L'Ephéméride

Ephéméride (2013) : Mort de Kate Barry

La Rédaction11 décembre 2017

Temps de lecture estimé : < 1min

La photographe britannique Kate Barry, fille de Jane Birkin disparaissait le 11 décembre 2013. A 46 ans, elle fit une chute mortelle du 4ème étage de son appartement parisien.

Cette année, lors des Rencontres d’Arles, l’Abbaye de Montmajour lui rendait hommage avec l’exposition “The Habit of Being”.
http://9lives-magazine.com/19702/2017/07/05/arles-2017-cliches-intimistes-secrets-de-kate-barry-a-labbaye-de-montmajour/

La Rédaction

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Type d'événement

Type d'événement 2

Lieu de l'événement

Organisateur de l'événement

mar05jan(jan 5)10 h 00 mindim30mai(mai 30)22 h 00 minSahelPhilippe de PoulpiquetParc de l’Hôtel de Ville, Palaiseau, Avenue du 8 Mai 1945, 91120 PalaiseauType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Exposition présentée dans le cadre du PHOTOCLUBBING#14, Mois palaisien de la photo.

En novembre 2019, j’ai suivi, embarqué avec des militaires français, envoyé spécial pour la rédaction du journal Le Parisien, l’opération Bourgou IV dont l’objectif était de lutter contre les « groupes armés terroristes » au Sahel. J’ai photographié cette guerre dans une continuité historique avec les périodes les plus sombres du désert. J’ai choisi l’intemporalité du noir et blanc pour couvrir ce conflit, qui semble n’avoir ni début, ni fin, et qui s’étend dans le temps sur un territoire grand comme cinq fois la France. Une guerre XXL, avec ses paysages à perte de vue, ses conditions extrêmes et hostiles. Au Sahel, où l’espace et le temps paraissent sans limite, l’argentique, son aspect organique, et le panoramique se sont ici naturellement imposés dans ma démarche photographique pour couvrir cette guerre sans contour.

Philippe de Poulpiquet est né en 1972. Après des études cinématographiques, il part vivre au Cameroun en 1994 sous contrat en Coopération du Service National. De retour en France en 1996, il devient photographe indépendant et travaille pour la presse magazine. En 2000, il entame sa collaboration avec le quotidien Le Parisien / Aujourd’hui en France, où il est aujourd’hui grand reporter. Ces 20 dernières années, il a couvert les principaux conflits d’Afrique ou du Moyen-Orient. Depuis 2000, il a été envoyé spécial pour la couverture de la crise et du conflit en Côte d’Ivoire, il a couvert la guerre en Afghanistan et en Irak, les opérations militaires et le blocus à Gaza, la guerre au Liban, le tremblement de terre en Haïti, les Printemps arabes en Tunisie, en Egypte, en Libye et en Syrie, l’opération Sangaris en République centrafricaine, l’opération Serval au Mali, la guerre en Ukraine, l’ouragan Katrina en Floride ou l’ouragan Haiyan aux Philippines…
Son travail a été récompensé par le « Prix Sergent Sébastien Vermeille » de l’Armée de Terre en 2019, en 2012 par un « Award of Excellence » du prix Pictures of the Year aux États-Unis et distingué par le « Best of Photojournalism » 2012, « Grand prix des quotidiens nationaux » en 2011 pour son reportage dans les tunnels de Gaza. Projeté à plusieurs reprises au festival international de photojournalisme Visa pour l’Image, en particulier pour son travail sur les soldats français blessés tués en Afghanistan (Afghanistan : la guerre d’après), résumé dans un livre intitulé « pour la France… », publié en 2013, un travail qui a fait l’objet d’une acquisition pour les collections du musée de l’Armée à Paris.

Dates

Janvier 5 (Mardi) 10 h 00 min - Mai 30 (Dimanche) 22 h 00 min

Lieu

Parc de l’Hôtel de Ville, Palaiseau

Avenue du 8 Mai 1945, 91120 Palaiseau

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mar15déc(déc 15)13 h 00 min2021dim31jan(jan 31)19 h 00 minLos equilibrios crucialesJuanan RequenaLe Château d’Eau - Pôle photographique de Toulouse, 1, Place Laganne 31300 ToulouseType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Juanan Requena est l’artisan d’un monde original, où chaque image, chaque mot, sont une trace sur le chemin qu’il nous donne en partage. Il répète souvent No hay que detenerse (il ne faut pas s’arrêter). Il ne faudrait pas croire qu’il s’agit là d’une quelconque injonction à l’urgence, mais plutôt d’un désir tenace de tracer – plutôt que de suivre – un chemin, poursuite inlassable, avide de lumière, de fulgurances et de grâce. » Jesús Micó

La Galerie Le Château d’Eau présente l’exposition-résidence de Juanan Requena, « Los equilibrios cruciales » programmée par l’Espace Saint-Cyprien du 15 décembre 2020 au 31 janvier 2021, sur l’ensemble des galeries.
Pendant deux mois, Juanan Requena installera son atelier dans la galerie. Tout au long de cette période, il investira les lieux dans une démarche évolutive, tel un carnet de recherche et création.
Images existantes, images à inventer, écriture, pratique fragmentaire : l’oeuvre sera entière en fin de résidence, mais visible en construction au quotidien.

« Juanan Requena est un alchimiste de la lumière et du verbe, mais aussi des pierres, du bois, des cordes, du papier… Il aime gratter, coller, écrire, raturer, construire et rénover, faire et défaire, tissant sans cesse des chemins multiples dans une quête constante de la poésie du quotidien…. » Magazine 9 Lives, déc. 2016

Juanan Requena est un artiste foisonnant et un insatiable créateur. A travers des tirages argentiques veloutés, souvent virés au café sur lesquels parfois il écrit, et l’utilisation de matériaux et objets qui ont vécu, tel le bois ou des lampes récupérés, recyclés, des couvertures de livres, il crée un univers chaleureux, affectif, inventif et mystérieux.
Chacune de ses séries regorge de réflexions, d’objets uniques, d’accrochages fantaisistes, de journaux et d’agendas aux façonnages variés : carnets, accordéons, collages… Il interroge autant la pratique du tirage argentique, le rapport de l’écrit et de l’image, que la forme du livre d’artiste.
A l’instar d’un road trip, son travail trace une route nourrie de son histoire personnelle de voyage, d’erreurs, de petits boulots et de tournées avec des groupes de rock.
A la fois intimiste et accessible, son œuvre invite à rechercher l’intensité dans chaque instant tout en explorant un ressenti philosophique de vie, jour après jour, sublimé par la photographie.

Juanan Requena, photographe espagnol, né en 1983 vit et travaille à Nauchipán en Espagne.
Il est représenté par la Galerie Vu’ en France.
Fort de multiples expositions personnelles (Espagne, France, Suisse, Chine), d’un prix du livre à PhotoEspaña et finaliste à Arles en 2017, Juanan Requena s’annonce comme un des grands photographes espagnols de sa génération.

Dates

Décembre 15 (Mardi) 13 h 00 min - Janvier 31 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

Le Château d’Eau - Pôle photographique de Toulouse

1, Place Laganne 31300 Toulouse

Le Château d’Eau - Pôle photographique de Toulouse1, Place Laganne 31300 ToulouseOuvert de 13h à 19h du mardi au dimanche

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jeu07jan(jan 7)0 h 00 mindim24(jan 24)0 h 00 min(Un)itéHsin-Yun TsaiAtelier d'Artistes de Belleville, 1 Rue Francis Picabia, 75020 ParisType d'événement:Art Contemporain,Exposition,Photographie

Détail de l'événement

L’exposition (Un)ité interroge les liens entre la mémoire, le temps et l’existence humaine. Elle envisage ces derniers tant du point de vue de l’expérience personnelle, qu’au prisme de l’histoire et de la société.

Le titre, “(Un)ité”, renvoie à un système inventé par l’artiste, dont les éléments représentent divers états de l’existence. Il s’agit d’une combinaison de la racine « un » et la terminaison « -ité ». « Un » relie deux notions opposées, telles que je et tu, le passé et le présent, le visible et l’invisible, qui se rencontrent en un point de jonction pour raconter une nouvelle histoire, alors que « -ité » indique la caractéristique actuelle du phénomène.

L’exposition rassemble différentes expressions d’images : la photographie argentique, la photo-sculpture et les installations.

L’artiste s’intéresse aux frontières entre les individus et l’histoire, entre les patrimoines politique et culturel. Quand cesserons-nous d’être des individus pour participer de l’Histoire commune ? Elle explore les structures sociales qui nous gouvernent tous, enquêtant sur le temps comme système sur lequel nous construisons notre réalité partagée.

Diverses formes de documents d’archives servent de fondement à ses œuvres : elles soulèvent des objets, des espaces et des personnes hors de leur contexte historique et les situent dans notre époque actuelle afin de reconstruire leurs sens et leur signification. Le travail de Hsin-Yun Tsai montre de façon évidente que notre existence et le moment dans lequel nous vivons seront toujours influencés par les expériences accumulées dans notre passé, ainsi que par notre perception du temps. Nous sommes toujours ancrés dans nos souvenirs et le temps, modelés par notre époque.

L’exposition se déroule en deux parties :

Dans la première, le langage de la « double image » se dévoile. Mis en lumière, ce langage fait découvrir à quel point l’image est symbolique. Tout peut passer par la lumière. Les deux opposés, l’un et l’autre, se rencontrent en passant à travers le préambule d’une relation formant une histoire commune.

Dans la seconde partie, l’image photographique manifeste sa production et sa « re-production » et symbolise notre expérience du passage du temps dans la mémoire. Le regard est comme un voyage d’une vision vers l’infini. Le corps humain donne au temps sa silhouette, brisant les frontières du visible et de l’invisible.

L’intérêt moteur de cette exposition est l’état intermédiaire entre l’un et l’autre, le réel et l’imaginaire, l’authentique et le construit. La photographie, en particulier, devient un médium qui cultive cette ambiguïté et forme finalement le récit qui ne peut être représenté dans un langage ou une pensée.

Ekaterina Skorokhodova, commissaire

Dates

7 (Jeudi) 0 h 00 min - 24 (Dimanche) 0 h 00 min

Lieu

Atelier d'Artistes de Belleville

1 Rue Francis Picabia, 75020 Paris

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mar05jan(jan 5)9 h 30 mindim31(jan 31)18 h 00 minPapa, il a tué mamanCécile MartinCentre social les Hautes Garennes, 32, rue Gustave Flaubert, 91120 PalaiseauType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Exposition présentée dans le cadre du PHOTOCLUBBING#14, Mois palaisien de la photo.

En 2019, 149 femmes sont mortes en France sous les coups de leur compagnon ou ex-compagnon. Afin de rendre visible ces victimes dans l’espace public, celles que l’on appellera bientôt « les colleuses » ont commencé au début septembre 2019 à afficher des slogans dénonçant les féminicides dans les rues de Paris et d’autres grandes villes. Toujours la même identité graphique : des lettres noires sur feuilles blanches format A4. C’est par hasard que je suis tombée sur deux d’entre eux lors d’une promenade parisienne. Parfois un sujet photographique vous tombe juste dessus, comme une évidence. Il importait de rendre compte de cette éclosion de paroles sur les murs parisiens. J’ai donc continué à les collecter les mois suivants. Peu à peu, au fil de mes marches, les mots se déposaient en moi. Il m’est arrivé de repasser devant un slogan, maintenant à moitié arraché. Mais malgré la nature éphémère du collage, les slogans ont essaimé dans les rues et imposé la question des violences conjugales dans le débat public.

Cécile Martin, née en 1963, fut très tôt une ardente cinéphile, tout en pratiquant ponctuellement la photographie de voyage. Michelangelo Antonioni, Wim Wenders ou Krzysztof Kieslowski sont les réalisateurs qui ont formé son regard. Polytechnicienne, chercheuse au CNRS, c’est seulement en 2008 qu’elle se met à pratiquer plus assidûment la photographie, numérique désormais. En 2011, elle rejoint le photo-club de la MJC de Palaiseau, lieu d’échanges et d’émulation. En 2015, elle est programmée à Photoclubbing, le mois palaisien de la photo, où elle expose Cross-Country, un reportage humaniste en noir et blanc sur ce sport, puis à nouveau en 2017 avec Bus Traveling, sorte de carnet de voyage dans les bus parisiens. Cécile Martin a une préférence pour le reportage d’auteur, genre photographique qui fixe la mémoire et le temps et qui, au final, permet de parcourir le monde tout en se définissant soi-même.

Centre social les Hautes Garennes, 32, rue Gustave Flaubert, Palaiseau, ouvert mardi-jeudi 9h30-12h30 et 16h-18h, mercredi-vendredi 9h30-12h30 et 14h-18h, samedi 10h-12h30 et 14h-18h, fermé le dimanche.
Entrée libre

Dates

5 (Mardi) 9 h 30 min - 31 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Centre social les Hautes Garennes

32, rue Gustave Flaubert, 91120 Palaiseau

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mer16sep(sep 16)12 h 00 min2021dim14mar(mar 14)19 h 00 minMiguel Rio BrancoŒuvres photographiques 1968-1992LE BAL, 6, Impasse de la défense 75018 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

« Seul un petit nombre d’entre nous, au milieu des grands agencements de cette société, se demande encore naïvement ce qu’ils font sur le globe et quelle farce leur est jouée. Ceux-là veulent déchiffrer le ciel ou les tableaux, passer derrière ces fonds d’étoiles et ces toiles peintes, et comme des mioches cherchant les fentes d’une palissade, tâchent de regarder par les failles de ce monde. »
— George Bataille

LE BAL présente le travail photographique de la première période (1968-1992) de l’artiste brésilien Miguel Rio Branco, figure majeure de l’art contemporain dans son pays, connu dans le monde entier pour ses installations et oeuvres multimédias.
De ses débuts en noir et blanc à New York en 1970, où son attention se porte sur les quartiers déshérités de la ville, à son travail couleur essentiel réalisé au Brésil notamment à Salvador de Bahia, jusqu’aux images du Mexique au milieu des années 1980, l’exposition restituera l’évolution de son regard photographique, intrinsèquement lié à sa pratique picturale.
« Je ne suis pas un coloriste comme Matisse, ma vision est plus sombre, à la manière de Goya » dira Miguel Rio Branco.
Dépassant une simple lecture formelle de son travail, le choix des oeuvres – pour la plupart tirages d’époque jamais exposés en France – mettra en avant les télescopages permanents de matières et de gestes opérés dans ses images. Auscultant les corps et leur inscription dans l’espace, rendant visibles les marques du temps et des structures sociales, ses images rendent compte d’une vision viscérale immergée dans la noirceur et la violence de son temps.

LE COUTEAU PAR TERRE
EXTRAITS DU TEXTE INÉDIT DE JEAN-PIERRE CRIQUI PUBLIÉ DANS LE LIVRE QUI ACCOMPAGNE L’EXPOSITION.

Dans la mesure où elle découpe à même le vivant, la photographie se laisse envisager comme étant d’ordre sacrificiel :
tel un papillon épinglé, ce qu’elle prélève est toujours simultanément exalté et immolé. Il y va du sauvetage, de la sauvegarde, mais aussi de la conjuration ou de la perdition. Cette tension extrême, en permanence au bord du déchirement, hante les images de Miguel Rio Branco. C’est leur basse continue.
*
Les photographies de Miguel Rio Branco (qui est aussi peintre, et l’a été avant de devenir photographe) nous proposent un vaste catalogue de matières, assemblé avec un oeil sensible à la transmutation esthétique des motifs les plus humbles ou les plus vils. On pense ici à Baudelaire et son évocation du chiffonnier dans Les Paradis artificiels : « Tout ce que la grande cité a rejeté, tout ce qu’elle a perdu, tout ce qu’elle a dédaigné, tout ce qu’elle a brisé, il le catalogue, il le collectionne. Il compulse les archives de la débauche, le capharnaüm des rebuts. » L’excès est ce qui caractérise ici la matière – d’où cette « asphyxie » dont Miguel Rio Branco a parlé au sujet de la photographie : excès de la vie qui s’agite en tous sens, et de la mort au travail qui en forme l’inséparable envers.
*
Apothéose des sols, les photographies de Miguel Rio Branco regardent plus volontiers vers le bas que vers le haut. Peu de ciels ou d’horizons dans ces vues où la terre attire tel un aimant, jusqu’à l’engloutir, tout ce qu’elle supporte. Royaume des traces et des ombres, plaque sensible où le temps laisse inlassablement son empreinte : deux hommes s’y étreignent, lutte ou jeu, aux pieds d’un troisième qui projette sur eux sa silhouette; les déchets les plus dérisoires, les plus mirifiques, y convergent; les imprimés viennent s’y disperser en masse, les animaux y mourir. Le sol célébré par Miguel Rio Branco exhale toujours un avant-goût du séjour des disparus. C’est le lieu par excellence de l’inquiétude, voire de l’affolement. C’est aussi le motif où se concentre un éventail de résonances esthétiques : Dirt Painting et Combines (par leur goût du rebut et de l’horizontalité) de Rauschenberg, Matériologies et Texturologies de Dubuffet, plastiques, bois et tôles brûlés par Alberto Burri, scatter pieces de Robert Morris.
Jean-Pierre Criqui est conservateur au service des collections contemporaines du Musée national d’art moderne.

Dates

Septembre 16 (Mercredi) 12 h 00 min - Mars 14 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

LE BAL

6, Impasse de la défense 75018 Paris

LE BAL6, Impasse de la défense 75018 ParisLE BAL est une plateforme indépendante d’exposition, d’édition, de réflexion et de pédagogie, dédiée Mercredi 12h - 22h Nocturne. Jeudi 12H - 19H Soirées BAL LAB 20H-22H (Fermeture de l'exposition à 19H) et le Vendredi, samedi, dimanche 12H - 19H. Fermé le Lundi et Mardi

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