Temps de lecture : 1 minute et 20 secondes

La cinémathèque présente au public jusqu’au 29 avril, une rétrospective de Jacques Becker (1906-1960), cinéaste français, il fut le principal assistant de Jean Renoir dans l’entre-deux-guerres et, aux lendemains de la Seconde Guerre, fut proche de Robert Bresson, Henri-Georges Clouzot ou de Max Ophuls. Il réalisa quelques-uns des chefs-d’œuvre reconnus du cinéma français des années 1950.

Ainsi, la cinémathèque propose la projection de 17 films et 2 conférences pour connaître et reconnaître, le style Becker.

Ali Baba et les quarante voleurs Jacques Becker / France / 1954 Me 19 avr 21h30 Sa 22 avr 15h00
Antoine et Antoinette Jacques Becker / France / 1946 Je 6 avr 19h00 Lu 17 avr 19h15 Sa 29 avr 19h30
Aventures d’Arsène Lupin (Les) Jacques Becker / France, Italie / 1956 Je 13 avr 21h00 Me 26 avr 21h30
Casque d’or Jacques Becker / France / 1951 Me 19 avr 14h30 Di 23 avr 19h00
Commissaire est bon enfant (Le) Jacques Becker et Pierre Prévert / France / 1935 CM Me 19 avr 19h45 Je 27 avr 19h00
Dernier atout Jacques Becker / France / 1942 Sa 15 avr 16h45
Édouard et Caroline Jacques Becker / France / 1950 Sa 15 avr 19h30 Sa 22 avr 19h30
Falbalas Jacques Becker / France / 1944 Lu 17 avr 21h00
Falbalas, essais d’acteurs Jacques Becker / France / 1944 CM Lu 17 avr 21h00
Goupi Mains-Rouges Jacques Becker / France / 1942 Di 16 avr 21h15 Sa 29 avr 21h30
Grande espérance (La) Jacques Becker / France / 1937 CM Me 19 avr 19h45 Je 27 avr 19h00
Montparnasse 19 Jacques Becker / France-Italie / 1957 Ve 21 avr 21h00 Lu 24 avr 14h30 Je 27 avr 21h00
Or du Cristobal (L’) Jacques Becker et Jean Stelli / France / 1939 Di 23 avr 21h15
Rendez-vous de juillet Jacques Becker / France / 1949 Me 19 avr 17h15 Di 23 avr 16h30
Rendez-vous de juillet, essais d’acteurs Jacques Becker / France / 1949 CM Me 19 avr 17h15 Di 23 avr 16h30
Rue de l’Estrapade Jacques Becker / France / 1952 Ve 21 avr 19h00 Me 26 avr 19h30
Touchez pas au grisbi Jacques Becker / France, Italie / 1953 Je 13 avr 19h00 Di 16 avr 17h30
Trou (Le) Jacques Becker / France-Italie / 1959 Sa 15 avr 21h30 Sa 22 avr 21h30
Vie est à nous (La) Jean Renoir, André Zwobada, Jacques Becker, Jean-Paul Dreyfus / France / 1936 Di 16 avr 19h30 Je 20 avr 21h00 Sa 29 avr 15h00

RENCONTRES ET CONFÉRENCES

INFORMATIONS PRATIQUES
Grands Classiques
Jacques Becker
Du 5 au 29 avril 2017
La Cinémathèque Française
Musée Du Cinéma
51 rue de Bercy
75012 Paris
http://www.cinematheque.fr

Comments

Type d'événement

Type d'événement 2

Lieu de l'événement

Organisateur de l'événement

sam19sep14 h 30 minsam19déc18 h 30 minNew Way of LivingSabine DelcourArrêt sur l'Image Galerie, 45 Cours du Médoc, 33300 BordeauxType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

L’exposition New Way of Living présentée au Bel Ordinaire à Billère, au centre d’art image/imatge et à Mérignac se prolonge à l’Arrêt sur l’Image galerie.

Sabine Delcour nous livre son dernier projet, New Way of Living, situé au carrefour des problématiques sociales, environnementales et sociétales contemporaines. Ici, les images argentiques grand format d’une urbanité chinoise verticale répondent à des photographies captées au téléobjectif dans des villes numérisées et ultra-connectées où la crise sanitaire actuelle légitime la généralisation d’outils permettant l’identification, le contrôle, l’évaluation et l’isolement des individus. Est-ce le prélude annonciateur d’une transformation profonde de nos sociétés ?

De la ville fantôme d’Ordos, à la ville portuaire de Qingdao en passant par Wuhan, l’artiste met en place un dispositif qui s’inspire de l’observation de la faune pour questionner notre manière de faire ville et d’habiter le monde. Espace privé et espace public sont devenus poreux. Les avancées technologiques ont fait bouger les frontières géographiques, sociales, culturelles, physiques.

Qu’en est-il des identités, des sphères individuelles, des responsabilités des uns vis à vis des autres, des liens qui nous unissent ? La mutation est son hypothèse de départ. Elle préfigure peut-être un nouveau genre humain.

Sabine Delcour quitte la Chine la veille de la mise en quarantaine de Wuhan, une concomitance qui donne à cette introspection anthropologique une tonalité particulière.

L’exposition New Way of Living se déroule dans le cadre de l’opération « Plein Soleil 2020 – L’été des centres d’art contemporain » organisée par d.c.a (Association française de développement des centres d’art contemporain).
Elle est le fruit d’une coopération entre le Bel Ordinaire à Billère, le centre d’art image/imatge, la ville de Mérignac, la Galerie arrêt sur image et Point de fuite à Bordeaux. Ce projet a reçu le soutien d’Astre – réseau des arts plastiques et visuels en Nouvelle-Aquitaine, dans le cadre du contrat de filière « Action innovantes » 2018, de la ville de Bordeaux via l’Aide à la création 2017, de la DRAC Nouvelle-Aquitaine via l’Aide individuelle à la création 2017 et des aides complémentaires de la Région et de la DRAC Nouvelle-Aquitaine.

Dates

Septembre 19 (Samedi) 14 h 30 min - Décembre 19 (Samedi) 18 h 30 min

Lieu

Arrêt sur l'Image Galerie

45 Cours du Médoc, 33300 Bordeaux

Arrêt sur l'Image Galerie45 Cours du Médoc, 33300 BordeauxOuvert de 14h30 à 18h30 tous les jours sauf le dimanche.

Calendrier GoogleCal

sam29aou(aou 29)10 h 00 minsam26sep(sep 26)19 h 00 minFREESTyLE = CLAQUEMENTs DE CUISSEHendrik Hegray Galerie Valeria Cetraro, 16, rue Caffarelli 75003 ParisType d'événement:Art Contemporain,Exposition,Photographie

Détail de l'événement

UN TITRE ET SA JUSTE MYSTIFICATION.
D’abord il y a des images libres, des icônes photographiques en FREESTyLE, libre de droit, ensuite il y a ce qu’elles représentent, ou peuvent représenter, selon mon désir, selon mon bon plaisir : un claquement de cuisses.

VISIONS, SUEURS.
De ce fait, dans cette exposition, il y a les images tout autour de nous et en nous, alors ensuite seulement la contamination arrive avec son lot intempestif, le facteur humain : c’est la sueur de l’action de l’artiste. Comme la mince différence entre une chemise propre et une chemise portée, la sueur est passée par là. Une différence infra-mince mais de taille pour ceux qui savent.

LUNA-PARK, PARC À THÈMES ET SYSTÈME DU TRAITEMENT DES EAUX.
L’expo est comme une pleine lune à la Foire du Trône. Visions nocturnes dans un parc. Un parc composé de plusieurs activités : il y a la grande roue, the Wall; un ensemble de photographies format A4 en portraits disposées sur un grand mur. Il y a la femme à barbe dans l’arrière fond, ce sont les Collages; productions qui mettent en avant des corps dans une position d’exhibition. Plus loin, il y a un film-vidéo qui nous intime de nous souvenir; nous sommes voyeurs dans un flot de mémoire : le cinéma a commencé aussi dans une foire. On diffusera la vidéo depuis un moniteur devant 2 bons gros fauteuils. Et puis il y a quelques Catalogues, disposés ça et là, pour tenter de nous faire comprendre, attendre ce qui ne viendra pas. : le traitement systématique du flot des images.

BAD DRAWING ET BAD SHOOTING SONT SUR UN BATEAU…
HH : « — Plus aucun traitement a posteriori des images, elles valent pour ce qu’elles sont: des photos low-tech prises en 2011 / 2012 avec un Nokia primitif. » On pourrait tisser une ligne méridienne historique sur les interventions d’artistes utilisant leur vie pour sujet photographique : DUCHAMP-KLEIN-FICHLI&WEISS-GUIBERT-MESTE-SOBAC-HEGRAY

WELCOME TO PLEASUREDOME
Mais Regardons de plus près ces images prises avec ce vieux Nokia, juste pour voir entrons dans l’espace. Quelles sont ces photographies qu’a disposées Hendrik Hegray? On perçoit quelques personnages dont on imagine le partage avec l’auteur d’une intimité, et des espace de vie démontrant la collusion entre travail et vie privée. Il s’agit d’inscrire l’intime dans le contexte. La vie privée de vie privée.

UNHEIMLICH PLASTIC
HH:—« Les photos prises pendant cette période (2011/2012 nda) ne correspondent à aucune causalité ni préméditation. Elles correspondent seulement aux photos que je prends habituellement dans mon environnement du moment avec le matériel que je possède. Rétrospectivement ces photos constituent pour moi un corpus d’une grande valeur, à la fois document d’un segment de ma vie et par leur plasticité étrange. (…) »

DOUBLE B(L)IND ou LA DOUBLE OCCLUSION VISUELLE.
« (…) Double rupture : visuelle, le médium étant cette fois-ci uniquement la photographie; temporelle, elle renvoie directement à une époque révolue, figée dans le passé. Ma motivation de montrer ces images découle d’une volonté à nouveau (…) de manipuler des éléments de mon propre passé. Associé à des collages et d’autres oeuvres très récentes, cet ensemble accentue le désir de provoquer des allers-retours temporels. »

DES ALLERS-RETOURS TEMPORELS : DOWNGRADING DU TEMPS PRÉSENT.
HH n’est pas le premier et certainement pas le dernier, mais on constate la singularité de cette praxis, monstration d’éléments déjà utilisés, déjà montrés. Et dans ce principe d’alternance, de recyclage, le dispositif employé se stabilise de manière encore plus prégnante dans le temps présent.

« MY LIFE IS MY WORK » : DE L’ESTHÉTIQUE DE LA BANALITÉ.
Hegray reprend cette idée des années 1990, on se souvient de Georges Toni-Stoll ou Nan Goldin, voire Mark Morrisroe ou Philip-Lorca diCorcia pour la façon dont tous ont eu pour base antiesthétique du banal, la documentation du quotidien (les finalités sont bien sur différentes) pour photographier quelque chose de nouveau.

LE PARAPLUIE AVEC UNE MACHINE À COUDRE : LE CHAOS ET LE QUOTIDIEN.
chez Hegray, on dénote tout particulièrement dans l’utilisation du médium photographique une propension a inscrire le réel dans son geste quotidien vers une perspective de grande abstraction.
Ce dont certains ne perçoivent pas, c’est qu’elle est en mesure avec une dimension proprement cosmique. On pourrait surnommer cela le Chaotidien. Ce néologisme prend racine depuis longtemps dans son travail , autant que dans la présentation du dit travail.

PRAXIS VERSUS BIOGRAPHIE : PROUST CONTRE SAINTE-BEUVE
Plusieurs gestes se réfèrent à la production qui nous est montrée : l’assemblage de photographies.
D’abord il y a les images qui vont constituer la matière première de ce qui sera portée à notre connaissance, ensuite le régime dans lesquelles elles peuvent être présentées : Wall, collage, film.
On se dit que l’ordre de succession des images peut paraître aléatoire, HH pourrai très probablement proposer un autre agencement d’ailleurs, puisque la signification des images prend sens, plus de la façon dont elles sont assemblées que de leur signification intrinsèque. Même si on peut reconnaître des compagnons de route sur ces portraits, d’un seul coup l’aspect personnel de la vie de l’artiste, sa biographie, prend une importance délétère. Proust contre Sainte-Beuve. On ne peut justifier le geste de l’artiste par cette seule inscription biographique et ici, dans cette matière, la beauté prévaut lorsque ces images personnelles rejoignent l’ensemble.

LA BEAUTÉ COMME INJONCTION D’ÉLOIGNEMENT.
Sortie de la provocation de ce titre, on se trouve cerné dans la tentative de concevoir esthétiquement ces images dans cette exposition. On semble contraint de fuir au principe traditionnel de la beauté. Avec évidence, ces images face à nous heurte le dit bon gout.

CIRCULEZ IL Y A RIEN À VOIR.
Ces images provenant du Wall, des collages ou bien du montage vidéo n’ont rien à vendre, affirmerait un spécialiste en visuel de pub. Il y a une propension chez Hegray, à remiser les canons classiques dans des endroits reculés, hors d’atteinte du tout commun. Il transforme, transmute l’ acte de photographier low-tech en un acte supérieur. C’est presque une attitude de dandy qu’on pourrait subodorer dans le mouvement humoristique à désigner la banalité, mais surtout on pressent une détermination à produire des images totalement irrécupérables, en cautionnant l’adage du principe de délicatesse.

FAUT-IL BRÛLER HENDRIK HEGRAY?.
UNCANNY RATED « R ».
ses conceptions en matière de bon goût peuvent surprendre, tant il se plait à ravir vers d’étranges limites ce qui constituent nos propres repères. Il a un amour invétéré pour l’informe, et pour l’obscénité de ses images dont l’obsolescence programmée est intégrée; on peut la croire fortuite et superficielle, mais la recherche de l’obscène relève en fait d’une véritable ascèse et d’une réflexion sur notre monde spectaculaire, éprouvée paradoxalement par sa pratique instinctive de la sélection.

HONKY-TONK LIGHT MAN.
C’est dans cette logique toute apparente qu’il se méfie de tous schémas narratifs qui viendrait faire sens, nous délivrer d’un message, il laisse cela à la fascination des parcs à thèmes, Luna-Park qu’il ne dénigre pas, bien au contraire. Sous le bordel apparent de la glorification de l’authentique sous-culture répugnante —à l’instar d’un « claquement de cuisses » qui le confirme—, l’esprit scandaleux d’Hendrik Hegray veille et cache des trésors d’une lumière éblouissante.

UNCANNY RATED « X ».
le principe de délicatesse, cité plus haut, se constate aisément dans la nature de ses collages. On devine par déchirements, décadrements, attaches, le jeu subtil du perçu et du non-perçu la force érotique de la suggestion. On peut même convenir ici à disposer des éléments de rapports de domination placé comme pouvoir parallèle de production.

RAPPORTS DE CLASSE ÉROTIQUE : MISE À L’ÉPREUVE.
On retrouve dans les collages, disposés en double non frontalement les signes d’une présence/ absence du désir lié au corps. Ainsi la casquette en cuir dans « Entrée dans l’artiste », ainsi la disposition en éventail des magazines BDSM dans « Gonzo Panini ». On se joue de nous, tout est bon quand il est excessif disait un vieux : on nous montre de l’immontrable, sans pour autant le montrer! Pratique du Waxplay dans « Purple Wax », ou bien encore le masque en cuir dans « Bonny Tylerfish » qu’on devine seulement car le sujet est shooté en profil perdu. Alors les non-initiés à la pratique du masque ou du face-sitting, peuvent passer aisément leur chemin sans avoir vu ce qui devait être vu, attardant le regard sur autre chose, de plus obscène, de plus évident : une sardine érectile venant narguer la chevelure blonde, on imagine l’odeur s’en imprégner.

ÉROTISME ANESTHÉSIQUE ≠ ÉRÉTHISME
C’est le parcours de la violence des images et de son double jeu, classique autant que caduque. Soit les images perçues dans cet espace nous anesthésient, répondant à l’excès, contre cette irritation sollicitée , soit elles nous suscitent, aussi la correspondance est donc établie tout autant.

HARDCORE CLASSIC
on a compris que Hendrik Hegray peut fait faire feu de tout bois. Ce qui importe pour lui c’est le geste, de celui qui choisit, déplace, sélectionne. L’art se retrouve dans sa fonction la plus stricte, la plus restreinte. L’origine, la référence, la conséquence, bref tout ce qui fait Culture, tout ce qui est bordé de nouilles n’est même pas rejeté, il est juste désactivé, dévitalisé, offert en guenilles, ruine des images devant notre regard. Au final, cela nous enjoint à nous questionner :

QUI EST-IL? D’OÙ VIENT-IL? FORMI-DABLE ARTISTE DES TEMPS NOUVEAUX!
Il possède encore l’allure et l’énergie tenace, révoltante et révoltée d’un jeune homme. Faire sa rencontre suscite des sentiments contradictoires, mais ne laisse jamais indifférent. Sous son flegme, un humour corrosif et hâbleur. HH s’avère d’une franchise déconcertante.

BRUTALE ÉCHAPPÉE DE L’ASILE DES CATÉGORIES
Hendrik Hegray dessine, voyage, joue du piano debout, enregistre sous des pseudonymes divers le son caractéristique du rouleau de scotch qui se dévide, fait des collages à partir de photos perdues, des flyers à partir de rien et des pochettes comiques de disques. Il rature, peint, biffe et expose, s’occupe d’un label de vinyls noise, rock abrasif expérimental ou technoïde, et il a co-fondé (avec Jonas Delaborde) NAZI KNIFE et FALSE FLAG, deux graphzines collectif international — USA, Italie, UK, Finlande, Japon, Jamaïque, France…— dont l’importance historique se confirme quant à incarner les conséquences d’un art dégénéré, bref on ne peut se résoudre à classer Hendrik Hegray dans une quelconque catégorie isolée. Cela fait d’ailleurs presque 15ans qu’il évite soigneusement toute étiquette liée à ses activités. Gardons en mémoire son style et le mouvement de cet évitement car ce sont des éléments fondateurs qui font que la politique de sa production soit irrécupérable, tant sur un plan esthétique, théorique que médiatique.

PES*

Dates

Août 29 (Samedi) 10 h 00 min - Septembre 26 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Valeria Cetraro

16, rue Caffarelli 75003 Paris

Calendrier GoogleCal

dim27sep(sep 27)14 h 00 min2021dim31jan(jan 31)18 h 00 minPerceptionsLukas HoffmannLe Point du Jour, centre d’art/éditeur, 107, avenue de Paris 50100 Cherbourg-en-CotentinType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

L’exposition rassemble une quarantaine de photographies, en couleur et en noir & blanc, réalisées entre 2012 et 2018 à New York et dans des villes européennes, notamment à Berlin. Elle présente également une vingtaine de photographies issues d’une résidence de Lukas Hoffmann à Cherbourg en 2019.

À l’exception d’une série d’instantanés de passants dans les rues de Berlin (Strassenbilder, 2018), les oeuvres se présentent plutôt comme des pièces isolées ou constituent des polyptiques, de formats variés. Selon son habitude, Lukas Hoffmann a travaillé presque exclusivement à la chambre et a réalisé lui-même les tirages ainsi que les encadrements.
« Une image qui est “plus” que la reproduction de “quelque chose”, une image par laquelle “quelque chose apparaît”. Cette manière de travailler les images s’applique peu s’en faut à l’ensemble des oeuvres de Lukas Hoffmann au cours de ces cinq dernières années, et qui constituent le coeur de la suite d’expositions présentées en 2019-2020 au Kunsthaus Zoug, au Photoforum Pasquart de Bienne (Suisse) et au Point du Jour à Cherbourg (France). »
Maren Lübbke-Tidow, extrait de « Régions de la dissemblance. Sur les méthodes plastiques du photographe Lukas Hoffmann », dans Lukas Hoffmann, Untitled Overgrowth, Leipzig, Spector Books, 2019.

L’exposition
« Sur les nouvelles photographies de Lukas Hoffmann »
« La naissance des oeuvres de Lukas Hoffmann est paradoxale en soi. Lors de randonnées ou de promenade en vélo à travers des territoires urbains en marge de Berlin ou de New York, l’artiste porte son attention sur des coins et des angles vides de toute présence humaine et d’apparence insignifiante, sur des façades froides, des arrière-cours, des passages, des chantiers, des haies foisonnantes ou des terrains vagues. Plus tard, il retourne sur ces lieux avec sa chambre photographique pour des prises de vues planifiées. Son traitement minutieux de l’à-côté, du provisoire, de l’ordinaire, de ce qui est resté en l’état ou laissé à l’abandon, avec une identité sous-déterminée, se poursuit ensuite lors du processus de tirage qu’il effectue dans sa propre chambre noire, lors des agrandissements réalisés avec soin, et lorsqu’il encadre individuellement les oeuvres rigoureusement sélectionnées. […]
Murs, parois, végétaux, zones d’ombres et de lumières riches en contrastes, pris le plus souvent sans horizon et à une distance moyenne, sont mis en avant en tant que structures de surface et convergent avec la photographie dont la surface étendue présente une gradation de gris. Ainsi, l’extrait apparemment aléatoire, entre abstraction et précision du détail, est à même d’agir avec force dans le carré mis en exergue, la construction architectonique se voit animée comme un dessin ou une peinture, le stable devient mobile, le passager durable, l’étroit étendu. […]
Un simple objet isolé peut même faire parfois l’effet d’un être animé, un petit arbre celui d’un dessin délicat au pinceau, un mur soumis à l’érosion celui d’un tableau expressionniste abstrait en couleur, une branche et un coin de maison celui d’un jardin zen.
Ces représentations d’un ordinaire inaperçu activent en outre des images culturelles intérieures. Sans s’éloigner des faits, on peut y voir plus que l’être concret des objets tels qu’ils sont données. Ce que les mots ne parviennent à exprimer ici que de manière gauche et paradoxale est évident dans le médium des images : un “tout-autant-que” et un “ni-ni” subtilement pesés et flottants.

Les constellations photographiques du visible se révèlent comme des produits de l’entre-deux, à l’intersection et au point de bascule entre la réalité et l’image, tout en ayant une forte présence propre. Elles sont immédiatement présentes dans l’ici et le maintenant, elles montrent l’absence réelle de ce qui fut là-bas, elles évoquent par association des images intérieures du souvenir, et ne sont ni l’un ni l’autre. En faisant l’expérience de ce qui est vu en train de voir, de ce qui est souvenu, imaginé et animé dansces formations d’images que caractérise une temporalité propre, quelque chose d’ouvert-dissimulé se donne à voir : un surcroît possible d’être. »
Matthias Haldemann, extrait de « Sur les nouvelles photographies de Lukas Hoffmann », dans Lukas Hoffmann, Untitled Overgrowth, Leipzig, Spector Books, 2019.

Biographie
Né en 1981 à Zoug (Suisse), Lukas Hoffmann vit et travaille à Berlin.
Il est diplômé de l’École nationale supérieure des beaux-arts de Paris.
Son travail a fait l’objet d’expositions personnelles, notamment à la Kunsthaus Zoug (2019), au Photoforum Pasquart, Bienne (2019), à la galerie Bertrand Grimont, Paris (2019) ou encore au Musée d’art de Lucerne (2011). Il a été également présenté dans des expositions collectives en Suisse ainsi qu’à Paris, Berlin et Munich.
Ses oeuvres figurent, en autres, dans les collections du Centre national des arts plastiques et celles de la Fondation Hermès ou de Neuflize Vie.
Lukas Hoffmann a publié la monographie Untitled Overgrowth chez Spector Books, en 2019. Il est représenté par la galerie Bertrand Grimont (Paris) et la galerie Annex14 (Zurich).

Dates

Septembre 27 (Dimanche) 14 h 00 min - Janvier 31 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Le Point du Jour, centre d’art/éditeur

107, avenue de Paris 50100 Cherbourg-en-Cotentin

Le Point du Jour, centre d’art/éditeur107, avenue de Paris 50100 Cherbourg-en-CotentinOuvert du mercredi au vendredi, de 14h à 18h Samedi et dimanche, de 14h à 19h - Entrée libre

Calendrier GoogleCal

mar15sep(sep 15)10 h 00 minven20nov(nov 20)18 h 30 minL'oeil en scènes, 1887-1939Paul NadarGalerie du Théâtre Jacques Carat, 21 avenue Louis Georgeon 94230 CachanType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

En 1887, Félix Tournachon, dit Nadar se retire dans sa maison de la forêt de Sénart, laissant son fils Paul à la tête du célèbre atelier qu’il a créé au milieu des années 1850. Aux portraits officiels épurés et intimistes de Félix, Paul préfère des scénographies plus complexes, usant d’accessoires et de décors qui identifient le personnage photographié dans son rôle ou sa qualité professionnelle.
Nombreux sont les comédiens et comédiennes qui défilent devant son objectif venant réinterpréter des scènes jouées à l’époque dans les plus grands théâtres parisiens.
À travers les archives de la Médiathèque de l’architecture et du patrimoine (MAP), riche du fonds de négatifs des ateliers Nadar père et fils, cette exposition présente les grandes figures de ce patrimoine théâtral, mais aussi la gestuelle, les costumes et les coulisses des séances de poses.

Avec quinze millions de négatifs, quatre millions de tirages et près d’un million d’images accessibles en ligne, la MAP est un des principaux opérateurs de l’État en matière de conservation des fonds photographiques patrimoniaux.
Créé en 1996 par regroupement de plusieurs services préexistant, cet établissement du ministère de la Culture a pour double-mission de conserver les archives de l’administration des Monuments historiques, au sens large de ce terme, et les collections photographiques du ministère.

Constituées depuis le milieu du XIXe siècle et s’enrichissant continuellement, les collections photographiques de la MAP couvrent aujourd’hui des thématiques très diverses : sites et monuments, beaux-arts, première guerre mondiale, portraits, spectacles et cinéma, voyages et expéditions, œuvres d’auteurs, fonds d’amateurs photographes.
Ce sont en tout plus de cinq cents fonds, parmi lesquels figurent l’atelier Nadar, Jacques-Henri Lartigue, Eugène Atget, André Kertész, Félix Bonfils, Willy Ronis, les frères Séeberger ou le studio Harcourt.

Charles Lamy, dans l’opérette La Belle au bois dormant, théâtre des Bouffes Parisiens, 1900 © Ministère de la Culture, MAP, diff. RMN-GP / Atelier Nadar

Commissariat :
Fatima de Castro et Catherine Plouidy

Dates

Septembre 15 (Mardi) 10 h 00 min - Novembre 20 (Vendredi) 18 h 30 min

Lieu

Galerie du Théâtre Jacques Carat

21 avenue Louis Georgeon 94230 Cachan

Calendrier GoogleCal

sam12sepdim01novDremmwelpar Pierre Vanneste & Nuit Noire ProductionZONE I, Moulin de la Fontaine, 41100 Thoré-la-RochetteType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

DREMMWEL est une « expérience documentaire », un projet artistique transmédia alliant plusieurs disciplines — photo, vidéo et son — et connecté par réalité augmentée à du contenu web, qui offre un regard documenté et poétique sur l’univers de la pêche et ses enjeux environnementaux en Méditerranée et Atlantique Est.
Un portrait des mers ridées par l’activité humaine, découpées par le sillon des embarcations et des filets qui la traversent. Alors qu’en Europe, les pêcheurs voient la mer se vider, mettant en danger leur activité, en Afrique de l’Ouest, cette même raréfaction de la ressource conduit de nombreux pêcheurs sur les voies de l’émigration. Les histoires de ces marins pêcheurs ont été recueillies dans différentes régions du monde afin de conférer narrativement à cette problématique sa nature globale et systémique. Même si tous les experts et pêcheurs ne s’accordent pas sur l’état actuel de la ressource, on ne peut nier que, comme dans beaucoup d’autres domaines, l’impact industriel à grande échelle met en péril l’équilibre écologique des océans.
Ce travail documentaire a été réalisé grâce au soutien à l’écriture trans média de la Fédération Wallonie Bruxelles Image et l’aide au développement du Centre National du Cinéma et de l’image animée (CNC).
Il a été coup de coeur de l’Association National d’Iconographes (ANI) au Festival Visa pour l’image 2019.

Ouvert de 14h à 18h tous les week-ends du 12 septembre au 1er novembre et tous les jours du 19 au 1er novembre (Toussaint).

Dates

Septembre 12 (Samedi) 15 h 00 min - Novembre 1 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

ZONE I

Moulin de la Fontaine, 41100 Thoré-la-Rochette

ZONE IMoulin de la Fontaine, 41100 Thoré-la-RochetteL’exposition sera ouverte tous les week-ends

Calendrier GoogleCal

La Cinémathèque rend hommage à Jacques Becker

RENCONTRES ET CONFÉRENCES

Tags

La Rédaction

La Terra Foundation à Giverny : Interview Katherine Bourguignon, « l’Atelier de la nature »

Carte blanche à Béatrice Tupin : Lisa Rose et Jill Freedman

Carte blanche à Béatrice Tupin : Mélanie-Jane Frey et Marina Cano

Comments

Leave A Comment

Détail de l'événement

Détail de l'événement

Dates

Lieu

Détail de l'événement

Détail de l'événement

Dates

Lieu

Détail de l'événement

Détail de l'événement

Dates

Lieu

Détail de l'événement

Détail de l'événement

Dates

Lieu

Détail de l'événement

Détail de l'événement

Dates

Lieu

La Cinémathèque rend hommage à Jacques Becker

RENCONTRES ET CONFÉRENCES

Tags

La Rédaction

Related

Comments

Leave A Comment

Détail de l'événement

Détail de l'événement

Dates

Détail de l'événement

Détail de l'événement

Dates

Détail de l'événement

Détail de l'événement

Dates

Détail de l'événement

Détail de l'événement

Dates

Détail de l'événement

Détail de l'événement

Dates