Name: Éloigne moi de toi
Start: 2019-4-27T10-10-00-00
End: 2019-12-29T17-17-00-00
Location: Musée Réattu

12 juin 2019

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sam27avr(avr 27)10 h 00 mindim29déc(déc 29)17 h 00 minÉloigne moi de toiAnnabel Aoun Blanco Musée Réattu, 10 Rue du Grand Prieuré, 13200 ArlesType d'événement:Art Contemporain,Exposition,Photographie,Vidéo

Détail de l'événement

Annabel Aoun Blanco est une jeune artiste, photographe-vidéaste plasticienne qui travaille sur l’interstice entre la vie et la mort, la mémoire et l’oubli, l’apparition / la disparition, le blanc et le noir, le solide et le liquide… Sujet particulièrement fort qu’elle aborde d’une façon originale et singulière, fondée sur la dynamique de va et vient. Elle fait émerger une notion fondamentale dans son travail : « la boucle » !
L’artiste créé des dispositifs alliant gestes, matières et figure humaine. Les matières utilisées pour rendre plastiquement appréhendable sa recherche, ont un rôle symbolique et viennent s’exprimer en séries successives : l’eau, le lait, le plâtre, le sable, la cendre, le charbon. Une pratique de gestes codifiés intervient à la manière d’un rituel sur la matière, mais lui laisse un espace de liberté où elle s’exprime aléatoirement. Elle devient ainsi le socle qui permet de faire apparaître et révéler la figure humaine.
L’artiste part de l’analyse et de l’illustration de l’idée platonicienne « le temps est l’image mobile de l’éternité immobile » où « image mobile » renverrait à vidéo et « éternité immobile » à la photographie. Les modèles vivants deviennent masques puis empreintes. La figure humaine ne devient plus qu’une image dans laquelle toute idée de représentation, objet de séduction de la part du modèle ou de l’artiste, laisse la place à l’acte de représenter. Ainsi le sujet devient objet d’analyse métaphysique.
L’artiste cherche à apporter aux caractéristiques de la photographie celles de « vitesse » et de « distance » propres à la vidéo, et à la vidéo celles de « figé », « d’instantané » et de huis clos propres à la photographie. Le projet est donc global (photographies et vidéos) ce qui implique des univers similaires entre les deux médiums, avec les mêmes combinaisons de matières, gestes et représentations.
La réalité d’un interstice (spatial et temporel) revient à démontrer une dynamique d’aller-retour entre deux points, la vie (l’apparition) et la mort (la disparition). Cette dynamique introduit la notion de «boucle», la vie est dans la mort et la mort dans la vie avec un passage entre les deux. L’objectif est de rendre visible plastiquement cet interstice entre la vie et la mort en utilisant les mediums photographiques et vidéos.
Une réflexion particulièrement rigoureuse et cohérente donne ainsi naissance à des oeuvres d’une qualité plastique plus que troublante, chargées d’émotions. Elles appellent à une intimité entre le spectateur et ces « portraits » qui parlent d’éternité.

Dates

Avril 27 (Samedi) 10 h 00 min - Décembre 29 (Dimanche) 17 h 00 min

Lieu

Musée Réattu

10 Rue du Grand Prieuré, 13200 Arles

Musée Réattu10 Rue du Grand Prieuré, 13200 ArlesOuvert tous les jours de 10h à 17h sauf le lundi

Calendrier GoogleCal

mer11sep(sep 11)11 h 00 mindim17nov(nov 17)20 h 00 minHassan HajjajLa Maison Européenne de la Photographie, 5/7 Rue de Fourcy 75004 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

En septembre, Hassan Hajjaj transforme la Maison Européenne de la Photographie en Maison Marocaine de la Photographie.

La MEP est heureuse de présenter la première rétrospective en France de l’artiste Hassan Hajjaj, en lui donnant carte blanche pour investir la totalité de ses espaces. Le grand parcours, qui retrace plusieurs années du travail de l’artiste anglo-marocain, présente de nombreuses séries photographiques, mais également des installations, des vidéos, du mobilier et des éléments de décoration. Les espaces éducatifs au sous-sol de la MEP abritent un studio où les visiteurs peuvent se prendre en photo devant un mur de papier peint, cadre symbolique et habituel des prises de vues de Hassan Hajjaj. Enfin, la nouvelle librairie de la MEP présente une gamme de vêtements et objets décoratifs réalisés par l’artiste. Autodidacte, Hassan Hajjaj ne se fige dans aucun genre ni aucune forme.
Né en 1961 à Larache au Maroc et londonien depuis 1973, Hassan Hajjaj, vit et travaille depuis lors entre les deux pays ; il est autant influencé par les scènes culturelles et musicales londoniennes, que par son héritage nord africain. Son univers artistique traduit sa capacité à créer des ponts entre ces deux cultures, comme le révèlent ses séries photographiques, entreprises dès 1980. Grandes compositions colorées, adoptant les codes de la photographie de mode contemporaine et du pop art, elles font se croiser les styles, les univers et les icônes.
Mais au delà de l’humour parfois volontairement kitsch qui s’en dégage, elles donnent de la force au propos engagé de l’artiste. Si Hassan Hajjaj joue avec l’imagerie des marques, c’est tout autant pour répondre à la question d’un « nouveau pop art aujourd’hui », qu’une façon d’exprimer son point de vue, décomplexé, sur la société de consommation et le port du voile. À travers l’appropriation des marques par les jeunes femmes voilées, l’artiste interroge ainsi la question de politique d’identité.
Ce mélange entre le fond de son discours et la forme pop qu’il lui donne, se traduit jusque dans les encadrements de ses photographies, qu’Hassan Hajjaj fabrique en relief à partir d’objets de consommation majoritairement marocains (boîtes de conserves, canettes de soda, tubes d’harissa, etc…) et qui deviennent partie intégrante de l’oeuvre. Ainsi, le surnom que lui avait donné Rachid Taha n’est sûrement pas un hasard : Andy Wahloo*, aphorisme qu’Hassan Hajjaj appose sur ses vêtements ou prête à un bar parisien éponyme dont il a signé le design.
* « je n’ai rien » en arabe

ESPACE 1 – VOGUE : THE ARAB ISSUE
La première salle du parcours souligne l’intérêt de l’artiste pour l’univers de la mode et du vêtement, ainsi que ses contradictions. Les oeuvres présentées évoquent avec ironie les séances régulières de magazines dans la Medina de Marrakech ou de Casablanca, au cours desquelles le Maroc sert souvent de toile de fond exotique. Pour trancher avec les modèles européens habituellement photographiés, Hassan Hajjaj présente une série de portraits de femmes marocaines, vêtues de ses propres créations qui sont le plus souvent influencées des traditions vestimentaires marocaines.
D’autres photographies montrent des femmes portant le Hijab. En écho, une série de portraits peints représentent également des femmes voilées, sur des fonds aux couleurs vives.

ESPACE 2 – INSTALLATION U-LOT, SÉRIES « LEGS », « GNAWI RIDERS » ET « KESH ANGELS »
L’exposition se poursuit avec des oeuvres issues de différentes séries, ainsi qu’une installation vidéo inédite intitulée U-LOT. Celle-ci prolonge la réflexion de l’artiste sur le statut ambigu du voile au sein de nos sociétés, en mettant en regard frontalement des portraits de femmes voilées.
Non loin de cette vidéo sont présentées les photographies au cadrage singulier de la série « Legs », mettant en évidence les jambes de modèles vêtus de tenues aux origines culturelles très variées.
Ce travail est une transition entre la première partie de l’exposition qui s’inscrit dans l’univers de la mode et du vêtement au sens large, et la suite du parcours qui s’ancre davantage dans le quotidien et les modes de vie des modèles photographiés.
Sur ces images se côtoient des éléments traditionnels et des accessoires reprenant les logos de grandes marques de luxe. Vives et colorées, à l’instar de l’ensemble du travail d’Hassan Hajjaj, elles résonnent avec ses réalisations sur la mode, et rappelle une fois de plus cet univers pop inspiré des couleurs et de la lumière marocaine.
Ainsi, Hassan Hajjaj rappelle-t-il souvent ses liens et son attachement pour son pays natal, le Maroc :
« J’aime particulièrement la lumière et les couleurs du Maroc. J’aime toutes les couleurs, mais j’aime surtout le méli-mélo de nuances. J’ai appris à ne pas avoir peur de tout mélanger. La musique est également très importante pour moi et j’en écoute en travaillant.Peut-être que ça se voit, les images et les cadres possèdent une sorte de rythme. »
Cette section se poursuit avec la mise en parallèle de deux séries : « Gnawi Riders » et « Kesh Angels ». Dans la première, Hassan Hajjaj saisit des musiciens gnaoua, issus de la culture traditionnelle éponyme. Tous les modèles sont des hommes posant sur des motos de la même manière : un pied à terre, il se dégage de chacun d’eux un grand sentiment de fierté.
À cet ensemble répondent les oeuvres de « Kesh Angels », dont le titre s’inspire des gangs des Hells Angels, tout en reprenant pour la première partie du nom le diminutif de Marrakech (« Kesh »). Les portraits saisis ici sont ceux de femmes vêtues de djellaba, de foulards, de voiles ou d’autres éléments traditionnels avec lesquels contrastent la modernité et l’aspect étonnant de certains détails, comme la couleur vive des tissus, les motifs léopard, les lunettes de soleil ou bien les chaussures imitant de grandes marques de luxe. L’allure fière et conquérante, Hassan Hajjaj les fait poser sur leur moto, transport qu’elles utilisent quotidiennement pour se déplacer dans Marrakech.

ESPACE 3 – MY ROCKSTARS
La série « My Rockstars » est un vibrant hommage aux personnalités issues de multiples horizons côtoyées par Hassan Hajjaj : célébrités internationales, mais aussi amis ou connaissances de l’artiste, inconnus du grand public. La plupart des modèles, sélectionnés tout à fait subjectivement par Hassan Hajjaj, sont souvent des musiciens aux influences variées : hip-hop, jazz ou bien encore gnaoua. On retrouve ainsi Rachid Taha, Keziah Jones ou bien Hindi Zahra.
Quelques jours avant la prise de vue, Hassan Hajjaj pense l’ensemble du décor et des vêtements afin de donner un cadre général à la séance photographique. Cette préparation permet ainsi une grande liberté au modèle à qui Hassan Hajjaj accorde une place prépondérante. Ce n’est pas uniquement sa photographie mais aussi celle de la personne saisie. C’est un travail collaboratif au cours duquel le modèle doit laisser transparaître son caractère, ses goûts, en proposant parfois lui-même les accessoires et la scénographie de la prise de vue.

ESPACE 4 – LE NOIR ET BLANC
L’exposition se clôt sur un ensemble de photographies inédites en noir et blanc. Portraits, photographies de groupes, clichés saisis dans la rue à l’aspect davantage documentaire : autant d’éléments qui tranchent formellement avec les ensembles colorés précédents.
Mais quelle que soit la série, la couleur de la photographie ou le modèle, Hassan Hajjaj se plaît à rappeler : « Je veux partager avec le monde entier ce que je connais du Maroc : une énergie et une attitude ; l’inventivité et le glamour de la mode de rue ; le graphisme étonnant véhiculé par les objets du quotidien ; la jovialité et la force de caractère des gens. »

TRANSFORMATION DE LA MEP EN MAISON MAROCAINE DE LA PHOTOGRAPHIE
À l’occasion de l’exposition, Hassan Hajjaj offre lui-même carte blanche à deux artistes marocaines qu’il invite successivement à présenter leur travail au sein du Studio de la MEP : Zahrin Kahlo (11.09-13.10) et Lamia Naji (18.10-17.11).
L’artiste investit ainsi les lieux de son univers singulier et y présente ses objets dérivés, tapis, mobiliers, vêtements… Car outre la photographie, le design et le travail de récupération sont au coeur de la démarche d’Hassan Hajjaj qui mixe influences ethniques, logos et objets du quotidien.
Ses créations s’insipirent de tous les clichés et les détournent en leur donnant une forme contemporaine au kitsch assumé. Le chameau, les babouches, le caftan, la théière, sont ainsi pour lui des emblèmes. Il transforme des cageots de soda en bancs, des pots de peintures en supports de tabourets et des signaux routiers en plateaux de tables, tandis que les boites de conserves deviennent des lustres.

> Dans le cadre de la 3ème Biennale des Photographes du Monde Arabe Contemporain

Dates

Septembre 11 (Mercredi) 11 h 00 min - Novembre 17 (Dimanche) 20 h 00 min

Lieu

La Maison Européenne de la Photographie

5/7 Rue de Fourcy 75004 Paris

La Maison Européenne de la Photographie5/7 Rue de Fourcy 75004 ParisMercredi et vendredi de 11h à 20h , le Jeudi de 11h à 22h et le week-end de 10h à 20h. Fermeture des caisses 30 minutes avant Fermeture. Entrée : Plein Tarif : 10 € / Tarif Réduit : 6 €

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mar08oct(oct 8)11 h 00 minsam30nov(nov 30)18 h 00 minLes chemises de mon pèreBaptiste RabichonCACN - Centre d'Art Contemporain de Nîmes, 25, rue Saint Remy 30900 NîmesType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Pour la dernière exposition du Centre d’art contemporain de Nîmes dans ses locaux actuels, Baptiste Rabichon dévoile une de ses recherches les plus intimes, puisant dans son histoire personnelle comme dans celle de Nîmes. Après avoir montré son travail en Inde et en Chine, à Arles, à Paris et à Roubaix, l’artiste revient dans la ville où il a ses attaches.
Il ne s’agit pas à proprement parler de souvenirs : Les Chemises de mon père ne renvoient pas uniquement à un passé lointain, à une évocation d’enfance ou à une réminiscence nostalgique – au contraire, les temporalités s’amalgament, les strates se surimposent les unes sur les autres, les matières et les techniques mixtes trament ensemble des images qui s’apparentent moins à un récit univoque qu’à la combinaison fusionnelle entre le motif, le médium et une réflexion intense sur leur alliance.
C’est qu’ici, dans ces Chemises, se rendent lisibles certains enjeux majeurs de la photographie contemporaine, tout autant que les emprunts et traces que Baptiste Rabichon doit à ceux qui l’ont précédé. En plaçant une partie de ses sujets à proximité du papier photosensible ainsi masqué, il s’inscrit dans une lignée qu’on pourrait faire remonter aux anthotypes de Sir John Herschel ou aux natures mortes cyanotypes d’Anna Atkins (Baptiste Rabichon recourt régulièrement aux végétaux, comme dans ses séries Ranelagh, Natures mortes aux silhouettes ou, plus récemment, 17ème).
L’emploi du développement chromogène, qui fonctionne par l’oxydation successive et conjointe d’une substance développatrice et d’un copulant qui la colore, témoigne d’une connaissance poussée de la chimie propre au développement de la photographie argentique, mais aussi d’un syncrétisme entre lâcher prise et contrôle du processus.
Maîtrise technique et évolution aléatoire travaillent ensemble à faire l’image.
A cette première collaboration s’en ajoute une autre, qui taraude le contemporain : la part de la machine.
L’emploi récurrent, mais sans exclusive, de la numérisation par scanner, Baptiste Rabichon l’envisage comme la possibilité de compléter son dispositif de représentation : l’oeil de l’appareil discerne et restitue ce à quoi l’oeil humain reste aveugle. Comme le Blow Up d’Antonioni l’avait synthétisé, rien ne lui échappe.
Est-ce pour l’humaniser, l’amoindrir ou simplement par jeu, les mécaniques de précision qu’utilise Baptiste Rabichon sont souvent altérées, bricolées, parasitées, tordues ; mutilées, poussées au bout de leurs capacités, elles finissent par abandonner toute retenue et livrent enfin des résultats inattendus : la tache, le glitch, la diffraction sont autant de marqueurs de phénomènes propres aux optiques actuelles qui permettent de tout rassembler sur le même plan, y compris l’acte de voir même.
Le support condense plusieurs surfaces – c’était déjà le credo des cubistes, qui s’attachaient à tout montrer, y compris les faces cachées, poursuivi par les Fabric Works de Louise Bourgeois par exemple.
Des plis pourtant referment par endroits un drapé dérobé à la vue ; des taches pourtant éclipsent des bouts de matière – c’est que la tache profane autant qu’elle protège : en maculant la peau de la photographie, elle donne accès à un second plan et permet d’appréhender la profondeur des couches et des statuts qui cohabitent dans l’image.
Différents états de mise en visibilité s’y côtoient : le même tissu est scanné, photogrammé à distance, projeté… soulevant la complexité qui construit une image.
L’imagination ne suffit pas à faire image : entre le visionnaire et sa réalisation, une suite de gestes, de phénomènes, d’événements déroule une chronologie d’épreuves. Le résultat ne sera pas un triomphe sur l’adversité, mais un palimpseste marqué par l’altérité : s’il s’agit d’être « contre la machine », ainsi que le revendique Baptise Rabichon, c’est tout autant dans un acte de résistance que dans une proximité coopérative.
L’association entre homme et machine se noue sans doute dans le rapport au code : alors que le premier cherche à entretenir un rapport authentique au réel, dispensé de la relativité et de la subjectivité du langage, le second ne s’active que selon une logique objective et préprogrammée. Entre clash et articulation, Baptiste Rabichon et ses appareils restituent ensemble une ambivalence fondamentale entre le lumineux et l’occulte.
Ainsi, si ces Chemises arborent tout à la fois le patchwork des dessins d’indiennes de Nîmes, la structure du tissu, le geste et parfois la figure (le corps) de l’artiste, elles attestent au fond de l’impureté du travail artistique, qui, enfantant d’aberrations à force d’arranger les hasards, n’est dupe ni de ses empires, ni de ses instabilités.
Jean-Christophe Arcos

Dates

Octobre 8 (Mardi) 11 h 00 min - Novembre 30 (Samedi) 18 h 00 min

Lieu

CACN - Centre d'Art Contemporain de Nîmes

25, rue Saint Remy 30900 Nîmes

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mer25sep(sep 25)10 h 00 minsam28déc(déc 28)19 h 00 minL'Appartement by Ligne RosetL'Appartement by Ligne Roset, 41, rue Auguste Comte 69002 LyonType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Organisé comme un appartement, l’espace présente une sélection volontairement limitée de la collection Ligne Roset, dans des finitions luxe, et y associe quelques pièces de mobilier et objets vintage qui donnent au lieu une touche personnelle, intimiste.
Ces 6 pièces – salons, salle à manger, bureau, chambre, jardin d’hiver – sont mises en scène par une architecture intérieure totale, faite de matières, de reliefs, de textures, de couleurs, et de lumière travaillée, signée Marie Christine Dorner.
L’idée est d’y créer une atmosphère à la frontière du grand confort domestique et de l’art, dans un esprit de recherche, de laboratoire, où le savoir-faire des artisans Ligne Roset est mis en exergue via des associations nouvelles : matières fortes et textiles raffinés, velours côtelé et tapis persan, palette de couleurs foncées posées en trois dimensions, graphismes superposés…
Pour cela, Marie Christine Dorner a invité deux partenaires en accord avec l’esprit à la fois classique et très contemporain de sa création : le fabricant de peintures et papiers peints Mériguet-Carrère et la fameuse galerie lyonnaise de photos contemporaines Le Réverbère.
Outre les objets vintage de la collection personnelle de la famille Roset, les tissus et rideaux Kvadrat / Kinnasand ainsi que les luminaires de Pierre Guariche réédités par Sammode complètent l’ensemble.
L’appartement by Ligne Roset est un concept qui donnera lieu à d’autres initiatives en France ou à l’étranger, avec d’autres architectes d’intérieur.

Arièle Bonzon, Pierre Canaguier, Serge Clément, Beatrix von Conta, Jacques Damez, François Deladerrière, William Klein, Géraldine Lay, Jean-Claude Palisse, Philippe Pétremant, Bernard Plossu

Architecte d’intérieur : Marie Christine Dorner
Commissariat : Galerie Le Réverbère

Dates

Septembre 25 (Mercredi) 10 h 00 min - Décembre 28 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

L'Appartement by Ligne Roset

41, rue Auguste Comte 69002 Lyon

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sam05oct10 h 00 min2020dim05jan18 h 30 minPicasso Au coeur des ténèbres (1939-1945)Musée de Grenoble, 5, place Lavalette, 38000 GrenobleType d'événement:Art Contemporain,Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Le musée de Grenoble présente du 5 octobre 2019 au 5 janvier 2020 une exposition intitulée Picasso 1939-1945. Au coeur des ténèbres. Réalisée en partenariat avec le Musée national Picasso-Paris et bénéficiant d’un prêt exceptionnel du Centre Pompidou – Musée national d’art moderne, cette manifestation qui rassemble 137 oeuvres (peintures, sculptures, dessins, gravures…) se propose d’étudier l’une des périodes les plus sombres de la vie et de l’oeuvre du maître espagnol.

Picasso Au coeur des ténèbres est la première exposition organisée par un musée français, consacrée exclusivement à l’oeuvre du grand artiste espagnol durant la période de la deuxième guerre mondiale. Période moins connue et moins appréciée des amateurs que d’autres plus brillantes dans la carrière de l’artiste, elle apparaît – notamment grâce à des études récentes – comme un moment charnière et passionnant dans l’oeuvre du peintre. Celle-ci, intimement liée au contexte historique de la guerre et de l’Occupation – Picasso ayant fait le choix de rester à Paris durant ces années, à l’inverse de nombres d’artistes qui avaient quitté la France ou avaient été contraints à l’exil -, sans présenter de modifications notables tant au plan thématique que formel, témoigne par un style âpre, voire ingrat, par l’omniprésence des sentiments de la mort, de la souffrance et de la peur, de l’atmosphère délétère et angoissante d’un pays sous la coupe de l’oppression nazie.

Ainsi, des quelques mois qui précèdent la déclaration de la guerre, le 3 septembre 1939, à ceux qui suivent la victoire du 8 mai 1945, l’exposition retrace, mois après mois, l’activité de l’homme et de l’artiste durant ces années douloureuses. La violence du monde se traduit alors dans son oeuvre par un style âpre aux déformations féroces, mais la puissance de vie de la création alimente pourtant un espoir que concrétise L’Homme au mouton, symbole de résistance artistique face à l’occupant.
Le parcours chronologique conduit de l’année passée à Royan, qui correspond à l’épisode de la ‘‘drôle de guerre’’, à l’établissement à Paris pendant l’occupation, dans l’atelier de la rue des Grands-Augustins, s’attachant aux jalons artistiques marquants de cette période dont les deux sommets sont sans aucun doute L’Aubade (1942) et L’Homme au mouton (1944). Durant ces années, fidèle à son obsession pour la figure féminine, Dora Maar en étant encore pour quelque temps l’incarnation principale, Picasso ne cesse de revenir aux thèmes du portrait et du nu, sous les formes les plus diverses, avec des sujets tels que la femme au chapeau, la femme assise dans un fauteuil, ou encore la femme qui se coiffe. La nature morte est un autre de ses motifs de prédilection et apparaît le plus souvent comme une allégorie de l’indigence, en ces temps où la nourriture est rare et rationnée.

Dates

Octobre 5 (Samedi) 10 h 00 min - Janvier 5 (Dimanche) 18 h 30 min

Lieu

Musée de Grenoble

5, place Lavalette, 38000 Grenoble

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