Name: A day in the museum
Start: 2019-2-15T12-12-00-00
End: 2019-3-31T21-21-00-00
Location: MAMM - Multimedia Art Museum Moscow

Temps de lecture : 1 minute et 20 secondes

Alors que la FNAGP devient la Fondation des Artistes, nous rencontrons Caroline Cournède, directrice de la Maison d’Art Bernard Anthonioz (MABA) à l’occasion de l’exposition dédiée au retour en force du mythe de la sorcière, dont elle est la commissaire. « La vérité » n’est pas la vérité ».

Une figure du passé souvent pourchassée qui porte en elle les éléments d’une révolte future. Comment dès lors dépasser ses stéréotypes pour questionner des enjeux sociétaux, économiques et environnementaux extrêmement présents dans les débats.

INFORMATIONS PRATIQUES
La Vérité n’est pas la Vérité
Jusqu’au 20 avril 2019
Avec les œuvres de Meris Angioletti, Nina Canell, Ilanit Illouz, Jonathan Martin, Marijke De Roover, Gaia Vincensini
MABA
16 rue Charles VII
94130 Nogent-sur-Marne
Ouvert au public, les jours de semaine de 13h à 18h, les samedis et dimanches de 12h à 18h. Fermeture les mardis et les jours fériés. Entrée libre.
http://maba.fnagp.fr

Détail de l'événement

« Il s’agit rarement juste de nourriture dans la photographie culinaire »
– Susan Bright, Feast for the Eyes – The Story of Food in Photography

Peut-être est-ce parce que la nourriture est un sujet qui unit, qui réunit, peut-être est-ce parce que l’acte de manger en est un nécessaire à la vie, l’Homme a de tous temps cherché à représenter son alimentation. Des scènes de chasses pariétales aux mises en scène hautement distinguées et compliquées des livres culinaires des grands chefs
contemporains, la nourriture a empli l’Histoire de l’Art.
Dès 1827, Nicéphore Niépce, pionnier de la photographie, utilise la Camera Obscura pour photographier une table sur laquelle sont disposés un bol, des couverts, un verre, une carafe et une miche de pain. Il signe alors non seulement les débuts de la photographie, mais également les balbutiements de la photographie culinaire.

Pendant longtemps, le contenu de nos assiettes est photographié de la même manière, reprenant les codes de la peinture classique et de la nature morte, ou composé en vue de dessus sur une table de dîner traditionnelle, de manière à offrir le point de vue du « mangeur ». Puis, dès le milieu des années 1940, correspondant à la fin de la guerre et à une envie de la part des populations de mettre derrière elles l’austérité et les restrictions de ces cinq années de privations, des magazines tels que Vogue font évoluer la pratique de la photographie culinaire. La food devient un sujet de mode. On pense notamment aux images d’Irving Penn qui, mettant en scène avec le même glamour célébrités et camemberts, se fait un des précurseurs du food styling. De plus en plus, l’objectif se rapproche de son sujet, s’essaye aux close-ups. C’est la starification des ingrédients. L’importance est mise sur le produit, sur les textures. On parle bientôt de pornfood. Ce terme, contraction des mots « food » (nourriture) et « pornographie » illustre bien ce sentiment de plaisir « interdit ». Dans les deux cas, on parle bien du fait d’éveiller le désir par le biais du visuel.

La cuisine est cependant un besoin vital jouissif bien plus socialement partageable que le sexe, et, en 2010, quand Instagram est lancé, ce qui ressemblerait à une biographie alimentaire visuelle et quotidienne de notre alimentation se démocratise encore un peu plus. La pratique devient socialement acceptable et acceptée.

Il est ici important de souligner que cette tendance dépasse largement l’univers des grands chefs et part avant tout d’une initiative d’internautes amateurs et internationaux (touristes, blogueurs, femmes et hommes au foyer, étudiants…) sur les réseaux sociaux.

Et si le digital ne permet pas, pour le moment en tout cas, de partager les odeurs et le goût, il s’agit pour la food photographie de déclencher des synesthésies en reliant les images aux souvenirs.

Mettre en scène ce que l’on mange, c’est aussi montrer notre vie, se raconter, et raconter un style de vie.

« Dis-moi ce que tu manges, je te dirai qui tu es », disait Brillat-Savarin dans Physiologie du goût, son ouvrage publié en 1825.

Le visuel permet de ne plus cantonner le partage au petit nombre de convives à un instant t. En postant des images de nos assiettes, on passe d’une expérience censée s’inscrire dans l’éphémère et dans l’intime à une expérience éternelle, pérenne et publique. L’image culinaire semble être devenue un nouveau type d’espéranto, un langage universel, visuel et compris de tous.

The first taste is always with the eyes (« On goûte toujours d’abord avec les yeux »). Ainsi sont rapportés les mots de Marcus Gavius Apicius, figure de la haute société romaine reconnu pour son raffinement gastronomique.

Ceci, tout le monde semble l’avoir compris et au xxie siècle, tout se doit d’être « instagrammable », les plats comme les lieux. Le régal des pupilles en passerait presque avant celui des papilles.

Ces changements d’attentes du consommateur ne sont pas sans modifier également la profession de chef cuisinier.

Ainsi son statut est-il passé en quelques années de celui d’artisan à celui d’artiste – position renforcée par les nombreuses émissions culinaires à la photographie léchée (on pense entre autres à Chef ’s Table sur Netflix).

Sortant de derrière leurs fourneaux, ces chefs sont propulsés au rang de stars, sur le devant de la scène.

L’image serait-elle alors devenue plus importante que le goût ?

S’il est une certitude, c’est que le visuel change nos moeurs et nos habitudes.

Ces dernières années, les consommateurs demandent de plus en plus d’authenticité et de transparence (#slowlife, #nofilter).

C’est dans ce contexte de prises de consciences écologiques et éthiques que certaines publications, ayant bien compris la suprématie du visuel, allient réflexion alimentaire et tentatives de réponses à des problématiques écologiques et de croissance démographique par des solutions créatives mêlant design et science.

Face à ces revues, les livres photographiques semblent s’inscrire d’avantage dans le champs de la représentation du réel. Explorant plus en profondeur les sujets abordés, ils permettent d’affiner les traits de nos portraits gastronomiques, qui sont tout autant psychologiques que sociologiques. Ils se font les miroirs du rapport de chaque époque à ses nourritures.

Nous avons réuni ici une vingtaine d’ouvrages photographiques explorant sous divers angles (l’art, le social, la production, etc.) l’apport de la photographie à notre réflexion sur l’alimentation. Cette sélection est complétée par la présentation de revues explorant différentes problématiques et défis sociétaux à travers l’alimentation.

En espérant que l’exposition sera à votre goût !

Dates

Janvier 30 (Mercredi) 12 h 00 min - Mars 13 (Mercredi) 19 h 00 min

Lieu

GALERIE &CO119

119 rue Vieille du Temple, 75003 Paris

GALERIE &CO119119 rue Vieille du Temple, 75003 ParisOuvert du mercredi au samedi 12h - 19h

Calendrier GoogleCal

ven15fev(fev 15)12 h 00 mindim31mar(mar 31)21 h 00 minA day in the museumGérard UferasMAMM - Multimedia Art Museum Moscow, Ulitsa Ostozhenka, 16, Moskva, Russie, 119034Type d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

« Quel plus bel objet pour un photographe comme Gérard Uferas que l’expérience du musée ! C’est en effet non seulement celle des images, mais celle d’une pratique – la visite au Musée – dotée, aux yeux du public du monde entier, d’une des plus hautes valeurs démocratiques. Après le temps des collections constituées pour les seuls résidents des palais, l’invention du musée a en effet permis à la foule d’accéder à son tour à la contemplation des œuvres. Car il y eut des siècles où l’on vivait avec les œuvres. Nous appartenons à un temps où, faute de vivre avec, nous allons les voir, leur rendre visite et les adorer, au rythme d’un office sans prêtre ni pasteur, célébré dans cet endroit spécialisé, si curieux puisqu’on n’y fait apparemment rien d’autre que regarder et satisfaire ainsi le désir de voir porté à son point d’intensité maximale. Parfois jusqu’à n’être plus en mesure de voir quoi que ce soit, à l’image de ces millions de touristes aux yeux fatigués qui se sont usés les pupilles à « faire », comme ils disent, le Louvre ou l’Ermitage ! C’est ce peuple de pèlerins de l’art dont témoignent les photos de Gérard Uferas, enregistrant les postures, les émotions, les situations – et parfois les plus cocasses.

Comment regardons-nous ? Comment nous tenons-nous face aux images présentées dans les musées ? Qu’y voyons-nous vraiment ? C’est à ces questions qu’en artiste, Gérard Uferas tente d’apporter des réponses en enquêtant ainsi sur ce phénomène mondial. Car ce qui se passe face aux œuvres dans un regard est chose complexe. Toute œuvre est faite deux fois, comme le disait Marcel Duchamp, l’artiste des ready-made : la première par son “créateur” et la seconde par son « regardeur». Car c’est par le regard au musée que les œuvres prennent sens et qu’elles changent de statut. En 1913, le célèbre urinoir de Duchamp, objet industriel banal, se transforme ainsi par le seul fait d’être exposé au regard dans le musée. Il n’est plus cet objet trivial mais une “fontaine”, œuvre poétique et plastique, digne d’être rangée dans la longue histoire de l’art. C’est aussi par le regard que la « déposition du christ » de Rubens, installée dans la cathédrale d’Anvers en Belgique, devient en 1794 aux yeux des révolutionnaires français athées auxquels on la propose pour le tout nouveau Louvre, non plus l’image d’un Dieu triomphant de la mort, mais celle d’un homme vaincu, atrocement torturé. Question de regard toujours !

Gérard Uferas a donc traqué notre regard d’hommes d’aujourd’hui. Ce regard, plein de dévotion, a changé même s’il n’a pas totalement oublié d’où il vient – regard de l’amateur, mais aussi du collectionneur, du prince, du bourgeois, ou du fidèle. Gérard Uferas documente en effet ce peuple de “regardeurs” comme le feraient un anthropologue, un sociologue, ou un philosophe. Pourquoi donc cette multitude entre-t-elle dans les salles d’exposition ? Que vient-elle donc chercher dans cette moderne caverne aux images ? La même chose que ses ancêtres venaient chercher dans les grottes ornées d’art pariétal ? Gérard Uferas raconte ainsi des histoires à travers ces individus, croqués sur le vif – des couples qui s’embrassent, des enfants qui jouent au milieu des monstres, des hommes en groupes qui écoutent -. On sourit. On s’émeut. Mais cette profondeur temporelle qu’il donne à son travail lui permet de dépasser l’anecdote et offre à chacun l’occasion de penser, en miroir, son propre rapport à l’art.

Le photographe est aussi sociologue quand il fait voir et comprendre le musée comme le lieu convergent de pratiques multiples. Quelles soient touristiques, pédagogiques, académiques même ou artistiques – ainsi des « copistes » qu’il saisit au passage et qui semblent nous rappeler qu’à l’origine les musées étaient essentiellement fréquentés par des apprentis artistes. Mais – et c’est ce qui apparaît avec force dans le travail – entre les visiteurs et les œuvres, s’est introduit une nouvelle catégorie d’intermédiaires, les médiateurs. Ils sont de plus en plus nombreux, de plus en plus divers. Des guides, des conférenciers, des artistes même qui expliquent, commentent, ou même performent (comme ces musiciens ou ces danseurs qui virevoltent devant les toiles de Sean Scully). Les photographies consignent ainsi toutes sortes de médiations, nécessaires pour construire les accès à ce que les sociologues de l’école française – autour de Pierre Bourdieu – ont appelé dans les années 60, le « capital culturel ». Dans un musée plus que partout ailleurs des lignes de partages se dessinent en effet entre ceux qui ont été acclimatés par héritage familial à comprendre et à goûter les œuvres et ceux qui ont été privés, faute d’hériter, de cette familiarité. Aussi les clichés d’Uferas font-ils une place à ces nouveaux pasteurs, qui intriguent comme ce guide au Louvre mimant le geste d’un archer représenté sur un tableau, ou qui inquiètent comme cette conférencière pointant d’un doigt autoritaire ce qu’il faut regarder…Il agit enfin en philosophe, en interrogeant nos manières de nous approprier les œuvres et qui conduisent parfois à regarder sans voir. Innombrables en effet sont les visiteurs qui ne voient plus l’original qu’à travers la copie ou le filtre qu’offre l’écran de leur smartphone ! Quand il s’agit encore pour eux de capter l’œuvre. Car dans l’universelle pulsion de selfisation qui s’est emparé du monde, c’est « moi » devant la Joconde, « moi » devant un Rodin ou un Matisse qui l’emporte !

Tout cela, l’œil affûté de Gérard Uferas le fait voir, sentir, comprendre. Avec tendresse mais aussi avec une ironie et un humour qui trahit la filiation avec Eliot Erwitt, grand catalogueur des ridicules et des curiosités de l’espèce humaine. Gérard Uferas construit ainsi une œuvre photographique profonde sans être sévère, joyeuse sans être légère. Mais ce travail n’aurait pas ni la même clarté ni la même force s’il n’était d’abord une œuvre en elle-même. Car Uferas ne tient pas un discours, ne propose pas de théorie, ne défend pas de thèse. Il voit. Il regarde. Au sens fort du terme : il garde deux fois ce qui apparaît sous ses yeux. Une fois pour l’enregistrer et le documenter. Une fois pour le méditer. Le sens de la composition, le génie du cadre, l’opportunisme de l’instant, l’amour de la lumière et des lignes, l’usage parcimonieux de la couleur parfois, créent ainsi des images dignes d’aller au musée, pour être offerte à notre infini désir de voir et de savoir. Comme cette riche composition où, face à un grande toile d’Yves Klein, un groupe assis sur une banquette présente toutes les variantes de la volonté de …ne pas regarder ! De ce petit garçon boudeur qui tourne le dos au tableau. De cette femme vue de dos, affairée sans doute à consulter son smartphone. De cet homme vautré en arrière comme épuisé d’avoir regardé. De ce groupe enfin qui regarde carrément ailleurs, hors champ. Cette image est sans doute l’allégorie de notre manière d’être aux images. Car au fond, point n’est besoin peut-être de regarder pour voir ? Il suffit peut-être pour être heureux d’être exposé aux œuvres et à leur rayonnement, actif bien au-delà de ce qui affecte nos rétines, et qui touche nos corps et nos cœurs. »

Thierry Grillet

« La photographie, chez Gérard Uféras, est une vocation précoce. Dès l’âge de huit ans, le jeune garçon, né à Paris, utilise les appareils photo que collectionne son père. Dans les années 80, il collabore à Libération, puis participe à la création de l’agence Vu avec Christian Caujolle. Ce mélomane, fou de théâtre et d’opéra, se consacre ensuite à ses passions avec des travaux au long cours. Cela lui vaudra entre autres, en 2011, d’être invité à exposer à Moscou par le Bolchoï qui fête sa réouverture après six ans de travaux. Le mythique théâtre moscovite lui donne carte blanche, comme à ses pairs Sarah Moon et Peter Lindbergh. L’année précédente, son exposition Paris d’Amour, organisée à l’Hôtel de Ville de la capitale, accueillait plus de 60 000 visiteurs. Plusieurs fois primées, exposées dans des lieux prestigieux comme la Maison Européenne de la Photographie ou la Bibliothèque Nationale de France, les œuvres de Gérard Uféras sont présentes dans de nombreuses collections privées et publiques en France comme à l’étranger. Toujours généreuses et sensibles, ses photos recèlent ce zeste d’ironie complice qui sait éviter la moquerie ou le cynisme. Uféras ne triche jamais. Un peu comme son ami Willy Ronis qui écrivait de son travail : « On voudrait employer un mot très fort, mais on n’ose pas, alors on dit qu’on est devant le grand mystère qui se nomme la Grâce. » » Alain Mingam

GERARD UFERAS est né et vit à Paris.

À partir de 1984, il entame une collaboration régulière avec le journal Libération, pour lequel il réalise de nombreux reportages et qui organise sa première exposition. Il publie ensuite régulièrement dans Télérama, Beaux-Arts, The Independent Magazine, Jardin des modes, Das Magazin, Lo Specchio della Stampa, Marie-Claire (Italie), Marie-Claire (France), Madame Figaro, Le Monde, View Point, L’Officiel, L’Express, Io Donna, D : La Repubblica Delle Donne, Amica, Il Corriere della Serra , Gala, Paper Magazine, Another Magazine, Paris Match…

Il participe à la création de l’agence Vu en 1986 et est, depuis 1993, membre de l’agence Rapho. Parallèlement au photojournalisme, il mène un travail de portraitiste, réalise des campagnes de publicité, des séries de mode, et poursuit des recherches personnelles qui l’amènent à exposer dans de nombreux pays. Son travail a été plusieurs fois récompensé et fait partie des collections de la Maison européenne de la photographie à Paris, du Fonds national d’art contemporain, de l’Union centrale des arts décoratifs, de la Bibliothèque nationale de France, de la National Gallery à Londres, du musée de l’Élysée à Lausanne, du Festival de Salzbourg en Autriche, de la collection Henkel en Allemagne, de la Maison de la photographie à Moscou…

Dates

Février 15 (Vendredi) 12 h 00 min - Mars 31 (Dimanche) 21 h 00 min

Lieu

MAMM - Multimedia Art Museum Moscow

Ulitsa Ostozhenka, 16, Moskva, Russie, 119034

Calendrier GoogleCal

jeu17jan(jan 17)14 h 00 minmer06mar(mar 6)18 h 30 minUne idée de la modernitéFonds HeurtierGalerie Le Carré d’Art - Centre Culturel Pôle Sud, 1 rue de la Conterie - 35131 Chartres de BretagneType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Bernard Heurtier était amateur de photographie mais comptable de métier. Il fonde en 1961 la société Créations artistiques Heurtier et embauche plusieurs opérateurs photographes. D’abord tourné vers la photographie industrielle, il développe ensuite son activité autour de la photographie aérienne. L’entreprise réalisait également d’autres travaux destinés à la décoration d’entreprises ou pour des salons, souvent sous la forme d’immenses agrandissements.

La majorité des images produites étaient réalisées grâce à des chambres grand format 13×18 cm, maniées avec rigueur par les six photographes de l’entreprise. Ils sillonnaient le Grand Ouest à bord de leur véhicule de service ou de leur avion basé à l’aéroport de Rennes-Saint-Jacques.

Malgré le talent commercial de Bernard Heurtier, la société dépose le bilan dans les années 1980, laissant 25 000 clichés acquis plus tard par le Musée de Bretagne.

Cette exposition a été construite autour d’une centaine d’images qui racontent le développement urbain et l’évolution du monde du travail dans une société de consommation naissante. Elles résument 30 ans d’un changement profond du paysage modifié à grande échelle.

Recherche documentaire et scénographie : Delphine Dauphy et Marc Loyon.

Exposition co-produite avec le concours du Musée de Bretagne.

Cette exposition est présentée dans le cadre du festival de cinéma de Rennes Métropole, Travelling.

Dates

Janvier 17 (Jeudi) 14 h 00 min - Mars 6 (Mercredi) 18 h 30 min

Lieu

Galerie Le Carré d’Art - Centre Culturel Pôle Sud

1 rue de la Conterie - 35131 Chartres de Bretagne

Galerie Le Carré d’Art - Centre Culturel Pôle Sud1 rue de la Conterie - 35131 Chartres de BretagneDu mardi au vendredi de 14h à 18h30 Le samedi de 10h à 12h30 et de 13h30 à 17h

Calendrier GoogleCal

ven21déc(déc 21)10 h 00 min2019jeu28fev(fev 28)18 h 00 minEndangered Species - En Voie D'extinctionTim FlachOpiom Gallery, 11 Chemin du Village, 06650 OpioType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

A l’occasion de la sortie de son dernier livre intitulé “Endangered”, l’artiste Anglais Tim Flach, détenteur du 54ème prix Cannes Lion’s et Opiom Gallery présentent du 21 décembre 2018 au 28 février 2019, une exposition de 20 photographies exclusive en France. Ces images dressent un constat visuellement poignant de la façon dont les animaux et leurs écosystèmes sont confrontés à des défis toujours plus graves afin de maintenir leur survie. Au-delà du répertoire d’espèces menacées, ce corpus constitue une expérience unique portant sur le rôle que peut avoir l’image dans notre approche émotionnelle des animaux et de leur habitat. Le but de cette démarche est d’inspirer, d’informer et de déclencher une action positive auprès du visiteur.

L’oeuvre de Tim Flach se concentre exclusivement sur le monde animal. Portant une attention égale à toutes les espèces, sa vision se traduit toujours selon un style distinctif dérivé de son attachement à l’anthropomorphisme et l’anthropocentrisme. “La façon dont nous nous figurons les animaux et les messages inhérents à cette image” est au cœur de son portfolio. Il peut s’agir de “leur intérêt génétique, tel qu’avec le poulet sans plumes, ou symbolique tel qu’avec la signification que nous attachons à la Colombe, autrement différente de celle associée aux pigeons des villes nous évoquant plutôt des rats volants”. Flach souhaite que les images qu’il crée éclairent la relation entre humains et animaux afin de questionner notre vision anthropocentrique selon un contexte éthique, historique, scientifique ou politique. Ses photographies ont été décrites comme un système de pensée reposant sur la construction et le questionnement de l’imagerie animale: le prix Nobel de littérature Elias Canetti décrit un aphorisme qui pourrait être aisément appliqué à Flach: “une personne qui réfléchit aux animaux tels que d’autres réfléchissent à des concepts”.

Le style photographique de Flach déconstruit notre conception classique de la photographie animalière. Il nous en défamiliarise grâce à des portraits pris en studio, des gros plans délibérément ambigüs afin de présenter le sujet sous des angles inhabituels pour mieux déclencher un questionnement. Autour de chacune de ces images s’articule, tel un filtre ou un écran, le concept de Umwelt – soit la variété d’expériences de ressenti du “monde propre” ou environnement selon les espèces. Le travail de Flach est à la fois intellectuel, délicatement politique, tout en demeurant visuellement plaisant. Il suscite chez le regardeur de nombreuses interrogations nous confrontant à notre attitude vis-à-vis des autres êtres vivants avec lesquels nous partageons notre planète.

Dates

Décembre 21 (Vendredi) 10 h 00 min - Février 28 (Jeudi) 18 h 00 min

Lieu

Opiom Gallery

11 Chemin du Village, 06650 Opio

Opiom Gallery11 Chemin du Village, 06650 OpioOuvert du mardi au vendredi, 10h - 18h, samedi 11h - 18h

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jeu27sep(sep 27)11 h 00 min2019dim24fev(fev 24)19 h 00 minJAVA – Art EnergyInstitut des Cultures d’Islam, 56, rue Stephenson 75018 ParisType d'événement:Art Contemporain,Exposition,Photographie

Détail de l'événement

L’exposition JAVA – Art Energy plonge dans la vitalité créatrice de l’île de Java, centre artistique de l’archipel. Avec des oeuvres pour la plupart jamais montrées en Europe, les artistes réunis par l’ICI posent leur regard sur la disparition de la biodiversité, le lien entre nature et spiritualité, la montée de l’islam radical et le poids du colonialisme néerlandais. Ils expriment la complexité, les paradoxes et les vibrations de cette île aux multiples influences.

De nombreux événements ponctuent l’exposition et donnent un aperçu de ce foisonnement culturel. Les arts de la scène mêlent théâtre d’ombres, conte, musique électro, danses traditionnelles et art martial indonésien. Pour le jeune public, l’ICI propose des ateliers de pratique artistique allant de la création de marionnettes javanaises à l’initiation au gamelan, en passant par la fabrication du batik. Quant aux rencontres, films et débats, ils apportent un éclairage sur l’organisation sociale et politique de ce pays musulman qui reconnaît six religions officielles et doit faire face au développement de mouvements islamistes.

Toute l’équipe de l’ICI tient à remercier les partenaires et les membres de cette nouvelle saison culturelle. Grâce à leur soutien, JAVA – Art Energy est la première exposition collective de cette envergure consacrée à l’art contemporain indonésien à Paris.

Avec les oeuvres de Yovista AHTAJIDA, MARYANTO, Muhammad Zico ALBAIQUNI, Eko NUGROHO, GUDXSKUL (RUANGRUPA+ SERRUM + GRAFIS HURU HARA), Agung «Agugn» PRABOWO, Saleh HUSEIN, Adhya RANADIREKSA, Soni IRAWAN, Eddy SUSANTO, Mella JAARSMA, Muhammad UCUP YUSUF, Maharani MANCANAGARA.

Commissariat

Dates

Septembre 27 (Jeudi) 11 h 00 min - Février 24 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

Institut des Cultures d’Islam

56, rue Stephenson 75018 Paris

Institut des Cultures d’Islam56, rue Stephenson 75018 ParisL’ICI est ouvert du mardi au dimanche de 11h à 19h sauf le vendredi de 16h à 20h. L’ICI est fermé le lundi et les jours fériés.

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Entretien avec Caroline Cournède de la MABA, Nogent-sur-Marne

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