Young girl with flower in demonstration against the war in Vietnam, Washington, D.C., 1967 © Marc Riboud

L'Ephéméride

by La Rédaction on 30 août 2018

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Ephéméride (2016) : Mort de Marc Riboud

Name: Paris-Londres
Start: 2019-3-12T10-10-00-00
End: 2020-1-5T17-17-30-00
Location: Musée national de l'histoire de l'immigration

Temps de lecture : 8 secondes

Le 30 août dernier, le photographe français Marc Riboud décédait à l’âge de 92 ans. Membre de l’agence Magnum depuis le début des années 50. Il est également exposé à la Fondation Carzou : https://www.9lives-magazine.com/events/marc-riboud-regard-monde/

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sam30mar(mar 30)10 h 00 mindim05mai(mai 5)19 h 00 min7ème édition L’Emoi Photographique Organisateur: L'Emoi Photographique Type d'événement:Festival,Photographie

Détail de l'événement

L’Emoi Photographique est un festival de photographie qui se déroule à Angoulême en Charente du 30mars au 05 mai 2019.
Le festival a cette année deux invités Laurent Chéhère et Flore Aël-Surun.
Il propose vingt-huit expositions autour du thème « Mystères et Enchantements, de l’obscurité à l’émerveillement».
Vingt huit expositions dont la diversité est l’essence du festival.
A l’origine du thème de cette septième édition il y a le travail de Flore Aël-Surun qui me parvient en cette fin avril 2018 certainement en corrélation avec le festival du chamanisme de Genac, juste à côté d’Angoulême.

Immédiatement me saute au visage la réussite de la traduction de cette essence énergétique que j’ai pu rencontrer en Afrique avec le vaudou, dans les contes bretons qui décrivent si bien le moment où la frontière entre la Terre et l’humain s’efface ou bien dans la chaleur des mains de certains pratiquants d’arts martiaux qui ont intégré cette idée de circulation d’énergie. Certains scientifiques étudient depuis longtemps et commencent à pouvoir expliquer à nos esprits cartésiens cette notion d’un tout où l’homme a sa place comme tous les autres habitants de la Terre parce qu’il leur est relié. Le besoin de retrouver ce lien dans des regards différents est le point de départ de cette édition de l’Émoi Photographique. L’intérêt de rencontrer des gens différente de nous même est de découvrir les chemins de traverse qu’ils ont emprunté pour s’apercevoir que le but était sensiblement le même pour tous et de s’enrichir de leurs expériences puisque nous ne pouvons les vivres toutes.

Une des raisons de la recherche de ces connexions est une recherche de bien-être et de sens, c’est ce que nous proposent Olivier Mulhloff avec la magie de « Zootropie » et « d’Arborescence », Bruno Blais avec «Fantasque mélancolie pyrénéenne » , Pierre-Louis Ferrer avec « Paris invisible ». Et puis la dualité de l’être humain prend place avec ses interrogations et remises en question grâce à Clarisse Rebotier et « Urbanimo », Claude Massassa-Bunny et « Envoutement » ou encore Jean-André Bertozzi et « Ressort poétique » et les chemins se dessinent un peu plus fermement. On emprunte celui de l’interrogation spirituelle et de la temporalité derrière Flore Aël-Surun avec Co et « Humanité 2 », Novowestern et « Kimaira », Dominique Agius et « Vanités ».

En invitant Laurent Chéhère nous avons choisi de remettre un pied dans une réalité réorganisée où dans un élégant mouvement de balancier il nous fait pencher tantôt vers le beau, tantôt vers la tristesse, virevolter vers la détresse mais sans oublier la philharmonie de la vie. Un travail dont aucune des facettes de l’humanité ne semble avoir été oublié. Cette exploration des diversités nous en retrouvons les côtés sombres avec Pascale Brienne et « Paréidolie », Céline Levain et « Captives », Christian Barbe et « Les portes du Paradis », « La part de l’ange » d’Alain Goirand où les constats de l’enfance comme de l’âge adulte font grincer les dents. Des traumas et de ce que l’être humain en fait consciemment Arthy Mad avec « Solo », Cécile Ménendez avec « Prémonition », Natalia Kovachevski avec « Les contes de Kovachevski », Dorothée Machabert avec « États d’âme » nous offre un retour sur eux mêmes où l’expérience permet de s’interroger, parfois de se retrouver. Cette introspection qui permet que le « je » puisse devenir un « on » dans la reconnaissance de l’autre avec Runeda et « Moi..Peau » ou dans l’universalité du mythe chez Mitar Terzic avec « Malleus »

Les chemins de vie se laissent également photographier lorsqu’ils dénoncent une injustice comme les « fantômes de la corniche » de Baudouin Mouanda qui met en exergue l’injustice liée à la difficulté d’acquérir les connaissances scolaires quand on n’habite pas le bon quartier de Brazzaville et que l’utilisation de la lampe-torche et du lampadaire résonnent comme un retour au Moyen-Age pour la jeunesse démunie du pays.
Et puis il ya des réalités « à côté », celle où l’on glisse juste avec un pas de l’autre côté du miroir pour observer, contempler ce qui nous entoure avec le questionnement que laisse la liberté de se penser invisible, comme passé dans un autre monde avec « La maison du miroir » de Claire Dias-Lachaise, « Symmetricks 1 et 2 : Loire enchantée » de Lisa Elin ou « Lux » de Cush Mok.

Le moment où l’enchantement passe à l’ensorcellement se découvre avec « Médusé » de Stéphane Robin où la fascination pour la beauté sombre de ces méduses s’accorde avec le jeu des mots tellement l’on se sent tiraillé entre la beauté et la violence qui suintent des filaments en nous donnant l’impression d’assister à un combat de gladiateurs. Le vainqueur et le vaincu tout aussi beaux l’un que l’autre, leur similarité physique nous empêchant de les différencier si nous ne nous accordons pas le temps de la contemplation. Pour continuer notre promenade vers la remise en question de la lecture de l’image, Eric Rumeau propose de nous entrainer dans sa descente aux enfers avec « Refuge de l’ombre », qui est en fait une promenade de santé pour les personnes profitant des bienfaits de l’air confiné dans l’ancienne mine de sel.

Epoustouflant brouillage de repère dans notre perception émotive d’une photographie quasi documentaire que l’auteur déchire avec quelques mots en nous faisant partager l’expérience de sa propre déstabilisation.

C’est cette remise en question, le changement de point de vue, la beauté de l’imagination et la profondeur de la psyché humaine que nous sommes heureux de proposer avec ce voyage allant de l’enchantement à l’ensorcellement en passant par l’ambiguïté de l’entre deux pour parcourir les nuances de gris entre le noir et le blanc de l’âme humaine.

Peggy Calvez-Allaire

Découvrez le programme : http://www.emoiphotographique.fr/

Dates

Mars 30 (Samedi) 10 h 00 min - Mai 5 (Dimanche) 19 h 00 min

Organisateur

L'Emoi Photographiqueemoiphotographique@free.fr Angoulême

Calendrier GoogleCal

mar12mar(mar 12)10 h 00 min2020dim05jan(jan 5)17 h 30 minParis-LondresMusic Migrations (1962-1989)Musée national de l'histoire de l'immigration, 293 Avenue Daumesnil, 75012 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Du début des années 1960 à la fin des années 1980, de multiples courants musicaux liés aux flux migratoires ont transformé Paris et Londres en capitales multiculturelles. Paris-Londres. Music Migrations propose un parcours immersif et chronologique pour traverser ces trois décennies décisives de l’histoire musicale des deux villes, et faire résonner un brassage inédit de rythmes musicaux avec les évolutions sociales et politiques, les transformations urbaines et les flux migratoires successifs qui ont marqué l’époque.

Cette exposition explore les liens denses et complexes entre migrations, musiques, luttes anti-racistes et mobilisations politiques. Elle montre comment plusieurs générations d’immigration dans ces deux anciennes puissances coloniales se sont emparées de la musique pour faire entendre leurs droits à l’égalité, revendiquer leur place dans l’espace public, et contribuer aux transformations à la fois urbaines, économiques et culturelles des deux pays.

Véritable expérience musicale et visuelle, Paris-Londres. Music Migrations présente plus de 600 documents et œuvres d’art liés à la musique – instruments, costumes, photos, affiches de concerts, vidéos, pochettes de disques, fanzines… – des prêts d’institutions comme le Victoria and Albert Museum et la Tate Gallery mais aussi des ensembles issus de collections personnelles de musiciens (dont celle de Manu Dibango), un costume de Fela Kuti le « père » de l’afro-beat ou des réalisations de Jean Paul Gaultier.

La playlist de l’exposition fait entendre le reggae-punk de Poly Styrene, le makossa de Manu Dibango, le ska de Desmond Dekker, le R&B de Soul II Soul, le punk sans frontière de Rachid Taha, l’asian underground d’Asian Dub Foundation, le zouk de Kassav’, l’electro-rap de Neneh Cherry, l’afro-reggae d’Alpha Blondy, le reggae légendaire de Bob Marley, le raï moderne de Khaled, le rock métissé des Négresses Vertes…

Dans un contexte européen de repli national et de volonté de fermeture des frontières, l’exposition, qui ouvrira quelques semaines après le Brexit, prévu le 29 mars 2019, se place au cœur de la plus brûlante actualité.

Dates

Mars 12 (Mardi) 10 h 00 min - Janvier 5 (Dimanche) 17 h 30 min

Lieu

Musée national de l'histoire de l'immigration

293 Avenue Daumesnil, 75012 Paris

Musée national de l'histoire de l'immigration293 Avenue Daumesnil, 75012 ParisOuvert tous les jours de 10h à 17h30 et jusqu'à à 19h le week-end. Fermé le lundi.

Calendrier GoogleCal

sam16mar(mar 16)10 h 00 mindim07avr(avr 7)19 h 00 minLes Photographiques 2019 Organisateur: Association Festival de l’image Type d'événement:Exposition,Festival

Détail de l'événement

Pour la quatrième année, des photographes contemporains sélectionnés dans le cadre d’un appel à auteur verront leurs travaux exposés au côté d’un photographe invité.

Les auteurs photographes sélectionnés cette année, qu’ils aient déjà un parcours confirmé ou en devenir (à l’instar du tout jeune Nicolas Ruann), sont très sensibles à
l’humain en tant qu’individu, à l’humanité et son devenir ainsi qu’au monde qui les abrite. Ils tentent de transmettre leurs préoccupations, chacun employant pour ce
dessein, une écriture qui lui est propre. Les Photographiques 2019, retranscrivent ces »points de vue » à travers une sélection mêlant des travaux autour de l’identité,
intime ou commune, et d’autres, relevant d’interrogations sociétales et environnementales.

Les auteurs sélectionnés cette année :
• Centre des Expositions Paul Courboulay (Le Mans) :
Dan Aucante, Philippe Chardon, Isabeau De Rouffignac, Sandrine Elberg, Isabelle I, Nicolas Ruann, Aurélie Scouarnec et Valérie Simmonet
• Centre d’art MoulinSart (Fillé/Sarthe), Sophie Carles
• L’Éolienne (Arnage), Michaël Massart
• Médiathèque Louise Michel (Allonnes), Christophe Hargoues

Notre invité, Vincent Gouriou, exposera dans le cadre patrimonial de la Collégiale saint-Pierre-la-Cour Il y succédera à Estelle Lagarde, Corinne Mercadier et au suédois Magnus Wennman. Il présentera un ensemble de portraits orchestré autour de la série, «Singularité(s)», exploration des états transitoires des corps et sexualités, donnant ainsi le « la » à l’ensemble de la programmation.

Dates

Mars 16 (Samedi) 10 h 00 min - Avril 7 (Dimanche) 19 h 00 min

Organisateur

Association Festival de l’imagecommunication@photographiques.org 2 avenue Greco, 72100 Le Mans

En savoir plus

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lun21jan(jan 21)11 h 00 minmer26jui(jui 26)19 h 00 minAzzedine Alaïa - Collectionneur - Adrian & Alaia - L'art Du TailleurGalerie Azzedine Alaïa, 18 rue de la Verrerie 75004 ParisType d'événement:Exposition

Détail de l'événement

Une exposition inédite, conçue par l’Association Azzedine Alaïa, réunit deux grands noms qui ont modifié l’histoire de la mode : Gilbert Adrian et Azzedine Alaïa.

Pour la première fois les modèles d’Azzedine Alaïa conversent avec ceux de Gilbert Adrian. Couturier américain mythique, Adrian est représenté en nombre important dans les collections patrimoniales que Monsieur Alaïa a constituées avec minutie et respect de l’histoire.

Organisée par l’Association Azzedine Alaïa sous la direction d’Olivier Saillard, cette exposition montre comment le goût pour l’élégance intemporelle, la quête d’un style avant celle de la mode, l’exigence de la coupe, peuvent se transmettre entre deux grands couturiers que les décennies et les continents séparent.

A travers le prisme des tailleurs dont tous deux partagent l’excellence, l’exposition montre à quel point la conception et la construction des vestes unissaient ces deux grands de la mode.

Les choix des tissus, la recherche des formes, la finesse des détails sont des traits d’union entre eux.

Dans les modèles de l’un, on peut lire le secret héritage de l’autre, de la main d’un maître à celle de l’autre comme seuls les plus talentueux et les plus exigeants peuvent le faire.

Présentés sous la forme d’un dialogue entre les vêtements créés au cours de leurs carrières respectives, deux grands couturiers partagent un discours unique sur le tissu et la coupe.

Gilbert Adrian, plus simplement connu comme Adrian tout au long de sa carrière, était le directeur des costumes à la MGM à Hollywood pendant “l’âge d’or” du cinéma des années 1930. Son travail devint synonyme du glamour hollywoodien sur grand écran. Le talent d’Adrian variait, de la garde-robe de femme fatale de Jean Harlow dans “Les invités de 8 heures”, aux costumes du “Magicien d’Oz”, ou encore à l’incroyable garde-robe de toutes les actrices du film “Femmes” en 1939.

Ses créations étaient si recherchées que dans les années 1940, Adrian quitta Hollywood pour fonder sa maison de couture à New-York, où ses tailleurs structurés, portés par Katherine Hepburn, Greta Garbo et Joan Crawford, seront précurseurs de la mode américaine des années 1940 et 1950.

Arrivé à Paris dans les années 1960 et malgré des moyens financiers modestes dus à son jeune âge, Azzedine Alaïa avait toujours l’œil pour dénicher les pièces rares. Il commença à collectionner des objets d’art, de design et de mode tout en créant ses collections.

Alors qu’il avait à peine vingt ans, il acheta dans un petit magasin une exceptionnelle statuette ancienne représentant une tête copte. C’est seulement plus tard qu’il découvrit que cette statuette avait appartenu à la comtesse de Greffulhe, qui inspira à Marcel Proust l’héroïne de la Duchesse de Guermantes. Ce talisman l’accompagna toute sa vie.

À la fermeture de la prestigieuse Maison de Cristobal Balenciaga en 1968, Alaïa recueillit des chefs-d’œuvre de coupe qu’il ne pouvait supporter de voir disparaître. Il en reçut une véritable responsabilité d’ordre patrimonial et c’est ainsi qu’il commença sa collection de pièces de grands noms de la mode, passés ou récents.

Il fut en outre le premier à collectionner les pièces du designer Jean Prouvé.

Alaïa deviendra également un collectionneur majeur, si ce n’est le plus important, du travail d’Adrian, peu représenté dans les musées français. La collection constituée par Alaïa, de plus de 150 pièces, est une représentation fidèle de toutes les facettes du couturier hollywoodien.

Créateur de costumes et couturier, Adrian était admiré par Azzedine Alaïa pour ses constructions techniques sophistiquées, l’esprit de ses créations influencées par la haute couture parisienne, les détails, la coupe, et sa façon de travailler le tissu et de le courber selon son imaginaire fertile.

Mais c’est le “Power suit” des années 1940, aux larges épaules et cintré à la taille, pionnier de la révolution des garde-robes des femmes, qui a le plus impressionné le jeune Alaïa. Depuis sa Tunisie natale dans les années 1950, il admirait l’élégance, la force et l’invulnérabilité des femmes parisiennes. L’esthétique Alaïa deviendra plus puissante à partir de cette mémoire. L’art de la sculpture et du modelé, qu’il avait étudié à l’école des Beaux-Arts de Tunis, va contribuer à forger son style personnel.

En 1979, alors qu’il se trouvait dans son atelier de la rue de Bellechasse, une de ses fidèles clientes couture, la baronne Cécile de Rothschild, se présenta avec une amie proche, Greta Garbo. Ce fut une rencontre décisive dans la vie d’Azzedine Alaïa. La recluse Greta Garbo, qui avait porté les costumes d’Adrian dans les années 1940, à la scène comme à la ville, demanda à Alaïa de lui créer un pantalon et un manteau de coupe ample et masculine en cachemire bleu marine. Alaïa parlait souvent de cette rencontre en ces termes : « une femme belle et puissante en chaussures plates ». Il y a quelques années, il put racheter aux enchères le manteau qu’il lui avait confectionné, lors d’une vente célèbre qui suivit la disparition de la Divine.

Partageant de nombreuses affinités avec Adrian dans l’exécution des ses modèles ainsi que dans l’obsession pour la technique au service de l’art de la couture, Azzedine Alaïa passait des nuits entières sur la même veste noire sans jamais être satisfait, à la recherche de la perfection. Formé à la sculpture, il devint le maître de la coupe et de la silhouette, véritable architecte des corps à partir des années 1980.

La collection des maîtres de la Couture assemblée et réunie par Azzedine Alaïa tout au long de sa vie représente l’un des départements les plus importants des archives de l’Association Azzedine Alaïa, aux côtés de ses collections en nom propre.

Cette exposition est une sélection rigoureuse du travail de Gilbert Adrian, amplement collectionné au fil des ans par Azzedine Alaïa. Tous les modèles choisis et voulus par Monsieur Alaïa témoignent de la passion unique et de l’amour qu’il nourrissait pour l’histoire de la mode.

Parallèlement à l’exposition, deux films seront projetés et mettront en lumière les talents d’Adrian et d’Alaïa : “Les femmes”, 1939 – avec les stars Norma Shearer, Joan Crawford, Rosalind Russell, Joan Fontaine, Paulette Goddard, et de nombreuses figurantes habillées par Adrian.
“Dangereusement vôtre”, 1985 – un James Bond, pour lequel Azzedine Alaïa a réalisé les costumes de Grace Jones, qui joue le personnage de May Day

Dates

Janvier 21 (Lundi) 11 h 00 min - Juin 26 (Mercredi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Azzedine Alaïa

18 rue de la Verrerie 75004 Paris

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mar19fev(fev 19)11 h 00 mindim31mar(mar 31)19 h 00 minMOVIMENTOFrancesca PiquerasLa Galerie de l'Europe, 55 rue de seine 75006 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Francesca Piqueras a, une décennie durant, photographié d’étranges fossiles technologiques échoués sur les rives des mers et des océans du globe. Elle est entrée, avec nous, dans l’Anthropocène. Une ère façonnée par l’homme, une époque au sens géologique où les traces d’une activité industrielle en perpétuel renouvellement se lisent à l’œil nu, à même la surface du globe, sans qu’il soit nécessaire d’explorer les strates d’un âge disparu. Nul archéologue ne se penchera sur ces carcasses : elles appartiennent à un présent qui transforme, engloutit et régurgite dans un même élan les obscurs outils d’un âge de fer et de béton. Sa vision sensible continue d’interroger sans le juger ce conflit incessant entre construction et déliquescence, création et effondrement, où nature et humanité s’affrontent en un combat sans vainqueur.

Elle porte aujourd’hui son regard sur les meurtrissures de la roche, sur la contrainte des fleuves, en d’étonnants dyptiques où se confrontent les créations les plus sublimes et les destructions les plus implacables. Ici sont gravés dans le marbre les âges de l’homme, zébrures quasi cubistes où se lisent en noir et ocre les blessures d’une montagne mise en pièces. Ici la vie d’un fleuve étranglé par les barrages s’écoule en jets boueux et bouillonnements furieux, derniers sursauts de liberté. Dans cette dynamique paradoxale, où le mouvement accentue l’immuabilité, la pierre et l’eau entrent en résonance, se font l’écho d’une défaite irrésistible, signalent l’abandon prochain, inéluctable, de constructions humaines vouées à décliner et à disparaître.

Francesca Piqueras sait capter le jeu subtil entre équilibre et déséquilibre, entre ordre et entropie. Ses cadrages animent et mettent en tension les flux antagonistes qui s’ignorent et se combattent, coexistent et se répondent : d’un côté, l’inventivité prodigieuse de l’homme, de l’autre, la puissance irrépressible de la nature. En créant ainsi une dimension à la fois objective et émotionnelle, elle définit un espace hors du temps mais profondément ancré dans notre époque, qui préfigure l’accélération vers le chaos des origines, en un cycle immuable. Une vision qui prend littéralement un sens métaphysique, à la limite de la prophétie. Si la matière se désagrège et se dilue, si elle porte les traces du passage éphémère de l’humanité, c’est pour mieux accentuer sa possible métamorphose, en une re-création indépendante à la fois des lois de la nature et de la main de l’homme.

Ses photographies marquent ainsi l’émergence d’une architecture arbitraire, sans but apparent ou signification directe, qui s’anime d’une vie propre, formes abstraites et anachroniques réinventées par la fantaisie des éléments. Dans cette géométrie spontanée, les éléments, qu’ils soient fluides ou solides, délimitent un univers à la fois onirique et réel, indifférent à notre existence. Les structures qui en résultent appartiennent à un processus créatif hors de notre compréhension de l’ordre du monde, naturel ou humain.

C’est cette existence parallèle que Francesca Piqueras a choisi d’explorer. Ce constat d’une extrême acuité invite à une relecture de notre époque, réinterprète le concept d’Anthropocène en une « anthropo-scène », une mise en lumière de la contraction du temps lui-même, qui s’emballe et s’enraye dans une même mécanique, accèlère le passé et comprime le futur. Un temps de progrès qui broie et jugule indifféremment la roche, l’eau et les hommes. Entre les cicatrices à vif d’une transmutation brutale et la fragilité de notre condition humaine, les monuments improbables de Francesca Piqueras règnent en silence sur une scène absurde, et expriment avec force l’esthétique insolite, intemporelle, mais fondamentalement contemporaine d’une archéologie de notre présent.

Joël Halioua

Novembre 2018

Dates

Février 19 (Mardi) 11 h 00 min - Mars 31 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

La Galerie de l'Europe

55 rue de seine 75006 Paris

La Galerie de l'Europe55 rue de seine 75006 ParisOuvert du mardi au samedi de 11h à 13h et de 14h à 19h

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Ephéméride (2016) : Mort de Marc Riboud

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Ça s’est passé un 21 mars : Disparition de Nadar

Ça s’est passé un 11 mars 1978 : Mort de Claude François

Le Kaiser de la mode a tiré sa révérence, hommage au photographe !

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