Rencontre avec Charlotte Cosson et Emmanuelle Luciani, commissaires de l’évènement Korakrit Arunanondchai (J1, MP2018)

Portrait Charlotte Cosson et Emmanuelle Luciani © Jimmy Ruffato MP2018

OtherSide

by Marie-Elisabeth De La Fresnaye on 27 juin 2018

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Rencontre avec Charlotte Cosson et Emmanuelle Luciani, commissaires de l’évènement Korakrit Arunanondchai (J1, MP2018)

Name: En Égypte le long du Fleuve - Hommage à Youssef Chahine
Start: 2019-1-24T14-14-00-00
End: 2019-3-4T20-20-30-00
Location: LUX Scène Nationale de Valence

Temps de lecture : 50 secondes

L’artiste thaïlandais Korakrit Arunanondchai après JR, est invité par les deux commissaires à investir ce lieu emblématique de l’histoire et du patrimoine marseillais l’ancien hangar devenu J1 qui renait grâce à MP2018, quel amour.

Amour de Marseille tout d’abord, Korakrit Arunanondchai se retrouvant dans ces multiples strates d’itinéraires individuels qui font le socle de la cité phocéenne, amour de l’autre avec ce projet en plusieurs volets « With history in a room filled with people with funny names 4 » qui traite de l’empathie et de la mémoire du vivant dans un futur incertain.

« Qui recueillera nos traces lorsque nous redeviendrons poussière ? » « Le post-humain sera t-il androgyne ou couplé à la machine ? » Autant d’enjeux et de défis que nous lance l’artiste et que nous décryptent ses émissaires, les historiennes de l’art, Charlotte Cosson et Emmanuelle Luciani qui ont répondu à nos questions à l’issue d’une mémorable performance.

Infos pratiques :

« With history in a room filled with people with funny names »4

une exposition de

Korakrit Arunanondchai

Cycle de conférences

J1 Marseille

jusqu’au 29 juillet 2018

Le J1 est ouvert du mercredi au dimanche de 15h à 20h
Nocturne le mercredi jusqu’à 22h

BILLETTERIE
Payant
Entrée : 3€

> 1er plateau – Espace Quai du large : « WITH HISTORY in a room filled with people with funny names. 4 » de Korakrit Arunanondchai
> 2ème plateau – Espace Joliette : Koché x Open My Med => Découvrez l’événement en cliquant ici.
www.MP2018.com

Prochainement au J1 : Art-O-Rama et PAREIDOLIE

nous y serons !

MP2018, la saga continue !

Marie-Elisabeth De La Fresnaye

Après une formation en littérature et histoire de l'art, Marie de la Fresnaye intègre le marché de l'art à Drouot et se lance dans l'événementiel. En parallèle à plusieurs années en entreprise dans le domaine de la communication éditoriale, elle créé son blog pour partager au plus grand nombre sa passion et expertise du monde de l'art contemporain et participe au lancement du magazine Artaïssime. http://fearofmissingout.over-blog.com

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jeu24jan(jan 24)14 h 00 minlun04mar(mar 4)20 h 30 minEn Égypte le long du Fleuve - Hommage à Youssef ChahineBernard PlossuLUX Scène Nationale de Valence, 36 bd du Général de Gaulle 26000 ValenceType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

« En 1977, pour continuer mon ample projet sur le désert africain, je décidais d’aller en Egypte, très exactement le long du Nil. Nous partîmes des amis et moi rejoindre au Caire Ahmed Mehrez, grand ami de Youssef Chahine. Après quelques jours au Caire, nous louâmes une Peugeot, avec un chauffeur, ce qui nous permit de constamment quitter la route principale et de nous enfoncer dans des petites routes et pistes au hasard, loin du tourisme. Descendant petit à petit jusqu’à Louxor, en passant par El Minya, Amarna, Kom Ombo, longeant le fleuve et photographiant ses rives, ses habitants, ses felouks, les paysans, les marchés, les puits : l’eau est tellement importante pour la vie rurale ! Toutes les photos ont été faites en noir et blanc, avec juste le sobre objectif de 50 mm, que ce soit les paysages, les portraits, les routes, la chaleur à midi, la poussière, les camions pleins à craquer, l’aube dans la brume, sans aucun effet spectaculaire. Et malgré les voitures (dont la nôtre !), la vie rurale nous plongea constamment dans une Egypte éternelle, celle des habitants de ce fleuve extraordinaire, comme si nous étions des siècles plus tôt, dans une civilisation ancestrale, où chaque geste a sa raison, tout cela bercé par les appels à la prière des muezzins. Nous avions quitté le temps – C’est cela, le cadeau de ce pays. Et ces photographies fluviales et rurales sont un hommage à l’humanisme du grand Youssef Chahine ». Bernard Plossu

Né au Vietnam, nourri de la contre-culture américaine et de l’esthétique de la Nouvelle Vague, Bernard Plossu souhaitait au milieu des années 1950 devenir cinéaste. Ce cinéphile averti et passionné sera dans les années 1960 photographe. De 1960 à 1965, il fréquente la Cinémathèque où il voit les classiques de Dreyer, Bergman, Buñuel, Eisenstein, Bresson et bien sûr Truffaut, Godard, Jessua. Il s’intéresse également au Néoréalisme italien et au Western. Il apprend l’image à travers le cinéma.

C’est en photographe atypique, inclassable qui se trace ainsi depuis le début des années 1960 un parcours en solitaire, en marge du reportage, de la photographie plasticienne et des modes, « pour être, nous dit-il, de plainpied avec le monde et ce qui se passe. »

Dates

Janvier 24 (Jeudi) 14 h 00 min - Mars 4 (Lundi) 20 h 30 min

Lieu

LUX Scène Nationale de Valence

36 bd du Général de Gaulle 26000 Valence

LUX Scène Nationale de Valence36 bd du Général de Gaulle 26000 ValenceLes Mardi, jeudi et vendredi de 14h à 20h30, le Mercredi de 14h à 19h, le Samedi de 16h à 20h30 et le Dimanche de 16h à 19h

Calendrier GoogleCal

sam16fev(fev 16)9 h 30 mindim19mai(mai 19)17 h 45 minD'un jour à l'autre...Virginie MarnatMusée Nicéphore Niépce, 28 quai des messageries 71100 Chalon-sur-SaôneType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

De son observation attentive du monde, Virginie Marnat construit des images questionnant les aspirations de l’être humain, ses conditionnements et représentations. Saisissant des instants de vie, au naturel ou mis en scène, elle synthétise dans l’image des modes de relation à l’autre, entre être et paraître. Les attitudes et postures révèlent une apparence sociale tout comme un état intérieur. Jouant de toutes les potentialités de la photographie, l’artiste nous propose des oxymores visuels où se mêlent la réalité et l’invraisemblable. Des personnages nous scrutent, nous laissant constituer le récit en notre for intérieur.
La force du travail de Virginie Marnat est de créer des évidences visuelles qui une fois vues, nous incitent à nous considérer et considérer l’autre avec une plus grande profondeur.

Virginie Marnat est née en 1970. Elle vit et travaille à Dijon. Formée à l’école des beaux-arts de Dijon, elle étudie plus spécifiquement la photographie au Brooks Institute of Photography en Californie, aux Etats-Unis. Elle réalise en 1999/2000 une résidence à Göteborg en Suède. Son travail est présent dans les collections du Consortium de Dijon, du Frac Bourgogne, de la Fairpath Foundation (Etats-Unis). Elle a réalisé en 2014 une commande publique pour la Ville de Chalon-sur-Saône, sur l’avenue Kennedy dans le quartier des Prés-Saint-Jean.

Dates

Février 16 (Samedi) 9 h 30 min - Mai 19 (Dimanche) 17 h 45 min

Lieu

Musée Nicéphore Niépce

28 quai des messageries 71100 Chalon-sur-Saône

Musée Nicéphore Niépce28 quai des messageries 71100 Chalon-sur-SaôneOuvert tous les jours sauf le mardi et les jours fériés de 9h30 à 11h45 et de 14h à 17h45

Calendrier GoogleCal

ven01fev13 h 00 mindim03mar(mar 3)19 h 00 minCubaSéverine ThévenetDIDAM, 6, quai de Lesseps, 64100 BayonneType d'événement:Exposition,Photographie

ven22fev(fev 22)10 h 00 minsam30mar(mar 30)19 h 00 minWherein Lies the SpaceRosemarie CastoroGalerie Thaddaeus Ropac, 7 Rue Debelleyme, 75003 Paris

Détail de l'événement

Après sa première grande rétrospective européenne l’an dernier au Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA), la Galerie Thaddaeus Ropac a le plaisir de présenter la première exposition personnelle de Rosemarie Castoro (1939-2015), artiste américaine pionnière de l’art minimal, dans sa galerie du Marais. Coïncidant avec le 80e anniversaire de la naissance de l’artiste, l’exposition aborde toutes les facettes de sa pratique multidisciplinaire depuis le milieu des années 1960 jusqu’au milieu des années 1980. À travers une sélection d’oeuvres emblématiques, cette exposition entend rendre compte de la contribution essentielle apportée par Rosemarie Castoro au développement de la peinture abstraite, de la sculpture, de l’art conceptuel, de la poésie concrète et de la performance. De ses premières peintures, dont Frank Stella disait qu’elles reflètent la sensibilité d’une coloriste exceptionnelle à ses œuvres murales monochromes et ses grandes sculptures organiques qui sont devenues sa marque de fabrique, l’œuvre de Castoro – longtemps éclipsée par celle de ses pairs masculins – est une redécouverte pour le public d’aujourd’hui.

Rosemarie Castoro était une figure centrale de la scène artistique new-yorkaise des années 1960, aux côtés de Carl Andre avec qui elle était alors mariée. Dans son studio-loft de Soho se retrouvaient de nombreux artistes tels que Sol Lewitt, Michael Heizer, Richard Long, Lawrence Weiner, Lee Lozano, Robert Smithson, Agnes Martin et d’autres acteurs de cette avant-garde très soudée. L’une des rares femmes associées au minimalisme, elle s’est affranchie des frontières esthétiques de l’époque en introduisant des allusions surréalistes et sexuelles dans la rigueur abstraite du Minimalisme. Elle a elle-même rejeté avec ironie ce terme en 1986 en déclarant “Je ne suis pas une minimaliste, je suis un Maximust.” Tout au long de sa vie, Castoro s’est évertuée à mélanger les différentes pratiques, se définissant elle-même comme une “paintersculptor”. La critique d’art et commissaire d’exposition féministe Lucy R. Lippard l’a plus tard décrite comme une artiste ayant “subverti et dépassé le minimalisme sur son propre terrain.”

En 1969, Castoro annonce ce qui va définir l’ensemble de sa pratique dans un poème de poésie concrète qui donne son titre à cette exposition :

WHEREIN LIES THE SPACE

BETWEEN WAKEFULNESS AND SLEEP

BETWEEN METHOD AND OBJECT

Non seulement le poème démontre l’importance du langage dans son travail – elle utilise souvent des jeux de mots pour titrer ses œuvres – mais il cartographie aussi le territoire qui l’intéresse aux intersections du temps et de l’espace, du rationnel et du subconscient.

Lorsqu’elle commence sa vie d’artiste, Rosemarie Castoro se concentre essentiellement sur la peinture dont elle explore les fondements à travers différentes séries successives. Dans sa série des Prismacolor, la composition de chaque tableau est structurée autour d’une couleur principale et d’un angle. Une couche de peinture acrylique est appliquée diagonalement sur la toile brute en suivant l’orientation choisie pour l’oeuvre, orientation accentuée par des lignes parallèles tracées au crayon sur la surface peinte. Dans d’autres compositions géométriques émerge souvent une forme en ‘Y’ qui suggère l’idée d’une répétition à l’infinie d’un motif qui se déploie au-delà même des limites de la toile. Son usage de la couleur couvre un spectre très large, depuis des compositions où s’entrecroisent des tons primaires jusqu’à des teintes extrêmement subtiles qui expriment l’humeur du jour.

À la fin des années 1960, le travail de Castoro prend une direction plus expérimentale. Elle fait usage du langage dans des oeuvres de plus en plus conceptuelles, qu’il s’agisse de poésie concrète ou de ses propres journaux. Composés d’un assemblage de textes et de photographies, ces derniers renseignent sur la matrice de son processus créatif, notamment son approche performative. Les polaroids pris au retardateur dans son studio la montrent en train d’interagir dans ses propres oeuvres, adoptant parfois des poses acrobatiques qui révèlent sa formation de danseuse. Suivant une stratégie similaire à d’autres artistes conceptuels, Rosemarie Castoro a tendance à transformer les activités les plus quotidiennes en une forme artistique. Dans l’album de poésie concrète A Day in the Life of a Conscientious Objector (1968), terme utilisé par les opposants à la guerre du Vietnam, Castoro réfléchit sur sa vie d’artiste à travers l’indexation de ses activités quotidiennes au studio.

Au début des années 1970, Castoro abandonne la couleur au profit de surfaces grisées au graphite. Avec un balai, elle commence à « peindre » les surfaces de ces sculptures avec une matière épaisse faite de gesso et de graphite et crée des peintures intensément gestuelles et dynamiques qui semblent se décrocher du mur. Si ces reliefs adoptent des formes variées, une série se base plus spécifiquement sur les initiales d’amis artistes traduits en écriture sténographique. Parmi eux Guinness Martin (1972) est dédié à Agnes Martin. A propos de sa relation avec Martin, Castoro se souvient: « J’avais rencontré Agnes dans son atelier à la fin des années 1960. Nous étions toutes deux des peintres qui faisions des maquettes typographiques pour gagner notre vie. A l’époque, les peintres entretenaient une camaraderie et se rencontraient par l’intermédiaire d’autres peintres. Souvent, nous nous retrouvions dans des bars ou dans les studios des uns et des autres pour prendre le thé. En 1972, j’ai réalisé pour Agnès une découpe qui appartenait à une série de sculptures murales créées avec une brosse utilitaire et qui épelait son nom en sténographie Pitman: Guinness Martin est né comme un déguisement du nom d’Agnes. »

Au milieu des années 1970, ses œuvres gagnent une dimension surréaliste : Castoro se projette alors dans le personnage d’une femme géante qui aurait élu domicile dans son atelier, entourée de ses ‘Giant Brushstrokes’, ensemble d’imposantes protubérances murales dont fait partie Armpit Hair (1972) présentée dans l’exposition. Ses sculptures en époxy plus tardives telles que Land of Lashes (1976), qui évoque une phalange de cils géants envahissant étrangement l’espace comme des araignées, abordent la relation au corps encore plus frontalement.

À la même époque elle travaille également à de grandes installations réalisées à partir de morceaux de bois brut taillés. Beaver’s Trap (1977), dont le titre est dérivé de la traduction anglaise de son nom de famille d’origine italienne, en est un exemple iconique. L’oeuvre est composée de 42 éléments alignés sur le périmètre d’un carré. Ils sont disposés de telle sorte que le l’élément le plus haut se trouve à un coin d’un rectangle formé par les éléments restants qui descendent progressivement vers l’élément le plus court au coin opposé. L’ensemble paraît avoir été conçu pour atteindre une forme d’équilibre et pourtant la courbure différente de chaque pointe donne l’impression que la sculpture peut vaciller à tout moment. Dans une note accompagnant sa première présentation, Castoro relie le piège du castor à un désir d’autoprotection, chaque bâton étant sculpté de manière à tenir en équilibre et “s’il venait à se renverser, cela l’avertirait du danger « . L’oeuvre est alors associée à un piège érotique féminin abstrait, à un “lit destiné à la capture d’un compagnon.”

En 1979, Castoro s’engage dans une nouvelle expérience sculpturale, les Flashers, des pièces en acier noir de plus de deux mètres de haut, exposées dans l’espace public à Manhattan et à Paris sur les berges de la Seine en 1983. L’orignie de la forme humanoïde des Flashers vient d’un moment où Castoro a courbé et plié un billet de 20 dollars pour le faire tenir debout. Le titre évoque l’exhibition sexuelle, « l’imperméable gris que portent les vieux bonshommes et qu’ils ouvrent [Flash, en anglais] devant les jeunes filles innocentes », explique Castoro. La commissaire d’exposition Tanya Barson souligne “l’intérêt que manifeste Castoro à décliner différents aspects de la sexualité et, comme les exhibitionnistes eux-mêmes, à évoquer simultanément le menaçant, le comique et le pathétique ».

Bien que Castoro ne se soit jamais identifiée elle-même comme féministe, sa pratique a contribué à redéfinir les domaines du minimalisme, du post-minimalisme et de l’art conceptuel au prisme d’une subjectivité féminine.

Commissaire de l’exposition: Anke Kempkes

À PROPOS DE L’ARTISTE:

Née à Brooklyn, Rosemarie Castoro a vécu et travaillé à New York toute sa vie, devenant une figure centrale de l’avant garde minimale et conceptuelle.

Puisant très tôt son inspiration dans le domaine de la danse expérimentale alors qu’elle était encore étudiante au Pratt Institute, puis à travers des collaborations avec la chorégraphe postmoderne Yvonne Rainer dans les années 1960, l’œuvre de Castoro a toujours conservé un caractère nettement performatif et témoigne d’une attention spécifique à l’espace et au mouvement. En 1966, elle participe à la performance d’Yvonne Rainer Carriage Discreteness pendant le célèbre festival 9 Evenings. A partir de 1964, Castoro commence à peindre en créant des séries qui explorent de façon systémique des combinaisons de couleurs et de structures dans des compositions all-over innovantes.

En 1968 – alors que les Etats-Unis connaissent une période de troubles politiques – elle abandonne la couleur. Sa pratique s’ouvre à l’art conceptuel, aux performances et à la poésie concrète. En 1969 et 1970, elle participe aux expositions de Lucy Lippard à Seattle et à Vancouver, qui ont permis de définir les termes de l’art Conceptuel. Sa première exposition personnelle a eu lieu à la galerie Tibor de Nagy, à New York, en 1971, où elle expose ses imposants «Free-Standing Walls» et «Giant Brushstrokes». Parallèlement aux expositions en galerie, Castoro a toujours manifesté un intérêt à créer et à montrer son art dans la rue, depuis ses premières performances, intitulées Streetworks jusqu’à sa participation à l’événement «Art on the Beach» à Batterry Park City, à New York en 1978. Ses Flashers à l’allure de totems, ont été exposés à plusieurs reprises dans l’espace public à New York et également à Paris sur les quais de la Seine en 1983.

Castoro a également enseigné à l’Université du Colorado, Boulder; l’Université de Syracuse; au Pratt Institute et au Hunter College, New York. Elle a également milité au sein de l’Art Workers’ Coalition, qui se réunissait dans son studio, et a participé à la création du HIV Arts Network (HAN).

Elle a participé à de nombreuses expositions individuelles et collectives, notamment Distillations, Tibor de Nagy et Stable Gallery, New York (1966); Number 7, Paula Cooper Gallery, New York (1969); Biennale de Paris, Paris (1971); Painting 1967-1968, Hal Bromm Gallery de New York (1975); Direction 1981, Musée Hirschhorn et Sculpture Garden, Washington, D.C. (1981); Side by Side: New acquisitions, Musée d’art moderne de New York (1985); Knee-High Flashers, Galerie Arnaud Lefebvre, Paris (1993); Site and Insight: An Assemblage of Artists, MoMA PS1, New York (2003); Configurations, MAMCO, Genève (2005); Land of Lads, Land of Lashes, Galerie Thaddaeus Ropac, Londres (2018). Sa première grande rétrospective muséale a eu lieu au MACBA, à Barcelone, en 2017, suivie d’une exposition au MAMCO, à Genève qui ouvrira en octobre 2019.

Dates

Février 22 (Vendredi) 10 h 00 min - Mars 30 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Thaddaeus Ropac

7 Rue Debelleyme, 75003 Paris

Calendrier GoogleCal

mer16jan(jan 16)15 h 00 mindim24mar(mar 24)19 h 30 minPeople I KnowInta RukaVOZ'Galerie, 41 rue de l'Est 92100 Boulogne-BillancourtType d'événement:Exposition,Photographie

Rencontre avec Charlotte Cosson et Emmanuelle Luciani, commissaires de l’évènement Korakrit Arunanondchai (J1, MP2018)

Marie-Elisabeth De La Fresnaye

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