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by La Rédaction on 15 janvier 2018

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L’œil ouvert a une bonne et une mauvaise nouvelle…

Temps de lecture : 18 secondes

On commence par la mauvaise nouvelle : L’œil ouvert ferme ses portes après 12 ans d’existence, 12 ans à faire découvrir des nouveaux talents… Au vu de la fermeture très prochaine, la galerie propose des tirages en vente à des prix défiant toutes concurrence. Jusqu’au 20 février 2018 vous pourrez les emporter à des prix jamais vus à partir de -20% à jusqu’à -70%.

INFORMATIONS PRATIQUES
1 rue Lucien Sampaix – Paris 10ème
Métro République et Jacques Bonsergent
Ouverture de la galerie :
Du mardi au samedi de 11h à 19h
contact@loeilouvert.com
+33 1 40 37 05 73
loeilouvert.com

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jeu12sep(sep 12)13 h 00 mindim22déc(déc 22)19 h 00 minDemeureAmaury Da CunhaLe Château d’Eau - Pôle photographique de Toulouse, 1, Place Laganne 31300 ToulouseType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Le geste photographique d’Amaury da Cunha crée souvent une atmosphère de trouble. Êtres et choses sont là sans être là vraiment, dirait-on. Face à ses images, est-on certain d’avoir affaire à ce que l’on voit pourtant assez distinctement ? Ce n’est jamais aussi évident que ça en a l’air et nous voilà souvent perturbés, intrigués. Ce n’est pas seulement le parti-pris esthétique qui produit cet effet-là, c’est le fait même, banal, ordinaire, dépourvu de spectaculaire. Une incertitude, ou plutôt un sentiment d’incertitude, se dégage.
Toujours, même quand il paraît anecdotique, le sujet photographié est comme entouré de mystère. Les natures mortes, les fragments de paysages même en sont baignées, et plus encore ces corps en sont comme nimbés.
Diffus, infusé, suggéré, il a ici plus que sa part. Ces cadrages et cette mise en lumière pour lesquels le photographe a opté dessinent autour des choses un halo d’étrangeté déstabilisant le regard. Ne pourrait-on pas y voir une forme de réalisme magique ? L’intensité de ses clichés est fonction de cette densité énigmatique qu’ils dégagent. Amaury da Cunha veut-il donc nous dire que l’on ne saurait jamais vraiment prendre la pleine et entière mesure des choses, êtres, paysages ou objets ?
Demeure rend hommage à la multiplicité des sensations provoquées par le réel, la vie. Le corpus d’images dans Demeure est volontairement hétérogène. Il y a cependant des motifs (ou des figures) qui reviennent à partir de ces petites unités de perception. Il a fallu les distribuer harmonieusement. Il ne s’agit pas d’une série d’images, mais plutôt un recueil pour reprendre une terminologie poétique, ou une séquence, si on pense au cinéma qui a influencé involontairement certaines de ces photographies. Sans doute, se pose ici la question du visage. Le visage aimé, le visage qui se révèle, le visage qui s’échappe.
Quant à la dimension autobiographique, elle est sous-jacente, peu centrale, éclatée. Depuis que da Cunha photographie, il utilise sa vie comme un matériau, mais il ne le donne pas à voir comme quelque chose de littéral. Les identités des lieux et des êtres sont flottantes, la temporalité demeure fantomatique.
Il pense qu’une photographie n’est jamais conforme à ce qu’elle montre. Comme il le souligne : «Qu’est-ce qu’on apprend réellement de moi dans ces images ? Peu de choses. Des bribes de mystères, peut-être. Sans doute un mélange de peur et de désir. »
Demeure est d’abord un livre, la quatrième monographie photographique d’Amaury da Cunha réunissant 47 images, mêlant couleur et noir et blanc, prises au cours des 18 dernières années.
Pour tenter d’élucider le secret des ses photographies, Amaury da Cunha a confié le soin à Sylvie Gracia d’y associer des mots, en toute discrétion. Dans l’ouvrage tous les textes sont glissés à l’intérieur de plis japonais, c’est-à-dire entre des pages n’ayant pas été découpées lors de la fabrication du livre. La lecture est ainsi entravée et invite le lecteur à manipuler l’ouvrage d’une manière inaccoutumée.
Cette exposition est une mise au mur d’un extrait de ce livre, associant textes et images et soulignant la double démarche de cet auteur, littéraire et visuelle.

Demeure est la quatrième monographie photographique d’Amaury da Cunha. Cet ouvrage réunit 47 photos, mêlant couleur et noir et blanc, prises au cours des 18 dernières années (2000-2018) et des textes courts de Sylvie Gracia.
Pour tenter d’élucider le secret des images, Amaury da Cunha a confié le soin à Sylvie Gracia d’y associer des mots, en toute discrétion. Une volonté littérale, en effet, puisque dans Demeure, tous les textes sont glissés à l’intérieur de plis japonais, c’est-à-dire entre des pages n’ayant pas été découpées lors de la fabrication du livre. La lecture est donc entravée et invite le lecteur à manipuler l’ouvrage d’une manière inaccoutumée.

Dates

Septembre 12 (Jeudi) 13 h 00 min - Décembre 22 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

Le Château d’Eau - Pôle photographique de Toulouse

1, Place Laganne 31300 Toulouse

Le Château d’Eau - Pôle photographique de Toulouse1, Place Laganne 31300 ToulouseOuvert de 13h à 19h du mardi au dimanche

Calendrier GoogleCal

mar26nov(nov 26)14 h 00 min2020sam18jan(jan 18)19 h 00 minTall TalesHally PancerGalerie Madé, 30 rue Mazarine 75006 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Sortir de la série photographique. Oser une écriture visuelle allusive mais consciente du réel. S’affranchir de toute obligation d’unité de temps, de lieu, de contexte.
C’est ce qu’expérimente et nous propose Hally Pancer, photographe américano-israélienne. En piochant dans ses archives photographiques, en faisant exploser les catégories, en mélangeant images spontanées et intimes avec d’autres plus réfléchies et construites, elle nous propose un voyage, ou plutôt la possibilité de voyages multiples. Et c’est ce possible qui donne à ces petites histoires en trois images toute leur richesse.
En effet, en trois images associées selon différents critères, Hally Pancer nous invite à plonger dans une suite de « haïkus occidentaux ». Elle n’impose rien, préférant les indices, les signes, les émotions, à une narration appuyée ou à une anecdote soulignée.
Hally Pancer suggère. Elle nous offre bien sur sa propre expérience, mais nous laisse aussi faire le chemin, le nôtre, dans ses images. Et prendre la distance nécessaire pour éprouver.
Une lecture onirique est souvent proposée dans l’association des trois photographies, mais une oscillation est permise, entre reportage, constructions ou divagations émotionnelles.
Il est remarquable de justement noter à quel point les émotions se télescopent ou s’harmonisent au sein de chaque triptyque. Associées entre elle autour de souvenirs personnels, de moments de vie heureux ou moins heureux – car souvent plane une légère inquiétude, un indétermination – elles deviennent des moments de vie. D’autres vies ? Et lorsque que leur proximité est chromique ou visuelle, ces petites histoires peuvent nous cueillir sur le terrain de l’étrange, de la fiction, de la cinématographie.
Si l’on reconnaît dans un premier temps les lieux, les villes, les pays, les situations, peu à peu la photographe nous incite délicatement à visiter une autre contrée imaginaire, sans jamais oublier les signes du réel. Elle nous invite à ressentir l’étrangeté du quotidien.
« L’américanité » du regard d’Hally Pancer est présent dans sa manière d’envisager, notamment, le territoire et les villes françaises et européennes, mais en mêlant des images se son Amérique, elle nous raconte l’histoire d’un pays intime, qu’elle invente et où elle nous invite.
Le titre de chaque triptyque est presque lacunaire, permettant là aussi une interprétation, un périple, un rêve. Il est le quatrième indice de ces histoires courtes. A nous de l’associer à notre lecture visuelle, à l’émotion de celle-ci.
Chacune de ces petites chroniques est autonome et pourtant l’on sent bien au final que c’est un même univers que nous propose de visiter Hally Pancer. A nous de faire le lien entre chacune d’entre elles, de relier tel chapitre à tel autre pour au final écrire notre propre roman, surement comme elle a écrit le sien.
L’homogénéité des couleurs fait aussi le lien entre toutes ces images, entre toutes ces histoires. Les couleurs semblent toutes atténuées, dépouillées de leur possible trivialité, et en nuancent toujours l’humour, la noirceur ou le mystère. Ces dernières basculent parfois même dans un « non-sense » tout anglo-saxon.
Il faut lâcher prise face aux histoires courtes d’Hally Pancer. Les apprécier une à une mais aussi les additionner. Laisser voyager ses idées, ses émotions. Se laisser envahir par ce léger et troublant vertige poétique.

Hally Pancer est née en 1961 et a grandi à New York. Américano-israélinne, elle a étudié la littérature au Bennington College, finissant ses études à la Parsons School of Design où elle a obtenu son BFA en photographie.
En 1988 après avoir reçu son MFA de l’Université de Yale et accompli un travail d’envergure sur les Etats-Unis, elle part en Israël où elle a continue son travail photographique et devient professeur de photographie à la Bezalel Academy of Art and Design à Jerusalem, au Hadassa College of Art and Design à Haifa et à la Kalisher School of Art à Tel Aviv. Mettant à profit sa présence dans la région, elle réalise de nombreux projets documentaires et sociaux pour sensibiliser l’opinion publique sur le processus de paix au Moyen-Orient.
De 1988 à 1993 elle voyage du nord au sud d’Israël pour sa série de portraits intitulée « Some Arabs and some Jews ». Ce travail est exposé dans tout le pays, avec Amanoot La’am, tant aux populations arabes qu’israéliennes.
De 1994 à 1997 elle a travaillé sur le projet « Le Golan », une série de paysages sur ce territoire contesté au nord d’Israël. Ce travail est exposé au Musée d’Israël à Jérusalem en 1997. Son projet « Beyond Borders » (1995-2001) fait référence, réunissant étudiants israéliens et palestiniens dans un projet commun, utilisant la photographie comme un médiateur. Les fruits de ce projet sont exposés dans diverses zones de conflits, de Belfast à Belgrade, en passant par Dublin, jusqu’à Jérusalem et Gaza.
« Beyond Borders » est également présentée dans plusieurs villes aux États-Unis et en Europe.
De 1991 à 2005, en parallèle à ses projets documentaires, elle consacre à sa famille un projet personnel intitulé « Lifelike ».
En 2001 elle s’intalle à Paris où elle enseigne la photographie à la Parsons School of Design et également à l’Ecole Supérieure d’Art et de Design (ESAD) à Amiens et au CEA- Campus Global à Paris.En septembre 2011 elle devient professeure associée à Sciences Politiques, à Paris.
Son travail a été exposé au Musée d’Art Moderne (MoMA) à New York, au Musée d’Israël à Jérusalem et au Jeu de Paume à Paris.
Ses photographies font partie de plusieurs collections privés internationales.

Dates

Novembre 26 (Mardi) 14 h 00 min - Janvier 18 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Madé

30 rue Mazarine 75006 Paris

Calendrier GoogleCal

sam16nov(nov 16)10 h 00 min2020ven28fev(fev 28)18 h 00 minChaumont-Photo-sur-Loire 2019Domaine de Chaumont-sur-Loire Centre d'Art et de Nature, Ferme du Château 41150 Chaumont-sur-LoireType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Cette troisième édition de Chaumont-Photo-sur-Loire rassemble des artistes français et étrangers, liés par leur relation particulière au paysage, qu’il s’agisse de ceux du Domaine ou des bords de Loire ou d’horizons beaucoup plus lointains, qu’ils soient asiatiques, africains ou américains.
Toutes ces images sont inédites ou jamais vues en France. Trois artistes expriment, de manière très originale et très différente leur relation particulière à la Loire. C’est le cas de l’Américain Jeffrey Blondes, dont l’objectif est de nous faire saisir, à l’issue d’un travail d’une année entière, l’essence du temps et des infinies variations de lumière et de couleur de paysages intemporels, Manolo Chrétien nous plongeant, quant à lui, dans les remous insaisissables et envoûtants du fleuve. Henri Roy, également fasciné par la Loire, a fait, dans le cadre d’une résidence, le portrait photographique du Domaine et restitué son immersion dans le site par le texte, autant que par l’image.
Le grand photographe coréen Bae Bien-U nous entraîne, quant à lui, dans la contemplation des Orums, d’hypnotisantes collines volcaniques de l’île de Jeju, aux formes abstraites et picturales, tandis que Juliette Agnel a rapporté d’un voyage au Soudan du Nord des images d’une intensité et d’une intemporalité exceptionnelles.
Le photographe mexicain Juan San Juan Rebollar nous fait, enfin, partager sa passion pour la poésie graphique des végétaux.
Plus d’une centaine d’images inédites célèbreront donc, dans le cadre de cet événement, de novembre 2019 à fin février 2020, la somptuosité et le mystère de paysages indifféremment proches ou lointains.

Chantal Colleu-Dumond
Commissaire de Chaumont-Photo-sur-Loire

Dates

Novembre 16 (Samedi) 10 h 00 min - Février 28 (Vendredi) 18 h 00 min

Lieu

Domaine de Chaumont-sur-Loire Centre d'Art et de Nature

Ferme du Château 41150 Chaumont-sur-Loire

Domaine de Chaumont-sur-Loire Centre d'Art et de NatureFerme du Château 41150 Chaumont-sur-LoireLe Domaine de Chaumont-sur-Loire ouvre tous les jours de l’année, dès 10h00, y compris les jours fériés (sauf le 1er janvier et le 25 décembre). Il ouvre exceptionnellement ses portes à 9h30 en juillet et août 2018

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ven18oct(oct 18)10 h 00 min2020dim26jan(jan 26)18 h 00 minZoomGuy BourdinMusée de la Photographie Charles Nègre, 1 Place Pierre Gautier 06364 NiceType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Avec son surréalisme, son humour vif et une approche radicalement nouvelle, Guy Bourdin a bouleversé la scène de la photographie. Qu’il soit éditorial ou publicitaire, son travail, caractérisé par une intensité dramatique et par un inlassable perfectionnisme, a brisé les conventions esthétiques. Le Centre d’art Campredon a la fierté de présenter l’exposition L’image dans l’Image, exceptionnelle plongée dans l’œuvre de Guy Bourdin, légendaire photographe et peintre.

Des générations de photographes et artistes visuels contemporains trouvent en Bourdin une source d’inspiration. Son influence, qui a traversé le temps et transcendé les flux et les reflux de la mode, inscrit son travail dans le contexte de l’art moderne.

« C’est Guy Bourdin qui m’a donné l’envie de faire des photos de mode. Je l’admirais, je le connaissais et je l’aimais, lui et sa manière d’être, tellement indépendants de tout et de tous. Il savait associer avec une telle liberté l’image et la marque pour laquelle il travaillait ! Le message servait de trampoline à son imagination. J’aimais sa fantaisie, son intégrité, son amitié. Il a donné naissance à un regard nouveau sur la mode, qui autorise désormais le photographe à exprimer ses sentiments, d’où son influence sur de nombreux artistes. » Sarah Moon

L’image dans l’Image présente un grand nombre des œuvres les plus significatives de Guy Bourdin, parmi celles réalisées avec son modèle favori, Nicolle Meyer. L’exposition juxtapose des clichés emblématiques et des polaroids, qui apportent un éclairage sur le processus créatif de l’artiste et sur son talent visionnaire.

Pendant plus de quarante ans, le travail de Guy Bourdin a redéfini les limites de la photographie de mode contemporaine. Aujourd’hui encore, il inspire et enflamme les créateurs. Autodidacte, Bourdin consacra son existence à toutes sortes de quêtes artistiques. La photographie de mode lui servit de médium pour explorer des univers situés entre l’absurde et le sublime.

Shelly Verthime, Commissaire de l’exposition

Dates

Octobre 18 (Vendredi) 10 h 00 min - Janvier 26 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Musée de la Photographie Charles Nègre

1 Place Pierre Gautier 06364 Nice

Musée de la Photographie Charles Nègre1 Place Pierre Gautier 06364 NiceOuvert tous les jours 10h-12h30 13h30-18h

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mer30oct(oct 30)13 h 00 minsam14déc(déc 14)19 h 00 minArdenneEric GuglielmiGalerie Maubert, 20 rue Saint-Gilles 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

« En janvier 2016, j’ai débuté, dans ce territoire divisé en de multiples entités politiques, une exploration photographique qui interroge la notion de frontière. L’Ardenne s’étend de part et d’autre des frontières belges, françaises et luxembourgeoises mais constitue avant tout un seul et même ensemble géographique. Aucune entité administrative ne recouvre ce territoire mal défini : en Belgique et au Luxembourg il n’a pas d’existence officielle et s’il donne son nom à une région française, celle-ci ne correspond vraiment à aucune réalité géographique. Je longe et traverse les lignes invisibles qui strient ce territoire, passant sans m’en rendre compte d’une région à l’autre, d’un pays à l’autre.
Quand je marche ainsi, je perds de vue les découpes arbitraires de ce territoire. Il n’y a plus ni France, ni Luxembourg, ni Belgique. Il n’y a plus que cette forêt immense. Comme si le balancement de mes pas, d’un bord à l’autre des frontières, tricotait un nouvel ensemble. »

Le projet Ardenne a fait l’objet d’une résidence de 18 mois dans les Ardennes (Belges, Luxembourgeoises et Françaises) ainsi que d’une publication et d’une exposition personnelle à la Maison de la photographie Robert Doisneau en 2018.

Les oeuvres d’Eric Guglielmi font partie de collections publiques (BNF, CNAP, FMAC Gentilly Musée Arthur-Rimbaud…) et privées (Neuflize OBC,Cima Immobilier…). En 2015, il est nominé au Prix AIMIA/AGO ainsi qu’au Prix Pictet et reçoit l’Aide à la photographie documentaire du Centre national des arts plastiques (CNAP) pour son projet Ardenne. Eric Guglielmi est lauréat de la commande photographique nationale « Flux, une société en mouvement » 2018.

Dates

Octobre 30 (Mercredi) 13 h 00 min - Décembre 14 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Maubert

20 rue Saint-Gilles 75003 Paris

Galerie Maubert20 rue Saint-Gilles 75003 ParisGalerie ouverte du mardi au samedi de 13h00 à 19h00 ou sur rendez-vous

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