Name: L’expérience photographique
Start: 2019-1-26T10-10-00-00
End: 2019-5-12T18-18-00-00
Location: Le Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles

musique

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sam26jan(jan 26)10 h 00 mindim12mai(mai 12)18 h 00 minL’expérience photographiqueJacques MeurisLe Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles, 11 Avenue Paul Pastur, 6032 Mont-sur-Marchienne, BelgiqueType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Lorsque l’on évoque le nom de Jacques Meuris, c’est spontanément à l’homme de lettres que l’on songe, plutôt qu’au photographe ou au théoricien. Figure atypique dans la sphère culturelle belge de l’après-guerre, il est l’auteur de nombreux textes tant littéraires que poétiques ou critiques. C’est aux côtés de l’artiste Marc Mendelson que l’auteur d’Elpénor, la Méditérrannée développe, dès les années 1950, un intérêt pour la photographie. L’expérience photographique de Jacques Meuris donne lieu à une œuvre conséquente (sans pour autant être abondante), perméable aux influences et aux idées de son temps et notamment, de façon durable, à l’énergie nouvelle dégagée par le surréalisme. Il se lie d’amitié avec de nombreux artistes qui vont considérablement influencer son regard ; on retrouve par exemple dans ses premières images la composition rigoureuse des peintures de Gaston Bertrand, tandis que son éloignement progressif de la pho- tographie figurative au profit d’images plus abstraites semble devoir beaucoup à l’amitié de Serge Vandercam. S’essayant à différents styles, Meuris s’oriente dans les années 1960 vers une esthétique proche de celle d’Aaron Siskind ; il interroge également la relation texte-image, plaçant le mot au cœur de ses photographies, ou encore s’intéressant à la couleur au moment où Stephen Shore et William Eggleston exposent pour la première fois au MoMA, en 1976-1977. Cette variété d’écritures et d’approches est pour Meuris l’occasion d’expérimenter le médium mais aussi de le questionner. En un peu plus de trente ans de carrière photographique, Meuris exposera à maintes reprises à Bruxelles et à l’étranger — nombreuses expositions avec le groupe Photo-graphie, dont il est membre aux côtés notamment d’Yves Auquier et Hubert Grooteclaes ; participation à la XIVe Biennale de São Paulo, au Brésil, en 1977… Meuris écrit en outre de nombreux articles critiques à propos de la photographie et finit par publier un ouvrage théorique plus construit et conséquent, Le Photographe et ses modèles, en 1983.
À la mort de Jacques Meuris, en 1993 — après une dernière exposi- tion présentée à l’Espace photographique Contretype à Bruxelles en 1989 —, son épouse Fernande Duchateau fait don d’une part de toute sa production et des tirages au Musée de la Photographie à Charleroi ; d’autre part, elle lègue les archives littéraires de Meuris mais également l’ensemble de ses négatifs aux Archives et Musée de la Littérature de Bruxelles (AML).
L’étude de ces négatifs, réalisée en collaboration avec le photographe Marc Trivier, permet de mieux cerner le cheminement de la pensée pho- tographique de Meuris, mais également la diversité de ses démarches et de ses recherches.
L’exposition présente les images plus connues ou attendues de Jacques Meuris, mais elle fait également la part belle à une sélection de sé- quences puisées au sein de ses planches-contacts.

Dates

Janvier 26 (Samedi) 10 h 00 min - Mai 12 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Le Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles

11 Avenue Paul Pastur, 6032 Mont-sur-Marchienne, Belgique

Le Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles11 Avenue Paul Pastur, 6032 Mont-sur-Marchienne, BelgiqueLe musée est ouvert du mardi au dimanche, de 10h à 18h

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sam09fev(fev 9)14 h 00 minsam11mai(mai 11)19 h 00 minSCIENCE fictionsCentre photographique Rouen Normandie, 15, rue de la Chaîne 76000 RouenType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

L’époque est celle des développements technologiques, de ceux qui accroissent le potentiel de nouvelles découvertes. Elle est aussi celle de la résurgence des obscurantismes et d’une pensée accréditant les « alternative facts ». À la paresse et à la peur, le scientifique, comme le photographe, oppose un objectif : comprendre et éprouver les réalités du monde et tenter de les représenter. L’exposition SCIENCE fictions explore le phénomène d’attractions exercé par la science sur la création photographique contemporaine.

Rapidement considérée selon la formule de l’astronome Jules Janssen comme la « rétine du savant », la photographie, elle-même fruit de la science, devient l’outil de prédilection de la méthode scientifique, supplantant définitivement à la fin du XIXe siècle l’illustration. Dès les années 1920, envisagée sous le prisme surréaliste, la photographie scientifique jusqu’alors jugée impartiale et irréprochable va révéler son aura poétique. Si l’attraction des arts et parmi eux de la photographie pour la science n’est pas nouvelle, elle connaît ces dernières années un nouvel essor. L’exposition retient quelques-uns des travaux les plus récents sur le sujet, de l’approche documentaire et son potentiel poétique à l’exploration fictionnelle franche. Elle met au jour le parallèle entre la figure du scientifique, confronté à la nécessité de représenter ses objets d’étude au travers d’expérimentations en laboratoire, et celle du photographe, cherchant à faire image. Chacun de ces travaux singuliers vient rappeler l’existence de l’insondable mystère de notre présence au monde et notre persévérance à vouloir le déchiffrer. La création artistique rejoint là la recherche scientifique, posant comme un principe fondamental la liberté de chercher, le désir de comprendre.

Avec les oeuvres de : Berenice Abbott, Mustapha Azeroual, David Fathi, Robert Frank, Marina Gadonneix, Jos Jansen, Jan Köchermann, Sara Naïm, Nicolas Polli, Brea Souders, Patrick Tosani

Remerciements aux galeries Binôme (Paris), Les Douches (Paris), Christophe Gaillard (Paris), Howard Greenberg (New York), Mathias Güntner (Hambourg), Fabienne Leclerc – IN SITU (Paris), au Museum of Fine Arts (Houston) ainsi qu’au centre de recherche Deutsches Elektronen-Synchrotron (DESY, Hambourg).

Avec le soutien de Pro Helvetia.

Dates

Février 9 (Samedi) 14 h 00 min - Mai 11 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Centre photographique Rouen Normandie

15, rue de la Chaîne 76000 Rouen

Centre photographique Rouen Normandie15, rue de la Chaîne 76000 RouenOuvert du mardi au samedi de 14h à 19h sauf jours fériés

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lun21jan(jan 21)11 h 00 minmer26jui(jui 26)19 h 00 minAzzedine Alaïa - Collectionneur - Adrian & Alaia - L'art Du TailleurGalerie Azzedine Alaïa, 18 rue de la Verrerie 75004 ParisType d'événement:Exposition

Détail de l'événement

Une exposition inédite, conçue par l’Association Azzedine Alaïa, réunit deux grands noms qui ont modifié l’histoire de la mode : Gilbert Adrian et Azzedine Alaïa.

Pour la première fois les modèles d’Azzedine Alaïa conversent avec ceux de Gilbert Adrian. Couturier américain mythique, Adrian est représenté en nombre important dans les collections patrimoniales que Monsieur Alaïa a constituées avec minutie et respect de l’histoire.

Organisée par l’Association Azzedine Alaïa sous la direction d’Olivier Saillard, cette exposition montre comment le goût pour l’élégance intemporelle, la quête d’un style avant celle de la mode, l’exigence de la coupe, peuvent se transmettre entre deux grands couturiers que les décennies et les continents séparent.

A travers le prisme des tailleurs dont tous deux partagent l’excellence, l’exposition montre à quel point la conception et la construction des vestes unissaient ces deux grands de la mode.

Les choix des tissus, la recherche des formes, la finesse des détails sont des traits d’union entre eux.

Dans les modèles de l’un, on peut lire le secret héritage de l’autre, de la main d’un maître à celle de l’autre comme seuls les plus talentueux et les plus exigeants peuvent le faire.

Présentés sous la forme d’un dialogue entre les vêtements créés au cours de leurs carrières respectives, deux grands couturiers partagent un discours unique sur le tissu et la coupe.

Gilbert Adrian, plus simplement connu comme Adrian tout au long de sa carrière, était le directeur des costumes à la MGM à Hollywood pendant “l’âge d’or” du cinéma des années 1930. Son travail devint synonyme du glamour hollywoodien sur grand écran. Le talent d’Adrian variait, de la garde-robe de femme fatale de Jean Harlow dans “Les invités de 8 heures”, aux costumes du “Magicien d’Oz”, ou encore à l’incroyable garde-robe de toutes les actrices du film “Femmes” en 1939.

Ses créations étaient si recherchées que dans les années 1940, Adrian quitta Hollywood pour fonder sa maison de couture à New-York, où ses tailleurs structurés, portés par Katherine Hepburn, Greta Garbo et Joan Crawford, seront précurseurs de la mode américaine des années 1940 et 1950.

Arrivé à Paris dans les années 1960 et malgré des moyens financiers modestes dus à son jeune âge, Azzedine Alaïa avait toujours l’œil pour dénicher les pièces rares. Il commença à collectionner des objets d’art, de design et de mode tout en créant ses collections.

Alors qu’il avait à peine vingt ans, il acheta dans un petit magasin une exceptionnelle statuette ancienne représentant une tête copte. C’est seulement plus tard qu’il découvrit que cette statuette avait appartenu à la comtesse de Greffulhe, qui inspira à Marcel Proust l’héroïne de la Duchesse de Guermantes. Ce talisman l’accompagna toute sa vie.

À la fermeture de la prestigieuse Maison de Cristobal Balenciaga en 1968, Alaïa recueillit des chefs-d’œuvre de coupe qu’il ne pouvait supporter de voir disparaître. Il en reçut une véritable responsabilité d’ordre patrimonial et c’est ainsi qu’il commença sa collection de pièces de grands noms de la mode, passés ou récents.

Il fut en outre le premier à collectionner les pièces du designer Jean Prouvé.

Alaïa deviendra également un collectionneur majeur, si ce n’est le plus important, du travail d’Adrian, peu représenté dans les musées français. La collection constituée par Alaïa, de plus de 150 pièces, est une représentation fidèle de toutes les facettes du couturier hollywoodien.

Créateur de costumes et couturier, Adrian était admiré par Azzedine Alaïa pour ses constructions techniques sophistiquées, l’esprit de ses créations influencées par la haute couture parisienne, les détails, la coupe, et sa façon de travailler le tissu et de le courber selon son imaginaire fertile.

Mais c’est le “Power suit” des années 1940, aux larges épaules et cintré à la taille, pionnier de la révolution des garde-robes des femmes, qui a le plus impressionné le jeune Alaïa. Depuis sa Tunisie natale dans les années 1950, il admirait l’élégance, la force et l’invulnérabilité des femmes parisiennes. L’esthétique Alaïa deviendra plus puissante à partir de cette mémoire. L’art de la sculpture et du modelé, qu’il avait étudié à l’école des Beaux-Arts de Tunis, va contribuer à forger son style personnel.

En 1979, alors qu’il se trouvait dans son atelier de la rue de Bellechasse, une de ses fidèles clientes couture, la baronne Cécile de Rothschild, se présenta avec une amie proche, Greta Garbo. Ce fut une rencontre décisive dans la vie d’Azzedine Alaïa. La recluse Greta Garbo, qui avait porté les costumes d’Adrian dans les années 1940, à la scène comme à la ville, demanda à Alaïa de lui créer un pantalon et un manteau de coupe ample et masculine en cachemire bleu marine. Alaïa parlait souvent de cette rencontre en ces termes : « une femme belle et puissante en chaussures plates ». Il y a quelques années, il put racheter aux enchères le manteau qu’il lui avait confectionné, lors d’une vente célèbre qui suivit la disparition de la Divine.

Partageant de nombreuses affinités avec Adrian dans l’exécution des ses modèles ainsi que dans l’obsession pour la technique au service de l’art de la couture, Azzedine Alaïa passait des nuits entières sur la même veste noire sans jamais être satisfait, à la recherche de la perfection. Formé à la sculpture, il devint le maître de la coupe et de la silhouette, véritable architecte des corps à partir des années 1980.

La collection des maîtres de la Couture assemblée et réunie par Azzedine Alaïa tout au long de sa vie représente l’un des départements les plus importants des archives de l’Association Azzedine Alaïa, aux côtés de ses collections en nom propre.

Cette exposition est une sélection rigoureuse du travail de Gilbert Adrian, amplement collectionné au fil des ans par Azzedine Alaïa. Tous les modèles choisis et voulus par Monsieur Alaïa témoignent de la passion unique et de l’amour qu’il nourrissait pour l’histoire de la mode.

Parallèlement à l’exposition, deux films seront projetés et mettront en lumière les talents d’Adrian et d’Alaïa : “Les femmes”, 1939 – avec les stars Norma Shearer, Joan Crawford, Rosalind Russell, Joan Fontaine, Paulette Goddard, et de nombreuses figurantes habillées par Adrian.
“Dangereusement vôtre”, 1985 – un James Bond, pour lequel Azzedine Alaïa a réalisé les costumes de Grace Jones, qui joue le personnage de May Day

Dates

Janvier 21 (Lundi) 11 h 00 min - Juin 26 (Mercredi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Azzedine Alaïa

18 rue de la Verrerie 75004 Paris

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ven15fev(fev 15)12 h 00 mindim31mar(mar 31)21 h 00 minA day in the museumGérard UferasMAMM - Multimedia Art Museum Moscow, Ulitsa Ostozhenka, 16, Moskva, Russie, 119034Type d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

« Quel plus bel objet pour un photographe comme Gérard Uferas que l’expérience du musée ! C’est en effet non seulement celle des images, mais celle d’une pratique – la visite au Musée – dotée, aux yeux du public du monde entier, d’une des plus hautes valeurs démocratiques. Après le temps des collections constituées pour les seuls résidents des palais, l’invention du musée a en effet permis à la foule d’accéder à son tour à la contemplation des œuvres. Car il y eut des siècles où l’on vivait avec les œuvres. Nous appartenons à un temps où, faute de vivre avec, nous allons les voir, leur rendre visite et les adorer, au rythme d’un office sans prêtre ni pasteur, célébré dans cet endroit spécialisé, si curieux puisqu’on n’y fait apparemment rien d’autre que regarder et satisfaire ainsi le désir de voir porté à son point d’intensité maximale. Parfois jusqu’à n’être plus en mesure de voir quoi que ce soit, à l’image de ces millions de touristes aux yeux fatigués qui se sont usés les pupilles à « faire », comme ils disent, le Louvre ou l’Ermitage ! C’est ce peuple de pèlerins de l’art dont témoignent les photos de Gérard Uferas, enregistrant les postures, les émotions, les situations – et parfois les plus cocasses.

Comment regardons-nous ? Comment nous tenons-nous face aux images présentées dans les musées ? Qu’y voyons-nous vraiment ? C’est à ces questions qu’en artiste, Gérard Uferas tente d’apporter des réponses en enquêtant ainsi sur ce phénomène mondial. Car ce qui se passe face aux œuvres dans un regard est chose complexe. Toute œuvre est faite deux fois, comme le disait Marcel Duchamp, l’artiste des ready-made : la première par son “créateur” et la seconde par son « regardeur». Car c’est par le regard au musée que les œuvres prennent sens et qu’elles changent de statut. En 1913, le célèbre urinoir de Duchamp, objet industriel banal, se transforme ainsi par le seul fait d’être exposé au regard dans le musée. Il n’est plus cet objet trivial mais une “fontaine”, œuvre poétique et plastique, digne d’être rangée dans la longue histoire de l’art. C’est aussi par le regard que la « déposition du christ » de Rubens, installée dans la cathédrale d’Anvers en Belgique, devient en 1794 aux yeux des révolutionnaires français athées auxquels on la propose pour le tout nouveau Louvre, non plus l’image d’un Dieu triomphant de la mort, mais celle d’un homme vaincu, atrocement torturé. Question de regard toujours !

Gérard Uferas a donc traqué notre regard d’hommes d’aujourd’hui. Ce regard, plein de dévotion, a changé même s’il n’a pas totalement oublié d’où il vient – regard de l’amateur, mais aussi du collectionneur, du prince, du bourgeois, ou du fidèle. Gérard Uferas documente en effet ce peuple de “regardeurs” comme le feraient un anthropologue, un sociologue, ou un philosophe. Pourquoi donc cette multitude entre-t-elle dans les salles d’exposition ? Que vient-elle donc chercher dans cette moderne caverne aux images ? La même chose que ses ancêtres venaient chercher dans les grottes ornées d’art pariétal ? Gérard Uferas raconte ainsi des histoires à travers ces individus, croqués sur le vif – des couples qui s’embrassent, des enfants qui jouent au milieu des monstres, des hommes en groupes qui écoutent -. On sourit. On s’émeut. Mais cette profondeur temporelle qu’il donne à son travail lui permet de dépasser l’anecdote et offre à chacun l’occasion de penser, en miroir, son propre rapport à l’art.

Le photographe est aussi sociologue quand il fait voir et comprendre le musée comme le lieu convergent de pratiques multiples. Quelles soient touristiques, pédagogiques, académiques même ou artistiques – ainsi des « copistes » qu’il saisit au passage et qui semblent nous rappeler qu’à l’origine les musées étaient essentiellement fréquentés par des apprentis artistes. Mais – et c’est ce qui apparaît avec force dans le travail – entre les visiteurs et les œuvres, s’est introduit une nouvelle catégorie d’intermédiaires, les médiateurs. Ils sont de plus en plus nombreux, de plus en plus divers. Des guides, des conférenciers, des artistes même qui expliquent, commentent, ou même performent (comme ces musiciens ou ces danseurs qui virevoltent devant les toiles de Sean Scully). Les photographies consignent ainsi toutes sortes de médiations, nécessaires pour construire les accès à ce que les sociologues de l’école française – autour de Pierre Bourdieu – ont appelé dans les années 60, le « capital culturel ». Dans un musée plus que partout ailleurs des lignes de partages se dessinent en effet entre ceux qui ont été acclimatés par héritage familial à comprendre et à goûter les œuvres et ceux qui ont été privés, faute d’hériter, de cette familiarité. Aussi les clichés d’Uferas font-ils une place à ces nouveaux pasteurs, qui intriguent comme ce guide au Louvre mimant le geste d’un archer représenté sur un tableau, ou qui inquiètent comme cette conférencière pointant d’un doigt autoritaire ce qu’il faut regarder…Il agit enfin en philosophe, en interrogeant nos manières de nous approprier les œuvres et qui conduisent parfois à regarder sans voir. Innombrables en effet sont les visiteurs qui ne voient plus l’original qu’à travers la copie ou le filtre qu’offre l’écran de leur smartphone ! Quand il s’agit encore pour eux de capter l’œuvre. Car dans l’universelle pulsion de selfisation qui s’est emparé du monde, c’est « moi » devant la Joconde, « moi » devant un Rodin ou un Matisse qui l’emporte !

Tout cela, l’œil affûté de Gérard Uferas le fait voir, sentir, comprendre. Avec tendresse mais aussi avec une ironie et un humour qui trahit la filiation avec Eliot Erwitt, grand catalogueur des ridicules et des curiosités de l’espèce humaine. Gérard Uferas construit ainsi une œuvre photographique profonde sans être sévère, joyeuse sans être légère. Mais ce travail n’aurait pas ni la même clarté ni la même force s’il n’était d’abord une œuvre en elle-même. Car Uferas ne tient pas un discours, ne propose pas de théorie, ne défend pas de thèse. Il voit. Il regarde. Au sens fort du terme : il garde deux fois ce qui apparaît sous ses yeux. Une fois pour l’enregistrer et le documenter. Une fois pour le méditer. Le sens de la composition, le génie du cadre, l’opportunisme de l’instant, l’amour de la lumière et des lignes, l’usage parcimonieux de la couleur parfois, créent ainsi des images dignes d’aller au musée, pour être offerte à notre infini désir de voir et de savoir. Comme cette riche composition où, face à un grande toile d’Yves Klein, un groupe assis sur une banquette présente toutes les variantes de la volonté de …ne pas regarder ! De ce petit garçon boudeur qui tourne le dos au tableau. De cette femme vue de dos, affairée sans doute à consulter son smartphone. De cet homme vautré en arrière comme épuisé d’avoir regardé. De ce groupe enfin qui regarde carrément ailleurs, hors champ. Cette image est sans doute l’allégorie de notre manière d’être aux images. Car au fond, point n’est besoin peut-être de regarder pour voir ? Il suffit peut-être pour être heureux d’être exposé aux œuvres et à leur rayonnement, actif bien au-delà de ce qui affecte nos rétines, et qui touche nos corps et nos cœurs. »

Thierry Grillet

« La photographie, chez Gérard Uféras, est une vocation précoce. Dès l’âge de huit ans, le jeune garçon, né à Paris, utilise les appareils photo que collectionne son père. Dans les années 80, il collabore à Libération, puis participe à la création de l’agence Vu avec Christian Caujolle. Ce mélomane, fou de théâtre et d’opéra, se consacre ensuite à ses passions avec des travaux au long cours. Cela lui vaudra entre autres, en 2011, d’être invité à exposer à Moscou par le Bolchoï qui fête sa réouverture après six ans de travaux. Le mythique théâtre moscovite lui donne carte blanche, comme à ses pairs Sarah Moon et Peter Lindbergh. L’année précédente, son exposition Paris d’Amour, organisée à l’Hôtel de Ville de la capitale, accueillait plus de 60 000 visiteurs. Plusieurs fois primées, exposées dans des lieux prestigieux comme la Maison Européenne de la Photographie ou la Bibliothèque Nationale de France, les œuvres de Gérard Uféras sont présentes dans de nombreuses collections privées et publiques en France comme à l’étranger. Toujours généreuses et sensibles, ses photos recèlent ce zeste d’ironie complice qui sait éviter la moquerie ou le cynisme. Uféras ne triche jamais. Un peu comme son ami Willy Ronis qui écrivait de son travail : « On voudrait employer un mot très fort, mais on n’ose pas, alors on dit qu’on est devant le grand mystère qui se nomme la Grâce. » » Alain Mingam

GERARD UFERAS est né et vit à Paris.

À partir de 1984, il entame une collaboration régulière avec le journal Libération, pour lequel il réalise de nombreux reportages et qui organise sa première exposition. Il publie ensuite régulièrement dans Télérama, Beaux-Arts, The Independent Magazine, Jardin des modes, Das Magazin, Lo Specchio della Stampa, Marie-Claire (Italie), Marie-Claire (France), Madame Figaro, Le Monde, View Point, L’Officiel, L’Express, Io Donna, D : La Repubblica Delle Donne, Amica, Il Corriere della Serra , Gala, Paper Magazine, Another Magazine, Paris Match…

Il participe à la création de l’agence Vu en 1986 et est, depuis 1993, membre de l’agence Rapho. Parallèlement au photojournalisme, il mène un travail de portraitiste, réalise des campagnes de publicité, des séries de mode, et poursuit des recherches personnelles qui l’amènent à exposer dans de nombreux pays. Son travail a été plusieurs fois récompensé et fait partie des collections de la Maison européenne de la photographie à Paris, du Fonds national d’art contemporain, de l’Union centrale des arts décoratifs, de la Bibliothèque nationale de France, de la National Gallery à Londres, du musée de l’Élysée à Lausanne, du Festival de Salzbourg en Autriche, de la collection Henkel en Allemagne, de la Maison de la photographie à Moscou…

Dates

Février 15 (Vendredi) 12 h 00 min - Mars 31 (Dimanche) 21 h 00 min

Lieu

MAMM - Multimedia Art Museum Moscow

Ulitsa Ostozhenka, 16, Moskva, Russie, 119034

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sam23mar(mar 23)11 h 00 minsam18mai(mai 18)19 h 00 minStudieDonata WendersGalerie Polka, 12, rue Saint-Gilles 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Donata Wenders, photographe d’origine berlinoise, s’inspire des grands maîtres de la photographie que sont Henri Cartier-Bresson, Edward Steichen, Alfred Stieglitz ou plus récemment, Peter Lindbergh.

Son premier travail Islands of Silence (1995-2006) est une série de portraits d’inconnus et de personnalités du cinéma, de la danse ou de la mode. En préservant l’atmosphère du lieu et la lumière de l’instant, la photographe capte avec douceur les instants de vie de chacun de ses sujets. Islands of Silence a été publié aux éditions Prestel en 2006.
Inconditionnelle du noir et blanc, elle achève en 2012 In the Snow, une série minimaliste réalisée en pleine campagne allemande. In the Snow nous mène à la découverte d’un paysage immaculé dans lequel les figures semblent flotter, prisonnières d’un monde aussi clos que mélancolique.

En parallèle de ses projets photographiques, elle poursuit une carrière de cinéaste. Avec la collaboration de son mari, Wim Wenders, elle publie, en 2012, Pina, the Film and the Dancers aux éditions Schirmer-Mosel.

Donata Wenders vit aujourd’hui entre Los Angeles, New York et Berlin.

Dates

Mars 23 (Samedi) 11 h 00 min - Mai 18 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Polka

12, rue Saint-Gilles 75003 Paris

Galerie Polka12, rue Saint-Gilles 75003 ParisOuvert du mardi au samedi de 11h à 19h00 ou sur rendez-vous

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