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Le retour de Rough Trade à Paris

C’est à Londres en 1976 que la boutique Rough Trade a ouvert ses portes avant ...

Type d'événement

Type d'événement 2

Lieu de l'événement

Organisateur de l'événement

ven12fev(fev 12)14 h 00 minsam03avr(avr 3)19 h 00 minLes voyages d'Hélène, Une vie à documenter le mondeHélène Roger-ViolletGalerie Roger-Viollet, 6 rue de Seine 75006 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Hélène Roger-Viollet, équipée de ses Rolleiflex, parcourt le monde dans les années 1950-1970 : l’Amérique, l’Asie, l’Afrique…

Fille ainée d’Henri Roger, ingénieur et photographe amateur, elle grandit avec les expériences photographiques de son père, se forme au journalisme et crée l’Agence photographique Roger-Viollet en 1938 avec son mari Jean Fischer. Ses voyages autour du monde sont un prétexte à compléter, documenter et enrichir les archives existantes.Hélène Roger-Viollet n’est pas en quête de sensationnel, mais témoigne au gré de ses rencontres, dans un format carré, de la vie, du quotidien, des coutumes de peuples éloignés à la manière d’un ethnologue, à une époque où voyager n’était pas aussi aisé. La photographe le souligne dans un documentaire réalisé en 1981 : « Nous n’avons pas fait du reportage mais réalisé des documents pour enrichir les collections des documents qui manquaient ».

Au fil de ses 30 années de photographie, Hélène Roger-Viollet a constitué une oeuvre qui allie le témoignage documentaire et une esthétique qui lui est propre.
En 1985, à 84 ans, elle décède tragiquement, assassinée par son mari. Le fonds photographique est alors légué à la Ville de Paris et actuellement conservé par la Bibliothèque Historique de la Ville de Paris.

Dates

Février 12 (Vendredi) 14 h 00 min - Avril 3 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Roger-Viollet

6 rue de Seine 75006 Paris

Calendrier GoogleCal

sam27fev(fev 27)10 h 00 minsam29mai(mai 29)19 h 00 minIlse BingPhotographs (1928 - 1935)Galerie Karsten Greve, Paris, 5 Rue Debelleyme, 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

La Galerie Karsten Greve est heureuse d’annoncer sa nouvelle exposition dédiée à la photographe allemande Ilse Bing. Photographs 1928 – 1935 met en lumière une importante sélection de photographies réalisées à Francfort et Paris entre 1928 et 1935, qui illustrent les recherches avant-gardistes menées par celle que l’on surnomme « la Reine du Leica ».
Autodidacte, Ilse Bing ne se limite pas à un genre en particulier et fait preuve d’une grande liberté dans le choix de ses sujets, s’intéressant aussi bien au portrait, qu’à la mode, la danse ou la nature morte. Elle trouve également beaucoup de motifs d’inspiration dans la ville, que ce soit dans l’architecture, dans les scènes de la vie quotidienne jusque dans ses détails que l’on jugerait insignifiant (Dead Leaf and Tramway Ticket On Sidewalk, Frankfurt, 1929). Ses clichés marqués par des plans rapprochés, des perspectives et des cadrages audacieux ainsi que l’attention portée aux détails de la vie urbaine sont très représentatifs du style de la Nouvelle Vision. Ce courant moderniste qui émerge en photographie dans les années vingt est porté par Berenice Abbott, André Kertész, Eli Lotar, Sasha Stone et Florence Henri, figure emblématique de cette modernité dont la leçon de géométrie résonne parfaitement chez Ilse Bing. Cependant, cette dernière innove dans la délicatesse et la poésie qu’elle insuffle à ses oeuvres grâce à des jeux de contraste et de lumière et à la spontanéité de ses prises de vue.
Cette spontanéité est rendue possible grâce à sa maitrise du Leica, qu’elle commence à utiliser en 1929. Dans une époque où les formats 9 x 16 cm dominent la production photographique, Ilse Bing est l’une des premières à l’utiliser et presque la seule à ne travailler exclusivement qu’avec cet appareil qui dispose d’une caméra 35mm. Très simple et très pratique d’utilisation car petit et léger, le Leica emploi un nouveau mode de cadrage qui implique une connexion directe entre la vision du photographe et son sujet. Avec cet appareil, la photographie devient naturellement une extension du regard. Cette spontanéité lui permet de devenir l’outil privilégie du photojournalisme et de la presse illustrée moderne.
Après avoir fait ses premières armes en Allemagne, Ilse Bing quitte Francfort en 1930 pour Paris où se trouve dorénavant le coeur de la photographie d’avant-garde. Elle y passera les dix années les plus fructueuses de sa carrière.
Si le Leica était privilégié par les photojournalistes en Allemagne comme outil idéal du reportage, il est redéfini à Paris comme un instrument poétique. Il devient en effet l’appareil parfait pour capturer ce que Cartier Bresson appelle « les moments décisifs ». A Paris, Ilse Bing forge son style qui réconcilie poésie et réalisme, enchantement du rêve et netteté de la modernité. Elle cherche des contrastes et des juxtapositions originales qui transforment la réalité banale de la vie quotidienne en une idée nouvelle. Sa préoccupation pour la géométrie est toujours omniprésente et se mélange avec le rendu du temps et du mouvement que sa maitrise du Leica lui permet de retranscrire à la perfection et qui s’illustre notamment dans sa représentation de la danse. Dans sa première représentation de danseuses de cancan, Ilse Bing transcende l’aspect anecdotique du sujet pour en faire une pure représentation du mouvement : c’est une vraie rupture stylistique. Son oeuvre sera sélectionnée par la Galerie de la Pléiade pour faire partie de son exposition annuelle de photographie. Elle sera remarquée par le critique Emmanuel Sougez qui pointe le dynamisme de ses danseurs et la publiera dès lors à chaque occasion dans la revue L’Illustration et Arts et Métiers Graphiques.
Avec Gerard Willem van Loon, le fils de son mécène, elle perfectionne sa représentation du mouvement. Dans Willem Gerard Van Loon, 1932 elle capture sa figure aérienne qui se découpe dans le ciel, dans un bond qui semble figé dans le temps et suspendu dans les airs. Son talent attire l’attention de George Balanchine qui lui demande de photographier la répétition générale de son ballet Errante, joué pour la première fois en juin 1933. Dans cette série, les photographies de Bing convoquent à la fois la qualité expressive des lumières avec l’évanescence de la beauté de la chorégraphie. C’est est un tour de force de délicatesse et de vivacité dans sa volonté de documenter la performance d’un ballet comme un tout continu et sans lumière additionnelle.
Cette maitrise de la lumière et de l’éclairage est un autre élément clé du style d’Ilse Bing qui donne à ses photographies leur aura poétique. Elles semblent comme sorties d’un rêve même lorsqu’elles représentent l’environnement le plus ordinaire.
Un de ses exemples le plus iconique est le Salut de Schiaparelli, 1934, publicité réalisée pour un parfum du soir de la couturière Elsa Schiaparelli. Dans ce cliché, un modèle endormi sur un lit de lys baigne dans la lueur argentée du clair de lune. Ilse Bing montre ici toute sa maitrise des jeux d’ombres et de l’éclairage dans des contrastes saisissants. La connexion est évidente entre le goût de la photographe pour la beauté fantastique et l’enchantement des créations surréalistes de Schiaparelli.
Ilse Bing joue sur les jeux de contraste, de lumière et trouve dans la photographie de nuit le moyen d’exprimer sa vision onirique de la réalité. Grande expérimentatrice, elle va challenger cette représentation grâce à la technique de la solarisation qu’elle expérimente pour la première fois en 1934. Découverte au 19ème siècle et réinventée par Man Ray, cette technique appréciée des Surréalistes permet d’inverser partiellement les valeurs positives et négatives dans l’épreuve finale. Dans ce type de cliché, les objets semblent briller d’une aura super-naturelle et la frontière entre le rêve et la réalité se dissout.
Place de la Concorde, 1934 est surement une des expressions les plus radicales de ce monde imaginaire créé par Ilse Bing. Prise en contre-jour, la fontaine devient ici une figure obscure auréolée par une eau qui se transforme en rideau de lumière.

Née à Francfort, Allemagne, le 23 mars 1899, dans une famille bourgeoise juive, Ilse Bing est une photographe de l’avant-garde autant qu’une pionnière du photojournalisme. Elle reçoit une éducation solide et étudie les mathématiques et les sciences avant de se tourner vers l’histoire de l’art. Passionnée de photographie et véritable autodidacte, elle réalise ses premiers clichés dès l’âge de 14 ans et développe son talent pour les besoins d’illustration de sa thèse. En 1929, elle quitte définitivement l’université pour faire de sa passion un métier et choisit son instrument de prédilection : le Leica qui ne la quittera plus pour les 20 ans à venir. Elle fait ses armes dans le photojournalisme et travaille pour des magazines illustrés allemands puis français, tels que le American Harper’s Bazaar, Paris Vogue ou le Monde illustré. Entre 1930 et 1940, elle vit à Paris et est alors internationalement reconnue comme l’une des principales représentantes de la photographie moderne française. Elle expose régulièrement à la galerie La Pléiade aux côtés de Brassaï, Henri Cartier-Bresson, Florence Henri, André Kertész, Germaine Krull et Man Ray. En 1931, elle fait la rencontre de Hendrik Willem van Loon, qui sera décisive pour sa carrière. Véritable mécène, il fait connaitre son oeuvre aux Etats-Unis ; en 1932, Ilse Bing est exposée à la Julien Levy Gallery de New York, qui fera don par la suite de ses photos les plus emblématiques à L’art Institute de Chicago. La même année, elle tient sa première exposition personnelle à la Galerie Trittler à Francfort. Elle participe en 1936 à la première exposition de photographie moderne au Louvre et l’année suivante, ses oeuvres sont montrées dans le cadre de la rétrospective majeure Photography 1839 – 1937 organisée au Museum of Modern Art à New York. Son statut de femme juive la force à trouver refuge aux Etats-Unis au début de la guerre en 1940,. Elle y restera jusqu’à sa mort en 1998. À la fin des années 50, Bing abandonne la photographie pour entreprendre des recherches poétiques et plastiques. Son oeuvre photographique est redécouverte en 1976 grâce à l’exposition des acquisitions récentes du MoMa de New York. Ses oeuvres feront par la suite l’objet de nombreuses expositions et figurent dans les collections des plus grands musées, dont le Met et le MoMa à New York, le San Francisco Museum of Fine Art, l’Art Institute de Chicago, ou encore le Victoria and Albert Museum à Londres.

Dates

Février 27 (Samedi) 10 h 00 min - Mai 29 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Karsten Greve, Paris

5 Rue Debelleyme, 75003 Paris

Calendrier GoogleCal

mer24fev(fev 24)10 h 00 minlun21jui(jui 21)18 h 00 minDes images et des hommes, Bamiyan 20 ans aprèsLe Musée National des Arts Asiatiques – Guimet, 6 Place d'Iéna, 75116 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Le 11 mars 2001, les Talibans qui avaient pris le pouvoir en Afghanistan, organisaient la destruction de deux bouddhas monumentaux de 38 et 55 m de haut, sculptés dans les roches des hautes falaises de Bamiyan. Des oeuvres d’une valeur universelle, témoins de l’extraordinaire vitalité de l’art boudhique de cette vallée, située sur la route de la soie et ouverte à toutes les influences, indienne, grecque, romaine… Diffusées par les Talibans, les images de la destruction firent le tour du monde, six mois avant celles des tours jumelles du World Trade Center à New York.
Ces deux événements ont marqué notre entrée dans le 21ème siècle.
L’atteinte à la mémoire des hommes, à leur patrimoine et la mémoire où ils s’enracinent, est reconnue depuis comme un crime contre l’humanité.
20 ans plus tard, le Musée national des arts asiatiques – Guimet a choisi de commémorer la destruction du site de Bamiyan à travers une exposition présentant des oeuvres archéologiques majeures retrouvées sur cette falaise afghane. Des photographies du plasticien Pascal Convert éclairent la richesse de ce patrimoine de façon contemporaine.
L’exposition rend hommage à Joseph et Ria Hackin, archéologues de Bamiyan et conservateurs du musée, disparus il y a 80 ans.
Des oeuvres archéologiques exceptionnelles, en miroir de photographies contemporaines.
Le MNAGG présentera une série d’oeuvres archéologiques uniques retrouvées dans cette falaise afghane, du Gandhara à la période islamique.
On y découvrira notamment deux mains de bouddhas monumentaux ayant conservé des restes de feuilles d’or.
Accompagnant ces oeuvres, les photographies de Pascal Convert, dont le Panoramique de la falaise de Bâmiyan et la Grotte sanctuaire de Bâmiyan détruite par les Talibans, offriront un regard plus contemporain. À travers les vestiges archéologiques, les relevés de peintures et vestiges de peintures originales, les créations contemporaines de Pascal Convert, les films et les documents d’archives (documents de fouilles, lettre de ralliement des Hackin au Général de Gaulle) présentés, l’exposition raconte l’histoire du site de Bamiyan et sa vitalité culturelle du VIème au XIIIème siècle, la base doctrinale qui a conduit à la destruction du site en 2001 mais aussi la terrible actualité des faits avec les destructions d’autres sites inscrits au patrimoine de l’humanité.
L’ensemble des oeuvres sera installée au premier étage du musée, dans la salle sino-tibétaine aménagée pour l’occasion.

Le rôle majeur de l’école archéologique française.
La France est particulièrement liée à la préservation de l’archéologie et de la mémoire de l’Afghanistan, pays où elle a créé en 1922 la délégation archéologique – devenue Direction Archéologique de l’Afghanistan, et aujourd’hui encore seul institut archéologique étranger implanté de façon permanente en Afghanistan.
Dominant la vallée, les falaises de Bamiyan sont situées sur l’une des plus importantes routes de commerce reliant l’Asie centrale au sous-continent indien. Comme celles de Dunhuang en Chine, elles sont constituées de loess, matériau qui se prête à la sculpture – ou plus exactement au modelage sur une armature – d’effigies monumentales dont la surface était, à l’origine, dorée.
Dans ce lieu d’art et de culture exceptionnel, les premières fouilles ont été françaises. Alfred Foucher, historien de l’art et spécialiste du monde bouddhiste, étudia le site dès 1922. André Godard, architecte, archéologue et historien de l’art français, et son épouse Edda s’attèlent ensuite aux premiers relevés des peintures au cours de l’hiver 1923, en dépit du froid atroce qui sévissait dans la vallée. L’exposition déploie un certain nombre de leurs relevés.

Conservés au MNAAG et jamais montrés, ils révèlent la vivacité de couleurs et l’accomplissement esthétique de la peinture bouddhique à Bamiyan. Les Godard poursuivront leurs travaux en 1924 avec Joseph Hackin* alors conservateur au musée Guimet et publieront la première étude sur l’art bouddhique de Bamiyan, éditée en 1928.
De nouvelles fouilles auront lieu en 1930 sous la conduite de Joseph Hackin, désormais directeur du musée Guimet, et accompagné de son inséparable ami l’architecte Jean Carl. De retour à Paris, Hackin travaillera à une nouvelle publication sur Bamiyan en 1933. Revenu en Afghanistan en 1934, il s’établit à Kaboul avec son épouse Ria, également archéologue, et rédige alors le premier guide de visite du site, désormais consacré comme un des hauts lieux de l’art bouddhique. Joseph et Ria Hackin**, unis à la ville et dans le travail, se rallient dès la première heure au général de Gaulle depuis l’Afghanistan. A Londres, Joseph et Ria sont investis d’importantes responsabilités. C’est lors d’une mission confiée par le Général que les Hackin trouvent une fin tragique dans le torpillage de leur bateau, le 24 février 1941.

*Joseph Hackin (né en 1886 et mort le 24 février 1941, en mer lors du torpillage de son bateau près des îles Féroé) est un archéologue français d’origine luxembourgeoise, résistant, compagnon de la Libération. En 1907, il est secrétaire de l’industriel Émile Guimet. Il apprend le sanscrit et tibétain à l’École Pratique des Hautes Études dont il est diplômé. En 1912, il est nommé conservateur adjoint au Musée Guimet et en 1923, après avoir poursuivi ses travaux de recherche il en deviendra conservateur.
**Ria Hackin (née en 1941 sous le nom de Marie Parmentier, morte le 24 février 1941) est une archéologue et résistante française de la Seconde Guerre mondiale. Officier des Forces Françaises libres, elle participe à l’organisation du Corps des Volontaires françaises au sein de la France libre.
Disparue en mer avec son mari, à la suite d’un torpillage elle est faite compagnon de la Libération à titre posthume et reçoit la croix de guerre 1939-1945 avec palme.

Dates

Février 24 (Mercredi) 10 h 00 min - Juin 21 (Lundi) 18 h 00 min

Lieu

Le Musée National des Arts Asiatiques – Guimet

6 Place d'Iéna, 75116 Paris

Le Musée National des Arts Asiatiques – Guimet6 Place d'Iéna, 75116 ParisOuvert de 10h à 18h tous les jours sauf le mardi

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mar30jui(jui 30)11 h 00 min2021dim18avr(avr 18)18 h 00 minJuifs du Maroc, 1934-1937Photographies de Jean BesancenotmahJ - Musée d'art et d'Histoire du Judaïsme, Hôtel de Saint-Aignan 71, rue du Temple 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Datant des années 1934-1937, les photographies de Jean Besancenot offrent un témoignage exceptionnel sur les communautés juives rurales du Maroc, aujourd’hui disparues.

Né Jean Girard, Jean Besancenot (1902-1992) fréquente l’École des arts décoratifs à Paris, entame une carrière de peintre et étudie les costumes régionaux français. À l’occasion d’un voyage d’études au Maroc, en 1934, il se met à la photographie en s’intéressant aux vêtements traditionnels. Grâce à une aide du ministère des Affaires étrangères, il y séjourne en 1935 et 1936, photographie les hommes et femmes des différentes communautés et documente avec soin leurs costumes de cérémonie.

Parallèlement à ses photographies, Besancenot filme, dessine et prend de nombreuses notes, qui l’introduisent dans le milieu, alors très actif, de l’ethnologie française. En 1937, son travail est exposé au musée de la France d’outre-mer, dans le palais de la porte Dorée inauguré en 1931 lors de l’Exposition coloniale. Il y présente des photographies, un choix de peintures, ainsi que quelques costumes et bijoux. Il collabore aussi avec le musée de l’Homme, auquel il offre cinq cent cinquante clichés documentés, ainsi que des vêtements. En 1942, il publie Costumes et types du Maroc, un ouvrage reproduisant ses dessins rehaussés à l’aquarelle qui reste une référence essentielle sur le vêtement traditionnel marocain.

Jean Besancenot explore en particulier les régions les plus méridionales du pays, peu touchées par l’occidentalisation, où vivent, mêlées aux populations berbères, des communautés juives présentes parfois depuis l’Antiquité. Réalisées pendant la période du protectorat français, ses images reflètent une grande proximité avec ses modèles, lui permettant de mêler enjeux esthétiques et exigence scientifique. Son œuvre documente de manière irremplaçable la culture juive au Maroc, et en particulier les costumes et les parures féminines, dont le répertoire est parfois commun avec celui des femmes musulmanes.

L’exposition réunit de nombreux tirages originaux réalisés par Besancenot lui-même, provenant de collections publiques et privées, et présente, sous la forme d’un audiovisuel, un large choix d’images issues du riche fonds de ses négatifs originaux.

Commissaires

Hannah Assouline et Dominique Carré

Coordination

Nicolas Feuillie, mahJ

Partenaires

Avec le concours du musée du quai Branly – Jacques Chirac, de l’Institut du monde arabe et du musée berbère, fondation Majorelle, Marrakech

Dates

Juin 30 (Mardi) 11 h 00 min - Avril 18 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

mahJ - Musée d'art et d'Histoire du Judaïsme

Hôtel de Saint-Aignan 71, rue du Temple 75003 Paris

mahJ - Musée d'art et d'Histoire du JudaïsmeHôtel de Saint-Aignan 71, rue du Temple 75003 ParisDu mardi au vendredi : 11 h à 18 h / Samedi et dimanche : 10 h à 18 h

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ven05fev(fev 5)14 h 30 minsam03avr(avr 3)19 h 00 minLa région humaine, Le ciel est bleuExposition CollectiveLe Bleu du Ciel - Centre de photographie et d'image contemporaine, 12, rue des fantasques 69001 LyonType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Célébrer les 20 ans du Bleu du Ciel est l’occasion de poser la question de la photographie contemporaine en terme social. Qu’on l’appelle documentaire ou réaliste, engagée ou critique, ou bien encore “partagée” dans une approche collaborative, la photographie a été confrontée à un problème de conscience : comment être de l’art contemporain et un témoignage critique ?
Comment ne pas se laisser enfermer dans ce que l’onnomme le “surplus civilisationnel” et être pleinement acteur dans la société ? Faut-il faire de l’expérience des formes photographiques une question politique ? En somme, comment tenir sur ce fil qui fait qu’un travail photographique ne tombe pas dans l’économie globalisée des images… Le Bleu du Ciel, au regard de sa programmation, a réussi ce tour de force de répondre à ces exigences parfois contradictoires.
En reprenant et en complétant le titre de l’exposition que nous avions choisi en 2006 pour le MAC de Lyon dans le cadre du festival Lyon Septembre de la Photographie, Gilles Verneret et moi-même souhaitions inscrire nos réflexions dans la durée et rendre hommage aux photographes qui ont accompagné l’aventure du Bleu du Ciel tout en invitant des artistes dont l’oeuvre est emblématique d’une esthétique animée par une exigence éthique.
Cette exposition bénéficie également d’un prêt exceptionnel de la Collection d’entreprise Neuflize OBC qui était déjà associée à l’exposition de 2006, et manifeste ainsi sa fidélité au projet de La Région humaine, Le ciel est bleu.
Michel Poivert

Avec :
Stan Amand
Philippe Bazin
Christophe Bourguedieu
Philippe Chancel
Julien Guinand
Laura Henno
Valérie Jouve
Mathieu Pernot
Catherine Poncin
Sophie Ristelhueber
Gilles Saussier
Bruno Serralongue

Dates

Février 5 (Vendredi) 14 h 30 min - Avril 3 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Le Bleu du Ciel - Centre de photographie et d'image contemporaine

12, rue des fantasques 69001 Lyon

Le Bleu du Ciel - Centre de photographie et d'image contemporaine12, rue des fantasques 69001 LyonOuverture du mercredi au samedi de 14h30 à 19h Entrée gratuite

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