur les «Petits Toréros» projeté aux Rencontres d’Arles.
En 2005, elle décide de se lancer dans une nouvelle aventure et réunie une équipe de photographes dont elle devient l’agent. En 2008, elle co-fonde la galerie Jour et Nuit, web-galerie de photographie contemporaine.
Durant 3 ans, elle participe en tant qu’expert en photographie à la pré-sélection du Prix Photo de Carmignac Gestion. En 2012, elle développe l’espace de formation de Cours et Ateliers photo pour transmettre sa passion à tous les amateurs d’images.
Bien que son sujet de prédilection reste l’Humain, c’est vers une photographie documentaire plus poétique que sociale, imprégnée par la Street Photography qu’elle se dirige à présent.
Une vingtaine de photographies seront exposées à l’Atelier/Galerie Taylor.

Dates

Juin 15 (Lundi) 14 h 30 min - Juillet 15 (Mercredi) 19 h 00 min

Lieu

Atelier/Galerie Taylor

7 Rue Taylor, 75010 Paris

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mer27mar10 h 00 min2020lun27jul18 h 00 minSettlementsDavid SperoMudam Luxembourg - Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean, 3, Park Dräi Eechelen L-1499 Luxembourg-KirchbergType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Les « Settlements » de David Spero – « colonies » – dressent le portrait de communautés particulières en Grande-Bretagne, qui se sont séparées partiellement de la société dite traditionnelle pour des raisons écologiques.

Dans un langage documentaire, Spero expose le potentiel créatif et l’esprit pionnier de ces groupements à la recherche de nouveaux modes de vie.

Dans son travail photographique il montre des maisons construites sous la régie individuelle des habitants, photographie les résidents et leurs jardins créés pour assurer leur ravitaillement et sauvegarder leur autonomie.

Le rejet de tendances sociales actuelles et mondialisées ne repose ni sur une rébellion, ni sur un sentiment anarchiste envers le grand public. Le contexte de ces nouvelles colonies est basé sur le besoin d’affirmer une responsabilité par rapport aux problèmes écologiques de l’époque contemporaine.

Peut-être que la responsabilité ne devrait pas être confiée exclusivement aux systèmes politiques.

Dans son travail David Spero présente des chemins alternatifs soutenus par des initiatives personnelles et une conscience collective. Il décrit des individus engagés dans l’utilisation rationnelle des ressources naturelles, leur restauration et leur protection à long terme.

EXPOSITION OUTDOOR
Schlassgaart, château de Clervaux

Dates

Mars 27 (Mercredi) 10 h 00 min - Juillet 27 (Lundi) 18 h 00 min

Lieu

Mudam Luxembourg - Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean

3, Park Dräi Eechelen L-1499 Luxembourg-Kirchberg

Mudam Luxembourg - Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean3, Park Dräi Eechelen L-1499 Luxembourg-KirchbergHeures d’ouverture Jeudi – Lundi : 10h00-18h00 Mercredi : 10h00-21h00 (Mudam Café : 10h00-23h00) Jours fériés : 10h00-18h00 24.12 & 31.12: 10h00-15h00 Fermé le mardi & 25.12 Prix d’entrée Adultes : 8€ < 26 ans & groupes (min. 15 personnes) : 5€ < 21 ans, étudiants < 26 ans, mercredi de 18h à 23h : gratuit

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mer17jui(jui 17)11 h 00 mindim30aou(aou 30)20 h 00 minErwin Wurm, PhotographsLa Maison Européenne de la Photographie, 5/7 Rue de Fourcy 75004 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

À partir du 4 mars 2020, la Maison Européenne de la Photographie propose de découvrir le travail d’Erwin Wurm, artiste de renommée internationale, sous un nouvel angle, dans le cadre de la première rétrospective consacrée à son travail photographique. L’artiste autrichien est célèbre pour son œuvre complexe et conceptuelle, mêlant sculpture, performances, vidéo, dessin et photographie, à travers laquelle il interroge avec humour et cynisme notre relation au corps, en associant espièglerie, burlesque et sens de l’absurde. Réunissant quelque 200 tirages réalisés depuis les années 1990 sur les deux principaux étages de la MEP, cette exposition exhaustive – la première du genre organisée à Paris depuis de nombreuses années – présentera planches contacts originales et tirages provenant des archives personnelles de l’artiste, qui n’ont encore jamais présentés au public. Cette exposition sera l’occasion de montrer le rôle unique joué par ce médium dans son œuvre : bien plus qu’un moyen d’immortaliser ses performances, Wurm considère la photographie comme une forme d’expression “sculpturale” à part entière. Associant œuvres problématisées et images plus philosophiques, l’exposition explorera le processus artistique par lequel il réalisa des œuvres majeures telles que ses « dust sculptures », créées à l’aube des années 1990, pour lesquelles l’artiste place un objet sur une surface, le saupoudre de poussière puis retire l’objet afin de montrer l’emprunte résiduelle, ou encore « Fabio Gets Dressed » (1992), inspiré par sa conviction que le corps humain, avec sa capacité à remplir un pull, à occuper l’espace, à prendre ou perdre du poids, est une sculpture à part entière. Seront également exposés « Instructions for Idleness » (2001), « How to Be Politically Incorrect » (2002-2003), « Thinking About Philosophy » (2004), « Nudelskulpturen » (2016) ainsi que des Polaroid récents grand format. En plus de ses photos, vidéos et meubles, l’exposition proposera également ses célèbres « One-Minute Sculptures » à travers des œuvres interactives invitant les visiteurs à devenir des sculptures vivantes en suivant les instructions de l’artiste.

Dates

Juin 17 (Mercredi) 11 h 00 min - Août 30 (Dimanche) 20 h 00 min

Lieu

La Maison Européenne de la Photographie

5/7 Rue de Fourcy 75004 Paris

La Maison Européenne de la Photographie5/7 Rue de Fourcy 75004 ParisMercredi et vendredi de 11h à 20h , le Jeudi de 11h à 22h et le week-end de 10h à 20h. Fermeture des caisses 30 minutes avant Fermeture. Entrée : Plein Tarif : 10 € / Tarif Réduit : 6 €

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