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Type d'événement

Type d'événement 2

Lieu de l'événement

Organisateur de l'événement

mar08jan(jan 8)17 h 00 min2020lun28déc(déc 28)23 h 00 minMélancolie des collinesAlain WillaumeLa Colline – théâtre national, 15, rue Malte-Brun 75020 Paris Type d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

En 2017 / 2018 pour sa première programmation à La Colline – théâtre national, Wajdi Mouawad avait souhaité mettre en résonnance et en tension le travail de l’artiste photographe Sarah Moon avec celui du graphiste-typographe Pierre di Sciullo. Pour l’année 2019, c’est Alain Willaume, photographe, qui sera aux côtés de Pierre di Sciullo dans les pages de l’almanach aussi bien que sur les murs du métro et ceux du théâtre.

Mélancolie des collines, l’installation photographique inédite d’Alain Willaume, sera présentée dans les espaces publics du théâtre à partir du 8 janvier 2019.
Les photographies, en grand format, seront accompagnées d’écritures nomades, textes de passages, changeant au gré des jours. Ils seront autant ceux des poètes, dramaturges, romanciers, philosophes ou essayistes, que ceux du public, de 2 à 110 ans.

« Nature aime se cacher1 » et celui qui montre, qui dévoile, ne trahit pas forcément cet amour de l’esquive. Montrer n’est pas toujours obscène quand montrer est offrir du mystère, inviter le regard à revenir pour raconter mille histoires, pour se perdre dans la puissance des formes, ou la profondeur des noirs, la générosité bouleversante des gris à l’infini. Le monde ne chute pas, il montre son insomnie et dans son épuisement, il nous raconte l’épuisement des humains. Instantanéité de notre harassement comme de notre fragilité. Beaucoup en font l’expérience, quand le paysage qui s’ouvre au regard révèle ce que nous ignorions de nous-mêmes. « Nature aime se cacher », jouer à la débusquer ne peut être qu’un dépassement, une bonté supérieure, un acte de bravoure.

Wajdi Mouawad
1. Héraclite d’Éphèse, vers 544 av. J.-C.

Dates

Janvier 8 (Mardi) 17 h 00 min - Décembre 28 (Lundi) 23 h 00 min

Lieu

La Colline – théâtre national

15, rue Malte-Brun 75020 Paris

Calendrier GoogleCal

jeu24sep0 h 00 minjeu24déc0 h 00 minSelfies Ego / EgauxCommissariat d'Olivier Culmann assisté de Jeanne ViguiéVilla Pérochon, 64 rue Paul-François Proust BP 59135 – 79061 Niort CEDEX 9Type d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Cette exposition est née avec la volonté d’interroger cette pratique populaire et contemporaine pour un large public, afin de permettre, entre autres, aux parents de comprendre les usages qu’en font leurs enfants, et leurs enjeux, tout en y apportant un regard neuf et critique. Finalement cette pratique questionne l’identité, la représentation de chacun, l’individu et le groupe, mais aussi la perception du groupe des images diffusées par un individu.

Cette exposition a été créée il y a un an à l’occasion du festival Portrait(s) à Vichy. À Niort, ce sera sa deuxième présentation. Olivier Culmann, membre de Tendance Floue, que nous avons accueillis lors des Rencontres de la jeune photographie internationale en 2016 avec notamment la série The Others, en est le commissaire assisté de Jeanne de Viguié.
Il interroge cette pratique populaire qui a envahi les réseaux sociaux. Avec l’humour et l’intelligence qui le caractérise, il nous livre le résultat de cette enquête par une réflexion approfondie sur cette révolution photographique et sociale, au travers d’une exposition foisonnante.

La photographie a connu ces dernières années une véritable révolution. Alors que depuis sa création, l’appareil photographique était dirigé – comme notre œil – de soi vers les autres, sa direction s’est brusquement inversée.
Je m’interroge depuis longtemps sur les raisons qui ont poussé à ce retournement vers nous-mêmes.
Comme beaucoup, je n’y ai d’abord vu que l’expression d’une époque individualiste et par conséquence d’un comportement purement égocentrique.
La série Seoulfie, que j’ai réalisée en Corée en Sud en 2014, est née de cette interrogation et proposait une “visite” de Séoul à travers ce mode opératoire de l’égoportrait.
Pourquoi, à un moment donné, avons-nous ressenti le besoin de cette inversion ?
Le mot selfie a été utilisé pour la première fois en 2002 par un étudiant australien ayant pris une photo de sa lèvre tuméfiée à la suite d’une soirée trop arrosée, afin de la transmettre à des médecins pour obtenir un diagnostic. Les jalons étaient ainsi posés. Car, bien que le mot ne soit entré dans le dictionnaire qu’une dizaine d’années plus tard, cette anecdote fondatrice rejoint la définition même du selfie : il est un autoportrait réalisé pour être envoyé à un (ou plusieurs) tiers.

Ainsi, la fonction principale du selfie est-elle de l’ordre du moyen de communication (ce qui peut même aller jusqu’à débarrasser le selfie de la nécessité de pérennité propre à la photographie : un selfie peut éventuellement disparaître après réception, comme dans l’application Snapchat par exemple). Il fut une époque où l’on s’envoyait des lettres, puis une autre où l’on se passait des appels téléphoniques, puis des messages textes et aujourd’hui l’on s’envoie des photos de soi-même pour rendre compte d’une situation : « Regarde, je suis à la plage, je suis heureux et je te le dis. »

En cela, le selfie, contrairement à la majorité des types photographiques, n’a nul besoin d’être esthétique pour exister. Au contraire, il sera plus accessible et invitera davantage à une réponse s’il reste visuellement « modeste ». Beaucoup le mépriseront ainsi pour sa « pauvreté » esthétique et n’auront de cesse que de le réduire à son caractère égocentrique. On est en droit de ne pas l’apprécier, mais on ne peut nier qu’il prolonge l’histoire et l’évolution d’une photographie rendue petit à petit accessible au plus grand nombre.

Je ne serais pas surpris que dans un avenir plus ou moins lointain, le selfie – comme bon nombre d’autres types photographiques « non professionnels » – nous offre davantage d’informations sur notre époque, nos sociétés et nos façons de vivre que les productions qui se veulent documentaires ou journalistiques.
Pour aller plus loin, j’oserais l’hypothèse que l’intérêt de la photographie réside souvent, non pas dans ce qu’elle montre, mais dans ce que sa forme et l’utilisation que nous en faisons racontent de nous-mêmes.

Olivier Culmann

Dates

Septembre 24 (Jeudi) 0 h 00 min - Décembre 24 (Jeudi) 0 h 00 min

Lieu

Villa Pérochon

64 rue Paul-François Proust BP 59135 – 79061 Niort CEDEX 9

Villa Pérochon64 rue Paul-François Proust BP 59135 – 79061 Niort CEDEX 9Du mardi au samedi de 13h30 à18h30. Fermée les jours fériés. Entrée libre

Calendrier GoogleCal

ven10jul(jul 10)10 h 00 min2021ven09avr(avr 9)18 h 00 minWhite NightGilles CoulonMudam Luxembourg - Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean, 3, Park Dräi Eechelen L-1499 Luxembourg-KirchbergType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

La lumière constitue un phénomène global. Dans son cycle naturel, elle est soumise aux lois d’une altération rythmée. Dans son contexte artificiel, elle échappe aux règles.

La lumière industrielle reste, contrairement à son pendant naturel, un facteur commode et contrôlable. Les fines nuances d’intensité et les coloris poétiques observés durant l’authentique passage de la nuit au jour sont cependant exclus du scénario revisité par l’homme. On pense à un système universellement applicable qui se résume à une forme tubulaire : le néon.

Le tube fluorescent est devenu objet d’une recherche photographique pour Gilles Coulon. Depuis l’an 2000, le photographe a suivi ses traces à travers le monde entier.

L’objet lumineux dispose d’un fort pouvoir évocateur. Il dénote les lieux de passage, de même que les endroits purement fonctionnels comme tels. L’apparence qu’il leur réserve est à la fois pesante et lyrique, uniforme et brute. Dans ces lieux – salle d’attente, supermarché, quai de gare ou bien arrêt de bus – l’éclairage reste impersonnel.

Bien que la luminosité du néon alimente efficacement le décor, son effet ne nourrit pas l’âme.

Gilles Coulon montre les facettes du néon dans toute sa splendeur superflue et dans tout son charme inattendu. « White Night » condamne l’obscurité de la nuit et éteint ainsi les étoiles. Est-ce que cette lumière réinventée saurait inspirer l’homme comme le faisait le clair de la lune avant que le tube ne vienne occuper sa scène ?

Tout à coup les ombres ressurgissent. Les effets sonores environnants se relancent et mettent fin au spectacle.

Texte : A. Meyer / Clervaux – cité de l’image

EXPOSITION OUTDOOR
Le jardin de Lélise, montée de l’église

Dates

Juillet 10 (Vendredi) 10 h 00 min - Avril 9 (Vendredi) 18 h 00 min

Lieu

Mudam Luxembourg - Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean

3, Park Dräi Eechelen L-1499 Luxembourg-Kirchberg

Mudam Luxembourg - Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean3, Park Dräi Eechelen L-1499 Luxembourg-KirchbergHeures d’ouverture Jeudi – Lundi : 10h00-18h00 Mercredi : 10h00-21h00 (Mudam Café : 10h00-23h00) Jours fériés : 10h00-18h00 24.12 & 31.12: 10h00-15h00 Fermé le mardi & 25.12 Prix d’entrée Adultes : 8€ < 26 ans & groupes (min. 15 personnes) : 5€ < 21 ans, étudiants < 26 ans, mercredi de 18h à 23h : gratuit

Calendrier GoogleCal

ven16oct(oct 16)13 h 30 min2021dim10jan(jan 10)18 h 30 minÉcrans partagés – La photographie après 31 ans de WebExposition CollectiveLe Lavoir Numérique, 10 Rue Victor Marquigny, 94250 GentillyType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Le Lavoir Numérique a pour ambition de questionner le monde par le prisme de l’audiovisuel actuel. Pour débuter cette longue et passionnante prospection, il fallait bien commencer par le commencement et s’attaquer à cette fantastique montagne qu’est le Web aujourd’hui. Exposition d’inauguration du Lavoir Numérique, Écrans partagés ouvre ainsi une première porte : celle de la photographie. Médium technologique inventé il y a presque 200 ans, la photographie est-elle toujours la même après 31 ans de Web ? Quelles nouvelles images naissent du Net ? Comment regardons-nous le monde à présent ?
Pour tenter de répondre à ces questions, l’équipe du Lavoir Numérique s’est tournée vers DIAPH 8, collectif d’artistes, praticien.ne.s et penseurs de la photographie, tous issu.e.s de la formation Photographie et Art Contemporain de l’Université Paris 8 Vincennes – Saint-Denis.

Le World Wide Web (ou Web), ce système qui permet de naviguer de site en site sur internet, a eu 31 ans cette année. Il y a également plus de 30 ans que la photographie a opéré une mutation technologique pour devenir, à l’instar des autres médias, un objet numérique. En devenant un mode d’enregistrement électronique produisant des données, la photographie n’a pas nécessairement remis en question sa nature propre ni ses principes fondamentaux (capter le réel et le transcrire sous forme d’une image) mais elle a bouleversé une histoire vieille de presque deux siècles qui la liait aux supports concrets qui la définissaient (une épreuve sur papier, une reproduction dans un magazine, etc.) et à l’usage que ces supports déterminaient. En devenant immatérielle, l’image photographique a progressivement intégré les moyens de communication élaborés par le Web ; une intégration qui, au passage, a connu une brusque et radicale accélération ces 15 dernières années.

La photographie en tant qu’objet visuel numérique ne peut toutefois pas s’envisager que sous le seul angle technologique. La production des images photographiques est certes désormais conditionnée par de nouveaux types d’appareils (les smartphones par exemple) et des logiciels innovants qui ont fait émerger des nouvelles formes visuelles et de nouveaux contenus. Mais cette production a, par la même occasion, généré de nouveaux modèles économiques, de nouveaux modes de gestion et de consommation, de nouveaux usages et de nouveaux rapports sociaux. L’image photographique, comme le souligne l’historien André Gunthert, est devenu un « objet fluide » autrement dit, un objet de données (et même de métadonnées sans lien avec le spectre visuel) malléables et transformables, un objet connecté, un objet de langage et un objet interactif.

L’exposition et la publication qui l’accompagne n’ont pas la prétention de décrire avec exhaustivité toutes les métamorphoses opérées et induites par la photographie depuis son entrée dans l’ère du web. En s’adressant à des auteur.e.s rompu.e.s à l’exercice de la pratique et de l’autoréflexion, ce projet vise simplement à esquisser les contours d’un paysage et à partager quelques réflexions. Leurs œuvres photographiques (épreuves, installations, projections) montrent, interrogent et tentent de circonscrire des sujets. Si Judith Bormand rappelle que derrière toute image photographique il y a désormais une machine, Rafael Serrano souligne quant à lui qu’en produisant et en regardant des images numériques via des tablettes ou des smartphones, nous manipulons et regardons avant tout des écrans. La profusion de photographies fait du web « une source ouverte, abondante et commune » pour Lorraine Lefort qui invente de nouveaux mythes à partir des innombrables matériaux visuels ainsi mis à la disposition de tous. Pablo-Martín Córdoba questionne de son côté l’économie de l’incommensurable quantité de photographies circulant sur le web et met en lumière le « Big data qui échappe à notre contrôle » ainsi que les centres de données (Data Centers), lieux invisibles où sont pourtant gérés, stockés et contrôlés toutes les informations. Manon Giacone montre comment une interface (celle d’Instagram en l’occurrence, aujourd’hui la principale plateforme de partage d’images fixes) peut déterminer le cadre d’une narration. Pernelle Popelin, pour qui photographier puis publier en ligne peut devenir « un acte de communion », interroge la mémoire collective et la représentation d’un évènement au sein du flux sur internet. Claire Béteille relève l’amplification des postures égocentriques et met en scène les limites absurdes du phénomène selfie qui pousse à diffuser son image en toute occasion. Enfin, pour Julia Amarger et Amélie Cabocel, l’image de soi véhiculée et soumise aux interactions sur les réseaux sociaux conditionne notre mode de perception des autres et possiblement notre conception de nous-mêmes ; la fluidité numérique de l’image photographique n’ayant sans doute rendu que plus visibles et plus prégnants les schémas, les modes et les goûts dominants.

Michaël Houlette

Avec : Julia Amarger
Claire Béteille
Judith Bormand
Amélie Cabocel
Pablo-Martín Córdoba
Manon Giacone
Lorraine Lefort
Pernelle Popelin
Rafael Serrano

Photo : Place de la République, Popelin Pernelle

Dates

Octobre 16 (Vendredi) 13 h 30 min - Janvier 10 (Dimanche) 18 h 30 min

Lieu

Le Lavoir Numérique

10 Rue Victor Marquigny, 94250 Gentilly

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sam10oct(oct 10)11 h 00 min2021dim21mar(mar 21)19 h 00 minDistance ArdenteExposition CollectiveMrac - Musée Régional d'Art Contemporain Occitanie/Pyrénées-Méditerranée, 146 Avenue de la Plage, 34410 SérignanType d'événement:Art Contemporain,Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Exposition collective conçue pour la Saison Africa2020

Artistes : Mariam Abouzid Souali, Mustapha Akrim, Zainab Andalibe, Mohamed Arejdal, Hicham Ayouch, Hassan Bourkia, Diadji Diop, Simohammed Fettaka, Moataz Nasr, Khalil Nemmaoui, Fatiha Zemmouri
Curator : Hicham Daoudi

Dans le cadre de la Saison Africa2020, le curator marocain Hicham Daoudi, invité par le Musée régional d’art contemporain (Mrac) à Sérignan propose l’exposition « Distance Ardente » à partir du 10 octobre 2020.

À l’heure où des idéologies fabriquent encore de la peur, du doute et de la méfiance, l’exposition « Distance Ardente » est centrée sur la question du dialogue des mémoires, des identités et des cultures. L’exposition tente de présenter les défis qu’il reste à surmonter pour construire une relation forte et débarrassée des stigmates du passé entre les états africains et la France.
Le titre appelle d’une certaine façon « à mesurer la distance » qui sépare la France et les populations du continent africain.
Dans la littérature et la poésie francophones, le terme «ardent» renvoie au brasier amoureux, celui qui consume les amants tandis que dans d’autres expressions populaires il témoigne de l’impatience, et parfois même de la violence qui régit certaines situations. À travers trois grandes étapes « Corps invisibles », « Routes, Exils, et Imaginaires » et « Attraction et Déchirement », l’exposition réunit des oeuvres produites spécifiquement pour l’exposition.
Dans ce contexte, l’exposition « Distance Ardente » est une invitation à tous les publics et une célébration de ce qui nous enrichit : la mixité.

Photo : Khalil Nemmaoui, Sans titre, 2018. Épreuve d’artiste Tirage UV sur plexiglas, contrecollé sur dibond 180 x 240 cm Courtesy de l’artiste et du Comptoir des Mines Galerie

Dates

Octobre 10 (Samedi) 11 h 00 min - Mars 21 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

Mrac - Musée Régional d'Art Contemporain Occitanie/Pyrénées-Méditerranée

146 Avenue de la Plage, 34410 Sérignan

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