Name: A History of Misogyny - Chapter Two : On rape
Start: 2020-1-25T11-11-00-00
End: 2020-2-22T18-18-30-00
Location: Galerie Les filles du calvaire

18 janvier 2017

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sam25jan(jan 25)11 h 00 minsam22fev(fev 22)18 h 30 minLa sélection de la RédactionA History of Misogyny - Chapter Two : On rapeLaia AbrilGalerie Les filles du calvaire, 17 rue des Filles-du-Calvaire 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

La galerie Les filles du calvaire annonce la prochaine exposition personnelle de l’artiste Laia Abril. Le premier chapitre de son œuvre sur l’histoire de la misogynie, On Abortion a été exposé mondialement après l’émotion provoquée aux Rencontres d’Arles en 2016.
Laia Abril présente à la galerie le second chapitre : On Rape.

L’artiste continue d’élargir ses archives visuelles sur le contrôle systémique du corps des femmes à travers le temps et les cultures. Sur son nouveau travail, l’artiste dit :
« En scrutant, conceptualisant et visualisant les échecs judiciaires, en tenant compte des réglementations historiques, des dynamiques toxiques et des témoignages de victimes, le projet pointe la culture du viol institutionnel répandue dans les sociétés du monde entier. Je développe ce travail en explorant les liens entre mythes, pouvoir et droit et les notions de masculinité et de violence sexuelle. »

On Rape se compose d’un ensemble de photographies, d’objets et de témoignages. Le projet est pensé comme une véritable installation dont l’agencement dans l’espace constitue le cœur plastique. Ces éléments interconnectés n’offrent pas une approche linéaire ou chronologique mais permettent au contraire plusieurs niveaux de lecture. En créant des ponts entre l’histoire, les lieux et les cultures, Laia Abril rappelle l’universalité du drame du viol.

Dates

Janvier 25 (Samedi) 11 h 00 min - Février 22 (Samedi) 18 h 30 min

Lieu

Galerie Les filles du calvaire

17 rue des Filles-du-Calvaire 75003 Paris

Galerie Les filles du calvaire17 rue des Filles-du-Calvaire 75003 ParisLa galerie Les Filles du Calvaire, fondée en 1996 à Paris, a pour vocation de montrer et de défendre la création contemporaine. Ouvert du mardi au samedi de 11h à 18h30

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ven17jan(jan 17)10 h 00 mindim08mar(mar 8)15 h 30 minBlushMarta Zgierskagalerie Sintitulo, 10, rue commandeur 06250 MouginsType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Blush est le titre que l’artiste choisit pour ses expositions récentes dont le corpus réunit les œuvres d’Afterbeauty et Votive Figure. Mots anglais. Toutes ses séries d’images portent des mots anglais chargés du sens dans lequel Marta-ex-machina souhaite que l’on regarde. Blush, dans la langue de Molière décrirait l’action de rougir sous l’effet d’une émotion. On rougit par timidité, par plaisir. C’est le maquillage involontaire de notre visage atteint par l’émotion (…)

Aux images de fragments de corps couverts de cire s’ajoutent désormais de véritables scènes d’intérieur, dont on ne saurait pas dire si ce sont d’aperçus de boudoir, de salon de beauté, d’atelier ou autre… Il pourrait s’agir de fragments d’une fiction d’anticipation, du côté de la dystopie, ou bien l’expression psychédélique à la Twin Peaks d’une histoire personnelle du culte de l’image. Avec ses images Marta éveille cette phrase que Louise Bourgeois faisait broder sur du tissu: « I have been to the hell and back and let me tell you it was wonderful ».

La réalité factice de ce qu’il y a de plus brutal dans la sublimation de la beauté.

Marta Zgierska (n.1987, Pologne) est une jeune photographe prolifique avec un parcours étonnant. En 2016 elle a obtenu le Prix HSBC pour la photographie avec sa toute première série, Post et c’est dans ce contexte que nous avions présenté son travail à la galerie, pour la première fois.

Depuis, son travail a bénéficié d’une reconnaissance internationale avec un nombre impressionnant de prix, dont Daylight Photo Award (2016), PDN Photo Annual New York (2017). Elle et a été l’Artiste de l’année au DongGang International Photo Festival, Corée du Sud (2019), où une exposition personnelle lui a été consacrée dans un prestigieux centre d’art photographique. Son travail a été exposé à The Fort Institute of Photography, Pologne; Finnish Museum of Photography, Helsinki, Finlande; Geneva, International Red Cross and Red Crescent Museum, Genève, Suisse; Reminders Photography Stronghold Gallery, Tokyo, Japon.

Son exposition à la galerie Sintitulo réunit des séries récentes, avec de nouvelles oeuvres que l’artiste nous fait découvrir pour la première fois.

Dates

Janvier 17 (Vendredi) 10 h 00 min - Mars 8 (Dimanche) 15 h 30 min

Lieu

galerie Sintitulo

10, rue commandeur 06250 Mougins

galerie Sintitulo10, rue commandeur 06250 MouginsOuvert du jeudi au samedi, de 10h à 15h30 et sur RDV (06 17 32 76 71)

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sam18jan(jan 18)14 h 00 mindim08mar(mar 8)19 h 00 minLes bruits du tempsLa Chambre - espace d'exposition et de formation à l'image, 4 place d'Austerlitz 67000 StrasbourgType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Les tremblements de terre nous rappellent l’instabilité du monde et la fragilité de nos existences. Ils provoquent également des réflexions spéculatives sur ce qui se passe à l’intérieur de la terre. Les nouvelles approches scientifiques du 19ème siècle tentent de passer de la simple observation des phénomènes naturels à leur enregistrement et leur retranscription visuelle. La photographie joue désormais un rôle primordial dans ces nouvelles imageries scientifiques. Pourtant, les relations entre photographie et sismologie n’ont curieusement jamais fait l’objet de recherches.
Suite à une résidence de recherche création à l’Université de Strasbourg, Arno Gisinger propose un travail de réactivation artistique des archives et une reconstitution des principes photographiques en sismologie par le biais d’une chambre noire. Son récit documentaire raconte sous forme d’un atlas scientifique l’histoire des inventions visuelles pour donner forme à l’invisible ou à l’imperceptible.
Le projet Les bruits du temps est une coopération de l’Université de Strasbourg/ SUAC, du FRAC Alsace (Sélestat), de La Chambre (Strasbourg) et du CFMI (Sélestat).
Il s’inscrit dans la continuité d’une résidence d’artiste portée par l’Université de Strasbourg depuis 2018 et grâce à laquelle l’artiste a pu explorer le fonds de près de 4000 plaques de verres conservé par l’École et Observatoire des Sciences de la Terre. Deux expositions présentant chacune une création originale mettront en valeur les oeuvres et le travail de recherche d’Arno Gisinger, Les bruits du temps I en octobre 2019 au Frac Alsace à Sélestat et Les bruits du temps II en janvier 2020 à La Chambre à Strasbourg.

Dates

Janvier 18 (Samedi) 14 h 00 min - Mars 8 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

La Chambre - espace d'exposition et de formation à l'image

4 place d'Austerlitz 67000 Strasbourg

La Chambre - espace d'exposition et de formation à l'image4 place d'Austerlitz 67000 StrasbourgEspace d'exposition : mercredi > dimanche : 14h - 19h ou sur rdv Fermé les jours feriés

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sam12oct2020sam01fevLe ciel par-dessus le toitMaxence RiffletCentre photographique Rouen Normandie, 15, rue de la Chaîne 76000 RouenType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Entre avril 2016 et novembre 2018, Maxence Rifflet a photographié dans sept prisons en collaboration avec des prisonniers. Il s’agissait de partager avec eux une interrogation sur la représentation des lieux d’incarcération à travers une pratique commune de la photographie : comment photographier dans un espace de surveillance sans le redoubler ? Comment cadrer sans enfermer ? Pour répondre à ces questions, il a fallu s’écarter de l’intention d’illustrer l’enfermement, de représenter la prison en général, pour décrire des lieux spécifiques, avec des histoires et des fonctionnements singuliers : photographier des prisons, plutôt que la prison. Ce faisant, le travail révèle des architectures dont la diversité interroge la nature de la peine qui est infligée au prisonnier. Car si les lieux où il est condamné à vivre un temps sont si variés, peut-on se contenter de définir une peine de prison par sa durée ?
Une architecture carcérale est une machine optique au service de la surveillance. Ce que voit le surveillant, ce que ne voit pas le prisonnier depuis sa cellule ou le passant depuis la rue, tout cela est prévu par l’architecte. Faire des images en prison revient à participer à un jeu de regards contraint et inégal. En s’intéressant à l’architecture, Maxence Rifflet a mis cette difficulté au centre de son travail photographique.
Dans chaque prison, il a organisé des ateliers avec des prisonniers, eux qui se confrontent quotidiennement à ces architectures. Tout en documentant les espaces, certains l’ont utilisé pour mettre en scène une expérience, figurer un imaginaire, illustrer un message. Dans cette démarche, la photographie est autant un outil d’enregistrement que le moyen et l’enjeu d’une interaction.
L’architecture des prisons est à la fois le sujet du travail et l’espace dans lequel il se fait : il s’agissait donc, finalement, de photographier en prison. Les corps sont la mesure de ces espaces, ils les activent, les révèlent et tentent parfois d’y résister.
Dans l’atelier, à distance des prisons, les images sont réinvesties dans une pratique de laboratoire expérimentale qui donne lieu à des objets singuliers.
L’hétérogénéité des formes qui en sortent n’est pas l’application d’un principe d’expérimentation : elle provient d’une attention aux situations et aux rencontres, d’une recherche de justesse vis-à-vis de l’expérience vécue.
Dans le cadre du partenariat avec le Centre national des arts plastiques, seront présentées une sélection d’oeuvres de Jane Evelyn Atwood issues de «Trop de peines», un corpus qui fit date dans la représentation photographique de l’environnement carcéral. De 1989 à 1998, la photographe américaine a photographié des prisons de femmes dans neuf pays, dont la France. Les images réalisées à la maison d’arrêt de Rouen, où Maxence Rifflet a également travaillé trente ans après, ouvriront un dialogue. À partir d’un même sujet, les images témoignent de deux attitudes et de deux regards différents.

Dates

Octobre 12 (Samedi) 14 h 00 min - Février 1 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Centre photographique Rouen Normandie

15, rue de la Chaîne 76000 Rouen

Centre photographique Rouen Normandie15, rue de la Chaîne 76000 RouenOuvert du mardi au samedi de 14h à 19h sauf jours fériés

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sam25jan(jan 25)10 h 30 minsam22fev(fev 22)19 h 00 minMasafumi Maita & Masaki NakayamaGalerie Christophe Gaillard, 5 rue Chapon 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Après une première exposition collective consacrée à la photographie conceptuelle japonaise des années 1970, la Galerie Christophe Gaillard est heureuse de présenter, pour deux expositions personnelles inédites en France depuis les années 1980, l’œuvre de Masafumi Maita et celle de Masaki Nakayama.

MAITA

Artiste pionnier de la scène conceptuelle japonaise des années 1970, Masafumi MAITA (1944 – 2009) imagine des dispositifs qui interrogent le rôle de l’image et les limites de la représentation du réel par la photographie. Maita joue des écarts et des variations entre le sujet naturel et contemplatif qu’il photographie, le réel qu’il enregistre (vues de forêts, de plages et de montagnes vierges de toute présence humaine) et l’opération sérielle et arbitraire qu’il répète sur l’image.

En 9 clichés, l’ensemble Flow (1976) le met ainsi en scène face à l’océan, placé au centre d’un rectangle tracé au sol, déclinant les étapes de la torsion méthodique d’une tige de plomb. Selon un protocole défini au préalable, l’œuvre propose une forme d’inventaire de gestes et de possibilités d’inscriptions du corps dans l’espace. La photographie enregistre et narre une performance : elle s’inscrit dans une temporalité nouvelle.

« L’essentiel de son œuvre est la conscience du temps » écrit le critique japonais Yusuke Nakahra. Avec la série Sans titre (1979) de paysages en noir et blanc marqués par la main de l’artiste, Maita accentue les phénomènes de décalages. Décalage entre le paysage et les formes géométriques simples, triangle, cercle et carré tracés en pointillés sur le négatif, entre la chose vue et le regard que nous portons sur elle. Décalage entre deux temporalités, celle du réel qui a été capturé et du geste, toujours actif, qui altère l’image.

Maita a développé ces recherches dans des installations, y introduisant des objets puis des sculptures, en dialogue avec ses photographies. « Dans l’espace, écrit Yusuke Nakahra, l’image photographiée et l’objet réel ont l’air de s’inscrire dans une continuité, mais on a l’impression de faire face à deux temporalités – l’une au présent, l’autre au passé. Les objets réels renvoient toujours au présent, l’image au passé. (…) Cette différence est décisive. En combinant la photo et les objets réels, l’artiste rend notre conscience du temps vivante. (…) C’est la différence entre la perception et la mémoire. L’artiste travaille en fait avec deux éléments : la perception et la mémoire[1]. »

NAKAYAMA

D’abord sculpteur travaillant le bois, Masaki NAKAYAMA (1945) n’a eu de cesse depuis les années 1970 d’associer dans ses installations l’action de son propre corps, son enregistrement par la photographie ou le dessin et leur confrontation à l’objet. Avec la grande série Body Scale, qu’il commence dans les années 1970 et qu’il continue de renouveler, Nakayama tente d’approcher le monde en prenant son corps comme échelle décisive. Usant d’un vocabulaire de formes géométriques simples et prenant le corps comme outil premier dans ses dispositifs, l’artiste japonais s’inscrit dans la lignée des figures majeures de la scène artistique internationale de sa génération, tels Bruce Naumann et ses Wall-Floor positions (1968) aux Etats-Unis ou Franz Erhard Walther en Allemagne dans les années 1960.

« Il y a plus de 40 ans que j’ai commencé mes travaux sur l’échelle corporelle, qui utilisent le corps humain a leur sujet. Bien que ces œuvres aient des sous-titres différents, le thème fondamental est resté inchangé et je continue à créer des œuvres sur ce thème aujourd’hui. Ces œuvres ne sont pas préoccupées par la structure ou la taille du corps humain, et ne sont pas non plus fondées sur une quelconque » théorie du corps » philosophique. Ce sont simplement des éléments qui ont été accessoires à un ensemble composite. (…) Par exemple, ce qui se trouve entre l’espace réel de mon corps actif et l’espace réel de ce qui est capturé dans mes photographies n’est pas une distance, mais l’écart entre des existences qui se chevauchent dans un espace à plusieurs couches. C’est ainsi qu’une relation mutuellement harmonieuse est née. C’est là que se trouve ma perspective. C’est, en d’autres termes, à ce concept d’espace multicouche de l’être humain que je me réfère avec mon titre « Body Scale[2] ». (Masaki Nakayama)

BIO

Masafumi MAITA (1944 – 2009) est né en Mandchourie (Chine), il a étudié à Paris (1971 – 1973) puis a vécu et travaillé au Japon. Photographe, il questionne et réinvente son medium, en dialogue avec l’objet puis la sculpture à partir des années 1970. Son œuvre a été exposée dans le monde entier, en particulier aux Biennales de Venise de 1976 et 1986. Ses œuvres sont conservées dans de nombreuses collections publiques notamment au Japon (The Utsukusi-ga-hara open-Air Museum, Nagano ; Open-Air Museum of Sculpture, Ube ; Museum of Modern Art, Kamakura ; Museum of Modern Art, Toyama ; Yokosuka Museum of Art, Kanagawa, etc.), en France (Centre National des Arts Plastiques, Paris ; Musée d’Art Moderne de la Ville, Paris ; Musée d’Art Moderne et Contemporain, Strasbourg ; Musée Cantini, Marseille ; FRAC Champagne-Ardenne), en Italie (MuSaBa, Parco Museo Santa Barbara, Mammola) et aux Etats-Unis (Museum of Fine Arts, Houston ; The State Foundation on Culture and the Arts, Hawaii).

Masaki NAKAYAMA est né en 1945 à Kofu au Japon, où il vit et travaille actuellement. Sculpteur de formation, Nakayama est diplômé de l’Ecole de Komagome à Tokyo. Dans ses installations et ses photographies, il utilise son propre corps comme échelle décisive de son travail. Ses œuvres ont principalement été exposées au Japon, en France, en Pologne et en République Tchèque. Elles sont conservées au Japon au Yamanashi Prefectural Museum of Art (Kofu), au Yokohama Civic Art Gallery (Kanagawa) ainsi qu’au Urawa Art Museum.

En collaboration avec Yumiko Chiba Associates (Tokyo, Japon).

Dates

Janvier 25 (Samedi) 10 h 30 min - Février 22 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Christophe Gaillard

5 rue Chapon 75003 Paris

Galerie Christophe Gaillard5 rue Chapon 75003 ParisDu mardi au vendredi 10h30-12h30 14h-19h et le samedi 12h-19h

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