2 octobre : Journée internationale de la non-violence

L'Ephéméride

by La Rédaction on 2 octobre 2018

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2 octobre : Journée internationale de la non-violence

Name: The Theatre of the Ballenesque
Start: 2019-11-14T10-10-30-00
End: 2020-3-14T18-18-00-00
Location: CENTRALE for contemporary art

Temps de lecture : 17 secondes

La Journée internationale de la non-violence est célébrée le 2 octobre, jour anniversaire de la naissance de Mahatma Gandhi, chef du mouvement pour l’indépendance de l’Inde et pionnier de la philosophie et de la stratégie de la non-violence.

« La non-violence est la plus grande force que l’humanité ait à sa portée. Elle est plus puissante que l’arme la plus destructive inventée par l’ingéniosité de l’homme. » – Gandhi

http://www.un.org/fr/events/nonviolenceday/

La Rédaction

9 Lives magazine vous accompagne au quotidien dans le monde de la photographie et de l'Image.

jeu14nov10 h 30 min2020sam14mar18 h 00 minThe Theatre of the BallenesqueRoger BallenCENTRALE for contemporary art, Place Sainte-Catherine 44, 1000 BruxellesType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

De novembre 2019 à mars 2020, la CENTRALE for contemporary art propose deux expositions originales et singulières : Roger Ballen – The Theatre of the Ballenesque et Correspondances, un dialogue inédit entre Ronny Delrue et Roger Ballen.

The Theatre of the Ballenesque, première exposition d’envergure à Bruxelles consacrée à Roger Ballen, rassemble des photographies, des vidéos et des installations in situ, et mêle également des interventions graphiques de l’artiste. Roger Ballen est l’un des photographes les plus importants de sa génération. D’origine américaine, il vit et travaille en Afrique du Sud depuis plus de 30 ans. Son travail a été exposé à la Tate Britain (UK), au Rijksmuseum (NL), au MoMA (New York, US) et au Museum Dr. Guislain (Gand, BE), etc.

L’exposition conçue pour la CENTRALE propose une immersion dans l’univers original de l’artiste. The Theatre of the Ballenesque invite le visiteur à un voyage, de sorte à pleinement pouvoir vivre l’expérience de toute la richesse et de la densité de ce travail complexe, explorant les méandres de l’esprit humain. Diplômé en psychologie, puis en géologie, c’est finalement par le biais de la photographie que Roger Ballen a décidé de descendre dans les profondeurs de l’être. Ce qui en refait surface sont les composants qui, sous la main impulsive et l’œil méthodique de l’artiste, deviennent les éléments d’un vaste théâtre de l’absurde : le Ballenesque.

Cette exploration de l’inconscient est aussi à l’origine de l’exposition Correspondances dans laquelle l’artiste belge Ronny Delrue présente ses photographies, en dialogue avec celles de Roger Ballen, rehaussées de ses dessins et des photomontages des deux artistes.

Les deux projets à la CENTRALE s’accompagnent de collaborations inédites avec des institutions belges majeures : l’Ancienne Belgique et le S.M.A.K. (Gand).

Dans le cadre des quarante ans de la salle de concert de l’Ancienne Belgique se tiendra ainsi le concert du groupe sud-africain de renommée internationale Die Antwoord, avec qui Roger Ballen collabore régulièrement, entre autres pour le vidéoclip I fink U freeky, visionné des millions de fois sur le net. Roger Ballen intervient artistiquement sur la performance du 25 novembre 2019 de Die Antwoord à l’AB.

L’exposition Correspondances de Ronny Delrue, présentée en parallèle au S.M.A.K., comporte également des collaborations avec Roger Ballen.

Dates

Novembre 14 (Jeudi) 10 h 30 min - Mars 14 (Samedi) 18 h 00 min

Lieu

CENTRALE for contemporary art

Place Sainte-Catherine 44, 1000 Bruxelles

Calendrier GoogleCal

sam08fev(fev 8)15 h 00 minjeu26mar(mar 26)19 h 00 minLe chant de la lumièreGilles Roudière Galerie Confluence, 45 rue de Richebourg 44000 NantesType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

A la fin des années 1950 aux Etats-Unis est née une nouvelle attitude en photographie, qu’on a pris pour habitude de relier au mouvement littéraire du « stream of consciousness » (le « flux de conscience ») et à la beat generation. Deux photographes majeurs, William Klein et Robert Frank, ont porté, de manière assez distincte, cette approche marquée par un rapport différent à l’appareil photographique (démarche de prise de vue gestuelle et spontanée, décadrages, diagonales, absence apparente de visée…), à la matière des photographies (souvent granuleuse ou floue) et à un récit photographique devenu le résultat subjectif d’une errance sans destination.
C’est clairement à cette lignée photographique qu’appartient Gilles Roudière, dont la présente exposition regroupe des images issues de deux séries, l’une réalisée à Istanbul (et intitulée initialement Sous de noirs soleils), l’autre au cours de plusieurs voyages à Cuba, nommée Trova. Il est frappant de constater que ces deux ensembles peuvent se rattacher chacun à l’une des deux approches photographiques initiées par William Klein et Robert Frank dans leurs travaux des années 1950. Avec la série sur Istanbul, c’est comme dans le travail de Klein à New York l’énergie et la puissance graphique qui dominent, la ville étant le lieu où la solitude du photographe se confronte à la multiplicité du visible et à la vie comme expérience collective. La ville est ici un espace brutal de collision des formes, des ombres et des lumières, un dédale de sensations et de rencontres où rêve et réalité se mêlent inextricablement. Ce sont la granulosité de la matière et les forts contrastes qui marquent ces images à la géométrie violente, où la vision du photographe semble aimantée par des entrées fracassantes de clarté et des ombres profondes. Leur captation donne forme à ce qui se rend subitement visible pour un instant, afin, comme le disait Garry Winogrand pour résumer sa propre pratique photographique, de « décrire le chaos de la vie ».
La série de photographies consacrée à Cuba nous fait quitter l’espace unique de la ville et nous entraîne dans une dérive à travers l’île. Elle s’approche davantage de la démarche de road trip qui conduira Robert Frank à la réalisation de son livre The Americans (1958). On n’est plus ici dans une transcription du désordre urbain, mais dans la mélancolie d’un voyage où s’évanouissent les images préconçues de Cuba, de sa culture et de son histoire. Les détails architecturaux, les objets, les silhouettes humaines ou animales, les ciels chargés et les paysages ouverts construisent un espace avant tout mental où dominent les nuances de gris. La photographie se fait ici atmosphérique et intériorisée, proche d’un journal intime reflétant la météorologie affective du photographe. Les variations de lumière et d’ombre traduisent son expérience subjective et solitaire, ses intuitions et son désir de connaître le visible tel qu’il se donne dans le temps.
Une telle expérience photographique conduit à quitter le plus souvent l’idée d’ « instant décisif » et à travailler sur les temps faibles, les espaces intersticiels. Gilles Roudière veut restituer le mouvement de la vie dans son obscure confusion comme dans sa beauté irradiante. Son désir de lumière se mêle à une mélancolie de l’ombre qui souligne sa recherche et lui donne sa profondeur. C’est peut-être cette tonalité particulière qui le rapproche des photographes japonais qui lui sont chers. Comme le disait Nobuyoshi Araki à propos des photographies de Daido Moriyama réalisées dans les années 1970 : « Dans ces photographies, la lumière filtre à travers l’obscurité, se métamorphosant en une nuance de gris 1». Une telle remarque n’est bien sûr pas uniquement esthétique : elle traduit un rapport au monde fait d’inquiétude et de quête permanente, d’illuminations et d’obscurité, car « chaque journée est un voyage du corps et de l’esprit à travers un labyrinthe » (Daido Moriyama 2).
Gilles Roudière est par essence un photographe voyageur. Ce qui signifie qu’il va chercher ses sujets hors de son domaine de connaissance et d’habitude, là où le visible peut venir le frapper dans toute sa dimension poétique, ainsi que dans l’expérience du haïku, poème japonais qui est « saisie de la chose comme événement et non comme substance » (Roland Barthes 3). L’espace photographique est cette dimension qui s’identifie aux événements et nous introduit à une esthétique du temps. Les formes n’y existent que sous l’angle de leur surgissement temporel et parallèlement le temps s’y concrétise en flou et netteté, trouées de lumière et obscurcissements. Dans l’esthétique japonaise que partage Gilles Roudière, l’image est intérieure et mentale avant d’être une imitation. Il s’agit dès lors de donner forme à cette image tout en lui gardant son caractère d’événement, sa perméabilité au temps.
Gilles Roudière a choisi le titre Trova pour sa série de photographies de Cuba. Ce mot fait référence aux trovadores cubains des XIXème et XXème siècles, poètes, compositeurs et chanteurs autodidactes qui s’en allaient parfois de ville en ville pour partager leurs chansons, et au genre musical qu’ils ont popularisé, fait de simplicité et de nostalgie. Il évoque aussi le vagabondage du photographe à la recherche de ses visions dans le labyrinthe du temps et de l’espace. La lumière est pour lui l’instrument de ce chant qui pourra dire l’extase et la douleur de vivre. Composées en noir et blanc comme les notes sur une portée, ses images sont faites de rythmes, de respirations, d’éclats et de silences. Le chant de la lumière est la poésie du monde visible.
Bruno NOURRY

1 Entretien avec Daido Moriyama dans Daido Moriyama, Fondation Cartier et Actes Sud, 2003.
2 Postface à Labyrinth, Aperture, 2012.
3 L’Empire des signes, Skira – Flammarion, 1970.

Dates

Février 8 (Samedi) 15 h 00 min - Mars 26 (Jeudi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Confluence

45 rue de Richebourg 44000 Nantes

Galerie Confluence45 rue de Richebourg 44000 NantesOuvert du mercredi au samedi, de 15H à 19H et sur RDV

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sam29fev(fev 29)14 h 00 mindim10mai(mai 10)18 h 00 minHinterlandYohann Gozard et HipkissCentre d’art et de photographie de Lectoure, Maison de Saint-Louis, 8 cours Gambetta, 32700 LectoureType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

L’exposition de printemps 2020 réunit le photographe Yohann Gozard et le duo Hipkiss qui utilise principalement le dessin. Les situations, les lieux de l’entre-deux sont souvent considérés comme dénués d’intérêt en raison de l’impression de vide qui leur est associée : le fait de n’être ni l’un, ni l’autre, mais quelque chose entre l’un et l’autre. L’entre-deux se présente sous les traits du fouillis, de l’ambiguïté, de l’incertitude. Comment voyons-nous ? Que voyons-nous ? Quel partage entre fiction et réalité ? L’art transforme-t-il notre conscience du réel ?

Entre ville et campagne, entre jour et nuit, entre nature et artifice, les artistes invités pour l’exposition Hinterland s’intéressent, à travers des médiums et des pratiques assez éloignés, à ces lieux de l’entre-deux. Dans leur travail, ces lieux apparaissent comme des espaces libérés, transformés, imprévisibles et captivants, des lieux de l’errance en suspension, des visions à la fois irréelles et naturelles. Chacun à leur manière, les artistes proposent de nouveaux modes de perception de l’espace et du temps.

Yohann Gozard est né en 1977 et vit actuellement à Sète. Après un cursus en arts appliqués, il travaille comme sculpteur. Peu à peu, la photographie devient son médium privilégié. On retrouve dans ses images des lieux, entre ville et campagne ; les périphéries, les lisières territoriales, les zones limitrophes que l’on appelle souvent « non-lieux » ou encore « envers du décor », selon le point de vue. Il est fasciné par la nuit et réalise principalement des prises de vue nocturnes en poses longues. Il y a dans ses images une picturalité surprenante émanant d’un travail de maturation de l’image en atelier, une image comme façonnée, strate après strate.

Hipkiss est le pseudonyme du duo d’artistes Alpha et Christopher Mason, nés en 1964 et qui partagent leur vie et leur vision depuis 1983. D’origine britannique, ils vivent et travaillent en France depuis 2001 et se sont installés dans le Gers en 2006. Leur démarche participe d’un véritable projet de vie dédié au dessin. Ils inventent de nouvelles techniques utilisant la mine de plomb mélangée à d’autres médias (encre, métaux). à l’importance accordée aux détails s’ajoute la répétition esthétique des motifs et figures. Ils trouvent leur inspiration dans les paysages quotidiens, les environnements industriels et leur architecture, les frontières, les limites entre zones urbaines et zones de campagne.

Dates

Février 29 (Samedi) 14 h 00 min - Mai 10 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Centre d’art et de photographie de Lectoure

Maison de Saint-Louis, 8 cours Gambetta, 32700 Lectoure

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mer29jan(jan 29)12 h 00 minsam07mar(mar 7)19 h 00 minVintagesStephen Shames Galerie Esther Woerdehoff, 36 rue Falguière, 75015 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Pour cette première exposition de l’année, la galerie Esther Woerdehoff est fière de présenter des tirages vintages de Stephen Shames, grand photographe documentaire américain né en 1947.
Les jeunes que Stephen Shames photographie à la fin des années 70, dans le meilleur de la tradition photographique documentaire américaine sont nés pauvres en Amérique, abandonnés par les adultes et les institutions, en proie à la violence de la société. Stephen Shames devient leur porte parole. Par ses photographies et leur diffusion, en particulier sous forme de livres au propos engagé, il insiste sur l’idée que c’est la pauvreté qui est à l’origine de l’ensemble des problèmes sociaux et des comportements criminels.
Projetés dans l’âge adulte, sans protection, les très jeunes gens que Shames photographie en témoignent, sans pathos ni mise en scène. L’engagement social et politique du photographe, qui commence sa carrière dans les années 60 comme chroniqueur du Black Panther Party, s’affirme dans ces reportages, souvent réalisés sur plusieurs années. Le photographe vit à leur côté et enregistre la densité dramatique de leur quotidien, dans des photographies noir et blanc pleines d’émotion et de force brute.

Dates

Janvier 29 (Mercredi) 12 h 00 min - Mars 7 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Esther Woerdehoff

36 rue Falguière, 75015 Paris

Galerie Esther Woerdehoff36 rue Falguière, 75015 ParisOuvert du mercredi au samedi, de 12h à 19h

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sam29fev(fev 29)14 h 00 minven10avr(avr 10)19 h 00 minTeatri / PhotopastelsPatrizia MussaGalerie XII, 14 rue des Jardins Saint-Paul 75004 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Galerie XII Paris a le plaisir d’annoncer la première exposition personnelle de Patrizia Mussa à Paris, du 29 février au 10 avril 2020.
Depuis plusieurs années, Patrizia Mussa a entrepris un travail photographique de mémoire sur les théâtres implantés dans les villes d’Italie. Elle rehausse ses tirages au pastel, à la main, ce qui leur confère une poésie unique.

Après les photographies du Yémen exposées dans le cadre de la Troisième Biennale des photographes du monde arabe contemporain en 2019, Patrizia Mussa est de retour à la Galerie avec Teatri / Photopastels.
L’artiste photographie les théâtres de son pays, qu’elle ne considère pas seulement comme des lieux historiques. Elle les pense comme des «formes ouvertes», des espaces architecturaux transformés par le temps. Patrizia Mussa veut capturer l’essence même de ces lieux.
Depuis 2016, son travail dépasse la simple photographie. Elle utilise le pastel pour venir rehausser ses tirages à la main, de manière très subtile. Ainsi réinterprétées en photopastels, comme elle les nomme, ses images vont au-delà de la réalité. L’artiste en propose une lecture personnelle et revisitée, donnant sa propre définition du théâtre. Car le théâtre est aussi un lieu de l’imaginaire où le rêve et la poésie cohabitent et les couleurs lui permettent de le l’imaginer comme elle souhaiterait qu’il ait été, qu’il soit, et qu’il reste.

La série intitulée “The Time Lapse” de Patrizia Mussa, bien qu’étant photographie, nous transporte au-delà de la photographie. Sous l’action de sa main de peintre, par un traitement effectué avec pastels et aquarelles, ses photographies s’émancipent de leur nature mécanique, devenant des corps hybrides, dont l’essence imperceptible se situe à la limite de ce seuil qui sépare, comme le veut Walter Benjamin, l’oeuvre dotée d’une propre aura de l’oeuvre mécanisée et pouvant être répétée telle quelle à l’infini.
Chaque déclic des théâtres de Mussa s’avère une question qui interroge notre oeil, une énigme linguistique qui, même après avoir été dévoilée (elle peut vous indiquer où elle a opéré, avec la couleur et avec la main) ne perd rien de son caractère « auratique » particulier. Pouvoir de la peinture, force dés-objectivante d’une photographie qui ne se replie pas sur elle-même mais va au-delà, à la recherche d’un rapport profitable avec la peinture.
Par leur caractère unique absolu, chaque photographie est d’abord imprimée selon les modalités les plus adaptées à mettre en relief les qualités de chaque image et peinte ensuite de façon presque imperceptible mais significative afin de transformer la photographie d’une réalité donnée en une vision subtilement onirique, humblement grandiose et en mesure d’exalter avec fort pouvoir d’éloignement la vérité de lieux qui sont comme des oasis de l’imaginaire collectif de notre civilisation et qui nous parviennent, plus ou moins intacts, pour contribuer à la constitution de notre ADN culturel.
Dans cette série, Patrizia Mussa crée un portrait très personnel de lieux qui ont marqué l’histoire de l’architecture et de la culture : théâtres nés dans des prisons et commandités par les Académies émergentes de la Renaissance pour enseigner les nouvelles sciences ; théâtres voulus par des ducs pour célébrer selon un faste baroque la visite d’autres souverains, théâtres nés en tant que lieux éphémères ayant servi au cours des siècles tapour quelques représentations et jamais démantelés (heureuse inétertie de l’Histoire !) ; théâtres apparus dans le sillage des anciennes études de Vitruve, débordant de statues de dieux disparus et de nouvelles muses.
L’exposition, organisée par la Galerie XII Paris, présente une sélection d’oeuvres dont certaines inédites, réalisées entre 2018 et 2019, qui représentent : le Théâtre Farnese de Parme, le Théâtre Olympico de Vicenza, le Théâtre à l’Antica de Sabbioneta, le Théâtre Regio de Parme et le Théâtre Scientifico de Mantoue.
Pour les narrer, Patrizia Mussa emploie un langage photographique qui semble, au premier abord, de nature objectivante se caractérisant à la fois par une lumière naturelle, une vision frontale, une mise à feu totale, l’attention pour l’aspect particulier, la présence de détails, le tout s’insérant dans une « narration » calibrée, rationnelle, cristalline, omnisciente, omniprésente, omnivore, mais aussi harmonique, séraphique, claire, lumineuse et nette. Toutefois tout ceci ne vaut exclusivement que pour la photographie qui sous-tend l’image finale et sert de support à un élan de vision en mesure de récupérer le sens d’une unicité qui semblait destinée à périr sous les coups portés par le moyen de reproduction mécanique de l’oeuvre d’art. La photographie est donc la base ( si l’on veut, déjà autonome) sur laquelle P. Mussa édifie une vision qui est guidée et veut exalter ultérieurement le caractère plastique du lieu. Si la photographie révèle une certaine réalité, l’intervention picturale la relit et la redécouvre par le biais d’une opération de « maquillage » soutenu qui, rappelant les pratiques à l’aniline de l’époque du noir et blanc, transforme l’oeuvre en une véritable image mentale, une projection idéalisante et idéalisée de ce que pourrait et devrait être le lieu “théâtre”. Un lieu qui, durant des millénaires, a abrité non seulement la représentation du monde des humains mais aussi celui des dieux. Les histoires, qui s’y sont déroulées et qui ont traversé des générations, ont innervé d’idéaux et de mythes le système nerveux que nous partageons, nourrissant un rituel d’ “effet de reflet” qui, avec le rituel religieux, représente sans doute le Leitmotiv d’une histoire qui se répète au cours des diverses sédimentations des époques.
A ces corps débordant d’histoires du passé et dans l’attente de futures histoires, Mussa consacre une série photographique qui va au-delà de toute idée de « série » et de « photographie ». En réalité, il s’agit de portraits uniques et personnels de lieux abordés comme s’il s’agissait de visages de personnes possédant une âme, dotées d’une psychologie à facettes multiples et d’une histoire vécue qu’il nous incombe, à travers les oeuvres de Patrizia Mussa, de redécouvrir, d’étudier de nouveau et de faire revivre.
Par Nicola Davide Angerame

Dates

Février 29 (Samedi) 14 h 00 min - Avril 10 (Vendredi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie XII

14 rue des Jardins Saint-Paul 75004 Paris

Galerie XII14 rue des Jardins Saint-Paul 75004 ParisLa galerie est ouverte du mardi au vendredi de 14 h à 19 h, le samedi de 12h à 19h, et sur rendez-vous. Fermeture en Août

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