Temps de lecture : 44 secondes

Chaque jour 9 lives vous propose d’ouvrir la case du jour de votre calendrier de l’avent. Difficile d’y inclure des petits morceaux de chocolat, alors nous avons décidé de vous faire découvrir quotidiennement un livre photographique publié cette année. Idées cadeaux, suggestions pour compléter votre collection de livres photo ou juste pour le plaisir des yeux… voici 24 sélections !

Aujourd’hui, mercredi 6 décembre, nous vous présentons « CENSORED » de Tiane Doan Na Champassak publié chez RVB Books pour une plongée dans les magazines érotiques des années 60 et 70.

Depuis une dizaine d’années, Tiane Doan na Champassak collectionne au gré de ses voyages les magazines érotiques thaïlandais. La nudité dans les magazines étant interdite à l’époque, les photographies étaient censurées avec soin et créativité. L’artiste a utilisé sa collection de plus de 4000 détails de photographies pour réaliser le livre Censored abordant les thèmes de l’érotisme et de la censure.

Publication d’une édition spéciale avec 50 tirages uniques – tirage pigmentaires sur papier japonais Awagami – 20×29,5cm, montés sur carton sans acide de couleur, dans un fourreau en plexiglass, accompagné du livre signé.

INFORMATIONS PRATIQUES
CENSORED
Tiane Doan Na Champassak
RVB Books
• 6 éditions
https://rvb-books.com
60€
• Edition Limitée
https://rvb-books.com/limited_detail.php?id_book=175
450 €

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jeu06fev(fev 6)13 h 00 minsam14mar(mar 14)19 h 00 minFigureLaurent GoldringGalerie Maubert, 20 rue Saint-Gilles 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie,Vidéo

Détail de l'événement

L’exposition Figure de Laurent Goldring présente un ensemble de photographies et vidéos, autour du visage. Des séries, de dates et formats différents, font le lien entre son travail d’atelier et ses films en extérieur. Ici, les visages filmés dans la ville répondent aux visages déconstruits qui font écho à la série des corps de l’exposition Mouvement premier, corps insensés à la Galerie Maubert (février 2017).

FIGURE

Laurent Goldring œuvre à la limite entre signes et images. Il montre comment les signes sont agencés, en les filmant au moment de leur mise en scène. Il ne s’agit pas de montrer un envers des signes qui en «dirait la vérité» mais de montrer comment la mise en signe échoue à ne pas se contredire.Un signe (par exemple, un panneau du code de la route) est obligatoirement compréhensible, et la contemplation s’arrête à cette compréhension immédiate (ici un ordre). Le signe incite à une action et le critère n’est pas l’appréciation esthétique mais la matérialisation de l’action. Il doit pouvoir se décliner sur n’importe quel support sans perdre de sa lisibilité, se reconnaître même altéré, déformé, délavé, abîmé, presque détruit. Les émotions, la peur, l’excitation, l’empathie, le désir, le dégoût ou la haine sont aussi les effets des signes – et c’est encore une autre histoire. Le corps et le visage humains sont saturés de signes. Sans doute la beauté elle-même, consensuelle parce qu’elle soude le social autour d’apparences à imiter et à répéter. Cette fonction de la beauté est particulièrement flagrante dans le processus de sexuation et de séduction. Devenir ho(fe)mme consiste à se saisir de signes pour inlassablement fabriquer son appartenance à un genre. Les corps insensés de Goldring ont pour objet de désintriquer le regard de cette saturation. Ici il s’agit du travail rigoureusement inverse qu’il fait en parallèlle, où l’on voit comment les signes s’incrustent dans la chair. L’art peut se voir comme un pilier de cette redondance, y ajoutant un glacis définitif qui accentue les significations légitimes et élimine ce qui pourrait les contredire. Les œuvres d’art servent ainsi de modèle à la mise en conformité du visible.

L’invention de la photographie est un moment charnière qui redistribue le partage entre les signes et ce qui les perturbe. Elle conserve la trace de ce qui aurait dû être éliminé, et à ce titre elle est censée montrer une vérité objective et irréfutable. Elle est à l’origine d’un traumatisme narcissique collectif largement ignoré… En 1850, chacun se presse chez le photographe : une demi-heure de pose immobile à grimacer face au soleil avec la croyance chevillée dans cette vérité révélée par l’appareil. Même aujourd’hui, au temps de la prolifération, on sait le goût amer que laisse une détestable photographie de soi.

A l’époque, la norme est de se faire faire Un unique daguerréotype. Le tout petit nombre de portraits retrouvés atteste de l’ampleur des destructions : le XIXème est terrorisé à l’idée de laisser des images aussi ignobles de ses grands homm(e)s et supplie Nadar de brûler ses portraits. Le résultat est sans doute un désaveu général du visage. Gertrud Stein raconte comment les portraitistes espagnols feignent de photographier les conscrits et qu’on retrouve les mêmes portraits tirés ad libitum dans des centaines d’albums de famille. Aujourd’hui le nombre de pixels pour représenter le visage continue à diminuer tous les jours et on s’échange joyeusement des glitches aussi informes et touchants qu’un scanner de fœtus.

Mais la photographie sert également de modèle à imiter, triant entre ce qui a droit à l’image et ce qu’il faut éliminer. Ce n’est pas une métaphore : Richer, dont les photographies illustrent son manuel de dessin de nu pour les beaux-arts, publié en 1890 et réédité pendant tout le XXème siècle, est aussi un des fondateur de la première société eugéniste, référence centrale des politiques de la race et de la lutte contre la dégénérescence qui suivront.

Il est donc normal que, dès cette même époque, des artistes empruntent le chemin inverse, et commencent à montrer, sous les signes, ce qui ne s’y conforme pas. Le visage, de ce point de vue, est un objet privilégié. Le visage risque alors de se reconstituer par la soumission à la photogénie, cas particulier et exemple typique de ce que Gunther Anders appelle « la honte des humains de ne pas être des objets techniques ». L’engouement imposé pour le selfie et la chirurgie esthétique en sont les symptômes actuels les plus visibles.

La démarche de Laurent Goldring est d’inverser la logique de la prise de vue pour déconstruire les images qui paradoxalement préexistent à ce qu’elles représentent. Ce qui lui permet ainsi de filmer, en même temps, le résultat normalisé et le surtravail de mise aux normes : l’apparence et la fabrique de l’apparence.

Certains visages ont déjà fait l’objet de performances, sous le titre de Figures, à la Fondation Cartier, au Centre Pompidou, au Festival Montpellier Danse, et au CRAC à Sète.

Dates

Février 6 (Jeudi) 13 h 00 min - Mars 14 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Maubert

20 rue Saint-Gilles 75003 Paris

Galerie Maubert20 rue Saint-Gilles 75003 ParisGalerie ouverte du mardi au samedi de 13h00 à 19h00 ou sur rendez-vous

Calendrier GoogleCal

ven17jan(jan 17)10 h 00 minsam11avr(avr 11)19 h 00 minLe chant du cygneAndrea Olga MantovaniMaison de l’image Documentaire - Cétàvoir, 17 rue Lacan 34200 SèteType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Dans la partie orientale de la Pologne, juste à la frontière avec la Biélorussie, se situe la forêt millénaire de Bialowieza. Elle est l’une des plus anciennes forêt naturelle d’Europe. Coupé du temps, c’est un lieu où les préoccupations du monde moderne semblaient jusqu’alors absentes. Cependant, depuis le début de l’année 2016, elle est le théâtre du plus important conflit environnemental en Europe. Des lieux protégés par l’Unesco depuis 1979 et par la législation européenne sont menacés de destruction. 187 procès en 2 ans ont été intentés contre les activistes qui protestent contre les ravages faits à cet environnement. Malgré leur interdiction par la Cour de Justice de l’Union Européenne, les abattages continuent jusqu’en décembre 2017. C’est ce combat pour la préservation de la nature que raconte Andréa Olga Mantovani.
Durant plusieurs mois, la photographe a exploré ce territoire en cherchant à saisir les tenants et les enjeux du conflit qui s’y déroule. Dans son approche, elle alterne des images de paysage célébrant la force et la beauté d’une nature immuable et des photographies plus allégoriques. Elles nous renvoient à la complexité de cette crise, à la relation entre les concepts de nature et culture et elle évoque de manière métaphorique, certains aspects de l’affrontement qui oppose un gouvernement traditionaliste aux valeurs défendues par les militants écologistes. Dans ce travail, elle a cherché à rendre compte de ces rencontres, à porter par l’image, la voix des peuples de la forêt, celles des luttes et des imaginaires, révélant ce qu’elles ont de commun et d’actuel. Et depuis là, pouvoir saisir, autrement qu’en éternelles victimes, la guerre qui nous est faite.

Géographe de formation, Andrea Olga Mantovani (*1985) a travaillé durant 6 ans en Europe sur des problématiques environnementales et sociales. Voyant dans l’image, un instrument de témoignage indispensable, elle se consacre dès 2015 à la photographie de manière professionnelle en tant que contributrice régulière pour le NYTIMES et à travers des projets personnels. Andrea Olga Mantovani est lauréate du Prix Talent Emergent du Festival de la Gacilly 2018, du Prix Focale pour la Photographie Documentaire, du Prix Obs «Les Femmes s’Exposent» et finaliste de la Bourse du Talent en catégorie Reportage avec son travail sur la forêt de Bialowieza. Son travail est exposé à la Foire de la Photographie Contemporaine Fotofever du 8 au 10 novembre 2019 au Carrousel du Louvre à Paris.

Dates

Janvier 17 (Vendredi) 10 h 00 min - Avril 11 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Maison de l’image Documentaire - Cétàvoir

17 rue Lacan 34200 Sète

Maison de l’image Documentaire - Cétàvoir17 rue Lacan 34200 SèteHoraires des expositions Du mardi au vendredi de 15h à 18h Le samedi de 15h à 19h

Calendrier GoogleCal

ven24jan(jan 24)14 h 00 minsam14mar(mar 14)19 h 00 minDe l’intimeHervé Guibert Les Douches la Galerie, 5, rue Legouvé 75010 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Les Douches la Galerie a le plaisir de présenter Les choses de la vie, réunissant avec la complicité d’Eric Remy les œuvres de Marcel Arthaud, Pierre Boucher, René Jacques, Jean Moral, Roger Parry, Jean Roubier, André Steiner et René Zuber.
Artisans de la Nouvelle Vision expérimentale des années 1930, ces photographes ont su capturer l’essence des instants simples, l’étrangeté d’un objet fané ou la fugacité d’un rayon de lumière dans un intérieur familier.

Les choses de la vie

Loin des grands sujets classiques auxquels la photographie s’était attelée en rivale de la peinture, certains jeunes photographes des années 1920-30 tournent leurs appareils plus maniables vers des sujets plus intimes et émotionnels, abandonnant les scènes pittoresques conventionnelles.
C’est dans leur quotidien qu’ils puisent leur inspiration quand ils ne sont pas afférés à répondre à la commande qui les fait vivre (portrait, publicité, reportage, actualité).
Leur compagne, l’atelier, un enchevêtrement d’objets, etc. créent en eux l’envie de capter la poésie d’un moment fugace.
Plus besoin du studio et des éclairages sophistiqués, de compositions alambiquées à la recherche d’effets surprenants : c’est le sujet qui s’impose et s’offre dans sa simplicité et sa banalité, mais riche de la poésie de l’instant.
La scène est là et se donne à celui qui sait regarder.
Jean Moral en autodidacte déambule dans les rues parisiennes et capte par des cadrages audacieux des coins de Paris. Mais Juliette, sa compagne rencontrée en 1927, sera son modèle favori. Abandonnant les poses classiques Moral décompose son corps. Un bras, une jambe deviennent plus que des éléments de composition photographique : un objet de désir. Loin de la froideur des compositions qui tendent à l’abstraction, ses photographies sont pleines d’une tension érotique. Jean Moral effleure sa compagne avec son appareil, la peau est presque à portée de mains.
Avec André Steiner ou Pierre Boucher, les objets abandonnés retrouvent une deuxième vie.
Voués à la disparition après tant de services rendus, ils les sauvent de l’oubli. Le désordre des objets abandonnés tente une dernière fois d’attirer l’œil. Poupées, mannequins, masques, pauvres doubles de notre humanité reprennent vie le temps de la pose.
Parfois un effet lumineux, une ombre délicate réveille l’œil du photographe, abandonnant les sujets publicitaires auxquels il est habitué. Marcel Arthaud fixe l’ombre ondulante du garde-corps sur le voilage immaculé transformé en un instant en tissu graphique soulignant les pouvoirs mystérieux de la lumière.
C’est au sein de l’atelier que Zuber est interpellé par les jeux lumineux dans les plaques de verre et la puissance graphique des casiers de l’imprimeur.
De certaines de ces photographies, sourd une inquiétante étrangeté, une insécurité.
Témoins des instants fragiles ou des incertitudes du lendemain, elles sont bien souvent empreintes de nostalgie.
Prises sans autre but que de garder la trace d’une émotion fugace, d’une sensation, elles sont de petits poèmes argentiques, échos silencieux aux choses de la vie.
Éric Rémy

Dates

Janvier 24 (Vendredi) 14 h 00 min - Mars 14 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Les Douches la Galerie

5, rue Legouvé 75010 Paris

Les Douches la Galerie5, rue Legouvé 75010 ParisOuvert du mercredi au samedi de 14h à 19h ou sur rendez-vous

Calendrier GoogleCal

jeu16jan(jan 16)10 h 00 minsam28mar(mar 28)18 h 00 minThe Fall Of AtticaSophie KnittelL'Abat Jour, 33 rue René Leynaud 69001 LyonType d'événement:Exposition,Photographie

mer12fev(fev 12)11 h 00 minmer18mar(mar 18)18 h 00 minLaToya Ruby FrazierJean-Charles Massera Centre de la Photographie - Genève, 28, rue des Bains Genève 1205 SwitzerlandType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

LaToya Ruby Frazier est une des photographes les plus marquantes de sa génération. Depuis le début des années 2000, l’artiste afro-américaine, née à Pittsburgh, développe une pratique documentaire à la fois personnelle et militante, en prise avec les réalités sociales, politiques et économiques de la société américaine contemporaine.

Réalisée entre 2001 et 2014 autour de trois générations de femmes – sa grand-mère, sa mère et elle-même –, l’ambitieuse série qui l’a fait connaître, The Notion of Family, témoigne du déclin de Braddock, banlieue de Pittsburgh en Pennsylvanie et ancienne capitale de l’acier, devenue ville fantôme. À partir d’expériences individuelles, l’artiste fait émerger une histoire collective afro-américaine et des problématiques de portée universelle. « Braddock est partout », dit-elle.

Autour de The Notion Of Family, se déploieront deux séries récentes prolongeant l’attention qu’elle porte aux classes ouvrières et à l’articulation entre vie personnelle et enjeux sociaux et politiques. La première, On the Making of Steel Genesis: Sandra Gould Ford (2017), est le fruit d’une étroite collaboration avec Sandra Gould Ford, photographe et écrivain afro-américain, qui fut employée dans l’industrie sidérurgique à Pittsburgh et documenta de multiples manières la vie dans les usines et leur fermeture. La seconde, Et des terrils un arbre s’élèvera (2016-2017), résulte quant à elle d’un ambitieux projet réalisé dans le Borinage, près de Mons, en Belgique, avec d’anciens mineurs et leurs familles.

Dates

Février 12 (Mercredi) 11 h 00 min - Mars 18 (Mercredi) 18 h 00 min

Lieu

Centre de la Photographie - Genève

28, rue des Bains Genève 1205 Switzerland

Centre de la Photographie - Genève28, rue des Bains Genève 1205 SwitzerlandLe Centre est ouvert du Mardi au Dimanche de 11:00 à 18:00

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Le Calendrier de l’Avent Spécial Edition Photo : 6 Décembre

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