Inauguration de l’exposition de Christian Lutz

Insert Coins, 2016 © Christian Lutz

L'Ephéméride

by La Rédaction on 8 novembre 2016

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Inauguration de l’exposition de Christian Lutz

Name: La complicité
Start: 2020-6-27T10-10-00-00
End: 2020-9-13T18-18-00-00
Location: Fondation Vincent van Gogh Arles

Temps de lecture : 4 secondes

Dans le cadre de Espace Image Vevey, la Ferblanterie présente l’exposition Insert Coins de Christian Lutz.
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La Rédaction

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sam27jui(jui 27)10 h 00 mindim13sep(sep 13)18 h 00 minLa complicitéRoberto Donetta (1865-1932)Fondation Vincent van Gogh Arles, 35 ter, rue du Docteur-Fanton 13200 ArlesType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

La Fondation Vincent van Gogh présente « La complicité », du 27 juin au 13 septembre 2020, une exposition de l’artiste suisse Roberto Donetta (1865-1932) présenté pour la première fois en France sous la forme d’une « rencontre » de ses œuvres avec celles de Natsuko Uchino, Rose Lowder et Cyprien Gaillard ainsi que des ex-voto provençaux, ponctuée par des interventions florales de Marie Varenne et la présentation du tableau Square Saint-Pierre au coucher du soleil (1887) de Vincent van Gogh.

La nouvelle exposition proposée à la Fondation Vincent van Gogh Arles est synonyme de découverte, voire de multiples découvertes. La première d’entre elles est très certainement liée à la connivence entre les sujets et le photographe qui habite les images hautement poétiques et surprenantes d’un photographe méconnu, Roberto Donetta (1865-1932), témoin bienveillant de la vie rurale du Val Blenio, dans le Tessin. Il entretient ainsi, comme Van Gogh lors de son passage à Arles, une relation intime et précieuse avec son environnement immédiat.

Roberto Donetta capture ce qu’il voit, avec une tendresse qui égale la beauté de ses compositions : des familles posant à l’extérieur devant une mise en scène d’objets domestiques évoquant l’atmosphère d’un studio, une table dressée en plein air pour une fête, ou encore les ouvrières d’une usine. Autant d’êtres humains, de corps de métiers, de chantiers de construction, de rituels et de portraits vivants qui retranscrivent, parfois avec un humour attendrissant, la vie telle qu’elle s’éprouve dans le Tessin. L’artiste suisse sait retranscrire ces voix avec leurs réalités sociales et la beauté de circonstance – celle d’une prise de vue photographique. Ses images du passé, dénuées d’héroïsme, ouvrent la porte sur un mode de vie ordinaire, campé à proximité de la nature, rythmé par des gestes nécessaires.

Roberto Donetta, né en 1865 à Biasca, est vendeur de graines et pratique la photographie de manière autodidacte. Cette passion, « trop chère pour un passe-temps, trop peu lucrative pour un travail » (selon les mots de l’historien Antonio Mariotti) le conduit à laisser derrière lui près de cinq mille plaques de verre qui sont aujourd’hui conservées dans la Casa Rotonda, la maison où il a vécu et où il est décédé. Très peu sont datées, d’autres ont été détruites ou égarées. Il faudra attendre les années 1990 pour que ses productions reçoivent l’attention dûment méritée et conduisent à des présentations.

Deux expositions ont ainsi été conçues en Suisse, respectivement en 1993 et 2016. Celle présentée à la Fondation est donc une première, car elle offre à voir Donetta en dehors de son pays natal. Plus de soixante-dix photographies sont regroupées à cette occasion, recouvrant les thèmes principaux de son travail franc et immédiat, tourné vers les paysages et les émotions humaines.

Vincent van Gogh, Square Saint-Pierre au coucher du soleil, Paris, mai 1887
Cette œuvre photographique se voit accompagnée d’autres présences artistiques, à commencer par celle de Vincent van Gogh. Square Saint-Pierre au soleil couchant (1887), nouveau prêt annuel du Van Gogh Museum d’Amsterdam, raconte un coin de nature à l’abri du bouillonnement de la capitale. Il est observé depuis Montmartre, où séjourna l’artiste peu de temps avant de gagner Arles en février 1888.

Cet heureux dialogue se poursuit avec le travail d’une vidéaste expérimentale, Rose Lowder, née en 1941 au Pérou, ainsi que celui, nourri par l’argile, de Natsuko Uchino, née au Japon en 1983. Basées non loin de la ville d’Arles, ces deux artistes capturent le paysage, se saisissent de la terre ou des fleurs pour en faire des alliées sensuelles et cognitives par le biais de films au format 16 mm ou d’installations mêlant poteries et organismes vivants. L’expérience du sensible ainsi créée est prolongée par la présence de bouquets, au sein même des salles d’exposition, cueillis et assemblés par Marie Varenne, fleuriste qui récolte fleurs sauvages et cultivées, feuillages et graminées en Camargue, où elle réside.

En contrepoint, les têtes excavatrices de Cyprien Gaillard intronisent des formes issues directement des terrains de construction, là où la terre est abîmée et transformée. Si le rapport au paysage dans l’œuvre de Gaillard est spécifique, il convoque aussi, à travers notamment l’utilisation d’une pierre semi-précieuse de l’Utah, le land art et particulièrement Spiral Jetty (1970) de Robert Smithson.

Pour finir, de modestes peintures représentant des accidents et leur résolution miraculeuse se nichent dans l’une des salles de la Fondation, en écho à la précédente exposition présentée, « … et labora ». Ces ex-voto provençaux véhiculent une imagerie populaire qui fait cas des points de bascule de vies fragiles et réglées par les rites.

Photo : © Roberto Donetta, Scène apprêtée ; groupe d’hommes devant un bâtiment, 1900-1932/1993

Commissaires d’exposition : Bice Curiger et Julia Marchand
L’exposition est réalisée en partenariat avec la Fondazione Archivio Donetta et le MASI, musée d’art de la Suisse italienne.

Dates

Juin 27 (Samedi) 10 h 00 min - Septembre 13 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Fondation Vincent van Gogh Arles

35 ter, rue du Docteur-Fanton 13200 Arles

Fondation Vincent van Gogh Arles35 ter, rue du Docteur-Fanton 13200 ArlesOuverte tous les jours de 10h à 18h. Tarif plein : 9 € / Tarif réduit : 7 €

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mar25fev(fev 25)11 h 00 mindim26jul(jul 26)19 h 00 minFace à FaceMartine FranckFondation Henri Cartier Bresson, 79, rue des Archives 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

« Le portrait, c’est toujours une nouvelle rencontre. Avant la prise de vue, j’ai le trac, puis peu à peu les langues se délient. Ce que je cherche à capter c’est la lumière dans l’œil, les gestes, un moment d’écoute ou de concentration – lorsque précisément le modèle ne parle pas. » Martine Franck

La Fondation HCB consacre une exposition aux portraits de Martine Franck (1938-2012) dans la galerie dédiée à ses Collections.

Pour celle qui croyait par-dessus tout à la bienveillance, le portrait se caractérise surtout par un regard direct, l’empathie pour la personne ainsi qu’une admiration sincère. Rien n’est plus étranger à Martine Franck que l’artifice de la pose. Son « regard amical », ainsi qualifié par Robert Doisneau, a su se poser sans détours sur nombre de ses semblables.

Photographe engagée, elle souhaite voir la réalité en face, celle de l’âge, celle des exclus, celle des artistes, et mettre en lumière un moment d’échange subtil : les portraits de Martine Franck lui ressemblent. Ces quelques « face à face » s’inscrivent sobrement dans le temps et distillent la plastique discrète d’un regard attentif et pénétrant.

Commissariat : Agnès Sire, Directrice artistique

Biographie
Martine Franck naît en 1938 à Anvers. Elle découvre la photographie en 1963, au cours d’un voyage en Orient avec Ariane Mnouchkine. Elle épouse Henri Cartier-Bresson en 1970 et intègre la même année l’agence Vu. Elle co-fonde l’agence Viva en 1972 puis intègre Magnum Photos huit ans plus tard. En 2003, elle créé la Fondation HCB avec son mari et leur fille Mélanie. Son travail a fait l’objet d’une rétrospective présentée du 6 novembre 2018 au 10 février 2019 à la Fondation HCB, coproduite avec le Musée de l’Élysée à Lausanne et présentée au FotoMuseum à Anvers du 30 octobre 2020 au 7 mars 2021.

Dates

Février 25 (Mardi) 11 h 00 min - Juillet 26 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

Fondation Henri Cartier Bresson

79, rue des Archives 75003 Paris

Fondation Henri Cartier Bresson79, rue des Archives 75003 ParisLa Fondation est ouverte du mardi au dimanche de 11h à 19h. Plein tarif 10 € / Tarif réduit 5 € (sur justificatif)

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lun11mai(mai 11)15 h 00 minsam27jui(jui 27)17 h 00 minCinema ParadisoCollection Gamma-Rapho-KeystoneGalerie Polka, 12, rue Saint-Gilles 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

jeu14mai(mai 14)11 h 00 minven31jul(jul 31)19 h 00 minLeaves of grassMathilde NardoneGalerie Baudoin Lebon, 8, rue Charles-François Dupuis 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Ce printemps, baudoin lebon invite la jeune photographe belge Mathilde Nardone à présenter son travail en regard de celui de quelques pairs l’ayant précédée sur le thème de l’herbier.

Née en 1994 à Bruxelles où elle vit et travaille, Mathilde Nardone opère dans ses œuvres un double détournement : celui du genre de la nature morte, d’une part, et du médium photographique, d’autre part, puisque c’est à l’aide d’un scanner qu’elle élabore ses tableaux floraux d’une beauté aussi délicate que leur froideur est clinique. Ses compositions convoquent parfois des dizaines de végétaux jetés généreusement en brassées sur la vitre de l’appareil ou d’autres fois à l’inverse frappent par leur sobriété épurée. L’artiste semble alors revenir à la véritable essence de ce qu’est le genre de la nature morte dans sa première acception apparue aux Pays-Bas vers 1650 : still-leven (nature immobile).

Certainement, plusieurs histoires se sont depuis lors écrites en parallèle, celle des botanistes et scientifiques qui, à travers la fondation de cabinets d’histoire naturelle, ont tenté de représenter au mieux la diversité de la flore de notre monde ; et celle des artistes, qui ont puisé dans cet univers la source toujours renouvelée de leur inspiration. Des mots d’esprit réjouissants de Joël Ducorroy à la perfection formelle des bouquets de Robert Mappelthorpe, en passant par les tirages albuminés de Charles Aubry ou les esquisses art nouveau d’Emile Gallé, l’exposition Leaves of Grass invite le spectateur à un voyage bucolique à travers les âges.

Mathilde Nardone rencontre : Charles Aubry, Joël Ducorroy, Henri Foucault, Emile Gallé, Mi-Hyun Kim & Robert Mapplethorpe

Dates

Mai 14 (Jeudi) 11 h 00 min - Juillet 31 (Vendredi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Baudoin Lebon

8, rue Charles-François Dupuis 75003 Paris

Galerie Baudoin Lebon8, rue Charles-François Dupuis 75003 ParisDu mardi au samedi de 11h à 19h et sur rendez-vous

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sam08fev(fev 8)15 h 00 minsam11jul(jul 11)19 h 00 minLe chant de la lumièreGilles RoudièreGalerie Confluence, 45 rue de Richebourg 44000 NantesType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

A la fin des années 1950 aux Etats-Unis est née une nouvelle attitude en photographie, qu’on a pris pour habitude de relier au mouvement littéraire du « stream of consciousness » (le « flux de conscience ») et à la beat generation. Deux photographes majeurs, William Klein et Robert Frank, ont porté, de manière assez distincte, cette approche marquée par un rapport différent à l’appareil photographique (démarche de prise de vue gestuelle et spontanée, décadrages, diagonales, absence apparente de visée…), à la matière des photographies (souvent granuleuse ou floue) et à un récit photographique devenu le résultat subjectif d’une errance sans destination.
C’est clairement à cette lignée photographique qu’appartient Gilles Roudière, dont la présente exposition regroupe des images issues de deux séries, l’une réalisée à Istanbul (et intitulée initialement Sous de noirs soleils), l’autre au cours de plusieurs voyages à Cuba, nommée Trova. Il est frappant de constater que ces deux ensembles peuvent se rattacher chacun à l’une des deux approches photographiques initiées par William Klein et Robert Frank dans leurs travaux des années 1950. Avec la série sur Istanbul, c’est comme dans le travail de Klein à New York l’énergie et la puissance graphique qui dominent, la ville étant le lieu où la solitude du photographe se confronte à la multiplicité du visible et à la vie comme expérience collective. La ville est ici un espace brutal de collision des formes, des ombres et des lumières, un dédale de sensations et de rencontres où rêve et réalité se mêlent inextricablement. Ce sont la granulosité de la matière et les forts contrastes qui marquent ces images à la géométrie violente, où la vision du photographe semble aimantée par des entrées fracassantes de clarté et des ombres profondes. Leur captation donne forme à ce qui se rend subitement visible pour un instant, afin, comme le disait Garry Winogrand pour résumer sa propre pratique photographique, de « décrire le chaos de la vie ».
La série de photographies consacrée à Cuba nous fait quitter l’espace unique de la ville et nous entraîne dans une dérive à travers l’île. Elle s’approche davantage de la démarche de road trip qui conduira Robert Frank à la réalisation de son livre The Americans (1958). On n’est plus ici dans une transcription du désordre urbain, mais dans la mélancolie d’un voyage où s’évanouissent les images préconçues de Cuba, de sa culture et de son histoire. Les détails architecturaux, les objets, les silhouettes humaines ou animales, les ciels chargés et les paysages ouverts construisent un espace avant tout mental où dominent les nuances de gris. La photographie se fait ici atmosphérique et intériorisée, proche d’un journal intime reflétant la météorologie affective du photographe. Les variations de lumière et d’ombre traduisent son expérience subjective et solitaire, ses intuitions et son désir de connaître le visible tel qu’il se donne dans le temps.
Une telle expérience photographique conduit à quitter le plus souvent l’idée d’ « instant décisif » et à travailler sur les temps faibles, les espaces intersticiels. Gilles Roudière veut restituer le mouvement de la vie dans son obscure confusion comme dans sa beauté irradiante. Son désir de lumière se mêle à une mélancolie de l’ombre qui souligne sa recherche et lui donne sa profondeur. C’est peut-être cette tonalité particulière qui le rapproche des photographes japonais qui lui sont chers. Comme le disait Nobuyoshi Araki à propos des photographies de Daido Moriyama réalisées dans les années 1970 : « Dans ces photographies, la lumière filtre à travers l’obscurité, se métamorphosant en une nuance de gris 1». Une telle remarque n’est bien sûr pas uniquement esthétique : elle traduit un rapport au monde fait d’inquiétude et de quête permanente, d’illuminations et d’obscurité, car « chaque journée est un voyage du corps et de l’esprit à travers un labyrinthe » (Daido Moriyama 2).
Gilles Roudière est par essence un photographe voyageur. Ce qui signifie qu’il va chercher ses sujets hors de son domaine de connaissance et d’habitude, là où le visible peut venir le frapper dans toute sa dimension poétique, ainsi que dans l’expérience du haïku, poème japonais qui est « saisie de la chose comme événement et non comme substance » (Roland Barthes 3). L’espace photographique est cette dimension qui s’identifie aux événements et nous introduit à une esthétique du temps. Les formes n’y existent que sous l’angle de leur surgissement temporel et parallèlement le temps s’y concrétise en flou et netteté, trouées de lumière et obscurcissements. Dans l’esthétique japonaise que partage Gilles Roudière, l’image est intérieure et mentale avant d’être une imitation. Il s’agit dès lors de donner forme à cette image tout en lui gardant son caractère d’événement, sa perméabilité au temps.
Gilles Roudière a choisi le titre Trova pour sa série de photographies de Cuba. Ce mot fait référence aux trovadores cubains des XIXème et XXème siècles, poètes, compositeurs et chanteurs autodidactes qui s’en allaient parfois de ville en ville pour partager leurs chansons, et au genre musical qu’ils ont popularisé, fait de simplicité et de nostalgie. Il évoque aussi le vagabondage du photographe à la recherche de ses visions dans le labyrinthe du temps et de l’espace. La lumière est pour lui l’instrument de ce chant qui pourra dire l’extase et la douleur de vivre. Composées en noir et blanc comme les notes sur une portée, ses images sont faites de rythmes, de respirations, d’éclats et de silences. Le chant de la lumière est la poésie du monde visible.
Bruno NOURRY

1 Entretien avec Daido Moriyama dans Daido Moriyama, Fondation Cartier et Actes Sud, 2003.
2 Postface à Labyrinth, Aperture, 2012.
3 L’Empire des signes, Skira – Flammarion, 1970.

Dates

Février 8 (Samedi) 15 h 00 min - Juillet 11 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Confluence

45 rue de Richebourg 44000 Nantes

Galerie Confluence45 rue de Richebourg 44000 NantesOuvert du mercredi au samedi, de 15H à 19H et sur RDV

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