Rencontre Delphine Dumont, directrice Hangar Bruxelles : PhotoBrussels Festival #10, Bicentenaire de la photographie x CNAP

Photo. Kuda and Sky II, Zimbabwe 2020 © Nick Brandt

The Day May Break (2020-2024) est la dernière série d’images du photographe anglais Nick Brandt. Composée de quatre volets à travers quatre continents – chacun donnant lieu à un livre –, cette œuvre monumentale explore les répercussions du dérèglement climatique sur les êtres vivants, humains et non humains. Conçue dans une période charnière où les catastrophes écologiques et sociales se multiplient, la série s’inscrit dans l’urgence d’un monde en mutation.

A travers des portraits d’être humains déplacés ou menacés par des catastrophes climatiques et d’animaux recueillis en refuge, souvent incapables de retourner à l’état sauvage, Nick Brandt poursuit ici un engagement profond en faveur de la justice écologique et sociale en soulignant les liens de plus en plus visibles qui les unissent face à une même vulnérabilité. Nick Brandt compose des tableaux puissants qui brouillent la frontière entre allégorie et documentaire. Dans les deux premiers chapitres, les sujets sont enveloppés de brume, accentuant une atmosphère suspendue, presque irréelle, comme si la fin d’un monde et l’aube d’un autre se rencontraient dans l’instant fragile de la prise de vue.

Empreintes de silence et d’émotion, ses photographies allient beauté et désolation, évoquant à la fois la tendresse et la perte. Elles transcendent les frontières géographiques et culturelles pour rappeler que la crise climatique est une réalité universelle : qu’ils vivent au Zimbabwe, en Bolivie, aux îles Fidji ou en Jordanie, les visages de cette série incarnent tous une même lutte, une même dignité. Ils font tous partie des nombreux pays qui sont les moins responsables de la crise climatique. Leurs émissions de carbone à l’échelle mondiale sont, et ont toujours été, infimes comparées à celles des nations industrialisées. Pourtant, ils subissent de manière disproportionnée les effets de cette crise. L’ironie du sort réside dans le fait que de nombreuses personnes dans ces pays sont les plus vulnérables face aux conséquences désastreuses des modes de vie du monde industriel.

En parcourant ces images, le spectateur est invité à ralentir, à ressentir, à réfléchir. Il ne s’agit pas seulement de constater une tragédie en cours, mais de se demander quel rôle nous voulons jouer : serons-nous témoins passifs d’un effondrement ou artisans du renouveau ? The Day May Break nous rappelle avec force que l’aube du changement dépend des choix que l’humanité fait aujourd’hui.

«The Day May Break… and the world may shatter.
Or perhaps…the day may break…and some kind of dawn still come.
Humanity’s choice. Our choice.»

Nick Brandt est né et a grandi à Londres, où il a étudié la peinture et le cinéma à la Saint Martin’s School of Art. En 1995, alors qu’il réalise le clip épique Earth Song de Michael Jackson en Tanzanie, il tombe amoureux des animaux et des paysages d’Afrique de l’Est. En 2001, Nick Brandt décide de se consacrer entièrement à la photographie et entame ses premières séries dont une trilogie emblématique composée de On This Earth, A Shadow Falls et Across The Ravaged Land (2001-2012) réalisée en Afrique de l’Est. Il poursuit sa pratique photographique avec Inherit the Dust (2016) où il met en lumière le contraste entre nature et progrès destructeur et This Empty World (2019) qui révèle un monde où la cohabitation entre humanité et nature devient de plus en plus impossible. En 2010, il cofonde l’organisation à but non lucratif Big Life Foundation, dédiée à la protection des écosystèmes africains à travers la collaboration avec les communautés locales et la lutte contre le braconnage. Depuis 2020, il travaille sur The Day May Break, un projet qui réunit à ce jour quatre chapitres, mêlant humains et animaux touchés par le changement climatique et la destruction de l’environnement. Toutes les séries sont publiées sous forme de livres. Les œuvres de Nick Brandt sont régulièrement exposées à l’international, en galeries et dans des musées à travers le monde, notamment à la Fotografiska (Stockholm), à la Fahey/Klein Gallery (Los Angeles) ou encore à la Edwynn Houk Gallery (New York). Sa série The Day May Break a été exposée dernièrement à la Newlands House Gallery (Petworth), au Chungmu Art Center (Séoul), à la Fahey/Klein Gallery (Los Angeles) et l’ensemble du projet – Chapitre un à quatre – sera présenté en 2026, à la Polka Galerie (Paris) et à la Gallerie d’Italia (Turin). Les quatre chapitres sont ainsi présentés pour la première fois ensemble au Hangar, avec une avant-première du chapitre quatre The Echo of Our Voices encore inédit. Ses livres tels que On This Earth (2005), A Shadow Falls (2009), Across the Ravaged Land (2013) sont devenus des références dans le domaine de la photographie environnementale. Le lancement officiel du livre The Echo of Our Voices, quatrième chapitre de The Day May Break publié par Skira Editore (Milan), aura lieu à l’occasion de l’exposition au Hangar. Nick Brandt a reçu de nombreux prix pour son travail photographique et son engagement écologique, dont le Lucie Award for International Photographer of the Year (2009) et le Green Good Design Award (2017).

Photo. MAURICE, Tristesse et rigolade, 2018 © Charlotte Abramow

« MAURICE, Tristesse et rigolade » raconte l’histoire d’un combat, celui d’un homme face à la maladie, et d’une renaissance, portée par l’amour d’une fille. Entre narration documentaire et conte surréaliste, ce récit visuel et poétique résonne comme un hommage éternel de la photographe belge Charlotte Abramow à son père, Maurice. Pour la première fois, cette œuvre intime prend la forme d’une exposition immersive, présentée au Hangar.

Maurice fut le tout premier modèle que Charlotte photographia en studio. À 17 ans, elle pressentait déjà que la photographie allait guider sa vie, sans imaginer que son père deviendrait, quelques années plus tard, le cœur de son premier livre. Publié en 2018 grâce au soutien de 777 contributeurs, « MAURICE, Tristesse et rigolade » a vu le jour après le décès de Maurice, qui n’en connaîtra jamais la parution.

Sept ans plus tard, Charlotte Abramow revisite ce projet avec une force nouvelle. À travers cette exposition, elle ravive le souvenir d’un homme hors du commun : un médecin, un professeur, un enfant juif caché pendant la guerre, mais surtout un père plein de tendresse, d’esprit et de fantaisie. Nourrie des archives familiales, l’exposition déploie un récit profondément humain, entre rire et émotion.

Peut-on dire que la vie de Maurice s’achève en apothéose ? Si l’amour en est la mesure, alors assurément, oui. Face à la maladie et aux séquelles d’un coma post-anoxique, Charlotte a su transformer l’épreuve en création. Ensemble, père et fille ont inventé un nouveau langage : gestes, regards, complicité silencieuse… Le regard de Maurice, capté par la photographe, devient miroir et messager. Il est la muse, elle est l’artiste. Ensemble, ils tissent un conte intime, enchanteur, lumineux.

« MAURICE, Tristesse et rigolade » est l’histoire d’un lien indéfectible, d’un amour qui refuse l’oubli. L’histoire d’une transmission, d’une révélation artistique. Maurice savait-il que, dans ces instants suspendus entre les rires et les larmes, sa fille accomplissait ses premiers pas d’artiste ? Et qu’en se prêtant ainsi à son objectif, il lui léguait un trésor – celui de se découvrir, de créer, et de construire une œuvre profondément personnelle.

Née en 1993 à Bruxelles (Belgique), Charlotte Abramow s’intéresse à l’image dès son plus jeune âge. À 13 ans, elle photographie ses amies et des jeunes filles qui l’inspirent, créant à chaque fois une petite histoire. À 16 ans, lors d’un stage aux Rencontres d’Arles (France), elle rencontre Paolo Roversi (1947), photographe de mode et portraitiste italien. L’année suivante, il rédige un article sur ses images, intitulé «La fragilité et l’âme d’une guerrière» paru dans Polka Magazine en 2011. En 2013, Charlotte Abramow s’installe à Paris pour étudier à Gobelins, l’École de l’Image. Son travail remporte le Prix Picto de la Jeune Photographie de Mode en 2014 et aborde principalement le rapport au corps, les femmes et les étapes de la vie, mettant en scène les éléments de manière absurde dans un monde teinté de surréalisme. À 24 ans, l’artiste prend en charge la direction visuelle du projet BROL de la chanteuse belge Angèle dont elle réalise toutes les photographies. À l’occasion de cette rencontre artistique, elle fait ses premiers pas en tant que réalisatrice avec « La Loi de Murphy » et « Je Veux Tes Yeux ». En 2018, elle réalise aussi le clip « Les Passantes » de Georges Brassens, qui sort le 8 mars pour la Journée Internationale de lutte pour les Droits des Femmes. Le même jour, il est censuré aux moins de 18 ans par la plateforme YouTube pour « contenu offensant ». À l’automne 2018 paraît son premier ouvrage : « MAURICE, Tristesse et rigolade » sur la maladie de son père (Éditions Fisheye), f inancé par 777 contributeurs sur Kickstarter en 2016. Alors que le projet est en construction, il reçoit en 2017 une mention spéciale aux Photo Folio Review Awards des Rencontres d’Arles. En parallèle, la photographe expose sa série « They love Trampoline » à Paris Photo avec la Galerie Fisheye en 2018. En 2019, le livre « MAURICE, Tristesse et rigolade » est finaliste du Prix Nadar. La même année, Charlotte Abramow réalise le clip « Balance ton Quoi » d’Angèle avec Pierre Niney. Début 2020, elle conçoit et réalise « Le Petit Manuel Sex Education » pour Netflix. Cet objet éditorial de 64 pages sur le thème de l’éducation sexuelle est fait de photos et de textes et est distribué gratuitement à 75 000 exemplaires en France. En 2021, Charlotte Abramow présente ses premières expositions personnelles : « Première Page » à Fisheye Gallery (Arles, France) et « Started From The Body » à Richard Taittinger Gallery (New York, USA). En 2022, elle réalise sa première grande exposition rétrospective « Volle Petrol » au Hangar (Bruxelles, Belgique) et une exposition « Piquées » sur les abeilles et les apicultrices à la Maison Guerlain (Paris, France). Parmi ses nombreux projets : un court-métrage pour Arte (un épisode de la série H24 sur les violences faites aux femmes), l’affiche de la Semaine de la Critique à Cannes (2022), un clip pour la chanteuse Suzane (Clit is Good), les photographies du dernier album de Damso (BEYAH) ainsi que de nombreux portraits de personnalités pour la presse. En 2025, elle tient plusieurs expositions : « Rêves de Jeux » sur les grilles de la Tour-Saint-Jacques (Paris, France), « La tête haute » un projet sur la psychiatrie avec la Fédération Hospitalière de France présenté à la Fisheye Gallery (Paris, France), ainsi que « Volle Pétrol Twee » au Fort Napoléon (Ostende, Belgique).

All the places and the places between explore l’apparition photographique comme une persistance rétinienne du soleil, un écho qui se transforme en murmure, une mémoire qui se brise. Cette série révèle le lieu tout en le fragmentant, permettant à la mémoire de se fissurer et de se recomposer selon des géologies intimes, où la réalité oscille entre émergence et disparition, transformant le souvenir en un territoire hybride. Le photographe a développé des techniques singulières pour créer des images avec le sel et la terre de Cadaqués. L’eau dialogue avec la roche, le paysage s’inscrit dans sa propre matière. Le sel cristallise et sculpte l’image en reliefs montagneux, jusqu’à ce que la pierre donne à nouveau naissance à la mer.

Photo : People in Mirror are closer than they appear © Pixy Liao (Stieglitz 19)

Pour sa 10ème édition, le festival réunit 52 expositions portées par des galeries d’art contemporain, home galleries, centres d’art et musées, qui offrent autant de regards singuliers sur le médium photographique. Plus de 100 artistes — dont la moitié sont belges — y explorent la richesse et la diversité d’un langage visuel profondément ancré dans notre époque, à la rencontre d’un public toujours plus large et curieux.

La 10ème édition se déroulera du 22 janvier au 22 février 2025