Ephéméride : Mort de Steeve McQueen (1980)

Source : fuckyeahwesterns.tumblr.com

L'Ephéméride

by La Rédaction on 7 novembre 2016

603 Views | Like

Ephéméride : Mort de Steeve McQueen (1980)

Name: Artists Friends Racists
Start: 2020-2-6T11-11-00-00
End: 2020-3-21T19-19-00-00
Location: David Zwirner Paris

Temps de lecture : 4 secondes

Steve McQueen, acteur, producteur et pilote automobile est décédé d’un arrêt cardiaque le 7 novembre 1980 à l’âge de 50 ans.

Comments

jeu06fev(fev 6)11 h 00 minsam21mar(mar 21)19 h 00 minArtists Friends RacistsJordan WolfsonDavid Zwirner Paris, 108 Rue Vieille du Temple, 75003 ParisType d'événement:Art Contemporain,Exposition,Photographie

Détail de l'événement

David Zwirner est heureux de présenter de nouvelles œuvres de l’artiste américain Jordan Wolfson dans les espaces de la galerie parisienne. L’exposition se compose d’une installation d’affichages holographiques HYPER VSN 3D projetant une série d’images élaborées par l’artiste, ainsi que d’une nouvelle série de panneaux muraux en laiton présentant des photographies de l’enfance de Wolfson. Il s’agit de la quatrième exposition personnelle de l’artiste chez David Zwirner. Une installation de ses œuvres sera simultanément présentée à la galerie Sadie Coles à Londres à partir du 30 janvier.
Depuis ses débuts, Wolfson observe l’interaction entre art, technologie, et médias de masse, explorant la façon dont l’image et l’information sont vécues et diffusées aujourd’hui. Utilisant des technologies de pointe telles que de l’animation CGI, des logiciels de reconnaissance faciale, des casques de réalité virtuelle, et des animatroniques avancés, Wolfson remet en cause la relation de l’individu aux médias, aux systèmes d’information, et à la technologie dans la société contemporaine.
Dans ARTISTS FRIENDS RACISTS, Wolfson continue à explorer la culture et la vie contemporaine américaines à travers une installation du même nom, utilisant une nouvelle technologie d’affichage holographique composée de ventilateurs tournants dont les lames intègrent des micro LED. Les LED sont programmés pour s’éclairer de manière précise tout en tournant, donnant l’illusion d’une image holographique flottant dans l’espace. Ces dispositifs uniques sont principalement à usage commercial : conçus pour séduire le consommateur et lui présenter des marques et des produits par le biais d’un langage visuel dynamique et novateur.
L’installation ici présentée se compose de ventilateurs projetant des personnages animés, des symboles et des mots, comme un coeur dessiné, un chiot, ou un chat emprisonné. La présentation est structurée thématiquement par une série de mots animés, tels que « Artists », « Friends », « Racists », qui tombent de façon intermittente. Les animations de Wolfson superposent parfois des photos et des clips vidéo qui peuvent paraître relativement anodins –- comme des cookies – tandis que d’autres représentent des sujets plus pesants, tels que des voitures de police, ou des pompiers intervenant à la suite des attentats du 11 septembre. Vue dans l’espace de la galerie, la séquence se déroule comme une danse chorégraphiée ou une composition musicale, avec des images par moments synchronisées – plusieurs ventilateurs projetant la même chose – et à d’autres, syncopées et incongrues. Les visuels et les animations semblent immatériels et flottants, comme superposés sur le monde matériel et physique. À la fois énigmatique, comique, et inquiétante, cette oeuvre montre comment les symboles, les personnages, et même le langage ont réussi à mener une vie propre au sein l’économie avancée de l’image contemporaine, existant comme des spectres qui dépassent les limitations des médias et des systèmes par lesquels ils sont véhiculés.

La galerie présente également une série de nouveaux panneaux muraux en laiton avec des impressions numériques sur substrats UV de photos d’enfance de Wolfson. Ces nouveaux panneaux font partie de sa série d’objets sculpturaux accrochés au mur, et sont les œuvres les plus personnelles de Wolfson à ce jour. Contrairement à la technologie numérique avancée des ventilateurs, les panneaux en laitons rappellent la métallurgie ancienne, la sculpture classique, et les surfaces lumineuses et dorées des églises et des retables du Moyen-âge. Isolés sur la surface du laiton, les instantanés de l’enfance dégagent une aura surréaliste, tout en étant intimement liés au propre passé de l’artiste et à l’expérience universelle de la nostalgie modérée par le biais de l’image photographique.
Jordan Wolfson est né à New York en 1980. En 2003 il obtient son BFA en sculpture à la Rhode Island School of Design. L’artiste rejoint David Zwirner en 2013 et a présenté des expositions personnelles à la galerie à New York en 2014, 2016, et 2018.
En 2018, Colored sculpture (2016) de Jordan Wolfson est exposé pour la première fois à Londres dans les Tanks de la Tate Modern. La même année, The Broad à Los Angeles présente Female figure (2014).
En 2016, le Stedelijk Museum Amsterdam organise une étude en deux parties de l’œuvre de l’artiste : MANIC/LOVE/TRUTH/LOVE. Jordan Wolfson : Ecce Homo / le Poseur, l’exposition la plus complète de son œuvre à ce jour, est organisée par le Stedelijk Museum voor Actuele Kunst (S.M.A.K.) à Gand et présentée en 2013.
Parmi les autres institutions ayant présenté des expositions monographiques de l’artiste, on peut citer Moderna Museet, Stockholm (2019) ; Schinkel Pavillon, Berlin (2018) ; Pond Society, New Century Art Foundation, Shanghai (2017) ; Cleveland Museum of Art (2015) ; Kunsthalle Wien, Vienne ; REDCAT, Los Angeles (tous deux en 2012) ; Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf (2011) ; CCA Wattis Institute for Contemporary Arts, San Francisco (2009) ; Swiss Institute of Contemporary Art, New York (2008) ; Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea di Bergamo, Italie (2007) ; et le Kunsthalle Zürich (2004). En 2014, une sélection des œuvres vidéo de Wolfson est présentée aux McLellan Galleries à Glasgow dans le cadre de la 6eme édition de Glasgow International.
Les œuvres de Wolfson sont présentes au sein des collections publiques du monde entier, dont celles du Art Institute of Chicago ; The Broad, Los Angeles ; Cleveland Museum of Art, Ohio ; Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Turin ; Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea di Bergamo, Italie ; Fonds national d’art contemporain (FNAC), France ; LUMA Foundation, Zurich ; Magasin III Museum and Foundation for Contemporary Art, Stockholm ; Moderna Museet, Stockholm ; Museum of Contemporary Art Chicago ; Museum Ludwig, Cologne ; The Museum of Modern Art , New York ; Stedelijk Museum voor Actuele Kunst (S.M.A.K.), Gand ; Tate, London ; et Whitney Museum of American Art, New York. Il vit et travaille à Los Angeles.

Dates

Février 6 (Jeudi) 11 h 00 min - Mars 21 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

David Zwirner Paris

108 Rue Vieille du Temple, 75003 Paris

Calendrier GoogleCal

mer05fev(fev 5)10 h 00 minmer26(fev 26)19 h 00 minPOG9317Raphaël Lods Espace JB, 32 rue des Noirettes studio 526 Carouge 1227 SwitzerlandType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

De retour dans l’unité d’oncologie, je vais m’asseoir sur une chaise et observe les va-et-vient incessants du couloir. Les infirmiers et docteurs marchent d’un pas décidé, savent où ils vont, avec quels patients ils ont rendez-vous et quels traitements leur donner. Ils sont ponctuellement accompagnés du roulement d’un chariot préparé pour un soin; la bâche en plastique couvrant une machinerie complexe frémit à chacun de leur passage, souffle régulier rythmant leur course.

J’entends des bribes de conversation: cette adolescente des premiers jours en soin palliatif va pouvoir partir pour un temps en vacances. Je me sens plein d’une tristesse sereine: elle est en vie. Une infirmière sort d’une chambre. Elle me sourit: son soin est terminé, la mère sera sûrement intéressée. Je rentre alors et aperçois l’enfant le plus jeune rencontré jusqu’ici. À neuf mois, il a déjà passé près de la moitié de sa courte vie à l’hôpital. Une greffe s’approche, le transfert en isolette aussi. La mère m’explique, son fils vit bien l’hospitalisation, il est bien trop jeune pour comprendre. Il joue, semble presque apprécier les visites du corps médical. Quand je m’intéresse à sa façon de traverser cette épreuve elle s’ouvre et me raconte ses journées et sa quête de raisons. Je fais quelques images, l’enfant me regarde, étonné presque. Lorsque, fatigué, il demande sa mère, je comprends que mon temps se termine et m’éclipse.

Je profite que la chambre mitoyenne soit vide pour y rester quelques instants. «Une fois, je me suis couché dans un lit, pour voir ce que les enfants voient, pour me mettre à leur place. Pour comprendre» m’a dit une infirmière. J’aime cette démarche et je choisis de l’imiter, mes pieds dépassants du lit d’une bonne vingtaine de centimètres me rappellent le nombre d’années qui me séparent de mon hospitalisation en oncologie. Je fixe le plafond et me questionne. Où en suis-je dans mon parcours mémoriel?
Je me mets en scène dans la chambre, fait des autoportraits, rejoue les rôles de ces scènes qui m’ont construit. En attendant la prochaine rencontre, je pars en quête d’air libre. Des jeux de mes souvenirs ne reste que l’âne en métal, statue solitaire et témoin discret du temps passé. Je n’ose imaginer le vertigineux nombre d’enfants qui, comme moi, ont joué, jouent, et joueront avec.

Je fais quelque pas, souris à une famille. Un père croisé plus tôt est assis sur une marche, seul. Les yeux fermés, il semble profiter du soleil et de ce bref moment de calme au milieu de sa tempête d’inquiétudes. Quelques mètres plus loin, un groupe d’adolescents discute bruyamment, l’une d’entre eux est sous perfusion, les autres semblent vouloir lui changer les idées, et, à force de chutes de trampoline la font rire. Je m’assois et les observe du coin de l’oeil. La douceur frivole de ce moment me fais oublier les réalités de ces murs.

Raphaël Lods, né en 1997, après avoir accompli une formation ES2 à l’école de photographie de Vevey est actuellement inscrit pour une Master à l’ENSP d’Arles.

Expositions (group shows):
2018 Photoforum Pasquart de Bienne (CH)
2018 Konsulat Praettigau, Varsovie (PL)
2019 Théâtre Vidy, Lausanne (CH)
2019 Forum d’Architecture, Lausanne (CH)
2019 Galerie Arena à Arles (FR)

Dates

5 (Mercredi) 10 h 00 min - 26 (Mercredi) 19 h 00 min

Lieu

Espace JB

32 rue des Noirettes studio 526 Carouge 1227 Switzerland

Calendrier GoogleCal

ven14fevdim01marEmbracingExposition CollectiveThe American University of Paris, 6, rue Colonel Combes 75007 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Dans le cadre du Black History Month, la curatrice Jacqueline Ngo Mpii a invité six artistes autour de « Embracing ».
Beya Gille Gacha, Kouka Ntadi, Helene Jayet, Fred Ebami, Murielle Kabile et Dimitri Fagbohoun.
L’exposition est ouverte le vendredi de 8:30 à 23:45, le samedi de 10h à 23:45 et le dimanche de 13h à à 23:45.
Attention de vous enregistrer 48h à l’avance à cette adresse :
https://www.aup.edu/news-events/event/2020-02-13/public-vernissage-embracing-black-history-month-exhibition-curated

What does Black History Month, which is an annual celebration that commemorates the achievements of major African-American figures and their role within the United States mean around the world?
What does it mean for a country like France, which has the largest African diaspora in Europe, and where talking about race and colorism is still an issue?
Embracing is the assertive and assumed expression of artists from the French art scene, who express on canvas and sculpture the memory of those who are not studied and not heard, those who play a major role within the society without acknowledgment, and finally, the representation of themselves within the society.
Embracing is the promotion and celebration of Black culture in French society.

Dates

Février 14 (Vendredi) 8 h 30 min - Mars 1 (Dimanche) 23 h 45 min

Lieu

The American University of Paris

6, rue Colonel Combes 75007 Paris

Calendrier GoogleCal

sam25jan(jan 25)10 h 00 mindim10mai(mai 10)18 h 00 minBoîte noire : Nina Berman & Jon LowensteinMathieu Van AsscheLe Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles, 11 Avenue Paul Pastur, 6032 Mont-sur-Marchienne, BelgiqueType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Pendant une année, le Musée de la Photographie a choisi de présenter le travail « filmé » de l’agence NOOR dans sa Boîte Noire. L’agence, qui rassemble des photographes talentueux et internationaux, propose des reportages et des documentaires engagés sur l’actualité.
Privilégiant des sujets « en marge » de ce que les médias traditionnels ont l’habitude de nous montrer, c’est au coeur même des problématiques contemporaines que nous
emmènent les images de NOOR. Le panel de leurs travaux est vaste et le musée a décidé de consacrer, pendant une année entière, sa Boîte Noire à l’agence. Chaque cycle
d’exposition temporaire correspond à une problématique soulevée par NOOR. Cette troisième et dernière session est consacrée à la politique américaine et aux fractures
sociales qui gangrènent le pays.

Qui est NOOR ?
Révolte
Nous sommes un collectif indépendant d’auteur-e-s, de journalistes, de photographes, d’artistes et de cinéastes. Avec intégrité, passion et respect, nous documentons, enquêtons et témoignons de notre monde pour inspirer l’action.
Nous racontons des histoires qui ont un impact sur notre humanité.
Nous affirmons avec force le pouvoir de notre narration visuelle pour contribuer à une meilleure connaissance du monde, provoquer des changements sociaux et modifier notre compréhension du monde contemporain et de ses enjeux.
Nous pensons « que certaines choses ont simplement besoin d’être vues ».
La photographie est notre forme de résistance et notre révolte.
Notre combat est celui de l’engagement, de l’activisme par le medium visuel et photographique.
NOOR, signifie Lumière en arabe, a été créée en 2007 comme une entité commerciale et une fondation pour permettre à ses membres – actionnaires de prendre le contrôle de leur travail et de tirer parti de la force de cette communauté groupe dans un paysage médiatique en pleine mutation.
NOOR se compose de quatorze photographes : Nina Berman (États-Unis), Pep Bonet (Espagne), Andréa Bruce (États-Unis), Arko Datto (Inde), Alixandra Fazzina (Royaume-Uni), Tanya Habjouqa (Palestine), Yuri Kozyrev (Russie), Bénédicte Kurzen (France), Sebastian Liste (Espagne), Jon Lowenstein (États-Unis), Kadir van Lohuizen (Pays-Bas), Léonard Pongo (Belgique), Sanne De Wilde (Belgique) et Francesco Zizola (Italie).

1. Triumph of the shill – Nina Berman – 10:21
Prenant Washington D.C. et la Trump Tower de New York comme toile de fond, le court métrage de Nina Berman, Triumph of the Shill, utilise le classique de propagande nazie de Leni Riefenstahl comme plan esthétique pour envisager l’élection et l’investiture de 2017 du président américain Donald J. Trump.
Le film de Berman s’inspire de scènes clés et de motifs visuels du film de Riefenstahl, Triumph of the Will, qui documente la conférence du parti nazi de 1934 à Nuremberg. Commandé par Adolf Hitler, Triumph of the Will, tourné en noir et blanc dramatique, célébrait le pouvoir du Troisième Reich, et présentait Hitler comme un chef suprême, vénéré par les masses aryennes.
Dans le film de Berman, les foules en adoration sont toujours présentes aux côtés des symboles contemporains de l’iconographie fasciste. Mais alors que le film de Riefenstahl célèbre le national-socialisme, celui de Berman habite l’espace de la satire noire et du surréalisme absurde. Dans le film de Riefenstahl, Hitler est à bord d’un avion volant à travers des nuages blancs, suggérant spiritualité et puissance divine. Dans le film de Berman, les nuages blancs sont remplacés par un jet de vapeur soufflant d’un tuyau d’égout sur la 5e avenue avec le gratte-ciel noir de Trump à l’arrière-plan.
Dans le film de Riefenstahl, de multiples angles de prise de vue ont capturé chaque mouvement d’Hitler. Dans le film de Berman, Trump n’est jamais vu en chair et en os. Au lieu de cela, il est une masse de pixels projetés sur des écrans devant le Lincoln Memorial, un visage souriant transformé en t-shirt ou une figure de cire grandeur nature. Son discours basé sur la promesse autoritaire d’un retour à un passé glorifié est vivement accueilli par le public américain. Berman enregistre des scènes qui font écho par leur signification et par leur esthétique aux images des partisans nazis au rassemblement de Nuremberg.
Pour ses recherches sur Triumph of the Will, Berman a visité le Centre de documentation de Munich et le site commémoratif du camp de concentration de Dachau. Elle s’est également inspirée de ses propres expériences au fil des décennies en tant que photographe couvrant la politique américaine, la suprématie blanche, le nationalisme chrétien et le mouvement des milices.

2. Lincoln’s Promise – Jon Lowenstein – 9:34
Jon Lowenstein se spécialise dans les explorations documentaires qui confrontent les domaines du pouvoir, de la pauvreté, de la discrimination raciale et de la violence. Par la combinaison de la photographie, de l’image en mouvement, de l’écriture expérientielle et de la poésie, il s’efforce d’obtenir une lecture claire et sans faille de sujets oubliés de l’histoire.
Dans Lincoln’s Promise il suit le parcours du train funéraire du président américain Abraham Lincoln. Le film retrace une partie de l’itinéraire original allant de Washington D.C. à New York en passant par Baltimore et jusqu’à Chicago.
Ce trajet est un prétexte pour aborder les sujets qui interpellent Jon Lowenstein. Abraham Lincoln reste dans l’imaginaire collectif l’homme du 13e amendement des États-Unis, celui par lequel l’esclavage a été aboli en 1865. Il est aussi tristement célèbre par sa mort, assassiné en plein théâtre en avril 1865. C’est donc sur les traces d’une personnalité hautement symbolique que se lance le réalisateur.
Parallèles et constats d’une société toujours fragmentée, en proie aux doutes, aux manifestations, aux injustices, émanent de ce film. Ce sont les témoignages d’Américains désabusés par une société qui leur avait promis la liberté et les images de ce racisme ordinaire présent dans une société « moderne » que nous découvrons.
Cela nous amène forcément à nous poser la question, 150 ans plus tard, de l’héritage du 13e amendement.

Dates

Janvier 25 (Samedi) 10 h 00 min - Mai 10 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Le Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles

11 Avenue Paul Pastur, 6032 Mont-sur-Marchienne, Belgique

Le Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles11 Avenue Paul Pastur, 6032 Mont-sur-Marchienne, BelgiqueLe musée est ouvert du mardi au dimanche, de 10h à 18h

Calendrier GoogleCal

sam01fev0 h 00 minmar30jui(jui 30)0 h 00 minAppel à candidature Incadaqués 2020 Organisateur: Festival InCadaques Type d'événement:PhotographieType d'événement 2:Concours

Détail de l'événement

L’Open Call InCadaqués 2020 est un concours organisé dans le cadre du Festival de photographie InCadaqués, qui se déroulera du 24 septembre au 4 octobre 2020 à Cadaqués en Espagne.

Le concours est ouvert du 15 janvier au 30 juin 2020.
L’annonce des lauréats aura lieu le 31 juillet 2020 par email.

15 projets seront sélectionnés par le Jury composé de professionnels du monde de la photographie.

* 1er Prix : exposition d’une série de 10 à 15 photos durant le Festival InCadaqués.
Les tirages, le logement durant le week-end d’ouverture du 24 au 27 septembre, ainsi que le transport depuis l’Europe est pris en charge par le Festival. Un pass VIP est offert.

* 14 finalistes : exposition d’une sélection de 3 images de chacun finalistes sera exposée durant le festival. Un pass VIP leur est offert.

Les tirages de l’exposition seront réalisés par le laboratoire Granon Digital, partenaire du Festival. L’espace d’exposition durant le Festival sera aussi dédié à la présentation des portfolios des photographes sélectionnées s’ils le souhaitent.

* Prix Coucours Instagram : en attendant la sélection finale des gagnants du concours par le Jury, une présélection des photographies « coup de cœur » seront publiées dans sur notre Instagram et réseaux sociaux du festival. Les 2 images ayant reçu le plus grand nombre de « like » seront publiée dans le catalogue InCadaqués 2020 en Risographie.

Lien vers site pour inscription :
http://www.incadaques.com/open-call-2020-fr

Lien vers site du Festival :
http://www.incadaques.com

Dates

Février 1 (Samedi) 0 h 00 min - Juin 30 (Mardi) 0 h 00 min

Organisateur

Festival InCadaquesinfo@incadaques.com

Calendrier GoogleCal

Ephéméride : Mort de Steeve McQueen (1980)

Tags

La Rédaction

Né un 18 février : L’acteur John Travolta

Sortie en salle de « Histoire d’un regard. À la recherche de Gilles Caron »

Ça s’est passé un 17 janvier : Décès de Robert Eads

Comments

Leave A Comment

Détail de l'événement

Détail de l'événement

Dates

Lieu

Détail de l'événement

Détail de l'événement

Dates

Lieu

Détail de l'événement

Détail de l'événement

Dates

Lieu

Détail de l'événement

Détail de l'événement

Dates

Lieu

Détail de l'événement

Détail de l'événement

Dates

Organisateur

novembre 2016
L	M	M	J	V	S	D
« Oct				Déc »
	1	2	3	4	5	6
7	8	9	10	11	12	13
14	15	16	17	18	19	20
21	22	23	24	25	26	27
28	29	30

Ephéméride : Mort de Steeve McQueen (1980)

Tags

La Rédaction

Related

Comments

Leave A Comment

Détail de l'événement

Détail de l'événement

Dates

Lieu

Détail de l'événement

Détail de l'événement

Dates

Détail de l'événement

Détail de l'événement

Dates

Détail de l'événement

Détail de l'événement

Dates

Détail de l'événement

Détail de l'événement

Dates

Organisateur