Une 68ème édition de Jeune Création tournée vers la performance aux Beaux Arts de Paris

Benedetto Bufalino

Par Wendy Gabet

Il est d’usage de dire qu’un rien peut tout changer. Effectivement, il se peut qu’en passant dans une rue, un jour, nous soyons surpris par du mobilier urbain détourné, augmenté, tel que le conçoit l’artiste contextuel Benedetto Bufalino. Avec humour et dérision, il se charge de désacraliser ces objets quotidiens, matière de l’espace public. À la manière d’un architecte, il crée des photomontages avant de réaliser chaque installation.

Ses œuvres performatives et minimalistes, fruits d’expé- riences spatiales, interpellent. Dépouillée de sa fonction initiale, la cabine téléphonique devient un aquarium pour poissons exotiques. Si on coupe le courant électrique, la guirlande de voitures n’est plus qu’un ennuyeux amas d’automobiles alignées sur un parking. Incongrues, ses réalisations court-circuitent la trame de la ville. Un dialogue entre l’œuvre et l’espace naît, tout est question de déplacement.

When walking through town, it is possible to stumble across urban furniture that has been altered, diverted or augmented by contextual artist B. Bufalino, who pokes fun at the objects that fill our everyday public spaces. Just like an architect, he makes digital montage mockups of his installations before building them. His performative, minimalist work is the result of spacial experimentation. Stripped of its original function, the public phone box becomes an aquarium filled with exotic fish. If one were to cut the power, car fairy lights would become a boring pile of cars in a parking lot. By short-circuiting the city grid, Bufalino’s incongruous work invites us to rethink our surroundings.

Ben Elliot

Par Océane Jakubec

S’appropriant les modèles de self-branding, démocratisés par les nouvelles générations de notre société actuelle, Ben Elliot s’inspire de cette lignée de millennials qui ne se souvient plus de la vie sans internet. Autodidacte, il cultive une fascination pour les interactions entre individus à travers des projets multiformes dans une esthétique lisse et épurée. Considérant son Iphone comme un être à part entière, il l’utilise comme un prolongement de son corps et de son esprit ; une mutation nécessaire de notre temps. Dans un flux de soi illustré entre art et narcissisme désintéressé, il se sert des réseaux comme un outil de documentation sociale, intime et une expérience d’exposition : technologie avec laquelle l’humain augmenté compose et façonne son quotidien. Un espace qui devrait, d’après lui, être désormais utilisé comme le moyen et la finalité d’une œuvre.

Using the models of self-branding, democratised by the new generations of today’s society, B. Elliot is inspired by millennials who cannot remember life without the Internet. Self-taught, he harbours a fascination with interactions between individuals through multifaceted projects in a sleek and refined aesthetic. Considering his iphone as a being in its own right, he uses it as an extension of his body and mind; a necessary modern mutation. In a flow of self, illustrated somewhere between art and disinterested narcissism, he uses networks as a tool to document society, intimacy and an exhibition experience: technology with which the augmented human composes and shapes their daily life. A space which should, according to him, now be used as the means and the end of a work.

Lukas Glinkowski

Par Lucie Matton

Lukas Glinkowski capte et réinterprète l’intervention humaine au sein de l’espace urbain, puisant ses inspirations dans les lieux publics, la rue, le métro et les lieux de son enfance. Il est le témoin d’une société qu’il souhaite retranscrire dans sa pratique. À partir de matériaux industriels, comme le carrelage ou le papier peint, il forme une trame sur laquelle il esquisse à la peinture une synthèse de graffitis polychromes, collectés dans ses déambulations citadines. Tel un observateur de la manière dont les êtres s’approprient leur environnement, il recueille des traces éphémères de l’époque dans laquelle il vit et y apporte sa propre perspective en créant de nouvelles associations.

L. Glinkowski reinterprets human intervention in urban spaces. His work acts as a recording of his experience of society. Using industrial materials such as tiles and wallpaper as his canvas, he paints a visual summary of multicoloured graffiti. By observing the ways in which people adapt to their environments, Lukas Glinkowski is able to build a collection of ephemeral moments, while also bringing his own perspective to the table.

Sara Ivone

Par Lucie Matton

Entre la ligne et le volume, Sara Ivone est une artiste du mouvement qui se caractérise par la concrétisation du geste qui, du dessin, la conduit à la sculpture. Au travers de sa réalisation, elle métamorphose l’immobile en un volume fragile à mi-chemin entre le dessin, qui n’est plus, et la sculpture en devenir. Ses travaux sont un éloge du mouvement qui s’apparentent à une chorégraphie de la matière. Figeant l’instantané, elle pérennise le geste créatif en une œuvre qu’elle veut dansante. Ses créations aux couleurs pastel s’accordent et s’assemblent dans une composition rythmée. Dans une volonté de suspension du geste, Sara Ivone traduit l’espace en une partition poétique empreinte de fragilité.

Bridging the gap between drawing and sculpture, Sara Ivone’s work examines movement. Various materials take part in a strange dance-like choreography. Pastel colours make up the rhythm of her compositions. By suspending gestures in time, Sara Ivone transforms her surroundings into frail and poetic sheet music.

Jean-Baptiste Janisset

Par Yuju Lin

Intéressé par les rites religieux et l’héritage colonialiste, le travail de Jean-Baptiste Janisset est centré sur des questions de pouvoir et de conscience collective. Il expérimente des empreintes de sculptures, de bâtiments historiques ou d’allégories profanes.
À travers les anciens signes de l’image, il éveille la conscience historique des gens et présente le passé, que le public a oublié. Il utilise la lumière au néon autour de ses sculptures religieuses. En 2017, il a fondé Mutatio, un artist-run space.

Informed by religious rites and colonial heritage, J.-B. Janisset’s work revolves around questions of power and collective conscience. He experiments with sculpture, historic monuments, profane allegories and uses ancient symbolism as a means of conjuring up a forgotten past, hoping to rekindle a form of historical conscience.

Léonard Martin

Par Hamza Nasri

Véritable mise en scène, le travail de Léonard Martin est une communication constante entre différents arts. Cinéma, théâtre, musique et arts plastiques viennent coexister pour donner vie à des personnages singuliers racontant une histoire des plus poétique et des plus théâtrale que le spectateur peut s’approprier. Le mouvement anime la pensée de l’artiste autant que ses personnages prenant place dans un décor en bois minimaliste, et dont les animations permettent aux puristes de ces différents arts de se retrouver. Les mises en scène de Léonard Martin existent dans un souci de communion entre les matériaux de récupération et les éclairages, rappelant toujours l’intérêt de l’artiste pour la littérature et le théâtre dont il tire son imagination.

L. Martin’s work is a true staged produc- tion, a constant communication between different arts. Cinema, theatre, music and visual arts coexist to give life to singular characters telling the most poetic and theatrical stories that a viewer can absorb. The movement evokes the artist’s thoughts in so far as his characters appear in a minimalist wooden decor, the staging of which allows the meeting of these different purists art forms. His staged works are born of a concern for communion between recovered materials and lighting. Litterature and theatre is ever present and a constant source of imagination.

Nico Müller

Par Antoine Cantiny

On pourrait penser que Nico Müller, utilise la ville comme atelier tant ses œuvres se font la copie améliorée, presque fantasmée, de ce que l’on peut trouver au croisement de deux rues. Des néons défectueux, des collections de paillassons défraîchis, des canettes de bière ou encore des pics anti-volatiles. Tout autant d’artefacts du quotidien, devenus presque invisibles de par leur banalité, à qui l’artiste donne un second souffle, une nouvelle lecture. Altérés par le lieu d’exposition, ces éléments se découvrent de nouvelles possibilités esthétiques. Une nouvelle façon qui permet à l’objet de se dévoiler en dehors de ce pourquoi il a été conçu. Ainsi, l’artiste insuffle à ces anodins objets une nouvelle identité. En résulte une poésie du banal sur fond de readymade.

One can think of N. Müller as using the city as a studio, as his works are an improved copy, almost fantasised, of what can be found at the intersection of two streets. Defective neon lights, collections of faded doormats, beer cans and bird control spikes. Just as many everyday items that have become almost invisible through their banality, the artist gives them a second life, a new reading. Altered by the place of exhibition, these elements are given new aesthetic possibilities. Thus the artist infuses these objects with a new identity. The result is banal poetry against a background of ready-made.

Valentin Muller

Par Bertille Levent

Valentin Muller propose des espaces souvent vides, mais pourtant remplis de mots et de sentiments. Sur les murs de ces lieux, sont inscrits ses pensées faces à une rupture amoureuse, des dialogues avec son entourage — proche ou presque inconnu — autour de l’image qu’il pouvait avoir de chacun d’eux ; mais surtout se révèlent par la discussion, leurs rapports immédiats.

Conscient de ses difficultés à communiquer avec l’Autre, de sa possible froideur et distance, il crée des dispositifs qui lui permettent d’établir des relations. Dans ces espaces fermés, ces pensées s’entrechoquent ; l’empreinte des paroles échangées s’y retrouve autant que l’absence de ces corps devient évidente. Le spectateur est alors confronté physi- quement et émotionnellement à l’intimité de deux Autres, l’espace privé rejoint son caractère public, la complexité d’un individu nous redevient commune. Partant d’une difficulté de l’artiste à tout simplement être, ce qui n’est d’habitude qu’immatériel devient un événement temporel et spatial.

V. Muller presents spaces that are often empty, yet filled with words and feelings. His thoughts are written on the walls of these spaces, about a breakup, dialogues with his entourage, their relationships are revealed by the discussion taking place. In these closed spaces, these thoughts clash; an imprint of the conversations becomes present even as the absence of people becomes clear. The spectator is confronted physically and emotionally with the intimacy of two others, the private space takes on a public character, and the complexity of an individual becomes a shared experience again.

Riccardo Olerhead

Par Scarlett Chaumien

Les sculptures éphémères de Riccardo Olerhead sont figées par des photographies hautes en couleur. Les nuances chromatiques et les objets choisis ne sont que le fruit d’un calcul raisonné : ses compositions visuelles luttent contre le chaos. Les créations artefactuelles se heurtent à de la végétation engendrant un portrait abstrait, dont les titres ne seraient que les noms imaginés d’une personne rêvée. Le titre d’une série ne se cristallise pas et ces natures mortes contemporaines appuient les mutations d’états, propres au regardeur. Un jeu d’équilibre où s’harmonisent les teintes et les textures, forme de vanités, témoins du temps qui passe.

The ephemeral sculptures of R. Olerhead are frozen in high colour photographs. The chromatic nuances and the chosen objects are only the fruit of reasoned calculation: his visual compositions fight against chaos. Artificial creations collide with vegetation creating an abstract portrait, whose titles are only the imagined names of someone from a dream. A game of balance that harmonises shades and textures, forms of vanity, witnesses of time passing.

David Perreard

Par Koudiey Traore

David Perreard reproduit sous la forme de micros narrations ou le temps d’un tour de magie ses propres observations de notre monde. La puissance des maladresses de la vidéo amateur lui permet de croiser et mettre sur un même plan des éléments hétéroclites comme l’animation, la prestidigitation, les effets spéciaux, ou des récits insolites. Alors que ces outils se veulent spectaculaires ou sensationnels, ils sont ici neutralisés et traités avec banalité.

À l’inverse, des situations anodines de notre quotidien sont sabotées. L’effet à peine déguisé, nous entraîne dans un univers de clichés et de réalités étranges, où les situations de malaises créées par David Perreard interrogent notre place souvent complexe en société, en communauté, dans un groupe d’amis, ou au sein d’une famille.

D. Perreard gives his own observations of our world, in the form of micros narrations or the time of a magic trick. The power of clumsiness of amateur video allows him to combine and put heterogeneous elements, such as animation, conjuring, special effects, or unusual stories, on the same level. Conversely, trivial situations in our daily life are sabotaged. The barely disguised effect leads us into a world of clichés and strange realities, where situations of discomfort created by D. Perreard question our often complex place in society, in our community, in a group of friends, or within a family.

Julia Poplawska

Par Océane Jakubec

On est là, inerte ; témoin somnolent d’une atmosphère surréaliste, parfois irréelle. Seins anti-stress, cité fantomatique, cigarette et prière : une réalité déformée, réinterprétation de codes contemporains. Avec un ton dénonciateur de son propre état émotionnel, Julia Poplawska nous livre une analyse critique de ce qui l’entoure, ce avec quoi elle a grandi et s’est façonnée en tant que personne — femme. Entre traduction d’une réalité vécue et accusation sociétale, l’identité polonaise, dont elle est issue, est fortement présente dans sa pratique artistique. Proche d’une esthétique documentaire brute, ces vidéos et performances vidéo questionnent la précarité du travail, mal de l’humanité, qui influence nos choix, notre devenir comme individu. Tout se répond, de manière poétique et presque onirique pour montrer du doigt, entre tradition ancrée et nouvelle génération, des phénomènes culturels liés aux mouvements et à la politique de notre temps. De son temps.

Eric Ramos Guerrero

Par Wendy Gabet

Prenant source dans les banlieues californiennes, les œuvres d’Eric Ramos Guerrero portent sur le glissement de la culture, son appropriation et son expansion. Son univers dépeint une atmosphère angoissante, où végétation tropicale, espace urbain et créatures fictives à l’allure humaine se confondent. On découvre dans ses sculptures, peintures et performances un reflet de son environnement : un hymne au multiculturalisme ambiant. Dans ses dessins, l’artiste semble nous faire part d’une obsession, il ponctue d’encre noire des espaces abandonnés à la nature, marginaux, évoquant une menace. Des formes disharmonieuses en sortent, des cyclopes nous fixent. Ces derniers nous signalent par cet œil en amande — récurent dans son travail — que nous sommes ici les voyeurs, observant des scènes parfois violentes, d’autres fois pathétiques. La nature environnante, dense et séduisante, à la manière de motifs orientalistes, envahit l’espace de la feuille et laisse penser que nous n’avons pas tout vu de la scène qui se joue devant nous.

E. Ramos Guerrero’s work is rooted in the suburbs of California, and explores the appropriation and expansion of culture. Tropical vegetation, urban spaces and imaginary, man-like creatures all mingle to create a frightening, sinister atmosphere. His sculptures, paintings and performances all reflect his multicultural environment. His drawings seem to provide an insight into his own obsessions: overrun by nature, his landscapes appear marginalised and menacing. Discordant shapes begin to emerge, a cyclops watches us, his solitary eye a recurring figure in his work, reminding us that we are but voyeurs revelling in a violent, pathetic spectacles. The dense, seductive, oriental motifs engulf the page, inferring there is more going on behind the scenes than expected.

Lucien Roux

Par Julie Alvarez

Des instants figés, des fragments d’images qui tentent de modeler le temps. Comme un monteur, Lucien Roux prélève des images de films, de médias, qu’il travaille réinvestit dans sa pratique picturale. L’artiste nous propose des clichés déjà connus sans pour autant nous les révéler entièrement. Sont données à voir des séries de détails où les fragments forment des ensembles, quand ils peuvent se répondre. Lucien Roux explore la répétition photographique et les changements de point de vue comme illusion de mouvement dans lesquels la vérité reste à chercher. Le spectateur devient alors le courant qui active les œuvres. Ainsi, il redonne à l’image sa vérité et nous permet de la voir telle quelle et non plus comme on voudrait la voir. L’image avec sa perte se dévoile davantage que lorsqu’elle est entière.

Frozen moments, fragments of images that try to shape time. Like an editor, L. Roux takes images from films and media, which he then reuses in his pictorial practice. What we see are series of details where the fragments form sets, which can respond to each other. He explores photographic repetition and the changes of point of view as illusion of movement in which the truth remains to be sought. The viewer then becomes the current that activates the works. He gives back to the image its authenticity and allows us to see it as it is and not as we would like to see it. The image, with its loss, reveals itself more than when it was whole.

Emir Šehanović

Par Apolline Bauer

L’occulte et la superstition sont les fils conducteurs de la pratique d’Emir Šehanović, artiste bosniaque qui s’inspire des traditions locales et des rituels païens qui l’entourent. Il puise matériaux et motifs essentiellement dans les croyances populaires. Par exemple, le plomb tel qu’il est exploité dans les rites de guérison, s’incarne dans ses œuvres sous des formes abstraites. Les collages et assemblages que réalise l’artiste nous donnent à voir des portraits tâchés d’éléments ou d’extensions organiques, liant l’intériorité et l’extériorité de la personne.

Ses œuvres sont un jeu constant d’illusions en trois dimensions et d’allers-retours entre différents médiums. Emir Šehanović exploite aujourd’hui de nouveaux matériaux, à la fois informatiques et industriels. Toujours en lien avec ses interrogations sur ce que la science n’explique pas, ses œuvres interrogent des énigmes universelles.

E. Šehanović ’s work revolves around superstition and the occult. This Bosniac artist draws his inspiration from local traditions and pagan rituals. He chooses his materials based on popular beliefs, for example by incorporating lead, which is sometimes used in certain healing rituals, in his own abstract work. His collages and sculptures evoke stained portraits and organic extensions, blending the person’s outer appearance and inner feelings. E. Šehanović is currently experimenting with digital and industrial materials. By constantly exploring science’s unanswered questions, his work touches on certain universal mysteries.

Charles-Henry Sommelette

Par Scarlett Chaumien

Les couleurs noires, blanches et vertes sont celles qui, d’ordinaire, accompagnent le quotidien de Charles-Henry Sommelette. Ces teintes sont visibles du bord de sa fenêtre et obsèdent ses journées. Une mélodie presque silencieuse se dégage de ses paysages, peints ou dessinés. Malgré les différences de technique, ses représentations sont intrinsèquement liées. La nature est omniprésente, mais un doute plane. Cet écho bucolique délivre un message incertain, celui de notre passage. Les buissons sont taillés et les troncs d’arbres gravés, traces d’un quotidien commun. Notre corps s’esquisse dans ces projections diurnes laissant place à nos propres questionnements.

The black, white and green colours are those that usually feature in the daily life of this artist. These hues are visible from his window and occupy his days. An almost silent melody emerges from his landscapes, both painted or drawn. Despite the differences in technique, his representations are intrinsically connected. Nature is omnipresent, but there is a certain doubt present. This bucolic echo delivers an uncertain message of our passage. The bushes are cut and tree trunks carved, traces of common daily life. Our body is outlined in these diurnal projections, leaving room for us to question ourselves.

Maxime Testu

Par Bérangère Pont

Maxime Testu est tout autant un artiste des mots que des formes. Corrélant nombre d’écrits en ligne à des sculptures aux aspects hétérogènes, il est nourri d’une singularité : un vif intérêt pour de petites choses succinctes dites « lubies ». Ses récits, parsemés de références classiques du cinéma, de la littérature et de l’art contemporain, décryptent les façons dont les éléments extérieurs influent sur son monde intérieur. Il analyse des informations qu’il a lues, entendues ou vues, dans des situations de sa propre vie, et raconte comment cela fait évoluer le processus de sa perception. Ses sculptures aux aspects énigmatiques ne répondent pas au même mécanisme de création, mais évoquent tout de même cette même idée de basculement, bien que celles-ci soient d’avantage des manifestations intuitives que des questionnements.

M. Testu is as much an artist of words as of form. Correlating a number of online writings to sculptures with heterogeneous aspects, he is nourished by a singularity: a keen interest in small, succinct things called “whims”. His stories, interspersed with classic references from film, literature and contemporary art, decipher the ways in which the external elements influence his inner world. He analyses information that he has read, seen, or heard, in his own life, and recounts how it changes the process of his perception. His enigmatic sculptures are not born of the same creative mechanisms, yet all evoke the same idea of toppling, although these are more intuitive manifestations than questions.