L'Ephéméride

Le Gif(t) de l’album de l’année 2016 © Rough Trade

La Rédaction24 novembre 2016

Temps de lecture estimé : < 1min

Le label Rough Trade fête ses 40 ans. Voici leur liste des albums incontournables de l’année 2016.

La Rédaction

9 Lives magazine vous accompagne au quotidien dans le monde de la photographie et de l'Image.

En voir plus dans L'Ephéméride

L'Ephéméride

Né un 26 novembre : le photographe Albert Londe

L'Ephéméride

25 novembre : Journée internationale pour l’élimination de la violence à l’égard des femmes

L'Ephéméride

Ça s’est passé un 24 novembre : Disparition de Freddie Mercury

L'Ephéméride

Ça s’est passé un 23 novembre : Dépôt officiel de la photographie couleur

Type d'événement

Type d'événement 2

Lieu de l'événement

Organisateur de l'événement

lun02nov(nov 2)10 h 00 minsam05déc(déc 5)19 h 00 minCancelledANNULATION : Biennale de l'Image Tangible 2020L'édition 2020 est reportée à 2021 Organisateur: bit20--paris Type d'événement:Festival,Photographie

Détail de l'événement

Lors d’un mois d’expositions et d’événements situés dans le 20e arrondissement de Paris, la Biennale de l’Image Tangible présente une sélection d’œuvres qui tendent à s’émanciper d’un usage classique du médium photographique.

Que ce soit à la recherche de nouveaux supports, de techniques hybrides ou d’un nouveau rapport à la réalité, cet événement tend à démontrer que la photographie ne cesse jamais d’inventer. En cela, la Biennale de l’Image Tangible accompagne l’émergence de nouveaux langages et de nouvelles pratiques liés à la photographie: une photographie qui bouscule les hypothèses du réel, une photographie qui change de nature, de forme et de postulat, et qui participe ainsi à un élargissement du champ de sa discipline.

La deuxième édition de la Biennale de l’Image Tangible concentre son calendrier sur le mois de novembre 2020. Elle conserve son ancrage dans le 20e arrondissement, suivant l’idée déjà plébiscitée par le public de dessiner un parcours artistique dans l’Est parisien.

Sa programmation s’articule autour d’une exposition curatée par les organisateurs de la Biennale, et de dix expositions réunissant les artistes lauréats de l’appel à projet (février –mai 2020), sélectionnés par un jury de professionnels du monde de l’art, de l’image et de la photo. Ainsi que d’un prix Instagram, d’une après-midi de rencontres-discussions, et d’un projet in situ dans l’espace public.

–Une exposition phare, curatée par les organisateurs de la Biennale, réunissant 12 artistes à l’Atelier Basfroi, du 13 au 22 novembre 2020, autour des thèmes de l’urbanisme, de la société de contrôle et des outils de surveillance.

Avec la participation de : Xavier Bauer, Grégory Chatonsky, Antje Feger & Benjamin Stumpf, Clemens Gritl,Beate Gütschow, Claudia Larcher, Maxime Matthys, Achim Mohné, Richard Mosse, Hito Steyerl, Thierry Urbain, Emmanuel Van Der Auwera.

–Dix expositions satellites, organisées dans les lieux partenaires de la Biennale du 02 novembre au 05 décembre. Les 31 artistes exposé.e.s ont été sélectionné.e.s par le Jury de la Biennale, suite à un appel à projet. Leurs œuvres seront présentées dans les lieux et galeries suivants : Galerie Ménil 8, Confort Mental, Galerie Eko Sato, Galerie Plateforme, Galerie Derniers Jours, Est Galerie, Julio Artist-run Space,Floréal Belleville, Atelier Nuage Oblique, Galerie AAB.

–Deux parcours week-end proposant une balade artistique dans les quartiers du grand Est parisien. Les week-ends des 14-15 nov et des 21-22 nov, les artistes, galeristes, commissaires et organisateurs de l’événement vous accueillent dans huit expositions pour échanger autour des œuvres présentées.

–Un prix Instagram décerné par le public à un artiste de la Biennale dont les votes se dérouleront pendant le mois d’octobre.

–Une après-midi de rencontres et discussions portant sur les thématiques et les pratiques abordées par la Biennale de l’Image Tangible 2020, ainsi que sur les droits de représentation des artistes-photographes avec la SAIF et l’ADAGP qui se déroulera à l IESA (L’école internationale des métiers de la culture et du marché de l’art à Paris).

–Un projet urbain in situ lié au détournement de l’image photographique, et déployé dans l’espace public du 20e arrondissement.

L’édition de la Biennale de l’Image Tangible 2020 est reportée à 2021.

Photo : 2091 – The Ministry of Privacy, 2019. © MAXIME MATTHYS

Dates

Novembre 2 (Lundi) 10 h 00 min - Décembre 5 (Samedi) 19 h 00 min

Organisateur

bit20--paris

Calendrier GoogleCal

ven30oct(oct 30)12 h 00 minjeu24déc(déc 24)19 h 00 minLa sélection de la RédactionBernard Plossu : Fressons et VintagesTirages exceptionnels et anti-spectaculairesGalerie Camera Obscura, 268 Boulevard Raspail 75014 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

La sortie du livre consacré aux tirages Fresson de Bernard Plossu nous offre l’occasion de visiter son oeuvre sous l’aspect de la couleur (celle des pigments du tirage au charbon, du sépia des tirages argentiques des années 70) mais aussi du tirage.
La question du tirage est en effet primordiale pour toute oeuvre photographique. Il s’agit d’un diapason, d’une façon juste de faire vibrer une image. Dès les années 70, Plossu trouve naturellement cet équilibre qui, de la prise de vues au tirage, fixe définitivement sa préférence pour une image « anti-spectaculaire ».

La rencontre avec la famille Fresson est de ce point de vue primordiale pour la suite de son oeuvre. Elle lui révèle la douceur charnelle d’une couleur vivante, non apprivoisée, sujette au hasard et au tour de main. C’est le début d’une longue collaboration (de 1967 à aujourd’hui) qui, traversant trois générations de cette famille d’inventeurs et de tireurs, fixe définitivement le style couleur de Plossu.

Leurs tirages ont du grain, ils sont mats, comme les photos en noir et blanc…Le grain donne une ambiance proche des photos faites au Tri-X, le coté mat est anti-spectaculaire et ça me plait. Les Fressons atténuent délicatement la violence de toute lumière excessive, que ce soit en Arizona ou dans le sud de la France !

Les années 70 sont aussi celles de la collaboration avec Philippe Salaün, tireur noir et blanc qui réalise notamment, dans une période restreinte (fin des années 70), des séries entières d’images virées en sépia (Niger, Sénégal, Maroc,Nouveau Mexique…).

La mise en relation des tirages Fresson et des tirages noir et blanc (sépias compris) des années 70 résulte d’abord d’une simple évidence : celle de l’unité du regard et de l’oeuvre. Idée partie d’une simple intuition, elle s’est révélée riche de découvertes, mais aussi de bonheurs à marier ces deux pans de l’oeuvre de Plossu, habituellement séparés.

Bernard Plossu a eu la générosité de me laisser choisir dans ses archives des tirages d’époque exceptionnels et rares, reflets d’une oeuvre en train de se faire.
L’un de mes grands plaisirs a été d’y retrouver des tirages sépias de Taos, ceux-là même qui m’avaient fait découvrir son travail, en 1981, lors des rencontres d’Arles.

Le récent décès de Michel Fresson, à 84 ans, alors qu’il travaillait toujours assidûment à l’atelier, apporte naturellement une coloration d’hommage à la sortie du livre et à notre exposition. Son fils Jean-François, dernier détenteur du savoir-faire de sa famille, a bien voulu se remettre seul au travail pour réaliser une partie des tirages de cette exposition.C’est un cadeau précieux.

“J’ai eu la chance de rencontrer la famille Fresson dès 1967, Pierre et Michel : tout de suite, j’ai compris que leur papier mat et avec du grain me permettrait de montrer mes photos couleur avec la meme ambiance que celles en noir et blanc. C’était encore l’époque des films Kodachrome en diapositives.
Puis, ces dernières années, j’ai travaillé avec Jean-François, et dorénavant la plupart du temps en film négatifs couleur.
Chaque fois que je reçois un paquet d’eux, et ce depuis plus de 50 ans maintenant, j’arrête tout ce que je fais afin de les savourer tellement ils sont magnifiques ! Je ne les remercierais jamais assez.”
– Bernard Plossu

Dates

Octobre 30 (Vendredi) 12 h 00 min - Décembre 24 (Jeudi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Camera Obscura

268 Boulevard Raspail 75014 Paris

Calendrier GoogleCal

mar01déc15 h 00 min2021sam09jan(jan 9)17 h 00 minChinesMarc RiboudGalerie Polka, 12, rue Saint-Gilles 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

De 1957 à 2010, Marc Riboud n’a cessé de visiter la Chine, revenant dans des lieux qui le fascinaient. Villes monde et montagnes sacrées. La galerie Polka est heureuse de présenter l’exposition « Chines » qui raconte, avec une sélection de près de 40 images provenant de ses archives personnelles, l’amour du grand photographe, disparu en 2016, pour le peuple chinois. Un voyage au long cours vers l’Orient, de la campagne des Cent Fleurs de Mao jusqu’au capitalisme de Hu Jintao. « Du Grand Bond en avant au grand boom économique, de la pauvreté égalitaire aux nouveaux riches, de la Révolution culturelle au culte de l’argent, j’ai vu une Chine très « chinoise » d’abord embrigadée par Mao se précipiter ensuite avec frénésie dans l’économie de marché », écrit Marc Riboud.

Un voyage à travers un demi-siècle d’histoire d’un pays immense sur lequel il a posé, avec distance, humilité et pudeur son regard d’artiste, laissant les images parler d’elles-mêmes. « Je suis photographe, je ne suis pas sinologue » écrit Marc Riboud. « En Chine j’ai beaucoup marché, beaucoup regardé. J’ai lu les livres, entendu les récits des voyageurs, partagé les enthousiasmes, les déceptions, les interrogations. Partout, j’ai vu, j’ai aimé, la beauté des visages, la patine des outils, l’immensité et l’étrangeté des paysages et partout une certaine dignité qui, pour presque tout un peuple, a remplacé l’humiliation. Faut-il ajouter des mots à tous ceux qui ont été écrits par plus compétents que moi ? »

L’exposition, organisée à la galerie en marge d’une importante rétrospective de son travail au Musée National des Arts Asiatiques Guimet après le leg d’une partie des archives Marc Riboud à l’institution (négatifs, diapos, tirages, correspondance) réunit une exceptionnelle sélection d’épreuves rares : grands formats, tirages vintage de référence, mais aussi des « Dye-Transfer » couleur, une technique de tirage, permettant une densité des teintes et une qualité de restitution que le tirage numérique ne dépassera jamais. Dans « Chines » on retrouve les icones de Riboud :

Un couple d’amoureux anonyme dans l’intimité d’un train entre Hong Kong et Canton, une séance de patin à glace sur le canal gelé le long des murs de la cité interdite, les artistes populaires – lutteurs, acrobates, bateleurs, marionnettistes – du quartier du Pont du Ciel au sud du vieux Pékin, les hauts fourneaux d’une aciérie et les fusils de bois des futurs gardes rouges en Manchourie, le labeur des paysans et des intellectuels de la Révolution culturelle dans les rivières du Guangxi, le sourire d’une jeune danseuse devant l’école de Ballet de Shanghai, la candeur d’un jeune soldat de l’armée populaire de libération devant les colonnes de marbre du Palais du peuple de Pékin. Mais c’est aussi les tours de Shenzhen, les promenades petite-bourgeoises sur le Bund de Shanghai à l’aube des années 2000 qui voient les grands magasins triompher. L’homme moderne dévisagé par la publicité a remplacé par l’homme nouveau dévisagé par Mao. L’austérité vertueuse a laissé sa place aux tours géantes de Pudong et au sourire envoutant de Gong Li. « Tout l’Orient que nous aimions pour la permanence des choses et de l’esprit se mue brusquement en un Occident extrême, dans une course qui est sans doute le film accéléré de la nôtre. »

Cette exposition rend aussi hommage aux montagnes sacrées du Huang Shan, éloge d’un artiste au grand rêve cosmique des vieux peintres chinois à la saison des brumes, sorte de voyage initiatique. « Zao Wou-ki m’avait convaincu. Le Huang Shan, ça ne se raconte pas, il faut le voir ! Si la grande muraille que l’on voit de la lune n’a jamais arrêté les Barbares, les escaliers du Huang Shan permettent aux Barbares que nous sommes d’atteindre sans escalade les cimes les plus vertigineuses […]. L’odeur des pins, des feuilles flétries, des fleurs fanées, de la mousse et des lichens moisis et surtout des feux de forêt dont la fumée touche les nuages. La caresse des roches lisses et patinées comme des sculptures de bronze. La souplesse de la sandale sur la pierre, la fraicheur de la bruine sur le visage. Le gout du thé à l’étape, les saveurs des trois cents plantes médicinales dont se glorifie la montagne des peintres.

C’est cette Chine, entre passé et futur, que raconte Riboud. « S’il est vrai que la photographie peut montrer le monde surtout quand il change, il est difficile de faire le portrait d’une Chine qui bouge si vite. L’image risque d’être floue et même contradictoire. Dans les rues et les villages où j’ai beaucoup marché, un coup d’œil est souvent démenti par le suivant, celui d’hier par celui d’aujourd’hui. » C’est bien tout le sujet de cette exposition qui livre les clichés d’une Chine toujours à la veille d’un grand changement.

Dates

Décembre 1 (Mardi) 15 h 00 min - Janvier 9 (Samedi) 17 h 00 min

Lieu

Galerie Polka

12, rue Saint-Gilles 75003 Paris

Galerie Polka12, rue Saint-Gilles 75003 ParisOuvert du mardi au samedi de 11h à 19h00 ou sur rendez-vous

Calendrier GoogleCal

jeu24sep0 h 00 minjeu24déc0 h 00 minSelfies Ego / EgauxCommissariat d'Olivier Culmann assisté de Jeanne ViguiéVilla Pérochon, 64 rue Paul-François Proust BP 59135 – 79061 Niort CEDEX 9Type d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Cette exposition est née avec la volonté d’interroger cette pratique populaire et contemporaine pour un large public, afin de permettre, entre autres, aux parents de comprendre les usages qu’en font leurs enfants, et leurs enjeux, tout en y apportant un regard neuf et critique. Finalement cette pratique questionne l’identité, la représentation de chacun, l’individu et le groupe, mais aussi la perception du groupe des images diffusées par un individu.

Cette exposition a été créée il y a un an à l’occasion du festival Portrait(s) à Vichy. À Niort, ce sera sa deuxième présentation. Olivier Culmann, membre de Tendance Floue, que nous avons accueillis lors des Rencontres de la jeune photographie internationale en 2016 avec notamment la série The Others, en est le commissaire assisté de Jeanne de Viguié.
Il interroge cette pratique populaire qui a envahi les réseaux sociaux. Avec l’humour et l’intelligence qui le caractérise, il nous livre le résultat de cette enquête par une réflexion approfondie sur cette révolution photographique et sociale, au travers d’une exposition foisonnante.

La photographie a connu ces dernières années une véritable révolution. Alors que depuis sa création, l’appareil photographique était dirigé – comme notre œil – de soi vers les autres, sa direction s’est brusquement inversée.
Je m’interroge depuis longtemps sur les raisons qui ont poussé à ce retournement vers nous-mêmes.
Comme beaucoup, je n’y ai d’abord vu que l’expression d’une époque individualiste et par conséquence d’un comportement purement égocentrique.
La série Seoulfie, que j’ai réalisée en Corée en Sud en 2014, est née de cette interrogation et proposait une “visite” de Séoul à travers ce mode opératoire de l’égoportrait.
Pourquoi, à un moment donné, avons-nous ressenti le besoin de cette inversion ?
Le mot selfie a été utilisé pour la première fois en 2002 par un étudiant australien ayant pris une photo de sa lèvre tuméfiée à la suite d’une soirée trop arrosée, afin de la transmettre à des médecins pour obtenir un diagnostic. Les jalons étaient ainsi posés. Car, bien que le mot ne soit entré dans le dictionnaire qu’une dizaine d’années plus tard, cette anecdote fondatrice rejoint la définition même du selfie : il est un autoportrait réalisé pour être envoyé à un (ou plusieurs) tiers.

Ainsi, la fonction principale du selfie est-elle de l’ordre du moyen de communication (ce qui peut même aller jusqu’à débarrasser le selfie de la nécessité de pérennité propre à la photographie : un selfie peut éventuellement disparaître après réception, comme dans l’application Snapchat par exemple). Il fut une époque où l’on s’envoyait des lettres, puis une autre où l’on se passait des appels téléphoniques, puis des messages textes et aujourd’hui l’on s’envoie des photos de soi-même pour rendre compte d’une situation : « Regarde, je suis à la plage, je suis heureux et je te le dis. »

En cela, le selfie, contrairement à la majorité des types photographiques, n’a nul besoin d’être esthétique pour exister. Au contraire, il sera plus accessible et invitera davantage à une réponse s’il reste visuellement « modeste ». Beaucoup le mépriseront ainsi pour sa « pauvreté » esthétique et n’auront de cesse que de le réduire à son caractère égocentrique. On est en droit de ne pas l’apprécier, mais on ne peut nier qu’il prolonge l’histoire et l’évolution d’une photographie rendue petit à petit accessible au plus grand nombre.

Je ne serais pas surpris que dans un avenir plus ou moins lointain, le selfie – comme bon nombre d’autres types photographiques « non professionnels » – nous offre davantage d’informations sur notre époque, nos sociétés et nos façons de vivre que les productions qui se veulent documentaires ou journalistiques.
Pour aller plus loin, j’oserais l’hypothèse que l’intérêt de la photographie réside souvent, non pas dans ce qu’elle montre, mais dans ce que sa forme et l’utilisation que nous en faisons racontent de nous-mêmes.

Olivier Culmann

Dates

Septembre 24 (Jeudi) 0 h 00 min - Décembre 24 (Jeudi) 0 h 00 min

Lieu

Villa Pérochon

64 rue Paul-François Proust BP 59135 – 79061 Niort CEDEX 9

Villa Pérochon64 rue Paul-François Proust BP 59135 – 79061 Niort CEDEX 9Du mardi au samedi de 13h30 à18h30. Fermée les jours fériés. Entrée libre

Calendrier GoogleCal

sam05sep14 h 00 minsam05déc19 h 00 minNulla è puroLorenzo VitturiCentre photographique Rouen Normandie, 15, rue de la Chaîne 76000 RouenType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Nulla è puro rassemble quelque dix années de recherche du photographe vénitien Lorenzo Vitturi (1980) en un précipité des trois grands projets de cet artiste alchimiste : Dalston Anatomy, Money Must Be Made et son tout récent Caminantes.
De l’un à l’autre, il est question de circulation : des cultures, des corps, des formes et de leur hybridation féconde. Embrassant selon son expression une sorte de « libertinage plastique », Lorenzo Vitturi manie un langage de pigments, de textures et de formes sculpturales maintenues en un fragile équilibre.

À Dalston, quartier multiculturel de l’East End de Londres (sa ville de résidence), il s’intéresse au marché local. Il y réalise des portraits, collecte des marchandises délaissées en fin de marché, des paroles de clients et de marchands, puis assemble cette matière hétérogène dans l’espace de son studio. Se rencontrent alors l’exubérance propre au territoire et les fantaisies personnelles de l’artiste. Ses natures mortes deviennent le lieu où composer les images d’un monde globalisé, aux prises avec les effets de la gentrification et autres mutations. Un peu plus tard, il répètera ce processus à Lagos au Nigeria, traduisant sur place puis dans son studio londonien les mécanismes d’assimilation et de résistance à l’œuvre au sein du marché de Balogun, ville dans la ville-monde.

Son dernier projet, Caminantes, poursuit cette même mise en scène du mouvement de cultures, inspirée cette fois de l’histoire familiale. Il reproduit alors le voyage de son père, originaire de Venise, qui, dans les années 1960, entreprit de se rendre au Pérou pour ouvrir une verrerie de Murano. Cette autre histoire de migrations sera le point de départ pour l’artiste d’un long voyage fait de multiples allers-retours entre Venise et le Pérou, entre leurs cultures, leurs formes, leurs matières. Nulla è puro nous dit-il : dans son monde, qu’on aimerait être le nôtre, « rien n’est pur », tout est poreux.

L’exposition se tient dans le cadre du festival Normandie Impressionniste, dont elle a reçu le soutien.

* Nous vous accueillerons sur une plage horaire étendue pour ce vernissage afin de respecter la jauge réduite et garantir le confort et la sécurité de tou.t.e.s. Le port du masque est obligatoire.

Photographie : Lorenzo Vitturi, Brown Fortuny, Mantas, Cochinilla & Coli Dyed Yarn, Fishing Nets, Wood in Lazzaretto Vecchio, Caminantes, 2019

Dates

Septembre 5 (Samedi) 14 h 00 min - Décembre 5 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Centre photographique Rouen Normandie

15, rue de la Chaîne 76000 Rouen

Centre photographique Rouen Normandie15, rue de la Chaîne 76000 RouenOuvert du mardi au samedi de 14h à 19h sauf jours fériés

Calendrier GoogleCal

You may also like

En voir plus dans L'Ephéméride

Ephéméride

Articles les plus lus

Détail de l'événement

Détail de l'événement

Dates

Organisateur

Détail de l'événement

Détail de l'événement

Dates

Détail de l'événement

Détail de l'événement

Dates

Détail de l'événement

Détail de l'événement

Dates

Lieu

Détail de l'événement

Détail de l'événement

Dates

Retrouvez une édition !

Suivez nous !

Facebook

Twitter

Youtube

Inscrivez vous !

Newsletter

Contact

Derniers articles