Daily Archives: 2 mars 2018

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Marrakech : Les Bons Plans de Jeanne Mercier

Direction Marrakech pour les bons plans de Jeanne Mercier ! Alors bien entendu ...

Evénements

Barbican : Les minorités et les marginaux dans le viseur de 20 photographes internationaux

Le Centre Barbican de Londres vient d’inaugurer sa nouvelle exposition consacrée aux marginaux. ...

Evénements

Ferhat Bouda, Prix Pierre & Alexandra Boulat 2016, exposé à la SCAM

Cette année, le Prix Pierre & Alexandra Boulat célèbre son dixième anniversaire. Remis ...

Photo

Thibaut Derien, J’habite une ville fantôme

Nous vous l’avions annoncé début février lors de la publication du palmarès de la ...

L'Invité.e

La Playlist de Jeanne Mercier

Pour son dernier jour de carte blanche, notre invitée de la semaine, Jeanne ...

L'Ephéméride

Cologne : Ouverture de l’expo “Tracing Transformations”

Le Die Photographische Sammlung de Cologne ouvre les portes, ce jour, de l’exposition collective ...

L'Ephéméride

Le Gif(t) de Rory Gallagher

Si vous êtes né.e un 2 mars, vous partagez votre date d’anniversaire avec ...

L'Ephéméride

Ephéméride (2012) : Mort de Jérôme Brézillon

Le 2 mars 2012 mourait le photographe français Jérôme Brézillon alors atteint d’un cancer. ...

Type d'événement

Type d'événement 2

Lieu de l'événement

Organisateur de l'événement

lun30nov0 h 00 min2021sam30jan23 h 59 minPrix Création émergente en Ile de France Poly—Type d'événement:PhotographieType d'événement 2:Prix

Détail de l'événement

Poly— fête ses 5 ans et les 2 ans de son pôle Initiatives. Dans le cadre du pôle Initiatives, Poly— souhaite mettre en lumière l’action de l’agence auprès de toute la création et à cette occasion lance un prix destiné à la création émergente francilienne. La réception des dossiers, par voie numérique uniquement se fait jusqu’au 31 Janvier avec une réunion du jury au mois de mars 2021.

L’appel à candidature est ouvert à tout photographe / artisan de l’image sans condition d’âge de nationalité ou de statut.
> Il est limité aux candidats franciliens, installés en Ile-de-France.
> Les projets collectifs sont acceptés.
> Il n’y a pas de frais d’inscription.
> Aucun thème n’est imposé. Un seul dossier accepté par personne ou collectif.
> Le projet est terminé. Les exemplaires d’exposition ont déjà été produits pour une exposition antérieure, un examen ou suite à leur annulation.
Le projet lauréat du Prix Jeune Création Poly— sera exposé à l’occasion de la Collab(s)#4 organisée par Poly— à Paris fin Mai 2021 dans une galerie à Paris intra-muros.
La date limite de réception des dossiers par voie numérique uniquement est le 30/01/2021.
L’envoi d’un dossier dans le cadre de cet appel à candidature implique l’acceptation du présent règlement.

Engagements du photographe
Le photographe/collectif :
> S’engage à respecter le calendrier prévisionnel communiqué par Poly—
> Garantit que les oeuvres présentées sont des créations originales au sens de la loi française et garantit être titulaire des droits d’auteur des oeuvres proposées à l’exposition.
> Autorise l’utilisation d’un ou plusieurs visuels par Poly— dans le cadre de la promotion de l’événement et de la diffusion des projets présélectionnés pour une durée de un (1) an à compter de l’envoi de la candidature.

Engagements de Poly—
Poly— s’engage à :
> Ne pas diffuser, divulguer ou commercialiser les informations transmises lors de leur inscription par les photographes. POLY —
> Ne pas utiliser les images transmises à d’autres fins que pour la communication autour de la Collab(s)#4 et de son prix « Jeune Création ».
> Fournir l’aide nécessaire au lauréat lors de l’accrochage et du décrochage de l’exposition.

Constitution du dossier de candidature
Une fois le formulaire de candidature complété (disponible via le lien suivant),
Merci de réunir les documents de la liste suivante pour constituer votre dossier de candidature et de nous les faire parvenir à initiatives@poly-paris.com :
> CV / Courte bio
> Portfolio / Dossier de présentation de la pratique artistique
> Note d’intention du projet présenté (2000 signes max), liste d’oeuvres
> Visuels, merci d’indiquer un visuel pour la communication
> Fiche technique des oeuvres (type d’impression, type d’encadrement, dimensions, besoins techniques pour l’accrochage, etc.) et schéma d’accrochage (vues d’expositions, plan d’accrochage provisoire, etc.)
> Revue de presse éventuelle ou tout autre document supplémentaire renseignant sur la pratique du photographe

Conditions de sélection
Les candidatures seront examinées par l’équipe Poly—.
Celle-ci pré-sélectionnera 10 candidatures qui seront ensuite soumises à un jury professionnel.
Les lauréats seront choisis sur la qualité de leur pratique artistique et sur la cohérence du projet proposé (images, propos, scénographie..).
Le jury, composé d’acteurs paritaires du monde de la photographie professionnelle (commissaires, galeristes, directeur artistique, achat d’art, iconographes etc) se réunira début 2021 pour sélectionner le dossier lauréat. Sa décision sera sans appel.
Le lauréat sera averti par mail et téléphone puis annoncé sur les réseaux sociaux de Poly— (Instagram, Facebook et Newsletter).

Dotations
1er Prix : Exposition du projet sélectionné lors de la Collab(s)#4, fin Mai 2021.
2ème Prix : 3 mois d’abonnement à la Newsletter Prix & Bourse avec accompagnement mensuel d’une heure + 1 participation au Workshop de son choix (3h) ou Rendez-vous Conseil spécialisé (1h30)
3ème Prix : 3 mois d’abonnement à la Newsletter Prix & Bourse avec accompagnement mensuel d’une heure.

Les 7 autres préselectionnés recevront la Newsletter Prix & Bourse sans temps de relecture pendant 3 mois à compter du mois de Juin 2021.

Rémunération
Le Lauréat recevra au titre des droits de représentation cédés dans le cadre de l’exposition de ses oeuvres lors de la Collab(s) #4 et des supports de communications digitaux et/ou imprimés associés une rémunération de 500€ HT sur note d’auteur.
Il recevra un acompte de 50% au plus tard 48h avant le début de l’exposition et le solde restant au terme de l’exposition.

Transport des oeuvres
Le lauréat devra prendre en charge les coûts éventuels du transport des oeuvres jusqu’au lieu d’exposition situé à Paris intra-muros et dont l’adresse lui sera communiqué ultérieurement lors de l’annonce du prix.

Assurance
Poly— prendra en charge l’assurance des oeuvres non originales (exemplaire d’exposition) pendant le temps de montage, d’exposition et de démontage. Le lauréat prendra en charge l’assurance des oeuvres originales qu’il aura souhaité exposer pendant le temps du montage, de l’exposition et du démontage.
Le lauréat et Poly— souscrivent à une assurance de responsabilité au titre de leur activité.

Evénements
Le lauréat s’engage à être présent le jour du vernissage de l’exposition Collab(s)#4 et lors de temps forts organisés tout au long de la durée de l’exposition

Annulation
Poly— se réserve le droit d’annuler sans frais tout ou partie de l’événement en cas de circonstances exceptionnelles ou pour toute cause indépendante de sa volonté et ne pourrait en aucun cas être tenu pour responsable d’éventuels frais de production engagés.

Pour toutes questions, vous pouvez nous contacter via :
initiatives@poly-paris.com

Dates

Novembre 30 (Lundi) 0 h 00 min - Janvier 30 (Samedi) 23 h 59 min

Calendrier GoogleCal

jeu07jan(jan 7)11 h 00 minjeu28(jan 28)19 h 00 minJardinMassao Mascaro Galerie du Crous, 11 rue des Beaux Arts 75006 ParisType d'événement:Exposition

Détail de l'événement

Cailloux éparpillés

Le jour où les hommes et les femmes firent usage de la parole, ils commencèrent aussi à mettre de l’ordre au chaos des sentiments qui habitaient leurs coeurs. En affirmant cela, on ose faire écho à la phrase de la Genèse « Au commencement était le Verbe ». En tant qu’êtres humains, nous commencions à doter nos vies de sens, nous leur donnions une direction, cela nous permettait de conter des histoires et aussi de les transmettre. Les mythes et les histoires étaient nés. À partir de ce moment-là, les êtres humains concevaient le temps.

Mais qu’en était-il de l’espace ?

Au commencement, il y avait aussi le Jardin. Un jardin est un espace clos. Le jardin, pour exister, a besoin d’un cadre. Le jardin est le point à partir duquel un lieu devient un paysage. Le jardin est le germe qui favorise l’implantation du foyer, du village, de la ville, de la nation. Le jardin, pourrions nous dire, n’est ni entièrement naturel, ni pleinement humain, se tenant ainsi à égale distance entre l’Homme et Dieu. Les Humains sont des créateurs de jardins tout comme ils sont des conteurs d’histoires. Dans Jardin, les photographies de Massao Mascaro traitent simultanément ces deux activités culturelles. Elles incarnent, toutes, les tensions délicates qui se produisent dans l’espace et dans le temps, un moment jamais décisif mais toujours suspendu, de minuscules fenêtres ouvertes sur l’éternité : l’espace entre deux mains, un rayon de lumière sur une branche qui ondule, une brindille prise dans le grillage d’une clôture, le regard mystérieux dans les yeux d’une jeune femme. La Nature est une invention de l’Homme, une chose avec laquelle nous vivons et qui nous permet de parler de tout ce qui n’est pas humain. La Nature est un paradoxe, mais un paradoxe plein de nostalgie, la seule chose dans le monde étrangère à l’Homme, qui était là avant lui, qu’il n’avait encore ni vue ni nommée. La Nature est ce dont on peut seulement rêver et le jardin est ce lieu que nous avons imaginé pour accueillir nos rêveries. Les jardins sont toujours habités par l’absence ou par les tristes présages de disparition. Tout comme les photographies, qui elles, sont habitées par notre absence. Ce pourrait être la raison pour laquelle il manque toujours quelque chose dans les images de Massao Mascaro, une espèce de vide. Parfois c’est une ombre, un trou noir dans la route, une silhouette incomplète dessinée sur le sol par des bouteilles vides, ou des cailloux éparpillés.

Federico Clavarino

Exposition présentée dans le cadre de PhotoSaintGermain.

Dates

7 (Jeudi) 11 h 00 min - 28 (Jeudi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie du Crous

11 rue des Beaux Arts 75006 Paris

Calendrier GoogleCal

mer04nov(nov 4)11 h 00 min2021dim14fev(fev 14)20 h 00 minRescheduledZanele MuholiEn attente de nouvelles datesLa Maison Européenne de la Photographie, 5/7 Rue de Fourcy 75004 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Après la Tate Modern de Londres, la MEP présentera la première grande rétrospective en France consacrée au travail de la « militante visuelle » sud-africaine Zanele Muholi.
Née en Afrique du Sud, Zanele Muholi a commencé à se distinguer à l’orée des années 2000 avec des photos cherchant à documenter la vie de personnes noires lesbiennes, gays, bisexuelles, trans, queer ou intersexes, loin de la représentation qui en est faite d’ordinaire entre déviance et victimisation.
Le travail de Zanele Muholi défie l’idéologie et les représentations hétéro-patriarcales, présentant ses sujets comme des êtres confiants, beaux, qui osent exister avec courage en dépit des préjugés, de l’intolérance et bien souvent, de la violence à leur égard.
Cette exposition présentera l’une des artistes les plus emblématiques de notre époque à un public plus large. Seront notamment dévoilées ses premières photographies, moins connues, offrant aux visiteurs une meilleure compréhension de la genèse du travail de l’artiste tout en donnant à voir son attachement viscéral à octroyer un place, une mémoire, aux personnes noires LGBTIO+ afin de leur offrir visibilité, respect et reconnaissance.
Les photos de Zanele Muholi constituent un travail sans précédent en Afrique du Sud. Il en ressort une sincérité, une ténacité créative et une maîtrise technique qui leur a valu une reconnaissance internationale. C’est avec ces photos que nous pouvons venir à bout des préjugés, combattre les stéréotypes et ouvrir la voie de la compréhension. Muholi oeuvre sans relâche pour nous offrir ces histoires, de façon à ce que nous puissions nous identifier à la vie et aux aspirations de leurs sujets. Il faut maintenant que ces histoires soient entendues.
Exposition organisée par la Tate Modern en collaboration avec la Maison Européenne de la Photographie, Gropius Bau à Berlin et le Bildmuseet de l’université d’Umeå en Suède.
Exposition présentée dans le cadre de Africa 2020.

Dates

Novembre 4 (Mercredi) 11 h 00 min - Février 14 (Dimanche) 20 h 00 min

Lieu

La Maison Européenne de la Photographie

5/7 Rue de Fourcy 75004 Paris

La Maison Européenne de la Photographie5/7 Rue de Fourcy 75004 ParisMercredi et vendredi de 11h à 20h , le Jeudi de 11h à 22h et le week-end de 10h à 20h. Fermeture des caisses 30 minutes avant Fermeture. Entrée : Plein Tarif : 10 € / Tarif Réduit : 6 €

Calendrier GoogleCal

sam10oct(oct 10)14 h 00 min2021dim14fev(fev 14)19 h 00 minChroniques de l'invisibleExposition CollectiveLe Grand Café Saint-Nazaire, Place des 4 Z'horloges, 44600 Saint-NazaireType d'événement:Art Contemporain,Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Dernière étape du cycle Généalogies fictives, conçu par le commissaire Guillaume Désanges à l’invitation du Grand Café, Record of the Invisible / Chroniques de l’invisible est une exposition qui joue sur des relations entre visibilité et invisibilité, proximité et distance, l’ici et l’ailleurs. Ce projet part d’une proposition faite à cinq artistes d’imaginer des interventions artistiques à l’extérieur du Grand Café, dans des espaces publics ou privés de la région de Saint-Nazaire. De ces gestes déposés « hors les murs » et volontairement non médiatisés, l’exposition du Grand Café n’accueille que les traces ou les échos déformés, qui composent ensemble une exposition autonome, formellement et sensuellement indépendante de son protocole d’origine. Comme pour les deux précédentes étapes de ce cycle, ce projet travaille l’histoire et la géographie de la ville, mais cette fois dans un régime spectral, celui de la rumeur, de la clandestinité et de la figuration d’un ailleurs. C’est la traduction poétique ou symbolique d’une absence qui est au coeur de ce projet, laissant la sensibilité, l’imagination et la croyance du visiteur prendre le relais de la compréhension d’un message ou de la réception d’une oeuvre soumise à son regard.

Cette expérience va puiser à plusieurs sources. La première est une réflexion critique sur l’art dans l’espace public, qui est trop souvent considéré comme une simple extension du musée, autrement dit un espace à conquérir ou annexer où l’oeuvre conquérante vient se poser et s’imposer. Ici, on privilégie à l’inverse des gestes non assignés, parfois invisibles, qui ne laissent pas toujours de traces, et restent minoritaires et non dominants par rapport à leur contexte d’apparition. Des oeuvres pour un regard éventuel mais pas certain, pour des rencontres fortuites, pour des témoins conscients ou inconscients autant que pour les animaux ou les éléments. De l’art pour le vent, la mer, le soleil ou les oiseaux. Dès lors, ces interventions, modestes par nécessité, mesurent la capacité de l’art à résister, survivre mais aussi poétiser librement le monde sans la pression d’un regard de spectateur déterminé et déterminant. Petite leçon d’humilité objectale : des oeuvres clandestines, abandonnées, exilées dans le réel, doivent nécessairement négocier avec leur écosystème.

La deuxième source à l’origine de ce projet concerne une exposition intitulée Nul si découvert que j’avais organisée en 20111, qui reposait sur l’idée d’expérience impossible à travers une sélection d’oeuvres se désagrégeant à l’instant même où elles pouvaient être observées. Inspirées par la pensée de Susan Sontag, pour qui l’art absolu, le plus ambitieux et le plus édifiant est un art privatif, de l’effacement, du retrait, un art des rumeurs et « des mélodies non entendues qui perdurent, à l’inverse que celles, évanescentes, qui sifflent à l’oreille des sens »2.
Soit l’inaccessibilité comme moteur émotionnel et cognitif.

La troisième source, enfin, est une exposition organisée par le collectif japonais Chim Pom en 2015, qui proposait à des artistes d’intervenir dans la zone d’exclusion de la ville de Fukushima marquée par la catastrophe nucléaire. Dans une logique de l’urgence, il s’agissait d’installer des oeuvres dans une zone devenue inaccessible au public parce qu’irradiée, et dont l’exposition tournante ne présentait que des traces ou de la documentation. Ce projet avait représenté pour moi une passionnante réaction, à la fois poétique et politique, au caractère sidérant, et potentiellement neutralisateur d’un danger précisément invisible. Le très beau titre de l’exposition Don’t follow the wind (Ne suivez pas le vent), était en soi un avertissement et une invitation, injonction mélancolique à laisser exister un ailleurs sans expérience directe.
C’est de fait à une expérience particulière pour le public, mais aussi pour les artistes et le commissaire qu’invite le protocole de l’exposition Record of the Invisible / Chroniques de l’invisible. Une exposition qui considère les oeuvres d’art comme les témoins d’une absence, mais dont la trace, médiatrice et intercesseuse, s’avère finalement plus importante que l’objet original. C’est là tout l’enjeu de cette expérience curatoriale à deux dimensions : comment rendre compte, artistiquement, c’est-à-dire par la forme et non par le récit, d’une série de gestes lointains. Car depuis le début de ce projet, il ne s’agit donc pas de documenter, mais de « faire exposition ».
Pour ce faire, les artistes ont produit des formes spécifiques ou convoqué des oeuvres existantes recomposées comme un rébus. Dans tous les cas, ces traductions incertaines, symboliques, poétiques ou métaphoriques sont censées s’autonomiser, échapper à leur statut de substituts pour créer une forme nouvelle.
Dans la continuité de l’exposition précédente du cycle , qui proposait de travailler un commissariat en « circuit-court », c’est-à-dire en présentant des oeuvres et documents issus de l’histoire locale, cette exposition prend la ville de Saint-Nazaire et son environnement immédiat comme base de travail.

En effet, le processus a d’abord consisté à proposer aux artistes de choisir des lieux d’interventions en arpentant la ville et ses environs, avec une grande ouverture sur les topographies possibles : espace public ou privé, dans la ville, à la campagne, sur la côte, dans la mer, accessible ou pas. La méthode a donc été celle de l’étude de terrain, nourrie de storytelling et de recherches locales, à laquelle les artistes ont participé activement. Comme le suggère le titre de l’exposition, il s’agissait de se concentrer principalement sur des points aveugles, des angles morts de l’histoire et de la géographie locales.
À partir de ces bases, chaque artiste a pu interpréter comme il le souhaitait l’invitation à déposer un geste hors les murs, qui pouvait être un objet, une action, un retrait ou une observation. De fait, les artistes ont répondu de manière très diverse à cette proposition très ouverte, chacun s’emparant d’un morceau d’histoire ou de géographie de la ville. Ignasi Aballí a choisi de se focaliser sur l’histoire du musée des beaux-arts de Saint-Nazaire, disparu pendant la guerre, dont il replace des signes dans la ville, comme une présence fantomatique. Edith Dekyndt, elle, s’est intéressée à l’histoire du Grand Café, au moment de sa splendeur romantique au début du 20e siècle : sous des halles de plein air, face à la mer, une lumière suit les circonvolutions d’un couple invisible qui danse une valse. Eva Barto aborde l’histoire économique et industrielle de la ville et notamment la circulation de matériaux entre industrie navale, métallurgie et artisanat local. Lois Weinberger, lui, a proposé de s’adresser directement aux oiseaux qui survolent les Forges de Trignac, en leur construisant un abri qui redonne, de manière à la fois concrète et symbolique, une vie sociale à ce site industriel abandonné. Ismaïl Bahri, lui, propose divers moments d’observation des éléments extérieurs de la région, et en livre des échantillons dans l’espace d’exposition.

Toutes ces actions spécifiques sont enrichies dans les espaces du Grand Café d’oeuvres qui résonnent avec les questionnements de l’exposition.
En lien avec l’esprit du cycle, la généalogie révélée par ce projet est donc d’abord celle d’un territoire. Imprégné, hanté par des couches de réalités enchevêtrées, un lieu est toujours une entité géopolitique complexe, dont la surface apparemment stable masque un bouillonnement de récits souterrains, naturels et culturels, humains et non humains, individuels et collectifs. D’une forêt de chênes saisie dans la tourbe depuis 5000 ans à une mangrove mystérieuse formée dans les vestiges d’une usine métallurgique séculaire. Des théories philanthropiques du patronat du XIXe siècle au destin mondial des chantiers de l’Atlantique. De tombes mégalithiques construites il y a 6000 ans aux derniers phares habités de l’estuaire. De ces faits enchaînés les uns aux autres dans la topographie aussi bien que dans l’esprit des lieux, nous n’avons que des échos ou des bribes éparses qui ont servi de matériau aux artistes. Dès lors, la généalogie ici mise à jour est aussi celle d’une ligne trouble entre le réel et la fiction, entre l’histoire et l’art, entre l’oeuvre dehors et son récit dedans. Des généalogies incomplètes, incertaines, toujours partiellement inventées ou fantasmées. C’est pourquoi les artistes n’ont pas été choisi.e.s parmi les chercheurs ou les documentaristes. Ils et elles ont été choisis pour leur capacité à détourner plus qu’à reporter fidèlement une situation donnée. On l’aura compris, on privilégie ici l’abstraction et la poésie à l’information. C’est aussi pourquoi, dans l’exposition, l’ensemble des sources factuelles ont été réunies, en vrac, dans une salle des récits, sorte d’antichambre narrative de l’exposition, volontairement déconnectée des formes artistiques. Une manière de créer une généalogied’un espace à l’autre, d’un récit à une forme, de l’oral au visuel, en préservant volontairement une distance entre sujet et objet de l’exposition. C’est dans ces écarts spatiaux et temporels que se joue l’essentiel de ces chroniques de l’invisible, et c’est là précisément que réside le caractère passionnément fictif de ces généalogies.
Guillaume Désanges

Notes :
1 – Void If Removed / Nul si découvert (Concrete Erudition 4), Le Plateau, Frac Île-de-France, 2011, avec des oeuvres de Bas Jan Ader, Eric Baudelaire, Bernard Bazile, Alighiero Boetti, Chris Burden, Coop Himmelblau, Marcel Duchamp, Ceal Floyer, Ryan Gander, Dora Garcia, Joseph Grigely, Ann Veronica Janssens, Jiri Kovanda, Joao Louro, Julien Loustau, Daniel Pommereulle, Stephen Prina, Anna-Maria Maiolino, Man Ray, Lawrence Weiner, Ian Wilson, Carey Young, Rémy Zaugg
2 – Susan Sontag, « The Æsthetics of silence » in Styles of radical will, New York Picador, États-Unis, 2002
3 – Exposition Contre-Vents, Solidarités ouvrières, étudiantes et paysannes dans l’Ouest de la France : une généalogie, 26 mai – 29 septembre 2019, Le Grand Café – centre d’art contemporain, Saint-Nazaire

Dates

Octobre 10 (Samedi) 14 h 00 min - Février 14 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

Le Grand Café Saint-Nazaire

Place des 4 Z'horloges, 44600 Saint-Nazaire

Calendrier GoogleCal

jeu03déc(déc 3)13 h 00 min2021sam30jan(jan 30)19 h 00 minEntre quatre yeuxLucien Hervé et Rodolf HervéGalerie Maubert, 20 rue Saint-Gilles 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

L’exposition Entre quatre yeux présente de manière inédite les travaux photographiques de Lucien Hervé et Rodolf Hervé, père et fils. Un face-à-face de l’intime, orchestré par Judith Elkan Hervé, veuve de Lucien Hervé, qui œuvre depuis les débuts à la reconnaissance internationale du travail de son mari, pilier de la photographie d’architecture, mais également de celui de son fils, artiste prédominant de l’underground hongrois des années 1990, mort prématurément en 2000.

L’exposition présente un ensemble de diptyques, montrant la complémentarité et, en même temps, la singularité des deux artistes. On s’attarde sur leurs idées partagées autour de la critique sociale, l’humour et l’ironie jalonnant les clichés, les prolongements plastiques jusque dans la question du cadrage osé, de l’abstraction et de la matérialité des supports photographiques. Les images versatiles et colorées du fils complètent la radicalité noire et blanche de celles du père, et laissent penser que les deux hommes ont été source d’inspiration l’un pour l’autre.

Lucien Hervé (1910-2007) est né dans une petite ville de Hongrie en 1910. Il s’installe à Paris en 1929, où il passe le reste de sa vie. Il commence à photographier à la fin des années 1930. En 1949, il rencontre l’une des figures phares de l’architecture moderne, Le Corbusier, et devient son « photographe officiel » entre 1949 et 1965. Son œil visionnaire et son travail singulier autour de l’irruption de la géométrie et la construction de l’image par l’ombre et la lumière, suscitent rapidement l’intérêt d’autres architectes comme Alvar Aalto, Marcel Breuer, Pier Luigi Nervi, Richard Neutra, Oscar Niemeyer, Jean Prouvé… Son travail est entré dans les plus grandes collections internationales : Albertina à Vienne, Centre Pompidou à Paris, Victoria and Albert Museum à Londres, Getty Research Institut à Los Angeles, MOMA à New York, CCA à Montréal, Kahitsuka Kyoto Museum of Contemporary Art à Kyoto, M+ Museum à Hong Kong, Musée Matisse de Nice, collection d’agnès b. à Paris… Les expositions et rétrospectives se sont multipliées : Jeu de Paume (2017), Centre Pompidou (1987, 2010), Musée des Arts Décoratifs (1963, 1966), BNF (1964), FUGA-Centre d’architecture de Budapest (2019), Jakopi Gallery, Ljubljana (2019), Galerie der Moderne, München (2014, 2018), Musée Benaki, Athènes (2016), Musée Matisse de Nice (2014), Fondation Le Corbusier (2007, 2014), Musée des Beaux-Arts de Budapest (2010), Maison de la Photographie Robert Doisneau (2010), Collection Berardo (2008), Maison de la Photographie hongroise – Mai Mano House (2008), Espace Louis Vuitton (2006), Musée Carnavalet (2005), Budapest Gallery (1989), Suomen Rakennustaiteen Museo de Helsinki (1963, 1976, 1987) …

Rodolf Hervé (1957-2000) est, quant à lui, très actif au sein des cercles underground hongrois des années 1990. Arrivé à Budapest en 1989 grâce à l’invitation du Musée Vasarely, Il reste en Hongrie plusieurs années après le changement de régime, devenant une des principales figures de la scène artistique alternative. Personnalité rebelle, il touche à tous les médiums (vidéo, musique, performances…), même si la photographie reste un moyen privilégié pour suggérer le mouvement, la pensée en action et exprimer l’émotion d’un monde halluciné et surréaliste, entre tendresse et violence, lyrisme et drame. Comme un besoin intense, pressant, d’expérimenter la vie et sa fulgurance. Depuis le Musée Vasarely de Budapest en 1990, Rodolf Hervé est exposé au Bain thermal Széchenyi à Budapest (1991), au Musée János Xantus à Györ (1992), au Szent István Király Museum de Székesfehérvár (2001), à la Centrális Gallery de Budapest (2011)… Ses oeuvres font partie de la collection de Open Society Archives à Budapest, de la collection d’agnès b., de l’artothèque d’Annecy…

L’exposition Entre quatre yeux (One-on-One) a été inaugurée à la Várfok Galerie à Budapest en 2019, parrainée par le Fonds Culturel National de Hongrie, et au programme officiel du Festival de la photo de Budapest.

Dates

Décembre 3 (Jeudi) 13 h 00 min - Janvier 30 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Maubert

20 rue Saint-Gilles 75003 Paris

Galerie Maubert20 rue Saint-Gilles 75003 ParisGalerie ouverte du mardi au samedi de 13h00 à 19h00 ou sur rendez-vous

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