Le Gif(t) de la Journée mondiale de l’urbanisme

L'Ephéméride

by La Rédaction on 8 novembre 2017

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Le Gif(t) de la Journée mondiale de l’urbanisme

Name: Réversible
Start: 2020-1-19T13-13-00-00
End: 2020-4-5T18-18-00-00
Location: CPIF - Centre Photographique d'Ile-de-France

Temps de lecture : 10 secondes

La Journée mondiale de l’urbanisme vise à rendre hommage aux réalisations des urbanistes et à ce qu’ils et elles apportent à leurs collectivités. Chaque année, le 8 novembre, des urbanistes de partout au monde participent à la Journée mondiale de l’urbanisme, un événement souligné depuis 1949.

Source : https://www.cip-icu.ca/Journee-mondiale-de-urbanisme

La Rédaction

9 Lives magazine vous accompagne au quotidien dans le monde de la photographie et de l'Image.

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jeu16jan(jan 16)14 h 00 minsam14mar(mar 14)19 h 00 minPortraits de brousse et de studioOumar LyRegard Sud galerie, 1/3, rue des Pierres Plantées 69001 LyonType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Oumar Ly, portraits de brousse et de studio – Podor 1963/1978
Omar Ly est décédé en 2016 à 73 ans.
Il laisse derrière lui une grande famille et des archives photographiques uniques, relatant la vie des habitants de Podor et des villages alentour. On y découvre un petit monde peuplé de visages d’enfants et d’adultes qui ont pris la pose dans le studio, dès les années 1963, devant les toiles peintes d’un Boeing 747, d’une mosquée, d’un paysage luxuriant. Mais aussi –et ce qui est plus rare- des milliers de clichés pris dans les villages avec pour seul fond, un pagne, la portière blanche de la 2CV du sous-préfet ou tout simplement le ciel pâle écrasé par la chaleur. Sur ces images-là on devine, invité en douce, le paysage de la brousse : terre sèche clairsemée d’acacias ; fouettée par l’harmattan. Et surtout la singularité de chacun des modèles qui timidement, maladroitement, s’offre pour la première fois à l’objectif du photographe.
Tous ces magnifiques et émouvants portraits resteront à jamais la mémoire de Podor. Des por-
traits d’une élégance singulière, des images justes, simplement justes et libres.”
Frédérique Chapuis
Commissaire de l’exposition

Oumar Ly est fils de commerçant. Il est né en 1943 à Podor sur les rives du fleuve Sénégal. Il n’a jamais appris à lire. C’est par hasard, en regardant les militaires, installés dans le fort de la ville, prendre des clichés qu’il découvre la photographie. Le jeune Ly acquiert son premier appareil, un Kodak Brownie flash pour 1500 CFA. Il se forme auprès de Demba Assane Sy qui exerce à côté de son métier d’infirmier celui de photographe.
Le destin lui sourit quand le Sénégal, devenu indépendant, veut fournir des papiers d’identités aux populations. L’administration l’embauche et l’envoie sillonner la brousse faire les photos de ses concitoyens. En 1963, la photo est à la mode. Les clients affluent pour se faire tirer le portrait au studio Thioffy, installé dans le quartier du marché de Podor, alors prospère petite ville de commerce, frontalière avec la Mauritanie.
Jusqu’à sa mort en 2016, il ne quittera pas sa région natale et son studio, Après avoir photographié toutes les époques, les riches en boubous, les familles, les jeunes gens à la mode Yéyé et même les manifestations publiques qui marquèrent la vie de cette province éloignée, au nord du Sénégal.

Dates

Janvier 16 (Jeudi) 14 h 00 min - Mars 14 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Regard Sud galerie

1/3, rue des Pierres Plantées 69001 Lyon

Regard Sud galerie1/3, rue des Pierres Plantées 69001 LyonOuvert du Mardi au Samedi de 14h à 19h et sur rendez-vous

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dim19jan(jan 19)13 h 00 mindim05avr(avr 5)18 h 00 minRéversibleConstance Nouvel CPIF - Centre Photographique d'Ile-de-France, 107 Avenue de la République, 77340 Pontault-CombaultType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Cette proposition inédite est le troisième volet du projet de Constance Nouvel qui s’est déployé dans un premier temps avec Atlante à la galerie In Situ – fabienne leclerc à Paris, puis Solstice au Centre d’art/éditeur Le Point du Jour, à Cherbourg.

Commissariat : Nathalie Giraudeau

Le projet se présente sous la forme d’une énigme : un parcours que le visiteur est invité à suivre, entre la surface des images, l’expérimentation de simulacres et la mise en abîme du médium photographique.

L’exposition, espace d’expérimentation, est envisagée comme un plateau de jeu, offrant des ponts spatio-temporels entre les lieux, dans une recherche de déconstruction-construction des représentations et jouant avec la notion de décor. Elle a pour intention d’interroger les mécanismes d’assimilation du réel par le regard et la pensée, comme la nature et le potentiel de l’image photographique.

Rythmée par la photographie, le dessin et l’installation, la proposition de Constance Nouvel ouvre une nouvelle voie d’exploration de l’espace et du réel, de leurs représentations, à la fois physiques et mentales, tout comme de la capacité des différents médiums à créer l’illusion et à renouveler notre perception.

Une publication, à paraître à la fin de l’exposition, conclut ce cycle d’expositions et en constitue le chapitre ultime.

Constance Nouvel vit à Paris et travaille à Aubervilliers. Elle développe depuis 2010 un ensemble d’œuvres qui prend pour point de départ l’analyse critique des caractéristiques de la photographie : comprendre pourquoi et en quoi le processus photographique n’est pas uniquement la reproduction d’un réel, mais aussi l’image d’une réalité tangible, ouvrant aux complexités de la représentation. Ses réflexions se déploient dans un langage plastique et formel ouvert à l’interdisciplinarité des médiums, et aboutissent à la notion d’objets photographiques. Les questions de format, d’échelle et de support sont au cœur de son travail et dialoguent dans un glissement permanent entre espace réel et espace suggéré.

Diplômée de l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux-arts de Paris, Constance Nouvel a participé à plusieurs expositions collectives, notamment au Centre Photographique d’Ile-de-France, et réalisé sa première exposition personnelle au Centre d’Art et de Photographie de Lectoure en 2013. Lauréate du Prix Yishu8, elle a dernièrement exposé à Yishu8-Maison des Arts à Pékin. Elle enseigne la photographie à l’École Supérieure d’Art de Lorraine – site de Metz, et la technique du tirage chromogène (argentique couleur), au laboratoire photographique de l’École Nationale Supérieure des Beaux-arts de Paris. Elle est représentée par la galerie In Situ – fabienne leclerc depuis 2016.

Autour de l’exposition :

Rencontre dialoguée avec Constance Nouvel et Paul Sztulman, historien et critique d’art
Samedi 4 avril 2020, 15h
Navette gratuite au départ de Paris, sur réservation à contact@cpif.net
Départ depuis Bastille à 14h15
Retour pour 18h30 environ à Paris

Ce projet a été sélectionné par la commission mécénat de la Fondation des Artistes qui lui a accordé son soutien
L’artiste a bénéficié du soutien de la Région Île-de-France (dispositif FoRTE).
La monographie bénéficie du soutien de l’ADAGP.

Visuel : Last, 2018, © Constance Nouvel / Adagp, Paris, 2019, courtesy galerie In Situ – fabienne leclerc

Dates

Janvier 19 (Dimanche) 13 h 00 min - Avril 5 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

CPIF - Centre Photographique d'Ile-de-France

107 Avenue de la République, 77340 Pontault-Combault

CPIF - Centre Photographique d'Ile-de-France107 Avenue de la République, 77340 Pontault-CombaultDu mercredi au vendredi de 13h à 18h. Les samedis et dimanches de 14h à 18h. Autres créneaux horaires sur rendez-vous. Entrée libre

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sam11jan(jan 11)12 h 00 minsam29fev(fev 29)18 h 00 minNaturaBernard Descampsbox galerie, 102 chaussée de Vleurgat 1050 BruxellesType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

natura est le titre choisi par Bernard Descamps pour la sélection de paysages en noir et blanc qu’il présente dans cette exposition et l’ouvrage qui l’accompagne. Aucun personnage n’y figure. C’est à peine si l’on y décèle un signe d’existence humaine. Aucune trace de civilisation, aucun environnement façonné par l’homme n’y est
montré. Et pourtant, bien plus que la célèbre «nature inviolée», tant recherchée et si difficile à trouver depuis la mondialisation de l’industrialisation, ses photographies reflètent à plus d’un égard la «nature» des «images» et, de ce fait, et de manière indirecte, la «nature de l’être humain». En abordant certaines idées, des aspirations et des souhaits collectifs liés à l’environnement et à la nature, tout en s’y soustrayant, elles permettent, si on les observe bien, de découvrir une deuxième nature, une nature sociétale. Dès 1974, Descamps livrait cette définition de la photographie: «Mes photos sont plus que des documents, plus que des reproductions documentaires de lieux, de choses, d’êtres humains…Elles sont anti-documentaires, car leur nature dépasse le documentaire, il faut aller au-delà de leur signification apparemment objective. Par-delà la reproduction documentaire, ces images possèdent une dimension (poétique?), qui peut n’avoir aucun rapport avec le sujet photographique.»
Ce que Descamps déclarait alors sur ses photographies de jeunesse, dans ses réflexions sur son art, est tout aussi valable, sinon plus, pour celles réunies ici et dont les plus anciennes remontent à 1995. Ses photographies de paysages ou, plus précisément, la nature qu’elles reproduisent, semblent échapper au temps, comme dans un rêve. Regroupées par motifs, elles comportent des vues du ciel et de la mer inondées de lumière, des chaînes montagneuses aux parois abruptes, souvent monumentales et qui semblent imprenables, des forêts ou des cimes épaisses, en partie tapissées de neige, des nuées d’oiseaux dont les volées immenses semblent étirer l’espace pictural et donnent quelquefois l’impression d’être des signes abstraits de perdition en plein ciel. (…)
Dans les images de Bernard Descamps, la nature semble proche de la réalité et en même temps tout à fait inconcevable ou intangible. C’est le cas, au sens littéral, des nuées d’oiseaux, formations éphémères qui traversent le ciel et remplissent le cadre. Parfois elles prennent l’apparence d’innombrables points noirs minuscules, d’un tourbillon dans un lointain infini, sans horizon. Ailleurs, la distance plus réduite permet de deviner les espèces probables. Ainsi des sternes, qui semblent se rapprocher dangereusement du spectateur, dans un mouvement d’une rapidité extrême, caractérisé en partie par le flou qui en découle.
Tout comme les nuées d’oiseaux, la forêt constitue un système sophistiqué de composantes liées les unes aux autres par synergie. Dans les photographies de Bernard Descamps, elle semble se caractériser par l’abstraction jusqu’à un certain point. (…)
Parfois, la forêt produit un effet presque mystique ; le regard se perd dans la profondeur d’une brume issue des broussailles de plus en plus épaisses. Il y a aussi ces bois de bouleaux si graciles, sauvages et tordus comme s’ils dansaient. (…)
À l’instar des Seascapes de Hiroshi Sugimoto, composés toujours sur le même mode, Descamps affronte lui aussi la mer avec un regard photographique qui systématise. Le cadrage choisi paraît simple: le format carré, utilisé pour toutes les images de cette série, est toujours traversé par l’horizon qui sépare au milieu le ciel de l’eau. Les conditions météorologiques et les heures du jour sont cependant variables. Parfois, la mer est tranquille, sous un ciel sans nuage, et l’image est déterminée par les petites étincelles éparses de lumière sur l’eau. Il arrive qu’un ciel brumeux et la mer semblent se perdre l’un dans l’autre et qu’un léger flou donne à l’onde l’aspect d’une paroi à peine concevable, secrète et impénétrable.
Le spectateur ne sait jamais dans quel rapport spatial il se trouve face à l’immensité de la mer toujours changeante. Un repérage géographique n’est pas davantage possible. Les photographies ont été prises en France, mais aussi au Japon, en Islande et à Madagascar. Descamps ne cherche pas tant à livrer des indices sur l’espace et le lieu qu’à rendre les beautés éphémères du vent et de la mer et surtout les intensités variables de la lumière, qu’il s’agisse des taches de soleil sur les couronnes d’écume ou de la nappe sombre éclairée par la lune.
Malgré la rigueur formelle et le cadrage systématique en deux moitiés, une poésie mélancolique se dégage de cet éventail de situations marquées par le vent et la lumière. Cette poésie se situe justement dans l’écart entre les attentes peut-être inconscientes, suscitées et non assouvies. De ce fait, les photographies de Bernard Descamps renvoient au-delà du sujet représenté. Non pas d’une façon didactique, mais sur un mode plutôt onirique.
Maria Spiegel
(extrait du texte publié dans l’ouvrage natura, éditions Filigranes, 2019)

Dates

Janvier 11 (Samedi) 12 h 00 min - Février 29 (Samedi) 18 h 00 min

Lieu

box galerie

102 chaussée de Vleurgat 1050 Bruxelles

box galerie102 chaussée de Vleurgat 1050 BruxellesLa galerie est ouverte du mercredi au samedi de 12 à 18 heures

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mer04déc(déc 4)11 h 00 min2020dim02fev(fev 2)18 h 00 minTransition attentionnelle Volet 1 « L’enfouissement de la puissance »Jean-Charles Massera Centre de la Photographie - Genève, 28, rue des Bains Genève 1205 SwitzerlandType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Jean-Charles Massera écrit au sujet de son exposition au Centre de la photographie Genève : « La Transition Attentionnelle est un rêve, le rêve d’un imaginaire et d’une culture dont les objectifs « à horizon 2022 » ne seraient plus d’atteindre les « 10 milliards d’euros de synergies » ou « de devenir la deuxième entreprise privée à dépasser le seuil des 1.000 milliards de dollars de capitalisation », mais ceux d’une attention portée à des visées autres que celles indexées sur des logiques de croissance, d’expansion, de puissance et de domination… Des logiques de croissance, d’expansion, de puissance et de domination générées par un système de pensée, de représentation et de projection (du monde et des actions que ce même monde requiert) conduisant de toute évidence à notre propre destruction.
Imaginer des représentations à notre échelle (et non plus à celles des intérêts que nous servons), des images qui remonteraient le cours de l’Histoire et de notre formation « d’homme » et de « femme »… Zoomer sur un moment où ça a peut-être bugué (car ça a clairement bugué). Remettre en scène nos corps et nos désirs à d’autres endroits que ceux que nous ont assignés notre imaginaire et notre culture… Désessentialiser – dégenrer (enfin) – et redistribuer les rôles… Se dessaisir de certaines formes d’exercice du pouvoir et de la puissance… Reconstruire des représentations où les énergies et les désirs à l’oeuvre se réorienteraient – se canaliseraient – vers des visées, des possibilités autres… Rêve d’en sortir.
Mais déjà, commencer par procéder à l’enfouissement d’une puissance dont on a perdu le contrôle. »
Jean-Charles Massera s’est d’abord fait connaître en tant qu’écrivain. Il a écrit au sujet d’artistes contemporains tels que Vito Acconci, Martha Rosler, Stan Douglas, Eija-Liisa Ahtila, Felix Gonzalez-Torres, Suzanne Lafont, Pierre Huyghe et des cinéastes tel que Jean-Luc Godard, Wong Kar-Wai, Nanni Moretti ou encre Pier Paolo Pasolini. Les éditions du MIT ont publié ses textes critiques tandis que ses écrits littéraires ont été publiés par les éditions P.O.L. aux titres programmatiques tels que France guide de l’utilisateur (1998), Amour, gloire et CAC 40 (1999), United emmerdements of New Order précédé de United problems of coût de la main-d’oeuvre (2002) (et sous le nom de Jean de la Ciotat Jean de la Ciotat confirme : du Mont Ventoux au Chrono des Balmes – Une saison (2004). Les éditions Verticales ont fait paraître Jean de La Ciotat, La légende (2007), A cauchemar is born (2007), et We Are L’Europe (2009).

Puis, l’artiste a prolongé son travail avec les mots en y associant des images photographiques et vidéos ou des compositions sonores tels qu’il les a montrés à la Kunsthalle Freiburg en 2010 dans l’exposition Corporate everything, à l’IAC Villeurbanne en 2010 avec Kiss My Mondialisation ou encore au MAC VAL en 2015 avec Chercher le garçon. À partir de 2010, il se lance aussi dans la mise en scène de vidéo, voire de vidéo musicale, et réalise surtout pour France-Culture des fictions radiophoniques tout en poursuivant ses collaborations dans le théâtre avec des metteurs en scène aussi reconnus tels que Brigitte Mounier, Jean-Pierre Vincent, ou encore Benoît Lambert, avec qui il vient de présenter leur troisième collaboration How Deep is your usage de l’art ? (Nature Morte).
Le choix des différents mediums est chez Jean-Charles Massera aussi lié à son souci de ne pas s’enfermer juste dans le milieu de l’art contemporain et d’atteindre d’autres publics et plus larges, comme celui de la radio. Il n’est pas étonnant que l’artiste a, pour les mêmes raisons, une prédilection pour l’espace public, voire pour les panneaux d’affichages.
L’exposition au Centre de la photographie Genève se déroulera pour une partie donc, dans les rues de la Ville de Genève, une pratique initiée depuis l’affichage sauvage avec Michel François en 2002. Les affiches s’adressent au regardeur, sans mettre en avant un message invitant à la consommation (qu’elle concerne des voitures ou des concerts). Il n’y a pas de logo et le geste est purement gratuit.
Une photographie et une phrase non prévues de se retrouver ensemble s’entrechoquent, pour un message qui se situe à l’opposé de la pollution publicitaire de nos espaces encore appelés publics.
Deux sujets photographiques (une personne avec un masque de zèbre devant un mur monochrome et une personne à genoux devant une voiture jouant à la petite voiture) sont coupés en deux, plus ou moins au milieu de l’affiche, par des phrases tels que nos outils digitaux nous les adressent quotidiennement, dans la même idée que il semble que votre système n’est pas chargé correctement. La subtilité du détournement du langage par l’artiste-écrivain tient ici dans l’acceptation de l’expression « votre système ». Aussitôt que nous le remplaçons par exemple par « notre système », nous sommes tout de suite amenés à définir le nous, pour s’apercevoir que le système que nous souhaitons n’a pas grand chose à voir avec leur système, par exemple celui de Microsoft ou d’Apple ou plus généralement, avec le système qui régit nos sociétés.
Quelques-unes des affiches seront aussi collées dans l’espace d’entrée du Centre de la photographie Genève. Une série de photographies spécialement conçue pour l’exposition genevoise sera collée à même le mur, sans aucun texte. Les 9 photographies horizontales montrent principalement une jeune fille d’une dizaine d’années et sa mère, les deux complètement absorbées par le jeu avec un des objets de la domination masculine, la voiture, à l’exception de deux images qui font rentrer L’homme (générique) dans la proposition de Jean-Charles Massera.

Les photographies collées à même le mur seront rythmées par trois écrans plats présentant trois vidéos différentes, toutes réalisées durant les trois dernières années.
GROWTH CAN DANCE (2016) semble porter les relations de pouvoir et la hiérarchie dans l’organisation et les espaces de travail des grandes entreprises, mais dans le même temps, une manager de haut niveau mange des biscuits au chocolat perchée sur la nacelle d’un chariot élévateur, pendant que ses assistants managers jouent au camion et à la pelleteuse en jouet… Alors peut-être que Growth Can Dance explore autre chose… Peut-être que Growth Can Dance est un rêve – le rêve d’un rythme de travail qui pourrait être ralenti, un rêve où une conférence téléphonique deviendrait une expérience sensuelle, un rêve où les différences de genre disparaîtraient et où les relations de pouvoir seraient désactivées…
Puis, La Quadrature des sentiments externalisés (2018) met en scène une sorte de relecture de Pierre Bourdieu et de Mario Kart, qui chancelle entre prise de conscience récente et force de l’habitude. En l’occurence, un quinquagénaire aisé qui met soudainement en doute ce qu’il croyait être, ce qu’il croyait aimer…Au volant d’une voiturette de golf, il se balade dans un parc au bord d’un sublime étang. Avenant, il propose à un promeneur de l’avancer un peu. Après avoir échangé quelques banalités d’usage, il raconte que suite à une discussion anodine avec sa fille et son copain, il n’est plus sûr d’être maître de ses goûts et de ses désirs…
Commence alors une étrange confession…
La troisième vidéo, The Senior Manager who is Trying to take a Break (2015), met scène une femme, cadre supérieure accro au travail. Sur les conseils d’amis, elle fait une pause. Après avoir acheté des chaussures de loisir, elle se retrouve dans un parc, expérimentant pour la toute première fois ce qu’est un week-end. Mais elle ne sait pas comment se comporter dans une telle situation….

L’exposition TRANSITION ATTENTIONNELLE VOLET 1 : « L’ENFOUISSEMENT DE LA PUISSANCE » s’inscrit dans une nouvelle voie de programmation que le Centre de la photographie a entreprit, ces dernières années : la relation entre littérature et photographie, entamé avec l’exposition D’un touriste de Christophe Rey l’année dernière. La chercheuse et universitaire Marcia Arbex était venu à l’occasion pour parler des relations entre photographie et littérature dans l’oeuvre de Michel Butor. Dans le même esprit, le Centre de la photographie Genève accueillera le soir du 5 décembre les deux écrivains Gabriella Zalapi et Mathias Howald, qui viendront parler de Rencontre histoires de famille : quand écriture et photographie s’en mêlent, collaboration avec Maison Rousseau & de la Littérature.
Et le 21 janvier Pascal Beausse, critique, curateur et directeur du département de photographie au Centre national des arts plastiques à Paris, viendra converser avec Jean-Charles Massera au sujet de son oeuvre.

Dates

Décembre 4 (Mercredi) 11 h 00 min - Février 2 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Centre de la Photographie - Genève

28, rue des Bains Genève 1205 Switzerland

Centre de la Photographie - Genève28, rue des Bains Genève 1205 SwitzerlandLe Centre est ouvert du Mardi au Dimanche de 11:00 à 18:00

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sam14sep(sep 14)14 h 00 min2020dim26jan(jan 26)18 h 00 minMythologies des dieux et des hommesJoel-Peter WitkinLa Chapelle Art Contemporain, Impasse de l’Abbaye 78120 Clairefontaine-en-YvelinesType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

A l’occasion des 80 ans du photographe Joel-Peter Witkin, La Chapelle est heureuse de présenter l’exposition « Mythologies des dieux et des hommes » qui réunira près de 100 photographies et dessins de l’artiste sur ce thème central dans son travail.
Il y a chez Joel-Peter Witkin une persistance du mythe, celui que l’on rêve, celui que l’on craint, celui que l’on respecte, le mythe religieux, le mythe des grecs et des romains, le mythe que l’on fabrique.
En regardant les thèmes de notre société moderne à travers les références à la mythologie, Witkin lui permet d’accéder à la frontière du sacré.
A travers ce prisme, ses obsessions comme la ritualisation, la sexualité, la souffrance, la passion, la mort revêtent alors une dimension quasi irréelle.
Joel-Peter Witkin s’intéresse aux oubliés, aux âmes abimées, aux corps démembrés et déformés, puis il les met en scène de manière sublimée, au-delà de ce que l’on voit.
En revisitant les thèmes et les grand maîtres de l’histoire de l’art, en utilisant son histoire, les mythes et la religion, il crée un univers bien à lui, fruit d’une réflexion nourrie par ses propres croyances, sa vie, sa culture.
Sa mise en scène réfléchie est travaillée en amont de la photographie par de multiples étapes de dessins et de collages puis au moment du tirage qu’il réalise lui-même avec la même minutie et exigence du détail.
Il nous révèle ainsi une image bouleversante, dérangeante parfois, déclenchant une interrogation sur ce que nous percevons et que notre inconscient nous dicte. Joel-Peter Witkin pousse notre esprit à sortir du simple regard et à voir au-delà de ce que nous connaissons.
Tour à tour provocateur, dénonciateur, poète, témoin, mais toujours créateur, Witkin nous offre une oeuvre qui nous pousse vers un inconnu où il n’y a plus de frontière entre le réel et l’irréel.
Notre oeil est renversé, nos références bousculées, la beauté se dévoile derrière une apparente cruauté, la vie se mélange à l’au-delà. Il n’y a plus de vérité confortable mais un monde empreint d’une poésie singulière, qui dérange nos croyances et bouleverse notre coeur et notre âme.
Cette exposition permettra de mieux comprendre le processus créatif de l’artiste à travers les dessins préparatoires à la photographie et des documents vidéos, mais aussi à travers cette confrontation du profane et du sacré, du mythe et du vécu, d’un artiste qui ne peut laisser quiconque sans réaction.

Dates

Septembre 14 (Samedi) 14 h 00 min - Janvier 26 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

La Chapelle Art Contemporain

Impasse de l’Abbaye 78120 Clairefontaine-en-Yvelines

La Chapelle Art ContemporainImpasse de l’Abbaye 78120 Clairefontaine-en-YvelinesExposition ouverte les samedi, dimanche et jours fériés de 14h à 18h

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Le Gif(t) de la Journée mondiale de l’urbanisme

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