Name: Figures sensibles
Start: 2019-1-31T10-10-00-00
End: 2019-9-29T18-18-00-00
Location: Mudam Luxembourg - Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean

janvier 2019

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jeu31jan(jan 31)10 h 00 mindim29sep(sep 29)18 h 00 minFigures sensiblesPhotographies de la Collection MudamMudam Luxembourg - Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean, 3, Park Dräi Eechelen L-1499 Luxembourg-KirchbergType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Dans la continuité des présentations régulières dédiées à la collection du Mudam, Figures sensibles dévoile une sélection d’oeuvres majeures issues du fonds photographique. Elle offre une réflexion sur le médium au travers de la question de la représentation et des effets de l’image sur notre approche du réel. Rassemblant douze artistes originaires d’Europe, d’Asie, du Moyen-Orient et d’Amérique du Nord, la présentation s’articule autour des notions de territoire et de figure au sens large du terme, et explore différents aspects de la pratique photographique contemporaine.
Mettant en oeuvre de rigoureux protocoles de prise de vue, des artistes comme Bernd et Hilla Becher (1931–2007 / 1934–2015) inventorient ainsi un monde industriel en voie de disparition.
La dimension documentaire présente chez les Becher se retrouve dans les photographies de vitrines luxembourgeoises de Valérie Belin (*1968) et plus encore dans celles de Martin Parr (*1952) qui, évoluant indifféremment entre le reportage et le champ artistique, croque de manière acerbe notre société contemporaine.
Oscillant entre enquête et fiction, Sophie Calle (*1953) ou Pasha Rafiy (*1980) exploitent quant
à eux, dans leurs périples respectifs à travers Venise et New York, le potentiel narratif des images, tandis que les mises en scène fantaisistes d’inconnus passionnés de mode par Kyoichi Tsuzuki (*1956) recomposent une réalité nouvelle. Ses clichés révèlent pourtant en creux de manière sensible autant de personnalités, et trouvent un écho dans l’atmosphère intimiste des images de Nan Goldin (*1953) et l’univers foisonnant de Wolfgang Tillmans (*1968) dont les portraits puisent dans la tradition picturale.

Artistes : Bernd et Hilla Becher, Valérie Belin, Sophie Calle, Roland Fischer, Nan Goldin, Shirin Neshat, Martin Parr, Pasha Rafiy, Mitra Tabrizian, Wolfgang Tillmans, Kyoichi Tsuzuki

Dates

Janvier 31 (Jeudi) 10 h 00 min - Septembre 29 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Mudam Luxembourg - Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean

3, Park Dräi Eechelen L-1499 Luxembourg-Kirchberg

Mudam Luxembourg - Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean3, Park Dräi Eechelen L-1499 Luxembourg-KirchbergHeures d’ouverture Jeudi – Lundi : 10h00-18h00 Mercredi : 10h00-21h00 (Mudam Café : 10h00-23h00) Jours fériés : 10h00-18h00 24.12 & 31.12: 10h00-15h00 Fermé le mardi & 25.12 Prix d’entrée Adultes : 8€ < 26 ans & groupes (min. 15 personnes) : 5€ < 21 ans, étudiants < 26 ans, mercredi de 18h à 23h : gratuit

Calendrier GoogleCal

mar26fev(fev 26)10 h 00 mindim28avr(avr 28)18 h 00 minPaul Senn 1901-1953, Photojournaliste SuisseMémorial du Camp de Rivesaltes, Avenue Christian Bourquin, 66600, Salses-le-ChâteauType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

En relation avec le Mémorial de Rivesaltes, le Centre International du Photojournalisme (CIP) propose une importante exposition du photographe Paul Senn.
Ce travail photographique d’une très grande finesse humaine témoigne d’un travail de mémoire exceptionnel qui correspond très exactement à la vocation du CIP. À savoir la conservation et la diffusion de la mémoire photographique des événements mondiaux depuis la découverte du procédé photographique.
Jean-François Camp

Mais qui est donc Paul Senn?
Un photographe suisse, un témoin de son temps, un œil acéré qui témoigne en deux décennies, de 1930 à 1950, d’une époque tragique où va se mettre en place avec le fascisme et le nazisme, la matrice de la catastrophe à venir.
Photographe humaniste, il va devenir ensuite reporter de guerre et témoin d’un aprèsguerre dont il tirera les lueurs d’espoir avec de merveilleuses photographies en couleur.
Dans les années 1930, sur fond de crise économique, d’affrontements sociaux et de violences politiques, les photographes suisses, au premier rang desquels Paul Senn, rendent compte de l’actualité, Leica et Rolleiflex en main, dans une presse illustrée très dynamique.
C’est l’âge d’or du photojournalisme et la Suisse y prend sa place. Nous sommes loin de l’image d’Epinal de la Suisse des sports d’hiver et des lacs majestueux, du chocolat et des meules de fromage. Paul Senn, au début, photographie les travailleurs aux champs ou à l’usine avec empathie mais aussi une manifestation ouvrière réprimée à coup de fusils par la police à Genève.
Son reportage dans les foyers d’enfants abandonnés qui vivent dans des conditions indignes fait scandale. Il parcourt déjà l’Europe avec une prédilection pour l’Espagne où il se rend plusieurs fois avant le déclenchement de la guerre civile. Il y retournera sous les bombes en 1937, infatigable témoin de la guerre et de l’exil espagnol aux côtés de ses amis de l’Ayuda suiza. Il sera aussi le témoin de l’exode de l’armée française vers la Suisse en juin 1940 et des camps d’internement sous le régime de Vichy, en particulier à Rivesaltes. Il traquera la joie de la Libération et de la reconstruction dans le monde entier, en France, en Italie et beaucoup aux Amériques, qu’il parcourra longuement du Canada au Mexique en s’attardant aux États-Unis, dont le dynamisme et les couleurs le fascinent.
En cent photos et une quinzaine de reportages, cette exposition donne à voir la diversité du travail journalistique d’un reporter suisse témoin de son temps, une leçon qui montre que la photographie n’est jamais neutre. Les archives Paul Senn, des centaines de milliers de négatifs, sont abritées au Musée des Beaux-Arts de Berne.
Markus Schürpf qui administre ce fonds a organisé plusieurs expositions sur ce photographe et dirige une banque de données gigantesque sur les photographes suisses (photo.ch).
Michel Lefebvre

Dates

Février 26 (Mardi) 10 h 00 min - Avril 28 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Mémorial du Camp de Rivesaltes

Avenue Christian Bourquin, 66600, Salses-le-Château

Mémorial du Camp de RivesaltesAvenue Christian Bourquin, 66600, Salses-le-ChâteauDe 10h à 18h, du mardi au dimanche

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ven08fev(fev 8)14 h 00 mindim07avr(avr 7)18 h 00 minPolygonesGeorges RousseMusée Dobrée, 18 rue Voltaire 44000 NantesType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Depuis le Noël de ses 9 ans où il reçut en cadeau le mythique Brownie Flash de Kodak, l’appareil photo n’a plus quitté Georges Rousse. Alors qu’il est étudiant en médecine, il décide d’apprendre chez un professionnel les techniques de prise de vue et de tirage puis de créer son propre studio de photographie d’architecture. Mais bientôt sa passion le pousse à se consacrer entièrement à une pratique artistique de ce médium sur la trace des grands maîtres américains, Steichen, Stieglitz ou Ansel Adams. C’est avec la découverte du Land Art et du Carré noir sur fond blanc de Malevitch que Georges Rousse choisit d’intervenir dans le champ photographique établissant une relation inédite de la peinture à l’Espace. Il investit alors des lieux abandonnés qu’il affectionne depuis toujours pour les transformer en espace pictural et y construire une œuvre éphémère, unique, que seule la photographie restitue.

En 2019, le musée Dobrée accueille dans les murs de son palais, plusieurs œuvres inédites de Georges Rousse pour une grande exposition temporaire. Dans ce lieu vierge de tout mobilier et objet de collections, il joue de notre perception, en créant des œuvres énigmatiques chatoyantes. Déployées, éclatées dans l’espace réel, les formes qu’il peint, dessine ou construit, se recomposent en images justes et lisibles dans la photographie finale. Une invitation à découvrir « un autre temps et un autre espace ».

Dates

Février 8 (Vendredi) 14 h 00 min - Avril 7 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Musée Dobrée

18 rue Voltaire 44000 Nantes

Musée Dobrée18 rue Voltaire 44000 NantesDu mercredi au dimanche, de 14h à 18h

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mer20fev(fev 20)14 h 00 minsam13avr(avr 13)19 h 00 minVariations en un certain ordre assembléesLaure TiberghienGalerie Lumière des roses, 12-14, rue Jean-Jacques Rousseau 93100 MontreuilType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

« Ce qui m’intéresse, c’est de représenter des choses invisibles qui ne peuvent apparaître qu’en utilisant les outils et matériaux de la photographie. »
Laure Tiberghien

En passant… la couleur

De même que l’on n’admet guère qu’une phrase s’énonce sans sujet, on comprend mal qu’une photographie puisse se faire sans appareil. Nous voici prisonnier d’une grammaire qui conditionne comme souvent notre manière de voir et nous empêche de faire le pas de côté nous permettant d’inventer de nouvelles formes et de nouvelles visions.

Le travail de Laure Tiberghien s’inscrit dans un courant d’expérimentation que l‘on peut faire remonter au début de l’histoire du médium pour en souligner le caractère inventif mais qui n’a rien cependant à voir avec une quelconque fascination pour la technologie comme telle. On sait bien qu’en ce domaine cette dernière n’a d’intérêt qu’à proportion de ce qu’elle permet de dire. Les premiers inventeurs, à partir d’hypothèses plus audacieuses les unes que les autres, parvenaient à des combinaisons surprenantes et à des résultats restés souvent inégalés sur le plan plastique.

Or c’est sans doute cette alliance de la technique et de l’esthétique qui aura le plus intéressée l’artiste qui s’interroge sur l’incidence que celle-là peut avoir sur celle-ci et en quoi les deux sont indissociables. On trouve chez August Strindberg dont la démarche a beaucoup inspiré Laure, des réflexions qui montrent combien son intérêt pour les expérimentations photographiques participaient d’une pensée plus générale sur l’art. « La pratique du sténopé ne correspond pour Strinberg, écrit Clément Chéroux, qu’à une première étape dans l’entreprise de réduction progressive du processus photographique […]. » Car, ajoute-t-il, en le citant, il était « curieux, de savoir comment le monde se présente émancipé de [son] oeil trompeur1. » De son oeil et, j’ajouterais, de ce qui est censé le prolonger, l’objectif.

Ce qui est en jeu ici c’est la visibilité et Laure Tiberghien partage avec le dramaturge suédois, un goût pour une recherche anthropologique dépassant le champ restreint de la photographie restée néanmoins pour elle aujourd’hui un médium privilégié.

Comme Robert Smithson, Laure valoriserait plutôt la rouille que l’acier ou, disons, la corrosion et l’altération dont les propriétés esthétiques sont liées aux transformations du médium dans la durée. Car c’est ce sens du temps qui fait défaut au culte de la technique alors qu’une démarche artistique caractériserait plutôt les corps en disant d’eux que « ce ne sont que des particules qui s’organisent autour d’un flux, […] des illusions objectives soutenant des grains de poussière, une collection de surfaces prêtes à se disloquer2. »

Depuis l’antiquité on débat pour savoir ce qui fait la particularité de la vue et pour en comprendre le mécanisme. Comment voir juste ou comment « juste voir » sans rien d’autre, voir sans comprendre ou sans juger, voir simplement?

C’est aussi la question de l’intuition dont l’étymologie latine, intueri, renvoie à la vision et à son évidence. Mais chercher l’évidence cependant est rien moins qu’évident ; encore faut-il nous débarrasser des stéréotypes qui encombrent notre regard. Comment dès lors se situer À l’intérieur de la vue pour reprendre le titre d’un étrange tableau de Marx Ernst ?
Cette question ancienne qui nous permet de survivre dans le monde des « usages » se paye en même temps d’un refoulement de cette appréhension immédiate des choses. Mieux que la philosophie sans doute, c’est l’art qui nous met, d’une manière sensible, en présence de « la chose même ». Pour Laure l’image procède d’une sorte d’archéologie de la photographie. On sait que la notion d’invention signifie à la fois découvrir quelque chose qui était déjà là – on parle d’inventer un trésor – et imaginer ce qui n’est pas encore.

L’image obtenue sans appareil par la conjugaison de la chimie, de la lumière et du temps, est un révélateur du monde sensible, pas seulement celui dont on parle ordinairement pour dire qu’il est accessible à nos sens, mais de ce monde lui-même, doué de sensibilité. L’image met en lumière l‘épiderme des choses, non leur peau visible mais leur surface sensible.

C’est de cela que nous parle le papier photographique qui réagit comme un corps et que la lumière touche, caresse, fait vibrer. Dès lors, comme l’écrivait Moholy-Nagy, « qu’il photographie une scène existante ou qu’il produise une émotion en modulant la lumière avec un photogramme, le photographe comprend qu’il cherche à “faire passer“ une qualité organique et objective, cette qualité intrinsèque qui se dégage nécessairement des matériaux […]3. » Cette photographie on la dira abstraite et pourtant quoi de plus concret que ce travail d’impression lumineuse. Les images de Laure captent ces transformations du visible qu’elle ne cherche pas toujours à fixer et dont elle donne à comprendre le mouvement et la corrosion interne. Surtout, ces « surfaces planes recouvertes de couleurs en un certain ordre assemblées », évoquées par le peintre Maurice Denis, dans un texte célèbre, sont l’expression d’une quête obstinée du réel que ce langage plastique essaye de nous restituer sur un autre plan.

Les artistes abstraits le savent bien, ceux, en tout cas, qui comptent pour Laure Tiberghien, comme Marc Rothko et Barnett Newman par exemple. L’abstraction en effet est un grand avantage car pour l’artiste « libéré de la nécessité de décrire une personne en particulier, les possibilités sont infinies. Toute l’expérience de l’homme devient son modèle, et en ce sens on peut dire que toute l’oeuvre est le portrait d’une idée4. » Ce que l’on retrouve en écho chez Newman qui, après avoir étudié l’art des indiens Kwakiutl, affirmait que « le fondement d’un acte esthétique est l’idée pure5 ». Mais pour ces artistes la forme abstraite était une façon de revenir au réel dans toute son épaisseur historique.

Laure cherche à décomposer le réel pour le réinventer en quelque sorte, en faisant ressurgir des formes et des couleurs comme si elle dégageait des strates de visibilité sous la couche sensible. Ainsi ces images prétendument abstraites ne sont-elles peut être qu’une surface de contact avec notre monde sur lequel la lumière a déposé son empreinte. Et la photographe aura simplement fixé le passage de la couleur car, comme disait Lucrèce avec sa précision poétique, « De quelque couleur que soient imprégnés les corps, ne crois pas qu’elle leur vienne de ce que les éléments de leur substance soient teints de cette couleur ; les éléments de la matière n’ont aucune couleur, ni semblable, ni dissemblable à celle des objets6. »

Texte de Gilles A. Tiberghien,
philosophe et essayiste, enseigne l’esthétique à l’université Paris-I-Panthéon-Sorbonne

1 Clément Chéroux, L’expérience photographique d’August Strinberg, Actes-Sud, 1994, p.48. J’emprunte à ce livre l’essentiel de ce que je sais sur Strindberg photographe.
2 Robert Smithson, « Une sédimentation de l’esprit : Earth project », In Robert Smithson et le Paysage entropique, 1965-1973, Marseille, trad. Claude Gintz, p. 194-195.
3 Laszlo Moholy-Nagy, Peinture Photographie Film et autres écrits sur la photographie, Nîmes, Jacqueline Chambon, 1993, p. 241.
4 Marc Rothko, Écrits sur l’art, 1934 -1969, Champs, arts Flammarion, 2005 et 2007, p. 79.
5 Barnett Newman, Écrits, Trad. Fr. Jean-Louis Houdebine, Paris, Macula, 2011, p. 162.
6 Lucrèce, De la Nature des choses, II 734-738 Trad. Fr. Emmanuel Hocquard, Album d’images de la Villa Harris, Paris, P.O. L., 1978, p. 89.

Vernissage les sam 16 et dim 17 février de 14h à 20h

Dates

Février 20 (Mercredi) 14 h 00 min - Avril 13 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Lumière des roses

12-14, rue Jean-Jacques Rousseau 93100 Montreuil

Galerie Lumière des roses12-14, rue Jean-Jacques Rousseau 93100 MontreuilOuvert du mercredi au samedi de 14h à 19h

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dim17mar(mar 17)14 h 30 minsam13avr(avr 13)19 h 00 minResearch at the end of the worldAnna FilipovaFisheye Gallery, 2, rue de l’Hôpital-Saint-Louis 75010 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

L’exposition «Research at the end of the world» propose de mettre en regard deux aspects du travail documentaire de la photographe et chercheuse Anna Filipova. L’engagement de cette dernière dans la lutte pour la compréhension des enjeux liés au réchauffement climatique permet de confronter une réalité malheureusement palpable à la beauté des paysages polaires. Pour Anna Filipova, l’Arctique est l’endroit le plus fascinant mais également le plus en danger. Ce territoire éphémère de glace fond, se reforme, disparaît et réapparaît au fil des saisons, comme des inspirations et des expirations. Là plus qu’ailleurs, on y mesure la fragilité de notre planète.

Avec une dizaine d’images grand format, la série Research at the End of the World contextualise les efforts de la communauté scientifique dans une typologie des équipements mis en place par les chercheurs aux confins de l’Arctique, entre poésie et document. Ces photos ont été réalisées au-delà du 79e parallèle nord, dans la base scientifique la plus au nord de notre planète, où se côtoient des chercheurs de plus de onze nationalités différentes. Y vivent des femmes et des hommes qui œuvrent chaque jour à collecter des données via d’improbables structures à la beauté surréaliste, en bravant un environnement extrêmement hostile à la vie pour, paradoxalement, la comprendre et la protéger ailleurs sur la planète.

Dans la série Qaanaaq présentée en miroir, Anna Filipova développe une vision plus intime, en petit format, de la question du climat à Qaanaaq au nord du Groenland. Cette ville (656 habitants en 2013) construite dans les années 1950, sans considération du réchauffement planétaire, est aujourd’hui la ville habitée la plus proche du pôle Nord et sur le front de la bataille contre le changement climatique. Ses habitations bâties sur le pergélisol (permafrost), un sol de glace qui ne fond théoriquement jamais, s’effondrent à mesure que les fondations s’affaiblissent. La fonte progressive de ce sol unique, jusqu’alors gelé de façon permanente, affecte le mode de vie de plus en plus bouleversé, d’une saison à l’autre, de ces citoyens historiquement chasseurs.

Dates

Mars 17 (Dimanche) 14 h 30 min - Avril 13 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Fisheye Gallery

2, rue de l’Hôpital-Saint-Louis 75010 Paris

Fisheye Gallery2, rue de l’Hôpital-Saint-Louis 75010 ParisDu mercredi au samedi de 14h30 à 19h. Le matin sur rendez-vous.

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