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by La Rédaction on 14 juillet 2017

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Antanas Sutkus reçoit le Dr Erich Salomon Prize 2017

Name: Milton H. Greene
Start: 2018-12-12T14-14-00-00
End: 2019-2-27T19-19-00-00
Location: La Galerie de l’Instant

Temps de lecture : 11 secondes

A gauche : Antanas Sutkus | A droite : A boy , 1972 © Antanas Sutkus / RTR Gallery

Le photographe lituanien de 78 ans, Antanas Sutkus vient de recevoir le Dr Erich Salomon Prize 2017 qui récompense depuis 1971 des organes de presse ou des photographes, pour « une pratique remarquable du photojournalisme ». De grands noms ont remporté ce prix comme Joseph Koudelka, Martin Parr, Sebastião Salgado ou encore Robert Franck.

http://www.rtrgallery.com/

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mer20fev(fev 20)14 h 00 minsam13avr(avr 13)19 h 00 minVariations en un certain ordre assembléesLaure TiberghienGalerie Lumière des roses, 12-14, rue Jean-Jacques Rousseau 93100 MontreuilType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

« Ce qui m’intéresse, c’est de représenter des choses invisibles qui ne peuvent apparaître qu’en utilisant les outils et matériaux de la photographie. »
Laure Tiberghien

En passant… la couleur

De même que l’on n’admet guère qu’une phrase s’énonce sans sujet, on comprend mal qu’une photographie puisse se faire sans appareil. Nous voici prisonnier d’une grammaire qui conditionne comme souvent notre manière de voir et nous empêche de faire le pas de côté nous permettant d’inventer de nouvelles formes et de nouvelles visions.

Le travail de Laure Tiberghien s’inscrit dans un courant d’expérimentation que l‘on peut faire remonter au début de l’histoire du médium pour en souligner le caractère inventif mais qui n’a rien cependant à voir avec une quelconque fascination pour la technologie comme telle. On sait bien qu’en ce domaine cette dernière n’a d’intérêt qu’à proportion de ce qu’elle permet de dire. Les premiers inventeurs, à partir d’hypothèses plus audacieuses les unes que les autres, parvenaient à des combinaisons surprenantes et à des résultats restés souvent inégalés sur le plan plastique.

Or c’est sans doute cette alliance de la technique et de l’esthétique qui aura le plus intéressée l’artiste qui s’interroge sur l’incidence que celle-là peut avoir sur celle-ci et en quoi les deux sont indissociables. On trouve chez August Strindberg dont la démarche a beaucoup inspiré Laure, des réflexions qui montrent combien son intérêt pour les expérimentations photographiques participaient d’une pensée plus générale sur l’art. « La pratique du sténopé ne correspond pour Strinberg, écrit Clément Chéroux, qu’à une première étape dans l’entreprise de réduction progressive du processus photographique […]. » Car, ajoute-t-il, en le citant, il était « curieux, de savoir comment le monde se présente émancipé de [son] oeil trompeur1. » De son oeil et, j’ajouterais, de ce qui est censé le prolonger, l’objectif.

Ce qui est en jeu ici c’est la visibilité et Laure Tiberghien partage avec le dramaturge suédois, un goût pour une recherche anthropologique dépassant le champ restreint de la photographie restée néanmoins pour elle aujourd’hui un médium privilégié.

Comme Robert Smithson, Laure valoriserait plutôt la rouille que l’acier ou, disons, la corrosion et l’altération dont les propriétés esthétiques sont liées aux transformations du médium dans la durée. Car c’est ce sens du temps qui fait défaut au culte de la technique alors qu’une démarche artistique caractériserait plutôt les corps en disant d’eux que « ce ne sont que des particules qui s’organisent autour d’un flux, […] des illusions objectives soutenant des grains de poussière, une collection de surfaces prêtes à se disloquer2. »

Depuis l’antiquité on débat pour savoir ce qui fait la particularité de la vue et pour en comprendre le mécanisme. Comment voir juste ou comment « juste voir » sans rien d’autre, voir sans comprendre ou sans juger, voir simplement?

C’est aussi la question de l’intuition dont l’étymologie latine, intueri, renvoie à la vision et à son évidence. Mais chercher l’évidence cependant est rien moins qu’évident ; encore faut-il nous débarrasser des stéréotypes qui encombrent notre regard. Comment dès lors se situer À l’intérieur de la vue pour reprendre le titre d’un étrange tableau de Marx Ernst ?
Cette question ancienne qui nous permet de survivre dans le monde des « usages » se paye en même temps d’un refoulement de cette appréhension immédiate des choses. Mieux que la philosophie sans doute, c’est l’art qui nous met, d’une manière sensible, en présence de « la chose même ». Pour Laure l’image procède d’une sorte d’archéologie de la photographie. On sait que la notion d’invention signifie à la fois découvrir quelque chose qui était déjà là – on parle d’inventer un trésor – et imaginer ce qui n’est pas encore.

L’image obtenue sans appareil par la conjugaison de la chimie, de la lumière et du temps, est un révélateur du monde sensible, pas seulement celui dont on parle ordinairement pour dire qu’il est accessible à nos sens, mais de ce monde lui-même, doué de sensibilité. L’image met en lumière l‘épiderme des choses, non leur peau visible mais leur surface sensible.

C’est de cela que nous parle le papier photographique qui réagit comme un corps et que la lumière touche, caresse, fait vibrer. Dès lors, comme l’écrivait Moholy-Nagy, « qu’il photographie une scène existante ou qu’il produise une émotion en modulant la lumière avec un photogramme, le photographe comprend qu’il cherche à “faire passer“ une qualité organique et objective, cette qualité intrinsèque qui se dégage nécessairement des matériaux […]3. » Cette photographie on la dira abstraite et pourtant quoi de plus concret que ce travail d’impression lumineuse. Les images de Laure captent ces transformations du visible qu’elle ne cherche pas toujours à fixer et dont elle donne à comprendre le mouvement et la corrosion interne. Surtout, ces « surfaces planes recouvertes de couleurs en un certain ordre assemblées », évoquées par le peintre Maurice Denis, dans un texte célèbre, sont l’expression d’une quête obstinée du réel que ce langage plastique essaye de nous restituer sur un autre plan.

Les artistes abstraits le savent bien, ceux, en tout cas, qui comptent pour Laure Tiberghien, comme Marc Rothko et Barnett Newman par exemple. L’abstraction en effet est un grand avantage car pour l’artiste « libéré de la nécessité de décrire une personne en particulier, les possibilités sont infinies. Toute l’expérience de l’homme devient son modèle, et en ce sens on peut dire que toute l’oeuvre est le portrait d’une idée4. » Ce que l’on retrouve en écho chez Newman qui, après avoir étudié l’art des indiens Kwakiutl, affirmait que « le fondement d’un acte esthétique est l’idée pure5 ». Mais pour ces artistes la forme abstraite était une façon de revenir au réel dans toute son épaisseur historique.

Laure cherche à décomposer le réel pour le réinventer en quelque sorte, en faisant ressurgir des formes et des couleurs comme si elle dégageait des strates de visibilité sous la couche sensible. Ainsi ces images prétendument abstraites ne sont-elles peut être qu’une surface de contact avec notre monde sur lequel la lumière a déposé son empreinte. Et la photographe aura simplement fixé le passage de la couleur car, comme disait Lucrèce avec sa précision poétique, « De quelque couleur que soient imprégnés les corps, ne crois pas qu’elle leur vienne de ce que les éléments de leur substance soient teints de cette couleur ; les éléments de la matière n’ont aucune couleur, ni semblable, ni dissemblable à celle des objets6. »

Texte de Gilles A. Tiberghien,
philosophe et essayiste, enseigne l’esthétique à l’université Paris-I-Panthéon-Sorbonne

1 Clément Chéroux, L’expérience photographique d’August Strinberg, Actes-Sud, 1994, p.48. J’emprunte à ce livre l’essentiel de ce que je sais sur Strindberg photographe.
2 Robert Smithson, « Une sédimentation de l’esprit : Earth project », In Robert Smithson et le Paysage entropique, 1965-1973, Marseille, trad. Claude Gintz, p. 194-195.
3 Laszlo Moholy-Nagy, Peinture Photographie Film et autres écrits sur la photographie, Nîmes, Jacqueline Chambon, 1993, p. 241.
4 Marc Rothko, Écrits sur l’art, 1934 -1969, Champs, arts Flammarion, 2005 et 2007, p. 79.
5 Barnett Newman, Écrits, Trad. Fr. Jean-Louis Houdebine, Paris, Macula, 2011, p. 162.
6 Lucrèce, De la Nature des choses, II 734-738 Trad. Fr. Emmanuel Hocquard, Album d’images de la Villa Harris, Paris, P.O. L., 1978, p. 89.

Vernissage les sam 16 et dim 17 février de 14h à 20h

Dates

Février 20 (Mercredi) 14 h 00 min - Avril 13 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Lumière des roses

12-14, rue Jean-Jacques Rousseau 93100 Montreuil

Galerie Lumière des roses12-14, rue Jean-Jacques Rousseau 93100 MontreuilOuvert du mercredi au samedi de 14h à 19h

Calendrier GoogleCal

mer12déc(déc 12)14 h 00 min2019mer27fev(fev 27)19 h 00 minMilton H. GreeneLa Galerie de l’Instant, 46, rue de Poitou 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Bien sûr, le photographe américain, Milton H. Greene est principalement connu pour sa relation unique et son travail avec Marilyn Monroe dans les années 50…la célèbre série au tutu en 1954, le magnifique « Black Sitting » à New York en 1956, avec une Marilyn débridée, en collant résille et chapeau melon, ou encore la série autour de Bus Stop à Hollywood…toutes ces images figurent parmi les plus belles de la star…
Mais je souhaitais aussi présenter d’autres images, peut être moins connues, mais non moins belles… Par exemple, cette sublime série en 1952 avec la grande Marlene Dietrich, d’une féminité bouleversante ; ou bien cette image de Sophia Loren, prise en Italie en 1963 dans un décor de rêve, lui donnant un air de Vénus sortie des eaux…ou encore Romy Schneider à Monte Carlo en 1963 aussi, toute jeune, mais déjà d’une troublante sensualité, laissant présager la femme qu’elle deviendra.
Toutes ces photographies ont en commun une approche réaliste des artistes photographiés, et même si les femmes sont d’une beauté et d’un glamour affolant, elles ne doivent pas ce glamour aux robes, maquillages ou scénographie les entourant, mais bien à leur personnalité, et leur grâce qui transparait de ces portraits. C’est là que réside à mon sens le talent de Milton H. Greene, ce mélange de beauté et de sincérité. Il est évident qu’il respectait ses modèles, et en faisait ressortir le meilleur, c’est-à-dire la profondeur, l’intensité et le plus important : l’émotion, qui finalement est ce qui nous marque le plus en regardant ces images extraordinaires !

Dates

Décembre 12 (Mercredi) 14 h 00 min - Février 27 (Mercredi) 19 h 00 min

Lieu

La Galerie de l’Instant

46, rue de Poitou 75003 Paris

La Galerie de l’Instant46, rue de Poitou 75003 ParisLe lundi de 14h à 19h du mardi au samedi de 11h à 19h et le dimanche de 14h30 à 18h30

Calendrier GoogleCal

ven08fev(fev 8)14 h 00 minsam18mai(mai 18)18 h 00 minAdventicesRégis FeugèreFRAC Poitou-Charentes, 63 Boulevard Besson Bey, 16000 AngoulêmeType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Diplômé de l’EESI en 2007, Régis Feugère est revenu s’établir à Angoulême il y a trois ans. Artiste photographe, ses œuvres traduisent son affection romantique pour les espaces esseulés, pour les moments suspendus et les circonstances transitoires.
Régis Feugère a souhaité mener un travail de création dans un quartier en mutation d’Angoulême, L’Houmeau, où est situé le site angoumoisin du FRAC Poitou-Charentes.

Le quartier de L’Houmeau, sur la rive du fleuve Charente, prospéra du 12ème siècle jusqu’à l’essor du chemin de fer lorsque celui-ci supplanta le commerce fluvial et entraina un long déclin du faubourg. La cause de son déclin semble aujourd’hui l’ouvrir à une seconde vie avec l’adaptation des accès à la gare (passerelle) aux exigences de la ligne à grande vitesse Bordeaux-Paris qui en fait un quartier attractif. Des îlots vétustes ont été démolis et des complexes immobiliers mêlant commerces, logements et services vont être édifiés dans les prochains mois, ancrant, avec le FRAC et l’Alpha, médiathèque de GrandAngoulême, le quartier dans le 21ème siècle.

Régis Feugère offre une documentation très subjective de cette mutation. Ses photographies révèlent les strates historiques de cet urbanisme qui, par le passé comme actuellement, est le produit de l’activité des personnes qui y vivent et y travaillent. Aussi l’ensemble créé mêle-t-il paysages indécis où la végétation adventice prolifère entre le bâti désaffecté et les terrains en attente, vues d’architecture et d’urbanisme et portraits de personnes qui travaillent dans le quartier.

En restitution de cette résidence de création qu’il a accompagnée en coordination et médiation tout au long de l’année 2018, le FRAC Poitou-Charentes présente une sélection de photographies sur son espace mezzanine. Des tirages exposés dans l’espace public du quartier articulent cette exposition à celle, complémentaire, accueillie par l’Alpha.

Ce projet est une carte blanche confiée à Régis Feugère par GrandAngoulême, le FRAC Poitou-Charentes et l’Alpha.
Par leurs contributions spécifiques, la Ville d’Angoulême et le Département de la Charente permettent la publication d’un livre présentant toutes les photographies de la série Adventices.

Dates

Février 8 (Vendredi) 14 h 00 min - Mai 18 (Samedi) 18 h 00 min

Lieu

FRAC Poitou-Charentes

63 Boulevard Besson Bey, 16000 Angoulême

Calendrier GoogleCal

ven01fev0 h 00 minven08mar(mar 8)0 h 00 minAppel à projet Premier plan Organisateur: CIPGP / Collège International de Photographie du Grand Paris Type d'événement:PhotographieType d'événement 2:Prix

sam02fev(fev 2)10 h 00 minsam09mar(mar 9)19 h 00 minBenjamin DerocheH Gallery, 90, rue de la Folie-Méricourt 75011 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

En collaboration avec la Galerie Françoise Paviot, H Gallery est honorée de présenter quelques séries récentes de Benjamin Deroche.
Le parcours est déjà long pour ce jeune photographe, rennais d’origine, installé dans le Finistère, qui a fait des études de littérature, est titulaire d’un doctorat en sémiologie de l’image et fait partie, depuis quelques années, des jeunes photographes français qui comptent sur le
marché de la photographie. A son propos, Françoise Paviot écrit : « Nous avons été rapidement sensibles à sa démarche qui s’inscrit dans
le champ de ce que nous aimons, une recherche exigeante qui dépasse l’anecdote, une absence de concessions à une représentation facile,
une détermination tranquille qui s’appuie sur une pensée véritable. Ses photographies ont cette capacité que nous aimons de déréaliser le réel
tout en le gardant sous nos yeux pour nous permettre de le voir autrement. »

L’artiste fonde son travail sur une relation sensible et unique avec la nature. Marchant et voyageant beaucoup (St Pierre et Miquelon,
Irlande, Lanzarote, Mer Baltique,États-Unis), il se laisse imprégner de toutes les émotions que véhiculent les paysages et voit son travail comme
une recherche contemplative et métaphysique. Il est en quête de territoires infinis qui lui permettent de ressentir une grande liberté face
à l’espace. Il espère rendre palpables les forces et les énergies invisibles de la nature et que sa beauté saisissante rendra la nécessité de
protéger l’environnement aussi évidente et vitale que celle de respirer. Dépourvus d’êtres humains, ses paysages canalisent une présence hors
cadre : « il y a souvent de très belles choses dans les extérieurs de mon image mais je décide de ne pas les faire rentrer, de les laisser horschamp comme s’il existait une sorte de magie permettant de les deviner ». Il ne cherche pas tant à livrer une perception conceptuelle qu’une
perception émotionnelle et une impression persistante de merveilleux, d’enchantement étrange.

Dans ses séries intitulées Surnature et Baltica, il converse avec les paysages en créant des installations naturelles ou à base de papier. Ces
installations peuvent être considérées comme des réponses à des lieux qui le touchent, à des moments, des sentiments, des lumières, des
ombres et des matériaux trouvés spécifiques mais aussi, comme un processus de méditation personnel. Le contraste entre la naturalité de
l’espace et le caractère artificiel des sculptures qui témoigne d’une intervention humaine créent des dispositifs ritualistes à visée spirituelle.
L’artiste est attiré par la notion d’étrangeté qui lui permet de procurer un sens nouveau à ses créations mais également, d’arrêter le regardeur
dans sa course et de lui imposer un ralentissement contemplatif. « Il se sert du médium photographique pour créer des fenêtres poétiques, tisser
des fils entre le visible et l’invisible, et interroger la nécessité de lenteur » (Emmanuelle Hascoet). Surnature évoque autant l’idée du surnaturel que la crainte qui se fait sentir face à la grandeur de la nature. Deroche est, bien sûr, un héritier du Land Art et certaines de ses créations rappellent Andy Goldsworthy ou Nils Udo, mais le sentiment de complétude et d’infini qui se dégage de ses photographies, sa façon d’offrir une nouvelle vision de la réalité et son chromatisme d’une grande éloquence font de lui un photographe tout à fait unique.

Il a récemment gagné le Prix Marguerite Duras avec une série de photos réalisée à l’hôtel des Roches Noires, à Trouville-sur-Mer où Marguerite
Duras a longtemps vécu. Benjamin Deroche travaille beaucoup en Normandie l’hiver parce qu’il est fasciné par le lien entre l’artifice humain
et la nature qui y est très fort. Lorsqu’il s’est rendu pour la première fois aux Roches noires, il y avait une grande marée et depuis les grands
fauteuils du hall, il voyait la mer qui montait jusqu’au bord du jardin et faisait corps avec elle. Ce moment lui est apparu comme onirique et à
partir de ce moment, le projet s’est imposé à l’artiste.

Alain Vircondelet, écrivain et universitaire, spécialiste de Marguerite Duras, écrit à propos de cette série : « Marguerite Duras s’est toujours
intéressée à la photographie et plus largement à l’image. Défier les pesanteurs de la matière, des êtres et des sociétés et retrouver l’innocence
originelle, la blancheur des premiers jours. Savoir rendre par les mots cette clarté inaugurale, transcrire la force de son apparition. Benjamin
Deroche a sûrement entendu ce désir-là de Marguerite Duras […]. Il l’a sûrement comprise, cette voie, pour avoir réalisé avec tant de justesse
cette série de 12 clichés pris dans la pureté d’un début du monde, au lieu même où Duras habitait. Benjamin Deroche fait ici comme Duras,
oeuvre spirituelle. Du silence qui surgit du hall de Mallet-Stevens, des jardins jusqu’à la mer de l’ancien palace, des rivages de sable poudrés
de neige, il fait entendre la solitude, le désir de l’en-allé, l’effacement des choses et des êtres, des traces de l’infini blanc ; du châle posé
sur une balustrade et qui semble s’envoler, il trahit le frémissement des mémoires, le jeu sensible des âmes languissantes, celle d’Anne- Marie
Stretter se dirigeant vers la mer, pour s’y confondre. Et ces images qu’il accueille, qu’il ne conçoit pas mais que son oeil voit et accueille,
révèlent ce qu’elle écrivait dans L’Amour […] (ce texte de) 1972, dans lequel la lumière est omniprésente, parce qu’elle « ouvre, écrit-elle,
montre l’espace qui grandit ». C’est cela qui me retient en admirant les photographies de Benjamin Deroche : cette lumière partout, qui
envahit l’espace, l’élargit et aveugle. Le silence accapare tout, mais il laisse émerger la musique, elle résonne, intérieurement, comme un cri
contenu, elle rythme les lieux, plain-chant, pleine mer, plein ciel encore ».

Dates

Février 2 (Samedi) 10 h 00 min - Mars 9 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

H Gallery

90, rue de la Folie-Méricourt 75011 Paris

H Gallery90, rue de la Folie-Méricourt 75011 ParisAprès huit ans à New York (Peter Freeman, Inc. ; Parkers Box) et 6 ans à la Pinacothèque de Paris (Paris – Singapour), Hélianthe Bourdeaux-Maurin ouvre la H Gallery à Paris en 2016. Elle fonde sa ligne artistique sur la découverte et la mise en valeur de talents qui n’ont jamais ou rarement, été montrés en France  : que ce soit des artistes français ou, plus particulièrement, des artistes qui vivent et travaillent en Amérique du Nord et en Amérique Latine.

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Deux bourses d’un montant de 3.000€ chacune sont proposées sur le critère suivant :

> Être étudiant en dernière année de cursus ou diplômé depuis moins de deux ans.

Les dossiers sont à adresser avant le 8 mars 2019 : premierplan.cip@gmail.com

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Deux bourses d’un montant de 3.000€ chacune sont proposées sur le critère suivant :

> Être étudiant en dernière année de cursus ou diplômé depuis moins de deux ans.

Les dossiers sont à adresser avant le 8 mars 2019 : premierplan.cip@gmail.com

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