Marc Melki : EXILS INTRA MUROS – Et si c’était vous ? <br>Inédit : Patrick Pelloux

Patrick Pelloux © Marc Melki

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by La Rédaction on 11 janvier 2017

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Marc Melki : EXILS INTRA MUROS – Et si c’était vous ?
Inédit : Patrick Pelloux

Name: Sculpter la lumière
Start: 2019-2-14T14-14-00-00
End: 2019-3-23T19-19-00-00
Location: Galerie Agathe Gaillard

Temps de lecture : 46 secondes

Chaque mercredi et ce depuis le mois dernier, nous vous présentons une image issue de la série de Marc Melki intitulée EXILS INTRA MUROS – Et si c’était vous ? De nombreuses personnalités posent et prennent position pour combattre le mal logement. Aujourd’hui, nous publions le portrait de Patrick Pelloux réalisé il y a tout juste 2 jours.

Ce travail sera exposé du 27 février au 17 mars 2017 à la Mairie du 18ème arrondissement de Paris. Chaque semaine, jusqu’à l’inauguration de l’exposition, nous mettrons en avant un portrait.

Patrick Pelloux, Médecin urgentiste et écrivain.

« Demain, ça peut être vous. Ce n’est pas une menace mais une certitude. La misère arrive vite et en silence. »

> Retour sur notre article publié le 21 décembre présentant le projet de Marc Melki.
http://9lives-magazine.com/6007/2016/12/21/marc-melki-exils…t-si-cetait-vous/

Les Associations Aurore et Droits d’urgence ont apporté un important soutien au projet de Marc Melki. Avec des remerciements particuliers à Eric Pliez et Jérôme Giusti.

http://www.marcmelki.com

A LIRE EGALEMENT :
France 2, Thé ou Café avec Magyd CHERFI : http://bit.ly/2g1d2vo
Radio Nova: http://bit.ly/1voAGWq
France Inter : http://bit.ly/1voAGWq
Fisheye mag : http://bit.ly/1KOr2Pr
La Télé Libre : http://bit.ly/1pTchkA
Libération : http://bit.ly/1vGUfXc
La Vie : http://bit.ly/1VWuzWJ
RadioTélévisionSuisse : http://bit.ly/1nQJVbE

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jeu14fev(fev 14)14 h 00 minsam23mar(mar 23)19 h 00 minSculpter la lumièreJean-Pierre ÉvrardGalerie Agathe Gaillard, 3 Rue Du Pont Louis-Philippe 75004 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Jean-Pierre Evrard est un photographe français qui apporte une attention particulière au tirage. Spécialiste du papier, il est l’un des maîtres de la discipline et propose un travail photographique d’une grande poésie.
Jean-Pierre Evrard débute dans la photographie en 1954 par la voie de l’apprentissage à Cambrai tout en suivant des cours aux beaux-arts puis une formation arts graphiques.

Il fait une grande partie de sa carrière chez Kodak, animant des formations pour les photographes professionnels en France puis en Afrique où il est en charge de la publicité et de la communication marketing. En 1980 il débute une œuvre personnelle qui deviendra sa principale activité dix ans plus tard. Il réalise un travail de voyageur dans divers pays d’Europe, d’Asie, d’Amérique et surtout d’Afrique qu’il arpente équipé de ses Leica et d’un vieux Rolleiflex…
Utilisant exclusivement les films et papiers Noir et Blanc argentiques il met sa technique et son expérience au service d’une œuvre où se dégage son intérêt pour l’être humain et pour les matières qui peuvent être exaltées au laboratoire par le matériau photographique.

Il a photographié principalement en Espagne, au Portugal, au Vietnam, aux Etats Unis, au Bénin, au Burkina Faso, en Centrafrique, en Côte d’ Ivoire, en Egypte, au Ghana, au Sénégal, au Togo et dans une quinzaine d’autres pays mais surtout au Maroc, pays qu’il affectionne particulièrement.
Jean-Pierre Evrard est cofondateur du groupe de rencontre Signe Photographes. Il fut membre de l’agence Métis, vice -président de l’association des Gens d’Images pour qui il a animé durant 14 ans les ateliers à la Maison Européenne de la Photographie à Paris. Il est chevalier des Arts et des Lettres et sociétaire du Salon d’Automne à Paris.

Il se réfère aussi souvent à ceux qui l’ont influencé Edouard Boubat, Claude Dityvon, André Kertész, Walker Evans, Bernard Plossu, Pierre Verger, Jean Dieuzaide, William Klein et aussi le Man Ray du laboratoire celui du “Pourquoi pas essayer ?”

Dates

Février 14 (Jeudi) 14 h 00 min - Mars 23 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Agathe Gaillard

3 Rue Du Pont Louis-Philippe 75004 Paris

Galerie Agathe Gaillard3 Rue Du Pont Louis-Philippe 75004 ParisLa Galerie Agathe Gaillard a ouvert ses portes au 3 rue du Pont Louis-Philippe, dans le Marais, en juin 1975. Elle fut la première galerie entièrement dédiée à la photographie en France. Agathe Gaillard, sa fondatrice a représenté des artistes prestigieux tels que Henri Cartier-Bresson, Ralph Gibson, André Kertész, Jean-Philippe Charbonnier, Willy Rizzo, Marc Riboud, Hervé Guibert, Manuel Álvarez Bravo... En septembre 2017, après la reprise des lieux par David Azéma et des travaux de rénovation, la galerie est aujourd’hui dirigée par un nouvelle équipe. Fiona Sanjabi, sa directrice, lui donne une orientation artistique conciliant la photographie classique - fidèle à l’histoire du lieu - et les nouveaux regards contemporains. Mardi-Samedi 14 h-19 h, matinées sur rendez‑vous

Calendrier GoogleCal

mer30jan(jan 30)12 h 00 minmer13mar(mar 13)19 h 00 minThe Voracious PhotobooksGALERIE &CO119, 119 rue Vieille du Temple, 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

« Il s’agit rarement juste de nourriture dans la photographie culinaire »
– Susan Bright, Feast for the Eyes – The Story of Food in Photography

Peut-être est-ce parce que la nourriture est un sujet qui unit, qui réunit, peut-être est-ce parce que l’acte de manger en est un nécessaire à la vie, l’Homme a de tous temps cherché à représenter son alimentation. Des scènes de chasses pariétales aux mises en scène hautement distinguées et compliquées des livres culinaires des grands chefs
contemporains, la nourriture a empli l’Histoire de l’Art.
Dès 1827, Nicéphore Niépce, pionnier de la photographie, utilise la Camera Obscura pour photographier une table sur laquelle sont disposés un bol, des couverts, un verre, une carafe et une miche de pain. Il signe alors non seulement les débuts de la photographie, mais également les balbutiements de la photographie culinaire.

Pendant longtemps, le contenu de nos assiettes est photographié de la même manière, reprenant les codes de la peinture classique et de la nature morte, ou composé en vue de dessus sur une table de dîner traditionnelle, de manière à offrir le point de vue du « mangeur ». Puis, dès le milieu des années 1940, correspondant à la fin de la guerre et à une envie de la part des populations de mettre derrière elles l’austérité et les restrictions de ces cinq années de privations, des magazines tels que Vogue font évoluer la pratique de la photographie culinaire. La food devient un sujet de mode. On pense notamment aux images d’Irving Penn qui, mettant en scène avec le même glamour célébrités et camemberts, se fait un des précurseurs du food styling. De plus en plus, l’objectif se rapproche de son sujet, s’essaye aux close-ups. C’est la starification des ingrédients. L’importance est mise sur le produit, sur les textures. On parle bientôt de pornfood. Ce terme, contraction des mots « food » (nourriture) et « pornographie » illustre bien ce sentiment de plaisir « interdit ». Dans les deux cas, on parle bien du fait d’éveiller le désir par le biais du visuel.

La cuisine est cependant un besoin vital jouissif bien plus socialement partageable que le sexe, et, en 2010, quand Instagram est lancé, ce qui ressemblerait à une biographie alimentaire visuelle et quotidienne de notre alimentation se démocratise encore un peu plus. La pratique devient socialement acceptable et acceptée.

Il est ici important de souligner que cette tendance dépasse largement l’univers des grands chefs et part avant tout d’une initiative d’internautes amateurs et internationaux (touristes, blogueurs, femmes et hommes au foyer, étudiants…) sur les réseaux sociaux.

Et si le digital ne permet pas, pour le moment en tout cas, de partager les odeurs et le goût, il s’agit pour la food photographie de déclencher des synesthésies en reliant les images aux souvenirs.

Mettre en scène ce que l’on mange, c’est aussi montrer notre vie, se raconter, et raconter un style de vie.

« Dis-moi ce que tu manges, je te dirai qui tu es », disait Brillat-Savarin dans Physiologie du goût, son ouvrage publié en 1825.

Le visuel permet de ne plus cantonner le partage au petit nombre de convives à un instant t. En postant des images de nos assiettes, on passe d’une expérience censée s’inscrire dans l’éphémère et dans l’intime à une expérience éternelle, pérenne et publique. L’image culinaire semble être devenue un nouveau type d’espéranto, un langage universel, visuel et compris de tous.

The first taste is always with the eyes (« On goûte toujours d’abord avec les yeux »). Ainsi sont rapportés les mots de Marcus Gavius Apicius, figure de la haute société romaine reconnu pour son raffinement gastronomique.

Ceci, tout le monde semble l’avoir compris et au xxie siècle, tout se doit d’être « instagrammable », les plats comme les lieux. Le régal des pupilles en passerait presque avant celui des papilles.

Ces changements d’attentes du consommateur ne sont pas sans modifier également la profession de chef cuisinier.

Ainsi son statut est-il passé en quelques années de celui d’artisan à celui d’artiste – position renforcée par les nombreuses émissions culinaires à la photographie léchée (on pense entre autres à Chef ’s Table sur Netflix).

Sortant de derrière leurs fourneaux, ces chefs sont propulsés au rang de stars, sur le devant de la scène.

L’image serait-elle alors devenue plus importante que le goût ?

S’il est une certitude, c’est que le visuel change nos moeurs et nos habitudes.

Ces dernières années, les consommateurs demandent de plus en plus d’authenticité et de transparence (#slowlife, #nofilter).

C’est dans ce contexte de prises de consciences écologiques et éthiques que certaines publications, ayant bien compris la suprématie du visuel, allient réflexion alimentaire et tentatives de réponses à des problématiques écologiques et de croissance démographique par des solutions créatives mêlant design et science.

Face à ces revues, les livres photographiques semblent s’inscrire d’avantage dans le champs de la représentation du réel. Explorant plus en profondeur les sujets abordés, ils permettent d’affiner les traits de nos portraits gastronomiques, qui sont tout autant psychologiques que sociologiques. Ils se font les miroirs du rapport de chaque époque à ses nourritures.

Nous avons réuni ici une vingtaine d’ouvrages photographiques explorant sous divers angles (l’art, le social, la production, etc.) l’apport de la photographie à notre réflexion sur l’alimentation. Cette sélection est complétée par la présentation de revues explorant différentes problématiques et défis sociétaux à travers l’alimentation.

En espérant que l’exposition sera à votre goût !

Dates

Janvier 30 (Mercredi) 12 h 00 min - Mars 13 (Mercredi) 19 h 00 min

Lieu

GALERIE &CO119

119 rue Vieille du Temple, 75003 Paris

GALERIE &CO119119 rue Vieille du Temple, 75003 ParisOuvert du mercredi au samedi 12h - 19h

Calendrier GoogleCal

ven14déc(déc 14)0 h 00 min2019dim03mar(mar 3)0 h 00 minLa Bourse du Talent 2018BnF - Bibliothèque nationale de France, Quai François Mauriac 75013 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

ven18jan(jan 18)14 h 00 minsam02mar(mar 2)18 h 30 minThe Sheen, the ShineMatthew PorterGalerie Xippas Genève, Rue des sablons 6, 1205 GenèveType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

La Galerie Xippas est heureuse de présenter pour la première fois en Suisse, une exposition du photographe new-yorkais Matthew Porter. Empreint d’une esthétique avant-gardiste, Matthew Porter expérimente le medium photographique entre anciennes et nouvelles technologies, afin d’explorer les possibilités infinies de manipulation et de construction de l’image.
Matthew Porter fait partie de ces artistes contemporains qui ont décidé de repousser à leurs limites les définitions et catégorisations de l’Art traditionnel. En utilisant principalement la photographie argentique à l’ère du numérique, il affirme une certaine logique dans sa démarche artistique, lui conférant un regard des plus singuliers. C’est en s’affranchissant du leitmotiv traditionnel de suspension du temps de la photographie qu’il décide de construire ses images. Il ne cherche pas à saisir l’instant, mais au contraire, à révéler l’aboutissement d’un long processus de création et de révélation. Il explore alors les techniques et les possibilités qu’offre la photographie afin de la manipuler toujours un peu plus.

L’utilisation de la photographie argentique est ainsi indispensable à son processus de création. Dans les images de Matthew Porter, le film de la pellicule est le support même de la construction de l’image, comme une toile le serait pour un peintre.
Sa matière fait d’elle un objet physique, palpable, supposant des expérimentations infinies. Le support de la pellicule, puis le support du tirage photographique permettent manipulations, montages, découpages, expositions multiples, superpositions, constructions. De la pellicule au tirage, la photographie est un espace de possibles qui mérite d’être exploré tant par le regard que par la main de l’artiste. Car la main de Matthew Porter investit littéralement l’image. Ces gestes, puisqu’ils engagent la main, le corps, sont des actions purement artistiques venant accorder à la photographie une dimension tout à fait nouvelle.
L’espace pictural n’est alors plus une, mais plusieurs histoires agencées, modifiées, ajoutées. Une démarche permettant à cette photographie d’adopter un nouveau langage visuel où différentes narrations, souvenirs, mémoires et réalités se retrouvent au sein d’un seul et même cadre.

La surface sensible de l‘émulsion du négatif photographique est ainsi le point de départ de toutes ces expérimentations. C’est dans sa matière que l’image se révèle, par une action indispensable à la naissance de toutes photographies, une unique inscription dans sa matière : celle de la lumière.

Le titre de l’exposition « The Sheen, The Shine », littéralement : « l’éclat, la brillance », révèle à lui seul l’importance de la lumière dans les photographies de Matthew Porter. L’éclat : ce qui se reflète, réagit, et la brillance : ce qui illumine, sont les deux actions lumineuses exprimées dans les deux séries présentées dans l’exposition. Si la lumière permet à toute image d’exister en premier lieu, ici, Matthew Porter pousse ce principe à son paroxysme en usant de la lumière pour montrer le monde autrement. Elle est l’élément composite de toutes ses images, c’est elle qui donne le ton et qui va venir guider toutes ses expérimentations. Chez lui, tel un sculpteur, la lumière creuse, s’enfonce, jaillit, fait apparaître un relief, définit des espaces, des pleins et des vides, des volumes.

La première salle de l’exposition présente une série de photographies où figurent des compositions de matériaux à même le sol. Ces photographies ont été réalisées dans le studio de son père, un sculpteur qui a été marqué par les influences modernistes. Ces images ont pour objet le débris de fabrications de ses oeuvres, des « restes » de matériaux inutilisés, qui reprennent vie derrière l’objectif. Ces constructions sont d’abord mises en scènes, puis composées par le medium photographique à l’aide d’expositions multiples. La lumière vient éblouir ces matériaux, son éclat réagissant différemment sur chaque matière : un miroir nous reflète un hors-champ quasi invisible, un métal blanchi nous éblouit, et ses ombres noires viennent créer des zones de vide absolu, une sorte de vertige dans l’image. L’action de la lumière qui se reflète à leur surface nous emmène dans une mutation des objets, vers un imaginaire nouveau, comme des villes utopiques ou des constructions du Bauhaus. Ces constructions picturales rappellent aussi l’esthétique cubiste de Braque ou de Picasso, venant en quelque sorte créer une boucle temporelle.
Matthew Porter met en lumière cette esthétique signant le début de la modernité en peinture, tout en le révélant avec le medium le plus moderne qui soit : la photographie. C’est ainsi qu’il confère un double hommage à l’histoire de l’art : celui de la sculpture, et celui de la peinture. C’est ce dialogue des techniques qui révèle une dialectique entre modernité et tradition, et qui délivre à tous les médiums artistiques un hommage esthétique évident.

La deuxième salle d’exposition présente une constellation d’une trentaine d’oeuvres de nature, de portraits ou de paysages.
Ces photographies composites englobent plusieurs temporalités, comme une véritable poésie du quotidien ouest-américain de Los-Angeles, une ode à un univers personnel de l’artiste. Ces images, réalisées à partir de manipulations photographiques et d’explorations stylisées de la lumière et de la couleur, nous emmènent vers un ailleurs. Ici, la lumière brille, illumine, parfois tellement que le sujet disparait dans une sorte d’abstraction lumineuse et colorée. Dans un sens, ces photographies libèrent le spectateur d’un regard contraint par l’histoire de l’art pour entrer dans une dimension plus nostalgique. Ces images, entre références historiques et sensibilité moderne, nous forcent à penser au résultat de l’image et ce qu’elle représente au sens figuratif, plutôt qu’à penser à la photographie en tant qu’oeuvre concrète. Seule une sorte de fil narratif tissé discrètement se fait ressentir. Matthew Porter cherche à nous raconter une histoire, ou mieux, souhaite que nous développions nous-mêmes, à partir de ses oeuvres, des histoires intimes faites de sensations et d’interprétations mêlées.
C’est ainsi que les images de Matthew Porter se contemplent plus qu’elles ne se regardent. Se ressentent plus qu’elles ne s’observent. Chacune des photographies raconte une histoire à sa manière que le spectateur est libre de s’inventer, guidé par une seule et même trame narrative : la lumière, sa brillance, son éclat.

Matthew Porter est né en 1975 à State College en Pennsylvanie aux Etats-Unis. Diplômé du Bard-ICP en 2006, il a depuis participé à de nombreuses expositions institutionnelles : «After Photoshop» au Metropolitan Museum of Art (New York, 2012), «Perspectives 2010» au Centre international de la photographie (New York, 2010). Récemment, il a pris part à des expositions collectives au George Eastman Museum de Rochester (New York, 2016), au Fotografiemuseum (Amsterdam, 2014). En France, son travail a été montré dans l’exposition « Autophoto » à la Fondation Cartier (Paris, 2017). Sa première monographie « Archipelago » a été publiée par Mack Books en 2015. Son travail fait partie de la collection permanente du Metropolitan Museum of Modern Art, (New York). En 2016, Matthew Porter a été invité par la maison Christian Dior à concevoir le design pour une ligne de sacs et d’accessoires pour le projet Dior Lady Art. Matthew Porter est représenté par les galeries M+B à Los Angeles, Invisible Exports à New York et Xippas.

Dates

Janvier 18 (Vendredi) 14 h 00 min - Mars 2 (Samedi) 18 h 30 min

Lieu

Galerie Xippas Genève

Rue des sablons 6, 1205 Genève

Galerie Xippas GenèveRue des sablons 6, 1205 GenèveOuvert du mardi au vendredi 14h – 18h30, le samedi 12h – 17h et sur rendez-vous

Calendrier GoogleCal

sam05jan(jan 5)0 h 00 minlun25fev(fev 25)0 h 00 minAppel à Candidature FOTOLIMO 2019 Organisateur: Lumière d'Encre Type d'événement:PhotographieType d'événement 2:Festival

Détail de l'événement

Le festival regroupera 13 expositions dont 6 seront choisies suite à cet appel à candidatures. En plus une dizaine de travaux seront retenus pour projection.
Le festival FotoLimo se donne pour objet d’étude la frontière au sens le plus large du mot.
La frontière a des conséquences humaines, dans le paysage, l’économie, la psyché et ce destin géographique et métaphysique est le cadre, assez vaste, proposé aux auteurs au sein du festival.

Date limite d’envoi des dossiers : Lundi 25 février 2019.

Dates du festival FotoLimo : du 20 septembre 2019 au 29 septembre 2019
Lieu Cerbère et PortBou.
Week-end de vernissage du vendredi 20 au dimanche 22 septembre 2019

Modalités de participation :

Le festival est ouvert à tout photographe sans condition d’âge, de nationalité ou de statut. Les projets collectifs sont acceptés. Un seul dossier sera accepté par personne/collectif. Chaque auteur ou collectif des 6 propositions sélectionnées pour être exposées percevra un droit d’auteur d’un montant de 300 euros (trois cents euros).

Thématique : La frontière, une ouverture, un lieu des possibles.

Les candidatures seront examinées par un jury professionnel ; les lauréats seront choisis sur la qualité de leur pratique artistique et sur la cohérence de leur travail. Sur les 6 travaux ainsi choisis pour être exposés, 2 au moins concerneront des photographes de la région Occitanie. Date limite d’envoi des dossiers : Lundi 25 février 2019. Les photographes sélectionnés seront exposés lors du festival FotoLimo à Cerbère ou PortBou pendant l’intégralité du temps du festival et pourront être également exposés sur le territoire du Pays Pyrénées Méditerranée dans l’année suivante.
N. B. Les lauréats doivent acheminer leurs tirages (aller et retour) par leurs propres moyens.
Leur présence sera nécessaire lors de la soirée publique de vernissage du samedi 21 septembre 2019 et des événements associés pendant le weekend d’ouverture les 20 au 22 septembre 2019. Une liste des possibilités d’hébergements à moindre coût sera disponible auprès de l’équipe du festival.

Le dossier de candidature complet, sous la forme d’un seul fichier PDF, devra être envoyé à l’adresse suivante : lumieredencre@free.fr

Dossier de candidature :

Un dossier numérique sous forme de deux fichiers :
1°) Un fichier unique au format PDF, comprenant :
– le travail proposé
– le texte explicatif de la démarche
– une courte biographie de l’auteur
– note à propos de la scénographie, si nécessaire
– le formulaire de candidature complété et signé en deux exemplaires à télécharger ici

2°) Un second dossier comprenant :
– Le texte explicatif et la biographie au format .doc ou .odt ou .txt (pas de pdf)
– les images en haute résolution (2400 pixels sur le plus petit côté, jpeg sans compression)
– les images en basse définition (600 pixels sur le plus petit côté, jpeg qualité supérieure)
Remarque : les images doivent être nommées «NOM_Numéro d’ordre sous la forme 01 »
Seuls les dossiers remplissant l’ensemble des conditions ci-dessus seront examinés par le jury. Adresse mél. pour l’envoi des dossiers de candidature et pour tout renseignement : lumieredencre@free.fr

L’usage d’un service d’envoi de gros fichiers est recommandé (WeTransfer, Grosfichiers, Transfernow, Sendbox, Google drive, Hubic, Dropbox, MailBigFail, Nextsend, Free, Mediafree, 1fichier…).

Le festival FotoLimo :

FotoLimo est un festival pluridisciplinaire dédié aux arts visuels (photographie, cinéma et multimédia) en collaboration avec la recherche universitaire. Il se donne pour objet d’étude la frontière au sens le plus large du mot. Sa première édition a eu lieu à la frontière franco-espagnole, à Cerbère et Portbou entre septembre et octobre 2016.
FotoLimo est porté par deux structures phares de la région Occitanie-Pyrénées Méditerranée :
Lumière d’Encre (http://www.lumieredencre.fr)
Negpos (http://www.negpos.fr)

Pour plus d’informations, vous pouvez prendre contact avec l’équipe à l’adresse :
lumieredencre@free.fr

Dates

Janvier 5 (Samedi) 0 h 00 min - Février 25 (Lundi) 0 h 00 min

Organisateur

Lumière d'Encrelumieredencre@free.fr 47 rue de la République 66400 Céret

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Marc Melki : EXILS INTRA MUROS – Et si c’était vous ?
Inédit : Patrick Pelloux

Patrick Pelloux, Médecin urgentiste et écrivain.

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