Name: Carpe Diem. Regard sur les collections et autres traversées
Start: 2019-6-15T10-10-00-00
End: 2019-11-10T18-18-00-00
Location: Musée d'Art, Histoire et Archéologie

Perpignan

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sam15jui(jui 15)10 h 00 mindim10nov(nov 10)18 h 00 minCarpe Diem. Regard sur les collections et autres traverséesCatherine PoncinMusée d'Art, Histoire et Archéologie, 6 Rue Charles Corbeau, 27000 ÉvreuxType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Catherine Poncin PARCOURS 1997/2019, opération qui voit le jour en juin 2019, est issue d’un partenariat entre la Maison des Arts et le Musée. Elle est l’aboutissement d’une résidence de l’artiste à Évreux entre 2017 et 2019, où elle a mené un double projet. À la Maison des Arts, Catherine Poncin a animé plusieurs ateliers au cours desquels stagiaires et artiste ont appris les uns des autres. Au Musée et selon une tradition sans cesse réinventée année après année, l’artiste s’est approprié les collections afin de nous les offrir sous une lumière inédite. Carpe Diem est ainsi le fruit d’une domestication réciproque entre l’artiste et les collections. Dans le cadre des expositions présentées au sein de ses galeries, la Maison des Arts propose une rétrospective de l’oeuvre de Catherine Poncin à travers le choix de différentes séries La galerie Les Filles du Calvaire, qui représente l’artiste, le Musée d’Évreux et la Maison des Arts ont oeuvré, main dans la main, pour rendre possible la présentation du fruit de ce travail ainsi que des oeuvres produites précédemment. À la Maison des Arts, le commissariat d’exposition a été confié à Christine Ollier (Le Champ des Impossibles).

Dans le monde de la photographie contemporaine, Catherine Poncin est associée au concept dit « De l’image par l’image » ; le critique d’art Paul Ardenne la qualifiant de « post-photographe ». Dès les années 1980, l’artiste a fait moisson d’images chinées au marché aux Puces. Invitée par la suite à dialoguer avec les collections patrimoniales de services d’archives ou de musées (archives départementales du Territoire de Belfort, de Bobigny, de Lewarde, musée de l’Histoire Vivante de Montreuil, Auberge de l’Europe de Voltaire de la Ferney-Voltaire, musée Alfred Canel à Pont-Audemer…), elle s’est de la même manière réapproprié la matière glanée – photographies orphelines souvent, comme détrempées de l’anonymat de leurs sujets -, s’est immergée dans le quotidien des populations portraiturées, n’a eu de cesse de les épuiser de son regard, de focaliser sur tel visage, opérant des rapprochements, proposant ainsi des trajets intimes et fictionnels merveilleusement éclairants, au même titre qu’un essai historique ou anthropologique, sur tel pan de l’histoire sociale ou tel mythe hérité de l’aube des temps. Cette démarche est illustrée par l’exposition de la Maison des Arts.

Dates

Juin 15 (Samedi) 10 h 00 min - Novembre 10 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Musée d'Art, Histoire et Archéologie

6 Rue Charles Corbeau, 27000 Évreux

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sam22jui(jui 22)10 h 00 mindim21jul(jul 21)19 h 00 minLe facteur (temps) sonne toujours deux foisExposition CollectiveDelta Studio, 158 rue Pierre de Roubaix – 59200 RoubaixType d'événement:Art Contemporain,Exposition,Photographie

jeu06jui(jui 6)10 h 00 minven19jul(jul 19)19 h 00 minEternelles Jérusalem / RomeChantal StomanGalerie SIT DOWN, 4, rue Sainte Anastase 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Le passé est éternel, c’est le présent qui passe, le présent qui fuit et qui s’efface.

La galerie Sit Down, pour son exposition de l’été 2019, a choisi de montrer deux projets distincts, réalisés sur deux périodes différentes, un regard croisé d’une même artiste, Chantal Stoman, sur deux villes Eternelles.

Qu’existe t’il d’Eternel ? L’Histoire, la trace. A Rome, puis à Jérusalem, la photographe a cherché durant plusieurs semaines à percevoir un semblant d’éternité.

A Jérusalem, c’est dans ses pierres millénaires, que l’Éternité est palpable. Cette pierre unique qui unifie la ville d’Est en Ouest, nous conte l’histoire de l’humanité. Une pensée du Lieu dans laquelle on perçoit les 3000 ans d’histoire qui lient ses murs. Souvent détruite mais néanmoins vivante, cette capitale de la survie possède deux visages, l’un, visible, l’autre, insaisissable. La ville trois fois sainte s’appuie sur ses écrits et à travers le texte, Jérusalem se lit comme un livre ouvert. Car dans ses pierres, l’histoire se raconte. Ici, tout se fantasme, rien ne s’expose et la parole laisse place à l’imaginaire.

Jérusalem a traversé les millénaires et aucune autre ville, ni Rome, ni Byzance, ni La Mecque n’ont ravi le privilège de la ville nommée sainte. Elle est la figure de la ville éternelle. Jérusalem, lieu du retour où ce qui a été perdu doit être retrouvé. Le texte donne alors accès au Lieu, la lettre à la vie. Passion de l’écriture, amour et endurance de la lettre dont on ne saurait dire si le sujet en est le Lieu ou la Lettre elle-même. Racine peut-être commune d’un peuple et de l’écriture. Mais peut-on définir l’écriture ? Ou alors est-on réduit, parlant de l’écriture, à décrire son mouvement, ou même simplement à suivre ce mouvement qui porte l’homme dans le Lieu? Le texte se contente de suivre un chemin, précisément le chemin de l’écriture qui est aussi, le chemin du Lieu et trace son sillon dans la ville de Jérusalem.

L’aventure du texte laisse place à l’imaginaire.

Conditionnée par l’écoute d’une Parole, j’ai souhaité inscrire mes images de Jérusalem dans une posture mi- poétique, mi- esthétique . A travers ce projet, j’ai voulu surtout en esquisser les contours de la ville.

A Rome, berceau du Christianisme, c’est l’image omniprésente qui est Eternité. Ce glissement du registre cultuel vers celui de l’art, et la portée édifiante de l’image ont guidé mon regard sur la ville dont le nom latin signifie ville éternelle. Le rapport à l’image que les confessions chrétiennes, précisément à Rome, ont développé au cours des siècles a forgé leur culture visuelle et les attitudes à l’égard des images tendent à se rejoindre. Quel que soit le statut assigné à l’image, celle-ci tient une grande place dans la ville.

Ainsi la représentation du sacré véhicule un message religieux. Il devient l’élément central du rite, l’incarnation d’un personnage. Ainsi, les miracles accomplis par l’intermédiaire des images saintes, les utilisations apotropaïques de celles-ci par l’intermédiaire de leur représentation figurée, ou les légendes qui courent à propos des pouvoirs exceptionnels de telle ou telle figure façonnent la foi romaine.

La prolifération quantitative des images saintes, ce qu’elles représentent, a généré un culte de l’image. Ainsi offerte à mon regard, l’image religieuse omniprésente dans la capitale italienne a guidé mes pas. J’ai souhaité mieux comprendre la manière dont l’image chrétienne a été traitée depuis la fin de l’Antiquité. J’ai voulu observer comment une idée assez simple a pu se développer : atteindre les réalités invisibles au moyen de choses sensibles, voire matérielles.

J’ai longuement regardé ces hommes, ces femmes qui adressent aux images des louanges et des marques de dévotion. J’ai cherché les significations des peintures et des statues offertes à la vénération des fidèles, sentant la présence directe du sacré ou la consolation dans la souffrance.

A travers cette exposition rassemblant deux villes symbolisant l’Eternité, deux projets, j’ai voulu, non pas confronter, mais associer deux visions.

Deux perceptions, si éloignées soient-elles, se rejoignent dans la photographie, l’image du présent.

Chantal Stoman

Chantal Stoman est une photographe française qui vit à Paris.

Son travail s’inscrit dans une démarche qui repose sur une observation approfondie des rapports entre l’Homme, son intimité, et la Ville.

Débuté avec A WOMAN’S OBSESSION, observation de la relation particulière que les femmes japonaises entretiennent avec le luxe et la mode, elle élargit ensuite sa focale avec LOST HIGHWAY, A PHOTO PROJECT. Réalisé sur les flyovers des grandes villes du monde c’est un voyage dans l’intimité furtive de l’humanité qui se cache au cœur des grandes villes. Depuis les autoroutes aériennes de Tokyo, Sao Paulo, Le Caire, Hong Kong, Bombay, LOST HIGHWAY raconte cette part commune à toutes les grandes citées, là où les frontières n’existent plus.

Sa passion pour le contemporain, et son incarnation la plus massive – la «ville monde», en extension continue de Tokyo jusqu’à Sao Paulo – n’ont pas entamé la sensibilité de son regard pour la ville verticale, celle qui se donne à voir et à vivre dans l’épaisseur du temps.

Le travail que Chantal Stoman a ensuite réalisé à Rome avec L’IMAGE CULTE puis à Jérusalem, avec le projet WALKING DISTANCE témoigne de son tropisme vers les «villes mythes».

Ces villes qui racontent, dans le profond, une histoire et qui font l’Histoire. L’attention au détail, – la traque d’un sens, logé parfois dans une boîte aux lettres – introduisent une interrogation, une réflexion, un suspens poétique, ajoutant à la photographie la promesse d’une suite.

En 2016, invitée en résidence au Cambodge Chantal Stoman travaille Le projet VIEWS, Phnom Penh , se plongeant dans l’intimité de la ville, la nuit. Le projet a fait l’objet d’une installation monumentale lors du Mois de la Photo du Grand Paris. Le livre VIEWS est publié par les éditions Rue du Bouquet. Depuis 2017, Chantal Stoman se consacre à OMECITTA, un projet ayant bénéficié du soutien du CNAP grâce au dispositif de l’aide à la photographie documentaire. Un documentaire filmé est également en cours.

Dates

Juin 6 (Jeudi) 10 h 00 min - Juillet 19 (Vendredi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie SIT DOWN

4, rue Sainte Anastase 75003 Paris

Galerie SIT DOWN4, rue Sainte Anastase 75003 ParisGalerie ouverte sur rendez-vous uniquement par téléphone au 01 42 78 08 07 ou info@sitdown.fr

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sam16mar(mar 16)0 h 00 minsam20jul(jul 20)0 h 00 minFrench Archives, Aix-en-Provence 1957-1958Harry CallahanMusée Granet, Place Saint-Jean de Malte, 13100 Aix-en-ProvenceType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Le musée Granet s’associe à la MEP pour présenter, en près de 90 clichés, les travaux du photographe américain Harry Callahan. Le fonds photographique lié à sa « période aixoise », et offert à la MEP par l’artiste, avait fait l’objet d’une grande exposition en 2016 dans nos murs. Il est présenté au musée Granet à Aix-en-Provence du 16 mars au 21 juillet 2019.

Callahan entretenait des liens d’amitié avec la MEP, dont il découvre le chantier en 1994. Il décide alors de revisiter ses archives personnelles, en compagnie de son ami et galeriste Peter MacGill et sélectionne 130 tirages originaux (la plupart inédits) qu’il rassemble sous le nom de « French Archives », pour les offrir au musée. Ce premier geste de soutien et de confiance d’un grand photographe américain marqua incontestablement une étape importante dans la constitution de la collection de la MEP.

Cette exposition revêt pour le musée Granet une importance particulière tant par l’esthétique de ces photos – de grand aplats noirs, des points de vue singuliers de la ville d’Aix, une esthétique du vide – que par le sujet traité et son aspect documentaire. On y découvre une ville vidée de ses habitants dans laquelle Callahan capte d’infinies variations de lumières, joue des ombres portées sur les vieilles façades…

Dans ces photographies, Aix-en-Provence se mue en cité de l’ombre : le cours Mirabeau est plongé dans la nuit noire où ne subsistent que quelques points luminescents. Les abords de la Sainte-Victoire et de la campagne aixoise échappent eux aussi aux clichés traditionnels d’Aix et de la Provence en général.

Dates

Mars 16 (Samedi) 0 h 00 min - Juillet 20 (Samedi) 0 h 00 min

Lieu

Musée Granet

Place Saint-Jean de Malte, 13100 Aix-en-Provence

Musée GranetPlace Saint-Jean de Malte, 13100 Aix-en-ProvenceOuvert du mardi au dimanche - hors période d'exposition estivale : de 12h à 18h (fermeture des caisses à 17h30), - en période d'exposition estivale (du 21 juin au 13 octobre 2019) : de 10h à 19h (fermeture des caisses à 18h30).

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sam01jui14 h 30 minsam22(jui 22)18 h 30 minThe June Group ShowStéphane Gautronneau, Nicolas Jardry, Antoine RozèsGalerie Anne Clergue, 4 plan de la cour, 13200 ArlesType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Du 1er au 22 Juin, Anne Clergue Galerie présente son June Group Show avec trois photographes qui invoquent la préservation de la planète. Stéphane Gautronneau explore la disparition des paysages, Nicolas Jardry nous plonge dans une nature fantasmagorique et Antoine Rozès nous emmène dans un voyage nocturne, au plus profond de la forêt.
Au cœur de la ville d’Arles, la galerie se renouvelle en doublant sa surface d’exposition ; elle passe du 12 au 4 Plan de la Cour, juste derrière la Mairie. La galerie s’inscrit dans la continuité en proposant un regard sur la photographie contemporaine, la peinture, gravure, sculpture, avec toujours le souhait de découvrir de jeunes talents.

Autodidacte, Stéphane Gautronneau a été l’assistant de photographes de mode parmi les plus célèbres. Il se tourne très vite vers un travail personnel : sensibilisé par l’érosion de la planète, il ramène de ses nombreux voyages dans les coins les plus sauvages et reculés du monde, des ‘physical-scapes’. Ces paysages saisissent l’impermanence du temps qui transforme, efface, entraîne la disparition de notre terre. Il privilégie les très grands formats et travaille au 4X5 ; le temps est une composante importante de chaque prise de vue.
« Le désert de Namibie est le premier désert de notre planète.
J’y pose mon Linhof Tehnika au niveau du sol, comme si je découvrirais ce paysage après avoir passé la nuit sous la tente.
Depuis ce promontoire, la perspective s’ouvre sur trois plans qui convergent vers l’horizon. Le premier est rassurant et proche : il permet de saisir l’immensité de cette plaine que l’on voudrait traverser. Les couleurs naturelles définissent un spectre de chromies qui confondent le ciel, le soleil et la roche millénaire. Aucune retouche n’est apportée : la température et l’ambiance sont palpables. Les embruns de la côte sur l’horizon apportent une teinte à la lumière irradiante du soleil »
Nicolas Jardry, a exposé en 2016 à la galerie, passionnée par la nature qui nous entoure, immergé dans sa planète de verdure et de couleurs, il nous livre ses photographies doubles pliées comme un origami. Cette série Face à Face nous emmène dans le surnaturel, un univers fantasmagorique. Son invitation à la méditation va nous rapprocher de ce qui est primordial pour l’artiste, notamment la préservation de l’environnement et la compréhension de l’espace. Ce travail suscite des résonances insoupçonnables entre l’attention que nous allons donner à l’oeuvre mais aussi sur le regard que nous portons sur nous-même. Nicolas Jardry nous conforte dans cette direction en affirmant que le « face à face » avec la nature est le lien entre notre moi intérieur et notre moi extérieur.
“Il arrive souvent que nous passions à côté du spectacle simple de la nature, soit que nous soyons trop sensibles aux images à sensation, soit qu’au contraire nous préférions une image aseptisée et reconnue. Entre ces deux extrémités, il y a toutes les nuances de l’ombre … J’aime essayer de capturer ce monde poétique des esprits qui nous relie à la terre et aux étoiles”.
Antoine Rozès a exposé en 2016 à la galerie. Sa série l’Hors de moi en bois nous entraîne dans les mystères de la forêt, éclairée à la lampe torche, au coeur de la nuit. Chaque détail compte, un monde de fées, de druides où l’on aimerait se perdre.
« Les photographies de la série « L’Hors e Moi en Bois » sont réalisées à la prise de vue, en numérique. Il n’y a pas de recadrage, de sur-impression , ou d’effet Photoshop.
Elles ont lieu sur un morceau de chemin, d’environ 300 mètres en Dordogne. Mon procédé est centré sur un protocole, inspiré de la chronophotographie. J’utilise des outils que j’ai fabriqués et déposés. Cette façon de faire laisse une part importante à l’aléatoire et à l’effet de sérendipité. Deux approches ont défini la direction que j’ai prise. D’un côté une réflexion sur deux phrases de Jacques Lacan « Le réel c’est ce qui n’appartient ni au symbolique, ni à l’imaginaire » et « Le réel c’est quand on se cogne ».L’autre approche trouve ses sources dans le TAO et consiste à se positionner de l’autre côté du « Je sais ». Par l‘adoption de la posture du « WUWEI » ( non-agir), il s’agit de laisser les images venir à soi, au lieu de les chasser ou de les construire. L’engagement que je manifeste dans cette série consiste à montrer qu’il existe une approche du monde complètement à l’opposé du matérialisme et du religieux qui dit « Dieu a dit… », pour une vie ouverte à ce qui l’entoure.
De nos jours, où tout le monde sait tout, je trouve intéressant de regarder ce qu’il se passe lorsque que l’on dit : je ne sais pas. »

Dates

1 (Samedi) 14 h 30 min - 22 (Samedi) 18 h 30 min

Lieu

Galerie Anne Clergue

4 plan de la cour, 13200 Arles

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