Les Amoureux de la Bastille, 1957 © Willy Ronis / Ministère de la Culture et de la Communication / Médiathèque de l’architecture et du patrimoine / Dist RMN-GP

L'Ephéméride

by La Rédaction on 14 août 2018

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Né un 14 août 1910 : Willy Ronis

Name: Fabriqueurs d'Images
Start: 2020-3-13T14-14-00-00
End: 2020-5-30T18-18-00-00
Location: Galerie Le Lieu

Temps de lecture : 14 secondes

Le photographe humaniste français Willy Ronis est né le 14 août 1910 et mort le 11 septembre 2009. Jusqu’au 29 septembre, retrouvez l’exposition « Willy Ronis par Willy Ronis » au Pavillon Carré de Baudouin.

INFORMATIONS PRATIQUES
Willy Ronis par Willy Ronis
Films, photos.
Commissariat : Jean-Claude Gautrand et Gérard Uféras.
du 27 avril au 29 septembre 2018
Pavillon Carré de Baudouin
121 rue de Ménilmontant
75020 Paris
du Mardi au Samedi, de 11h à 18h
Entrée Libre

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jeu05mar(mar 5)10 h 00 minsam25avr(avr 25)19 h 00 minHá Terra ! (Terre !)Exposition CollectiveCentre national de la danse, 1 rue Victor Hugo 93507 PantinType d'événement:Art Contemporain,Exposition,Photographie

Détail de l'événement

« Há Terra ! (Terre !) » emprunte son titre au film de l’artiste d’origine brésilienne, Ana Vaz.
L’exclamation fait d’abord écho au fracas de la conquête coloniale et annonce l’appropriation brutale de terres dites nouvelles. Mais, là où se déroule le récit, dans les hautes herbes du Sertão, au fin fond du Nordeste, ce cri peut aussi s’entendre comme l’affirmation par les Sans-terre, les dépossédés, de leurs revendications. Les œuvres rassemblées, ici, tirent leurs forces de cette dynamique dialectique ; elles sont formes et contre-formes ; elles révèlent la violence, la domination, le deuil et se présentent dans le même temps comme des talismans, des antidotes, des formules pour contrer.

À rebours des hiérarchies mortifères et des systèmes de prédation organisée, elles désignent les zones de friction mais aussi les passages et les alliances possibles entre les règnes minéral, végétal, animal et les humains. Des terres battues d’une fonderie de Ouagadougou à celle d’un cimetière oublié au Sénégal, des mines aurifères de Guinée et du Portugal à la glaise des rivages de La Réunion, se dessinent des ramifications souterraines, celles de l’exploitation coloniale et de la résistance des mythes.

La terre est fouillée dans ses profondeurs historiques, transformée par des opérations alchimiques. Au fond du tamis, la merde, les cendres, l’or, les graines – des « substances transgressives », pour reprendre la terminologie de l’anthropologue Michael Taussig dans son Musée de la cocaïne – nourrissent le terreau de nouvelles cosmogonies.

—

Avec les œuvres de : Maria Thereza Alves – Filipa Cesar – Thierry Fontaine – Otobong Nkanga – Gabriel Orozco – Jean-Marie Perdrix – Ana Vaz

Une proposition de Juliette Pollet, conservatrice du patrimoine, responsable de collection au Centre national des arts plastiques (Cnap).
Oeuvres de la collection du Cnap au CN D, en écho au Festival Panorama Pantin.

Du lundi au vendredi de 10:00 à 19:00, le samedi de 13:00 à 19:00 et les soirs de représentation

Photo : Thierry Fontaine © Adagp, Paris, Cnap, crédit photo Yves Chenot

Dates

Mars 5 (Jeudi) 10 h 00 min - Avril 25 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Centre national de la danse

1 rue Victor Hugo 93507 Pantin

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dim01mar0 h 00 minlun18mai(mai 18)0 h 00 minAppel à projets pour le prix Culture Boost pour Start-up & étudiants Organisateur: Agrandisseur Fisheye Type d'événement:PhotographieType d'événement 2:Subvention

Détail de l'événement

Culture Boost récompensera une start-up ou un projet étudiant dans les domaines de la culture et de l’image.

Pour la troisième année consécutive, l’Agrandisseur Fisheye lance un appel à projets pour Culture Boost, son concours d’accompagnement de projets culturels à destination des étudiants. Tourné vers l’innovation, désireux de susciter l’envie d’entreprendre dans le secteur culturel, l’Agrandisseur Fisheye ouvre cette année pour la première fois son appel à projets au niveau national, après deux éditions concentrées sur l’Ile-de-France. Tous les étudiants (ou diplômés en 2019) en France peuvent participer, dès lors qu’ils portent un projet dans les domaines de la culture et de l’image.

Les candidats doivent envoyer avant le lundi 18 mai 2020 la présentation écrite de leur projet. Si leur projet est retenu, ils passeront devant le jury d’oral du 1er au 8 juin 2020 à Paris. Le lauréat sera connu fin juin et recevra un financement direct de 3 000 euros. Certains projets pourront également être présentés au comité de sélection de l’Agrandisseur Fisheye qui propose des accompagnements dédiés et sur-mesure d’une durée de six mois.

En 2019, le prix Culture Boost avait récompensé One.O.1, start-up qui propose l’installation d’un écran adapté à la diffusion d’œuvres d’art dans des lieux privés (hôtels, restaurants, bureaux) pour y célébrer l’art numérique.

TÉLÉCHARGEZ L’APPEL À PROJET

L’Agrandisseur Fisheye accompagne déjà :
Spotr – apps.apple.com/fr/app/spotr-tous-les-spots-photo/id1151859681
Komito – komito.fr
Blinkl – blinkl.com
Art of Corner – www.artofcorner.fr

www.agrandisseurfisheye.fr

Dates

Mars 1 (Dimanche) 0 h 00 min - Mai 18 (Lundi) 0 h 00 min

Organisateur

Agrandisseur Fisheye 8-10 passage Beslay 75011 Paris

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ven13mar(mar 13)14 h 00 minsam30mai(mai 30)18 h 00 minFabriqueurs d'ImagesExposition CollectiveGalerie Le Lieu, Hôtel Gabriel - Aile Est Enclos du Port - Enceinte du Péristyle 56100 LorientType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Cette exposition collective, rassemble six photographes bretons travaillant sur la fabrication des images à travers plusieurs anciens procédés et montages photographiques (manuels et numériques). Ils nous invitent à découvrir une réappropriation de l’histoire de la photographie, avec les objets photographiques et expérimentations de : Avec Estelle Chaigne, Nicolas Hergoualc’h, Mael Le Golvan, Marie Rameau, Gauthier Sibillat, Carolina Valladares.

Une invention permet de réinventer le présent.
Elle n’existe qu’en s’appuyant sur ce qui demeure, sans pour autant le faire disparaître.
Dans certains cas, elle permet à ses antécédents de se réinventer.
La naissance de la photographie, loin de faire disparaître la peinture, lui a permis de se transcender.
Face à son réalisme, la peinture s’est extraite de ses ateliers et à vécu une évolution majeure : l’Impressionisme.
L’arrivée du cinéma, loin de faire disparaître la photographie, lui a apporté une de ses évolutions techniques déterminantes : la couleur.
Le support numérique, loin de faire disparaître les supports physiques, incite un retour vers les anciens procédés ce qui permet de les faire évoluer tout en conservant un grain si particulier, une intemporalité, une imprécision, une qualité et une authenticité que les retouches numériques ne peuvent atteindre.
Suite à ce constat et une profonde attirance pour l’Histoire de la Photographie, est née l’idée de rassembler des photographes contemporains utilisant des anciennes techniques photographiques afin de revisiter cette histoire de la photographie. territoire breton.
Ils créent, ils fabriquent matériellement et visuellement une image, par le procédé, la technique, par l’émotion puis l’intention.
Nous retrouverons plusieurs réappropriations d’anciens procédés et d’outils (appareils) photographiques comme le sténopé avec Carolina Valladares et Estelle Chaigne, la photogravure avec Nicolas Hergoualc’h, les plaques de verre avec Marie Rameau, les photogrammes avec Mael Le Golvan et pour terminer, les montages (manuels et numériques) avec Gauthier Sibillat. Certains expriment leurs émotions, leurs souvenirs à travers des pratiques anciennes pour matérialiser la fragilité de ces instants, d’autres expérimentent et élaborent des protocoles de fabrication d’images.
Contrairement à une des volontés premières de la photographie qui était de la rendre reproductible, nous sommes ici face à des objets photographiques uniques, bien que tous utilisent d’une manière ou d’une autre les outils technologiques d’aujourd’hui. Ce savant mariage entre l’ancien et le contemporain leur permettant de manipuler, numériser, scanner leurs négatifs ou le résultat final de leurs procédés, les images présentées ne se retrouveront jamais dupliquées avec la même facture.
Grâce aux connaissances techniques, technologiques et grâce à leurs univers singuliers, ces photographes nous offrent une vision et une réflexion sur les différentes pratiques photographiques et leurs évolutions.
Emilie Teulon, Février 2020

Dates

Mars 13 (Vendredi) 14 h 00 min - Mai 30 (Samedi) 18 h 00 min

Lieu

Galerie Le Lieu

Hôtel Gabriel - Aile Est Enclos du Port - Enceinte du Péristyle 56100 Lorient

Galerie Le LieuHôtel Gabriel - Aile Est Enclos du Port - Enceinte du Péristyle 56100 LorientOuverture du mardi au vendredi de 14h à 18h - samedi et dimanche de 15h à 18h. Fermeture les lundis et jours fériés. Entrée Libre

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sam14mar(mar 14)10 h 30 minsam09mai(mai 9)19 h 00 minMonumentalStéphane CouturierGalerie Christophe Gaillard, 5 rue Chapon 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

La Galerie Christophe Gaillard est heureuse de présenter la première exposition personnelle de Stéphane Couturier dans ses murs, « Monumental », occasion de faire découvrir au public plusieurs photographies inédites de séries connues dans le monde entier.

Arpenteur des villes depuis les années 1990, Stéphane Couturier (né en 1957) a fait de l’architecture urbaine et de ses mutations contemporaines le sujet principal de ses photographies. Il a révélé dans ses premières œuvres les transformations d’urbanismes anonymes (Archéologies urbaines, 1995-1998 ; Monuments, 1999-2002) avant de s’intéresser à l’architecture de villes construites ex nihilo par les architectes du XXème siècle (Chandigarh conçue par Le Corbusier, Brasilia par Lucio Costa et Oscar Niemeyer ou encore la cité Climat de France à Alger par Fernand Pouillon). Depuis 2004 le photographe a pris le tournant de la révolution du numérique. Il crée des « images numériques mouvantes »[i] pour faire voir – révéler – le tissu urbain et penser les espaces que nous habitons. De la série Melting point (à partir de 2004) à celle des Nouveaux constructeurs (depuis 2018), les strates du réel se superposent et s’hybrident dans des compositions qui ouvrent un nouvel espace-temps.

Stéphane Couturier multiplie les points de vue, joue de l’enchevêtrement de détails, de l’accumulation de plans et des variations de textures au sein d’une même image pour, dit-il, « s’approcher au plus près des sensations pures que l’on perçoit lors des déambulations ». Cette approche de la photographie, qui associe un traitement proche du all-over pictural à une frontalité monumentale de l’image, est moins austère, moins systématique qu’il n’y paraît. Au contraire, elle suscite un mouvement, une fluidité qui permet à l’œil de se perdre et d’errer, dans un va-et-vient parfois à la limite de la dissolution : elle place le spectateur face à ce qui lui résiste, comme face à un fragment d’épaisseur du réel.

Les photographies de Stéphane Couturier, écrit Quentin Bajac, « ont en commun une même abolition des repères perspectifs — la grille comme absence de hiérarchie et de centre — et, la plupart du temps (…), une interaction de temporalités. Car la grille de Couturier, (…) n’est que superficiellement affaire d’espace. Elle est bien davantage, de même que toute la photographie de Couturier, affaire de temps, d’entrelacs de temporalités et d’histoires, de mémoires collectives et individuelles ». 1

Dans ses images récentes de la série des Nouveaux constructeurs, Stéphane Couturier combine des vues de la ville et du port de Sète en des compositions géométriques colorées, écho direct des toiles cubistes de Fernand Léger. Il use des outils de montage et des technologies numériques mais choisit pour le tirage de ses photographies le procédé du cibachrome (technique de l’argentique utilisée dans les années 1960, appréciée pour la qualité exceptionnelle du rendu de la couleur et de la lumière). Entre réalité et fiction, photographie documentaire et recherche plasticienne, Stéphane Couturier noue un dialogue avec la peinture qui engage une réflexion sur les potentialités de la photographie et la redéfinit, selon lui, comme « un jeu de construction et de déconstruction du réel ».

Un jeu qu’Ingrid Luquet-Gad a remarquablement étudié : « Refusant tout déterminisme du médium, mêlant procédés argentiques et numériques, la photographie est conçue comme la captation d’un possible. L’enregistrement minutieux que permet le médium est détourné de sa fonction de preuve : la photographie n’atteste plus, elle invente. Elle reconfigure, à même le réel, sans cesser de le répertorier, d’autres mondes possibles (…). Pluralisant les perspectives, la photographie se fait le vecteur d’un pouvoir exploratoire de la fiction, nous décrivant un réel qui s’invente à mesure. » [ii]

Stéphane Couturier (né en 1957) vit et travaille à Paris. Il commence sa carrière de photographe dans les années 90 et réalise de nombreuses séries remarquées, il obtient le Prix Niepce en 2003. Son travail a fait l’objet de plusieurs monographies, notamment aux Editions Xavier Barral, 2016 et est actuellement présenté à l’Artothèque d’Angers en solo show.

Ses photographies sont présentes parmi les plus grandes collections institutionnelles telles que le Centre Georges Pompidou, Paris (FR) ; la Maison Européenne de la Photographie, Paris (FR) ; le Musée d’Art Moderne et Contemporain de Strasbourg (FR) , le Los Angeles County Museum (US) ; le San Diego Museum of Photographic Arts (US), la Galerie Nationale des Etats Unis à Washington (US) ; l’Art Institute of Chicago (US) ; la Galerie nationale du Canada à Ottawa (CA) ; le Musée National d’Art Moderne du Grand-Duc Jean, Luxembourg (LU), l’Israël Museum, Jerusalem (IL) ; le Musée de l’Elysée, Lausanne (CH)…

[i] Quentin Bajac, Chandigarh Replay, Stéphane Couturier, Paris, Editions Ville Ouverte, 2007.

[ii] Stéphane Couturier, Ingrid Luquet-Gad, SC, Paris, Editions Loco, 2015.

Dates

Mars 14 (Samedi) 10 h 30 min - Mai 9 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Christophe Gaillard

5 rue Chapon 75003 Paris

Galerie Christophe Gaillard5 rue Chapon 75003 ParisDu mardi au vendredi 10h30-12h30 14h-19h et le samedi 12h-19h

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jeu05mar(mar 5)10 h 00 mindim14jui(jui 14)18 h 00 minIslande, île noireMarc PolliniMusée de la Photographie Charles Nègre, 1 Place Pierre Gautier 06364 NiceType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

De ses origines Corses, Marc Pollini a gardé une forme de simplicité dans son écriture photographique. A sa manière, tantôt très directe, tantôt par des découpages coloristes et contrastés, il montre le monde tel qu’il le voit. La thématique du vide, celle du calme et de l’absence de traces humaines y sont souvent explorées. Et pourtant il revient sans cesse dans ses photos une présence humaine, ses conditions, ses affres, tel au fil d’un voyage, d’une balade, d’une errance comme pour nous raconter une histoire. Le subjectif, le hors champs est ce qu’il privilégie dans la photo.

« J’ai voulu au travers de cette série photo sur l’Islande, mettre en avant certaines particularités de cette île. Une île où la rudesse de sa nature et son immensité prennent le dessus sur l’homme. Une forme d’enfermement s’exerce sur celui-ci et étant moi même insulaire je connais cette sensation paradoxale de nature souvent synonyme de liberté et de notion d’enfermement. C’est ce paradoxe que j’ai voulu mettre en avant dans ce travail qui a duré plus d’un an pour lequel je me suis rendu plusieurs fois en Islande en des lieux et des saisons différentes. Bien que le cadre de cette série semble clairement défini, je l’ai conçue comme à mon habitude dans la photo telle une balade ou plutôt une errance sans jamais savoir précisément ce que je cherche, dans l’attente, dans la contemplation de cette nature ou à l’affût que quelque chose se passe, comme cette rencontre avec ce vieil homme handicapé, ou cet homme tatoué qui accepte de poser pour moi dans un lieu improbable après m’avoir indiqué mon chemin à l’extrémité nord de l’île. Le choix du noir et blanc c’est imposé à moi, comme une évidence. »

Dates

Mars 5 (Jeudi) 10 h 00 min - Juin 14 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Musée de la Photographie Charles Nègre

1 Place Pierre Gautier 06364 Nice

Musée de la Photographie Charles Nègre1 Place Pierre Gautier 06364 NiceOuvert tous les jours 10h-12h30 13h30-18h

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Né un 14 août 1910 : Willy Ronis

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Carte blanche à Elisabeth Hering : Les coulisses d’un métier

Elisabeth Hering, chargée clientèle au labo Picto, est notre invitée

La poétesse Unica Zürn au Musée d’Art et d’Histoire de l’Hôpital Sainte-Anne

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