Ephéméride (1992) : Autorisation de l’οrdination des femmеs à la prêtrise

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L'Ephéméride

by La Rédaction on 11 novembre 2016

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Ephéméride (1992) : Autorisation de l’οrdination des femmеs à la prêtrise

Name: À toi appartient le regard et (…) la liaison infinie entre les choses
Start: 2020-3-31T10-10-30-00
End: 2020-6-14T19-19-00-00
Location: Musée du Quai Branly

Temps de lecture : 3 secondes

Après 17 ans de débat, l’Église d’Angleterre autorise l’οrdination des femmеs à la prêtrise.

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mar31mar(mar 31)10 h 30 mindim14jui(jui 14)19 h 00 minÀ toi appartient le regard et (…) la liaison infinie entre les chosesMusée du Quai Branly, 37 Quai Branly, 75007 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

À partir du 31 mars 2020, l’exposition À toi appartient le regard et (…) la liaison infinie entre les choses propose une plongée dans les univers sensibles de 26 artistes issus de 18 pays différents. Dans le sillage de son programme de résidences et des prospections menées depuis une dizaine d’années, le musée du quai Branly – Jacques Chirac a choisi de mettre en relation les pratiques d’artistes contemporains aux profils divers : jeunes et émergents comme Gosette Lubondo, Lek Kiatsirikajorn ou José Luis Cuevas, mais aussi de nombreux auteurs majeurs, parmi lesquels Guy Tillim, Dinh Q. Lê, José Alejandro Restrepo, Dayanita Singh, Sammy Baloji, Rosângela Rennó, Mario García Torrès, Yoshua Okón, Samuel Fosso ou Brook Andrew.
Utilisant la photographie, l’image en mouvement, la vidéo, l’installation, ils composent des récits, interrogent notre rapport aux images, mènent des enquêtes approfondies, questionnent les héritages historiques des photographies, repensent les notions d’appropriation et de réappropriation visuelle.

À toi appartient le regard et (…) la liaison infinie entre les choses, est une évocation tirée de la littérature allemande du 19e siècle (Ludwig Hülsen) qui sert de fil conducteur à la découverte du travail des artistes, au rythme des notions évoquées dans le titre.
Le parcours s’ouvre sur l’oeuvre spectaculaire du camerounais Samuel Fosso, SIXSIXSIX, composée de 666 autoportraits en Polaroïd, encore jamais montrée dans sa totalité.

L’image est-elle un coup d’oeil arrêté ?
La première partie de l’exposition aborde la photographie comme collecte de fragments visuels de la réalité avec le travail de Guy Tillim (Afrique du Sud) à Harrare, Luanda ou Nairobi ou encore celui de Jo Ractliffe (Afrique du Sud) qui porte son attention sur des anciens territoires militarisés aux frontières de l’Afrique du Sud avec le Botswana et la Namibie. José Luis Cuevas (Mexique) relie la fragilité de l’homme à celle de son environnement dans un Japon post-Fukushima. Daniela Edburg (Mexique) quant à elle, place ses créations dans le paysage islandais et les transforme en fragments de nature, mettant ainsi en avant le paysage comme construction humaine.

Se reconnaître dans une image
Cette section s’articule autour de l’oeuvre phare de Santu Mofokeng (Afrique du Sud), The black photo / Look at me, constituée d’un diaporama qui reproduit des photographies historiques de la bourgeoisie noire sud-africaine du début du 20e siècle.
La question de l’identification aux images se retrouve dans l’oeuvre African Spirits de Samuel Fosso (Cameroun) et l’installation Editor Solitario d’Oscar Muñoz (Colombie).

Les images se pensent entre elles
L’exposition explore également la notion de montage et d’installations d’images en mouvement avec les travaux de Katia Kameli (France), et plusieurs installations de grande taille comme Horizon de Brook Andrew (Australie), et Crossing the farther shore de Dinh Q. Lê (Vietnam) ou encore les « musées » de Dayanita Singh (Inde). Rosângela Rennó (Brésil) associe des images de manifestations et y isole des portraits extraits de la foule.

Histoires des paysages
Une quatrième section convie plusieurs artistes qui pratiquent des enquêtes approfondies : Sammy Baloji (République démocratique du Congo), Mario García Torrès (Mexique), Heba Y. Amin (Égypte), Dinh Q. Lê (Vietnam) ou encore les recompositions imaginaires de Gosette Lumbodo (République démocratique du Congo). Chacun explore à sa façon la question territoriale et la notion d’appropriation qui lui est associée.

Passages dans le temps
La dernière section de l’exposition évoque différentes temporalités décalées : Yoshua Okón (Mexique) propose une relecture ironique de la performance de Joseph Beuys I like America and America likes me (1974). Alexander Apóstol questionne la modernité tropicale du Venezuela des années 50. L’oeuvre Paso del Quidio I de José Alejandro Restrepo (Colombie) revisite la succession de plusieurs voyages à travers un passage montagneux exploré au 19e siècle par Alexander Von Humboldt, puis par l’artiste dans les années 1990.

Photo : © Gosette Lubondo

Dates

Mars 31 (Mardi) 10 h 30 min - Juin 14 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

Musée du Quai Branly

37 Quai Branly, 75007 Paris

Musée du Quai Branly37 Quai Branly, 75007 ParisDu mardi au samedi et dimanche de 10h30 - 19h00, nocturne le Jeudi jusqu'à 22h00

Calendrier GoogleCal

sam04avr(avr 4)10 h 00 mindim23aou(aou 23)18 h 00 minTerresEric BourretMusée de Lodève, 1 place Francis Morand,, 34700 LodèveType d'événement:Exposition,Photographie

sam25jan(jan 25)10 h 00 mindim10mai(mai 10)18 h 00 minLes images révéléesRené MagritteLe Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles, 11 Avenue Paul Pastur, 6032 Mont-sur-Marchienne, BelgiqueType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

La découverte des photographies de René Magritte dans les années 1970, dix ans après la mort du peintre, a jeté un nouvel éclairage sur son processus de création et les liens étroits qu’il entretient avec « l’image mécanique », qu’elle soit photographique ou cinématographique.
D’autres images sont apparues depuis, issues des albums de ses proches, qui viennent compléter l’étude des relations peinture-photographie dans l’oeuvre de René Magritte, mais aussi l’influence du cinéma, un art dont Magritte était, autant que de la littérature populaire, des plus friands.

Composée de 131 photographies originales, la plupart créées par René Magritte, et d’un chapitre reprenant ses films d’amateur se mettant en scène avec ses complices, l’exposition « René Magritte. Les images révélées » interroge le rapport de Magritte à l’image mécanique en traçant des liens avec son oeuvre, révélant en outre un Magritte intime.

Conçue à partir de trois grandes collections privées, constituées par des passionnés ayant acquis des photos au fil des années, de la collection du Musée de la Photographie et du Fonds J. Nonkels y déposé, l’exposition raconte le peintre autant que l’usager de la photographie. On y retrouve l’album de famille de Magritte avec ses photos d’enfance, ses parents, son épouse. On y voit ensuite la famille intellectuelle du peintre, celle qui l’a nourri, le groupe des surréalistes bruxellois qui dès 1925 accompagnèrent le développement de son oeuvre. L’exposition présente également un René Magritte facétieux, jouant et s’amusant avec ses complices. On y retrouve enfin les photos qui ont servi de modèles pour ses peintures et celles qu’il n’a jamais utilisées – Magritte ne se considérant pas plus photographe qu’il ne se voulait « peintre » – peut-être les plus créatives… L’exposition lève aussi le voile sur l’influence du cinéma sur l’artiste, les surréalistes ayant grandi avec le Septième art.
Après Melbourne, Hong Kong, Taïwan, Séoul, le Musée de la Photographie a le plaisir d’accueillir, en Belgique, l’exposition René Magritte, Les images révélées, sous le commissariat de Xavier Canonne.

L’exposition est accompagnée de l’ouvrage « René Magritte. Les images révélées » écrit par Xavier Canonne, publié en 2017 aux Éditions Ludion en anglais et en chinois, qui sera pour l’occasion édité en français.

Dates

Janvier 25 (Samedi) 10 h 00 min - Mai 10 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Le Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles

11 Avenue Paul Pastur, 6032 Mont-sur-Marchienne, Belgique

Le Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles11 Avenue Paul Pastur, 6032 Mont-sur-Marchienne, BelgiqueLe musée est ouvert du mardi au dimanche, de 10h à 18h

Calendrier GoogleCal

sam04avr(avr 4)13 h 00 mindim09aou(aou 9)17 h 00 minFlux, une société en mouvementExposition CollectiveCRP/ Centre régional de la photographie Hauts-de-France, Place des Nations 59282 Douchy-les-MinesType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Panta Rhei (Toutes les choses coulent) – Héraclite d’Ephèse Le CRP/ présente en avant-première les productions de cinq des quinze lauréats de la commande photographique nationale « Flux, une société en mouvement » lancée en 2018 par le Centre national des arts plastiques (Cnap), en partenariat avec le ministère de la Culture. Aux côtés de Diaphane, pôle photographique en Hauts-de-France, le CRP/ a accompagné ce projet de commande nationale qui sera présenté dans son ensemble aux Photaumnales à l’automne 2020 à Beauvais.

En écho aux différentes occurrences du mot « flux » entre écoulement, fusion, flot, transmission d’informations, mouvement d’ensemble ou fluctuations, les artistes lauréats se sont saisis de cette commande pour développer une recherche artistique singulière autour de la matérialité de l’image, réinvestiguant pour certains, des techniques photographiques anté-numériques, ici entre prise de vue à la chambre et tirage platine et carbone, ou encore héliogravure traduisant concrètement le sujet des flux qui traversent les paysages.

Au CRP/, les oeuvres des cinq artistes et duo d’artistes présentés – Nicolas Floc’h, Éric Guglielmi, Ilanit Illouz, Florence Paradeis et Mathieu Farcy & Perrine Le Querrec – témoignent des préoccupations environnementales et sociétales que les flux économiques ont durablement bouleversées à l’échelle mondiale.
Leurs productions proposant différentes approches autour de l’image, invitent les visiteurs à circuler dans des paysages forestiers, souterrains, sous-marins et mentaux, et à prendre conscience de l’influence des flux dans nos vies quotidiennes.

Les environnements naturels sont le résultat de multiples processus écologiques et socio-économiques. L’érosion, les politiques d’appropriation et d’utilisation des sols, les systèmes de production et d’échanges les façonnent en profondeur. L’homme ne craint plus les forces de la Nature mais les effets de sa propre action. Le rôle des scientifiques est d’analyser ces processus pour les comprendre et alerter les consciences, mais il faut souvent des médiations pour que nous saisissions réellement la portée de leur message. Les artistes ont joué et continuent de jouer aujourd’hui ce rôle de médiateur des phénomènes sociaux qui agitent nos sociétés au travers de leurs oeuvres et de leurs recherches formelles. Notre perception et notre vision des paysages naturels ont ainsi été influencées de tout temps par les représentations artistiques contribuant à former « une anthropologie de la nature ». Le photographe participe aussi à une écologie du paysage en montrant des paysages transformés et en adaptant de manière originale ses techniques à l’objet de sa quête.

Surgissant frontalement, d’énormes troncs jonchent le sol luxuriant de la forêt tropicale du bassin du Congo et dressent leurs racines vers les frondaisons proches. Éric Guglielmi dans sa série Paradis perdu enregistre les dérèglements qui mettent en péril l’équilibre de la deuxième plus vaste forêt tropicale de la planète. Cette masse verdoyante de fougères, de lianes et d’arbres géants est gravement menacée par une industrie du bois incontrôlée, notamment la surexploitation des essences précieuses et par des grands projets agro-industriels dévastateurs comme les plantations massives de palmiers à huile à quoi s’ajoute périodiquement le fléau des incendies. Eric Guglielmi saisit les entailles qui ravagent la forêt : arbres tronçonnés, trouées des pistes. Les conséquences environnementales et sociétales sont dramatiques : forêts pillées, faune décimée, populations locales exposées à la disparition d’un mode de vie et d’une culture fondée sur l’adaptation ancestrale aux subtilités d’un biotope complexe. La surface sensible de la plaque fixe les mutations des paysages photographiés à la chambre. Les tirages au platine palladium restituent l’identité profonde de paradis végétaux en sursis. Les noirs mats et denses, les dégradés de gris soulignent la beauté mystérieuse d’un environnement mis en péril par une logique économique brutale.

Les séries de Nicolas Floc’h Structures productives, la Couleur de l’eau, et Paysages productifs – bulles, produites dans le cadre de la commande « Flux », relient la photographie à l’histoire de l’art et des formes. Son travail général s’inscrit dans une démarche plastique associant différents mediums artistiques (installations, films, sculptures). A travers ces trois séries engagées pour certaines depuis plus de dix ans, l’artiste réinvente le genre trop souvent stéréotypé de la photographie sous-marine et contribue à l’histoire des territoires en documentant différentes façades maritimes à l’instar des photographes engagés dans les missions photographiques célèbres de l’histoire de la photographie.

Dans la continuité de ses recherches menées avec des scientifiques sur l’acidification des mers et la réduction de leur biodiversité, Nicolas Floc’h visualise pour la série des Paysages productifs – bulles ces processus en photographiant en lumière naturelle des sites sous-marins acides en méditerranée, ici Vulcano en Sicile. Ces zones très impactées par la présence de CO2 préfigurent l’état futur des océans marqué par la disparition progressive des algues et des coraux. Son projet photographique Bulles alerte sur la fragilité de cet écosystème et renouvelle par ce sujet inédit, l’approche du paysage dans la photographie contemporaine montrant malgré tout la beauté plastique des flux d’énergie tourbillonnant dans les colonnes d’eau qui s’élèvent des fonds sous-marins.

L’approche géologique et paysagère des sols, les conséquences sociales et géopolitiques de leur exploitation, traduisent l’axe de recherche privilégié d’Ilanit Illouz. Elle arpente les territoires en quête d’indices des flux migratoires et économiques qui les ont marqués. Les débris organiques et minéraux collectés lors de marches – photographiés et mis en récits – décryptent l’histoire de ces paysages palimpsestes.

Pour « Flux » et la série Petra, elle a réuni un corpus d’images de minerais photographiés au Musée de Minéralogie de l’école des Mines à Paris.
L’exploitation des ressources naturelles est une source d’instabilité et de conflits. Certains minerais (germanium, titane, graphite, coltan, …) ont une importance stratégique du fait de leurs utilisations dans la haute technologie.
Les diptyques produits en héliogravure mettent en relation ces métaux précieux avec les gestes pratiqués pour leur maniement dans des applications industrielles civiles (smartphones, GPS) et militaires (grenades, missiles, boussole). Ainsi se trouve souligné le lien entre nos comportements de consommateurs et l’épuisement prévisible des richesses des sous-sols.

Le flux massif des images qui traversent nos existences constitue le répertoire dans lequel puise Florence Paradeis pour construire ses images décalées, à distance d’un réel déplacé, « réinjecté », protéiforme dont elle restitue la vibration, les tensions et les contradictions. Dans la série Des jours et des nuits, elle questionne le mouvement dans une composition en séquence alternant natures mortes en studio, mises en scène en intérieur et extérieur, invitant le regardeur à suivre de façon instinctive son « flow » mental pour lire et relier les images entre elles. Elle déroule ainsi un petit théâtre d’images symbolisant comme des « vanités » pour certaines, l’écoulement du temps et mettant en scène pour d’autres les interrogations, les résistances ou non de personnages de la vie courante face au flux général des échanges et des circulations auquel ils sont soumis en permanence.

Comment l’artiste peut-il se situer par rapport au flot d’images et d’informations qui se succèdent à une cadence accélérée ? Mathieu Farcy photographe et Perrine Le Querrec écrivaine proposent ensemble un temps d’arrêt et de réflexion à travers une création à quatre mains de triptyques, prolongeant ainsi leurs travaux documentaires respectifs. L’Augure par référence à l’art du devin dans la Rome antique, est une chronique poético-documentaire associant photographie, archive sonore ou visuelle, texte littéraire selon trois temps distincts : une origine, un trajet, une destination. Leurs triptyques sont les miroirs de la multiplicité et de l’interpénétration des flux et mutations (climatiques, démographiques) qui marquent notre contemporanéité.

Au CRP/, ils présentent un triptyque sur le thème du climat mettant en exergue l’interdépendance de toute forme de vie sur terre et leur devenir commun, nous exhortant à ne plus nous contenter d’assister impuissants au spectacle du recul et de la disparition.

« Ce qu’il reste une fois les dates passées le présent couvert de mousse feuillage lichens chloridées les journaux froissés roulés en boule brûlés dans les décharges leurs fumées empoisonnent elles aussi les poissons le corail les océans.1 »

Muriel Enjalran, commissaire de l’exposition

1. Extrait de Marine Skalova, Exploration du flux, p.64, Fiction et Cie Seuil, 2018

Avec : NICOLAS FLOC’H, ÉRIC GUGLIELMI, ILANIT ILLOUZ, FLORENCE PARADEIS, MATHIEU FARCY & PERRINE LE QUERREC

Dates

Avril 4 (Samedi) 13 h 00 min - Août 9 (Dimanche) 17 h 00 min

Lieu

CRP/ Centre régional de la photographie Hauts-de-France

Place des Nations 59282 Douchy-les-Mines

CRP/ Centre régional de la photographie Hauts-de-FrancePlace des Nations 59282 Douchy-les-MinesEntrée libre Ouverture de la Galerie Mardi … vendredi / 13:00 … 17:00 Samedi, dimanche, jours fériés / 14:00 … 18:00 (galerie fermée le lundi)

Calendrier GoogleCal

ven27mar(mar 27)10 h 00 minven31jul(jul 31)19 h 00 minMythologies du Poisson RougeMaurice RenomaL’Appart Renoma, 129bis, rue de la Pompe 75116 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Mythologies du Poisson Rouge, une exposition photographique engagée
Infatigable voyageur, Maurice Renoma a sillonné le monde pendant 2 ans accompagné de son poisson rouge Cristobal. Il a photographié ses rencontres au fil de ses périples.
Le poisson Cristobal est au centre des rencontres de Maurice, immortalisées dans une série de photographies humoristiques, sensuelles, tendres et saisissantes.
Cet étonnant ami a la particularité d’être en plastique et il ne laisse personne indifférent : est–il un résidu de pétrole issu de l’industrie du plastique, le résultat à court terme de la pêche intensive ou encore un ami artificiel dans notre société individualiste ?
Témoin sans mot mais pas muet pour autant, Cristobal dénonce l’omniprésence du plastique dans nos sociétés et souhaite interroger les nouvelles générations sur son utilisation.
Ces photographies sont à découvrir lors de l’exposition multimédia et immersive Mythologies du Poisson Rouge, du 27 mars au 31 juillet 2020, à l’Appart et au Souplex Renoma.

Une scénographie immersive
Au Souplex de la boutique Renoma, Cristobal nage à travers des mises en scènes spectaculaires et immersives, cocasses et poétiques, pointant les problématiques écologiques mais aussi sociétales : dépendance, distraction maladive et mutation du sens commun.
Cristobal guide le visiteur, tel un (poisson) fil-rouge, au gré d’une scénographie décalée réalisée à partir de matériaux de récupération, fidèle à l’univers onirique et subversif du photographe-concepteur.
À l’Appart, Cristobal se fait bourgeois : portraits en pied ou natures mortes classiques – vanités, reflets de notre image, réflexion sur notre vie, nos relations, notre consommation, notre alimentation…

L’Appart Renoma, nouveau lieu culturel
Dans un appartement haussmannien du 129bis rue de la Pompe, en plein coeur du 16ème arrondissement de Paris, l’Appart Renoma, installé au-dessus de la boutique historique de la Maison, est un nouveau lieu d’émulation artistique sur 220m2.
Cette galerie, installée dans un appartement, a pour vocation d’accueillir l’art sous toutes ses coutures, dans une ambiance intimiste.
Dédiée aux rencontres artistiques, la programmation sera énergique et décalée, à l’image des autres lieux de la Maison tels que le Renoma Café, la boutique et son Souplex, ou encore le Renoma Hotel à Tel-Aviv.
L’Appart ouvre ses portes sur l’exposition photographique et engagée de Maurice Renoma, Mythologies du Poisson Rouge, à partir du 27 mars 2020.

Dates

Mars 27 (Vendredi) 10 h 00 min - Juillet 31 (Vendredi) 19 h 00 min

Lieu

L’Appart Renoma

129bis, rue de la Pompe 75116 Paris

L’Appart Renoma129bis, rue de la Pompe 75116 ParisOuverts du mardi au samedi, de 10h à 19h

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Bilan de 9 Lives magazine en terme de parité

PODCAST : Tables rondes « La Photographie en Danger ! »
Finance, Santé, Parité : quelle situation aujourd’hui pour les photographes ?

PODCAST : Tables rondes « La Photographie en Danger ! »
Quel futur pour les organismes culturels de photographie ?

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