Name: The Somnambulist
Start: 2020-3-26T12-12-00-00
End: 2020-5-23T19-19-00-00
Location: Galerie Thierry Bigaignon

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jeu26mar(mar 26)12 h 00 minsam23mai(mai 23)19 h 00 minThe SomnambulistRalph GibsonGalerie Thierry Bigaignon, 9 rue Charlot 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Pour marquer le cinquantième anniversaire de la première des trois séries emblématiques qui ont fait la renommée mondiale de Ralph Gibson dès le début des années 1970, la Galerie Thierry Bigaignon expose l’intégralité des images de la série The Somnambulist, et propose un face-à-face inédit en dévoilant également les toutes dernières réalisations du maître américain.

THE SOMNAMBULIST : LA GENÈSE D’UNE SÉRIE MYTHIQUE

Publiée en 1970 comme la première de trois séries, qui, complétée des volumes Déjà-Vu (1973) et Days at Sea (1974) sera ultérieurement connue sous le nom de The Trilogy (La Trilogie), l’édition de The Somnambulist constitue l’une des formes les plus accomplies du livre d’artiste à une époque où ce support est encore loin de devenir un fait culturel, où la conception du livre photographique est encore largement marquée par le photo-journalisme. Pour mener à bien son projet et face aux refus des maisons d’édition traditionnelles, Ralph Gibson n’a d’autre choix que de s’improviser éditeur, et crée les éditions Lustrum Press.
Influencé par le cinéma de la Nouvelle Vague française (Jean-Luc Godard ou Alain Resnais) et le Nouveau Roman (Michel Butor ou Alain Robbe-Grillet), il propose une mise en page radicalement nouvelle, et illustre la recherche d’un langage photographique autonome et novateur, se passant de texte.
Ralph Gibson construit alors un ensemble cohérent à partir d’images qui toutes possèdent leur propre autonomie visuelle et crée un nouveau type d’ouvrage conçu comme une oeuvre d’art à part entière. Succès mondial.

LA NAISSANCE D’UNE SIGNATURE UNIQUE

Cinquante ans après leur parution, les images de The Somnambulist gardent en elles le souvenir d’un voyage mêlant rêve et réalité. À travers elles, nous explorons un territoire mental de l’entre-deux, où contrastes formels et métaphores visuelles soulignent l’intérêt que Ralph Gibson a toujours manifesté pour des images à caractère surréaliste.
Portes, fenêtres, pare-brise et autres miroirs s’ouvrent sur un monde subtil et parfois ambigu. Des cadrages serrés, des lignes pures, des compositions aux contrastes marqués qui présentent tour à tour des détails architecturaux ou les fragments d’un corps. De somptueux contrastes noir et blanc, un dialogue mêlé d’audace et d’élégance que l’artiste expose au grand jour dès 1970 et qui deviendront rapidement sa signature visuelle.

UN FACE-À-FACE INÉDIT ENTRE DEUX ÉPOQUES !

La parution de The Somnambulist marque un tournant dans l’histoire de la photographie, et les images qui composent la série semblent sans âge, hors du temps. Ralph Gibson n’a pour autant jamais cessé de se réinventer, gardant fraîcheur et curiosité, s’emparant des évolutions technologiques. Au début des années 2000, tout en conservant une signature si singulière, Ralph Gibson s’empare du numérique pour repenser une fois de plus sa photographie, la photographie.
Quoi de mieux alors qu’un face-à-face inédit entre deux époques ! « Pour cet anniversaire nous avons non seulement souhaité montrer l’intégralité de la série, c’est-à-dire les 48 tirages argentiques noir et blanc au format du livre original, tout en confrontant ses photographies iconiques à la production récente de l’artiste, des tirages numériques couleur grand format », nous confie Thierry Bigaignon. Et d’ajouter : « Cette confrontation entre images historiques et oeuvres inédites montrent à quel point Ralph Gibson a toujours été et est toujours à l’avant-garde ! ».
Les photographies argentiques font l’objet pour l’occasion d’une édition spéciale anniversaire, tirées à 3 exemplaires et au format 20×25 cm pour respecter le format original du livre. Pour chaque image, deux exemplaires sont disponibles à l’unité. Un coffret collector, « The Somnambulist 1970-2020 », regroupe quant à lui le troisième exemplaire des 48 images de la série, un livre vintage signé par l’artiste (première édition de 1970), ainsi qu’une édition anniversaire de ce même livre.

UNE ÉDITION ANNIVERSAIRE DU LIVRE « THE SOMNAMBULIST »

Une édition spéciale 50ème anniversaire du livre The Somnambulist, publiée par the(M) éditions, complètera le dispositif de cette exposition événement. Ce livre anniversaire, signé et édité à 50 exemplaires seulement, est proposé avec une couverture unique pour chaque exemplaire.
Lancement et signature le soir du vernissage, jeudi 26 mars 2020 à la Galerie Thierry Bigaignon.

Dates

Mars 26 (Jeudi) 12 h 00 min - Mai 23 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Thierry Bigaignon

9 rue Charlot 75003 Paris

Galerie Thierry Bigaignon9 rue Charlot 75003 ParisLa Galerie Thierry Bigaignon est exclusivement dédiée à la photographie. La galerie met l’accent sur une programmation internationale et entend défendre une certaine vision de la photographie : une photographie classico-contemporaine, une photographie éclectique et exigeante. Ouvert du mardi au samedi de 12h à 19h

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jeu27fev(fev 27)12 h 00 minsam25avr(avr 25)19 h 00 minThe Place of the Dry, DryChloe SellsGalerie Miranda, 21 rue du Château d’Eau 75010 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Galerie Miranda est heureuse d’annoncer son exposition du printemps, des oeuvres expérimentales et uniques de Chloe Sells (née en 1976, Etas Unis), produites au lacs de sel de Makgadikgadi dans le désert du Kalahari au Botswana, où réside l’artiste.

En langue Tswana ‘Makgadikgadi’ veut dire ‘The Place of the Dry, Dry’ (‘le lieu du sec, sec’) ; l’artiste a passé des mois à parcourir les plaines arides, photographiant à la chambre le jeu de lumière projeté sur l’immense tableau du paysage.

Chloe Sells photographie avec un appareil Contax 645 et un Linhof 4×5. Elle développe elle-même ses pellicules, en chambre noire, à la main. Chacune de ses œuvres est un tirage chromogénique unique auquel elle a rajouté, en chambre noire, des couches abstraites de couleur, de lumière, de textures et de motifs. Parfois elle dessine sur ses tirages, à l’encre, à la peinture ou au feutre.

La plupart des oeuvres exposées sont au grand format d’environs 93×113 cm, également présentée seront deux superbes oeuvres au très grand format, ‘The Form’ et ‘The Nare’, produites selon le meme processus expérimental et ensuite découpées et montées en collages sculpturaux.

« Roulant vers la chaleur blanche et brulante du désert, je guettais des palmiers solitaires qui longent les rives des fleuves infidèles qui marquent le début des Makgadikgadi Salt Pans. M’engageant un sentier bien battu qui mène vers une grande savane, j’ai ensuite suivi deux lignes à peine visibles qui traçaient une route à travers les herbes épineuses, jusqu’à ce que, soudain, une rive se présente devant mes yeux. Le reflet du soleil couchant rendait l’eau opalescente et des milliers d’oiseaux remplissaient le ciel, leur chant porté à mes oreilles par la brise.

Les Makgadikgadi Salt Pans se trouvent dans le Désert du Kalahari au Botswana. Vus de l’espace, ils ressemblent à des grosses tâches blanches sur la surface de la Terre, on dirait des tâches de naissance. La première fois j’y suis venue pour voir les flamands roses, mais j’y suis retournée pour autre chose. Debout au bord de l’eau, je me suis demandée si je pouvais photographier cette beauté, tout simplement. Le critique d’art Dave Hickey écrit que « l’utilité légitime de la beauté se trouve dans sa capacité à nous réunir, en tant qu’êtres physiques et vivants, dans une relation éthique avec d’autres êtres humains dans le monde physique. »

Remplis d’eau, les Makgadikgadi Salt Pans ressemblent à un océan, mais il suffit de quelques jours seulement pour que l’eau s’évapore laissant une terre craquelée comme la peau d’un éléphant. Où que l’on regarde, la vue est identique ; on est désorienté. Pas loin il y a des lions du Kalahari, à moins qu’ils ne soient tout près, cachés, dorés dans les herbes dorées.

À chaque visite aux Makgadikgadi Salt Pans, une vista panoramique et kaléidoscopique s’offre à moi, vista que j’ai interprétée pendant des jours de prises de vues photographiques et, ensuite, des mois passés en chambre noire. Photographier un même lieu de manière répété m’a permis de méditer sur les questions de l’infini, en moi et à l’extérieur.

Dans l’obscurité de la chambre noire, le silence est palpable et, en manipulant les règles de la chimie photographique, image et imagination se confondent. Le processus de tirage est à la fois réfléchi et spontané; malgré un espace réduit, le travail est physique. La répétition permet un mouvement d’aller-retour entre temps et mémoire ; la couleur exprime l’émotion. Les textures surimposées retracent les contours géographiques ; les bords irréguliers des tirages, coupés dans l’obscurité à partir de rouleaux de papier de 50m de long, rappelle que notre vision du monde n’est pas rectangulaire, symétrique. À certaines images j’apporte une couche supplémentaire d’expression en encre, peinture et feutre. Chaque image est un jeu entre ce qui est fixe et ce qui est en mouvement; chaque œuvre est unique. »

Le livre d’artiste SWAMP (ed. Gost Books, 2016) réunit l’ensemble de ce travail.

Dates

Février 27 (Jeudi) 12 h 00 min - Avril 25 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Miranda

21 rue du Château d’Eau 75010 Paris

Galerie Miranda21 rue du Château d’Eau 75010 ParisOuvert du mardi au samedi de 12h à 19h ou sur rendez-vous

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jeu05mar(mar 5)10 h 00 mindim14jui(jui 14)18 h 00 minIslande, île noireMarc PolliniMusée de la Photographie Charles Nègre, 1 Place Pierre Gautier 06364 NiceType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

De ses origines Corses, Marc Pollini a gardé une forme de simplicité dans son écriture photographique. A sa manière, tantôt très directe, tantôt par des découpages coloristes et contrastés, il montre le monde tel qu’il le voit. La thématique du vide, celle du calme et de l’absence de traces humaines y sont souvent explorées. Et pourtant il revient sans cesse dans ses photos une présence humaine, ses conditions, ses affres, tel au fil d’un voyage, d’une balade, d’une errance comme pour nous raconter une histoire. Le subjectif, le hors champs est ce qu’il privilégie dans la photo.

« J’ai voulu au travers de cette série photo sur l’Islande, mettre en avant certaines particularités de cette île. Une île où la rudesse de sa nature et son immensité prennent le dessus sur l’homme. Une forme d’enfermement s’exerce sur celui-ci et étant moi même insulaire je connais cette sensation paradoxale de nature souvent synonyme de liberté et de notion d’enfermement. C’est ce paradoxe que j’ai voulu mettre en avant dans ce travail qui a duré plus d’un an pour lequel je me suis rendu plusieurs fois en Islande en des lieux et des saisons différentes. Bien que le cadre de cette série semble clairement défini, je l’ai conçue comme à mon habitude dans la photo telle une balade ou plutôt une errance sans jamais savoir précisément ce que je cherche, dans l’attente, dans la contemplation de cette nature ou à l’affût que quelque chose se passe, comme cette rencontre avec ce vieil homme handicapé, ou cet homme tatoué qui accepte de poser pour moi dans un lieu improbable après m’avoir indiqué mon chemin à l’extrémité nord de l’île. Le choix du noir et blanc c’est imposé à moi, comme une évidence. »

Visuel : Série Norour Snua © Marc Pollini

Dates

Mars 5 (Jeudi) 10 h 00 min - Juin 14 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Musée de la Photographie Charles Nègre

1 Place Pierre Gautier 06364 Nice

Musée de la Photographie Charles Nègre1 Place Pierre Gautier 06364 NiceOuvert tous les jours 10h-12h30 13h30-18h

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jeu12mar(mar 12)10 h 30 mindim26avr(avr 26)19 h 30 min#BacktothestreetLibrairie Artazart, 83, quai de Valmy 75010 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

« … Je ne juge personne. Je m’efforce seulement de faire une bonne photo en rendant les Gens beaux »

Aborder les Gens dans la rue est un exercice de dépassement de soi explique Jean-Baptiste. Il est nécessaire pour cela de se débarrasser de tous ses aprioris et de se disposer à une totale ouverture sinon l’approche peut être vécue comme une agression tant nous avons perdu l’habitude du contact les uns avec les autres.
Quand quelqu’un accepte de poser pour lui, c’est une petite victoire. Il devient son héros.
Cela lui apparaît comme un chemin prometteur vers un monde meilleur qu’il veut transmettre dans son travail.
De nombreux retours via les réseaux sociaux viennent tous les jours renforcer cette utopie. Utopie selon laquelle il nous faut construire des ponts plutôt que des murs dans cette époque de repli sur soi.

« BACKTOTHESTREET ou rendre à la rue ce que je lui ai pris »

Il y a 5 ans après avoir vu le vrai-faux documentaire de BANKSY “Faites le mur“ l’idée de rendre à la rue ce qu’il lui avait pris, est apparu à Jean-Baptiste comme une évidence. Sous le nom de BACKTOTHESTREET et selon ce concept, il colle ses photos sous verre sur les murs des grandes villes comme Paris, Londres, New-York, Tokyo, Lisbonne …
Issu d’une famille de peintres, Jean-Baptiste est depuis toujours sensible à l’image. Très jeune il sait qu’il va devenir photographe quand il tombe sur un article consacré à Robert Doisneau. En 1990 à peine sorti de son école de photo, plutôt que de s’orienter tout de suite vers la voie professionnelle, c’est dans la rue qu’il se précipite pour mettre en application tout ce qu’il a appris sur la couleur, la lumière et la composition.
Durant une longue période, il pratique ce qu’on appelle “la photo volée“ dans les quartiers populaires des grandes métropoles, composant ses images sur fond de décors chaotiques comme des tableaux. De ces travaux il fait plusieurs expositions dans des galeries parisiennes.

« Avant je faisais des photos des Gens, maintenant je fais des photos avec les Gens »

2015 est une année charnière. La réalisation de deux films documentaires et d’un reportage sur les réfugiés de La Porte de la Chapelle vont l’amener à photographier les Gens autrement. Il veut désormais impliquer le sujet en le faisant poser. La notion de portrait de rue était née.

Ces petites photos au format cartes postales (10x15cm) scellées entre un carreau de céramique et une plaque de verre puis cimentées sur les murs des villes sont autant de fenêtres sur l’Autre ou l’Ailleurs.
Depuis 2015 l’artiste a fabriqué et collé plus de 4000 plaques dans plusieurs grandes capitales mais aussi à Marseille, Arles, Guétary…
Estampillées de l’hashtag BACKTOTHESTREET, ces photos sont aussi très relayées sur la toile. On peut également visiter le site “backtothestreet.com“ qui réunit un travail quasi quotidien depuis 2014.

Un projet humaniste, une utopie

Mieux vivre ensemble c’est peut-être d’abord prendre le temps de regarder l’Autre. Et c’est ce que l’Artiste fait pour nous, qui plongés dans nos occupations du quotidien, oublions souvent de faire.
En utilisant la plus grande et la plus populaire des galeries, La Rue, BACKTOTHESTREET tente en y exposant ses images de nous redonner un regard sur le monde qui nous entoure.

Dates

Mars 12 (Jeudi) 10 h 30 min - Avril 26 (Dimanche) 19 h 30 min

Lieu

Librairie Artazart

83, quai de Valmy 75010 Paris

Librairie Artazart83, quai de Valmy 75010 ParisLundi au vendredi : 10:30 – 19:30 / Samedi : 11:00 – 19:30 Dimanche : 13:00 – 19.30 / Fermeture les 1er janvier / 1er mai / 25 décembre

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sam14mar(mar 14)10 h 30 minsam09mai(mai 9)19 h 00 minMonumentalStéphane CouturierGalerie Christophe Gaillard, 5 rue Chapon 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

La Galerie Christophe Gaillard est heureuse de présenter la première exposition personnelle de Stéphane Couturier dans ses murs, « Monumental », occasion de faire découvrir au public plusieurs photographies inédites de séries connues dans le monde entier.

Arpenteur des villes depuis les années 1990, Stéphane Couturier (né en 1957) a fait de l’architecture urbaine et de ses mutations contemporaines le sujet principal de ses photographies. Il a révélé dans ses premières œuvres les transformations d’urbanismes anonymes (Archéologies urbaines, 1995-1998 ; Monuments, 1999-2002) avant de s’intéresser à l’architecture de villes construites ex nihilo par les architectes du XXème siècle (Chandigarh conçue par Le Corbusier, Brasilia par Lucio Costa et Oscar Niemeyer ou encore la cité Climat de France à Alger par Fernand Pouillon). Depuis 2004 le photographe a pris le tournant de la révolution du numérique. Il crée des « images numériques mouvantes »[i] pour faire voir – révéler – le tissu urbain et penser les espaces que nous habitons. De la série Melting point (à partir de 2004) à celle des Nouveaux constructeurs (depuis 2018), les strates du réel se superposent et s’hybrident dans des compositions qui ouvrent un nouvel espace-temps.

Stéphane Couturier multiplie les points de vue, joue de l’enchevêtrement de détails, de l’accumulation de plans et des variations de textures au sein d’une même image pour, dit-il, « s’approcher au plus près des sensations pures que l’on perçoit lors des déambulations ». Cette approche de la photographie, qui associe un traitement proche du all-over pictural à une frontalité monumentale de l’image, est moins austère, moins systématique qu’il n’y paraît. Au contraire, elle suscite un mouvement, une fluidité qui permet à l’œil de se perdre et d’errer, dans un va-et-vient parfois à la limite de la dissolution : elle place le spectateur face à ce qui lui résiste, comme face à un fragment d’épaisseur du réel.

Les photographies de Stéphane Couturier, écrit Quentin Bajac, « ont en commun une même abolition des repères perspectifs — la grille comme absence de hiérarchie et de centre — et, la plupart du temps (…), une interaction de temporalités. Car la grille de Couturier, (…) n’est que superficiellement affaire d’espace. Elle est bien davantage, de même que toute la photographie de Couturier, affaire de temps, d’entrelacs de temporalités et d’histoires, de mémoires collectives et individuelles ». 1

Dans ses images récentes de la série des Nouveaux constructeurs, Stéphane Couturier combine des vues de la ville et du port de Sète en des compositions géométriques colorées, écho direct des toiles cubistes de Fernand Léger. Il use des outils de montage et des technologies numériques mais choisit pour le tirage de ses photographies le procédé du cibachrome (technique de l’argentique utilisée dans les années 1960, appréciée pour la qualité exceptionnelle du rendu de la couleur et de la lumière). Entre réalité et fiction, photographie documentaire et recherche plasticienne, Stéphane Couturier noue un dialogue avec la peinture qui engage une réflexion sur les potentialités de la photographie et la redéfinit, selon lui, comme « un jeu de construction et de déconstruction du réel ».

Un jeu qu’Ingrid Luquet-Gad a remarquablement étudié : « Refusant tout déterminisme du médium, mêlant procédés argentiques et numériques, la photographie est conçue comme la captation d’un possible. L’enregistrement minutieux que permet le médium est détourné de sa fonction de preuve : la photographie n’atteste plus, elle invente. Elle reconfigure, à même le réel, sans cesser de le répertorier, d’autres mondes possibles (…). Pluralisant les perspectives, la photographie se fait le vecteur d’un pouvoir exploratoire de la fiction, nous décrivant un réel qui s’invente à mesure. » [ii]

Stéphane Couturier (né en 1957) vit et travaille à Paris. Il commence sa carrière de photographe dans les années 90 et réalise de nombreuses séries remarquées, il obtient le Prix Niepce en 2003. Son travail a fait l’objet de plusieurs monographies, notamment aux Editions Xavier Barral, 2016 et est actuellement présenté à l’Artothèque d’Angers en solo show.

Ses photographies sont présentes parmi les plus grandes collections institutionnelles telles que le Centre Georges Pompidou, Paris (FR) ; la Maison Européenne de la Photographie, Paris (FR) ; le Musée d’Art Moderne et Contemporain de Strasbourg (FR) , le Los Angeles County Museum (US) ; le San Diego Museum of Photographic Arts (US), la Galerie Nationale des Etats Unis à Washington (US) ; l’Art Institute of Chicago (US) ; la Galerie nationale du Canada à Ottawa (CA) ; le Musée National d’Art Moderne du Grand-Duc Jean, Luxembourg (LU), l’Israël Museum, Jerusalem (IL) ; le Musée de l’Elysée, Lausanne (CH)…

[i] Quentin Bajac, Chandigarh Replay, Stéphane Couturier, Paris, Editions Ville Ouverte, 2007.

[ii] Stéphane Couturier, Ingrid Luquet-Gad, SC, Paris, Editions Loco, 2015.

Dates

Mars 14 (Samedi) 10 h 30 min - Mai 9 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Christophe Gaillard

5 rue Chapon 75003 Paris

Galerie Christophe Gaillard5 rue Chapon 75003 ParisDu mardi au vendredi 10h30-12h30 14h-19h et le samedi 12h-19h

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